Cinco películas de Paul Thomas Anderson que hay que ver (II)

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3. The Master (2012)

La trama: Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman), un intelectual brillante y de fuertes convicciones, crea una organización religiosa que empieza a hacerse popular en Estados Unidos hacia 1952. Freddie Quell (Joaquin Phoenix), un joven vagabundo, se convierte en su mano derecha. Sin embargo, cuando la secta triunfa y consigue atraer a numerosos y fervientes seguidores, a Freddie le surgirán dudas. La tensión entre ambos es el eje de esta pieza psicológica.

Joaquin Phoenix, Philip Seymour Hoffman en The Master (2012)

Comentario: Drama sobre la Iglesia de la Cienciología. La prensa destacó el "duelo actoral de titanes". Es una película densa, visualmente bellísima (filmada en 70mm) y críptica, que requiere de varios visionados para desentrañar todas sus capas. Disponible en Amazon Prime Video y Movistar TV.

4. El hilo fantasma (Phantom Thread, 2017)

La trama: En el Londres de la posguerra, en 1950, el famoso modisto Reynolds Woodcock (Daniel Day-Lewis) y su hermana Cyril (Lesley Manville) están a la cabeza de la moda británica, vistiendo a la realeza y a toda mujer elegante de la época. Un día, el soltero Reynolds conoce a Alma (Vicky Krieps), una dulce joven que pronto se convierte en su musa y amante. Y su vida, hasta entonces cuidadosamente controlada y planificada, se ve alterada por la irrupción del amor. Lo que parece un drama romántico tradicional pronto se transforma en un juego de poder gótico y retorcido.

Vicky Krieps y Daniel Day-Lewis en El hilo invisible (2017)

Comentario: Fue aplaudida por su elegancia y sutileza. Los críticos señalaron que es la película más "madura" de Anderson, donde el diseño de vestuario y la música son tan protagonistas como los diálogos. Disponible en Apple TV+ y Google TV

5. Licorice Pizza (2021)

La trama: En 1970, San Fernando Valley, Los Ángeles. Gary es un adolescente de 15 años que estudia en el instituto de la ciudad, donde conoce a Alana, una joven judía de 25 años que trabaja en un estudio de fotos que se encarga de realizar cada año la orla de los estudiantes del centro. Cuando Gary y Alana se cruzan por primera vez, rápidamente surge una conexión entre ellos que será muy difícil de romper. Mientras tratan de descubrir hacia donde les lleva esta nueva amistad, Gary poco a poco se va enamorando más de ella, pero la diferencia de edad será una barrera que Alana no dejará a un lado. Va pasando el tiempo y Gary y Alana irán formando parte de la vida del otro de alguna manera, desde ser socios de un negocio de camas de agua hasta cómplices de vandalismo. 

Alana Haim y Cooper Hoffman en Licorice Pizza (2021)

Comentario: Una carta de amor a la juventud y a los años 1970. Es, quizás, la película más luminosa y accesible del director. Recibida como una bocanada de aire fresco. La crítica resaltó la química natural de sus protagonistas (ambos debutantes en cine) y la capacidad de Anderson para capturar la nostalgia sin caer en clichés. Disponible en Amazon Prime Video.

“Forrest Gump”, la aventura adulta de un niño grande

¿Qué mejor para comenzar el año que volver a ver uno de los clásicos de la filmografía de Tom Hanks, la genial Forrest Gump? Es una de las mejores películas de todos los tiempos.

Lo justifica más que nunca volver a ver la extraña odisea de este héroe simple y puro. Una adaptación de la novela homónima de 1986 de Winston Groom.

Forrest Gump (1994) fue una película de gran éxito y muy estimada, estrenada en 1994, dirigida por Robert Zemeckis y protagonizada por Tom Hanks en el papel de un hombre de mente sencilla pero influyente que vive importantes acontecimientos de la historia de Estados Unidos. La historia narra la vida de Forrest desde su infancia, abordando la Guerra de Vietnam, el movimiento antibelicista y el auge de Apple Computers, mientras persigue su amor de toda la vida por Jenny. Ganó varios premios Oscar, incluyendo el de mejor película, y se hizo famosa por frases como "La vida es como una caja de bombones". 

Su éxito radicó en la mezcla de humor, drama, ternura y un recorrido por la historia reciente de los Estados Unidos, a pesar de alguna crítica por su manufactura hollywoodense, siendo considerada una comedia popular imprescindible y conmovedora. 

En resumen, Forrest Gump es un clásico que, según la crítica, triunfó por su corazón, su humor y por entrelazar una historia personal con los grandes momentos de la historia americana, convirtiéndose en un fenómeno cultural y comercial. 

¡Feliz Año 2026!

La muerte de Rob Reiner: volvimos a ver "Cuando Harry encontró a Sally..." y no han envejecido ni un día

La vida une a Harry y Sally, y durante años juegan al gato y al ratón. Estrenada en 1989, la película de Rob Reiner se ha convertido en un clásico de culto, y sus temas siguen vigentes hoy en día. Véala de nuevo en Movistar Plus+, Amazon Prime Video, Apple TV, Google Play Películas...

Billy Cristal y Meg Ryan en  Cuando Harry encontró a Sally... (1989)

Por un desafortunado giro del destino, estábamos a punto de ver Cuando Harry encontró a Sally... (When Harry Met Sally...) cuando se supo de la muerte de su director, Rob Reiner, y su esposa, la productora Michele Singer, quienes fueron encontrados en su casa de Los Ángeles el 14 de diciembre. Llevábamos tiempo preguntándonos qué habría sido de este clásico de culto, estrenado en 1989, a principios de la era post-Reagan y en plena crisis del SIDA. Incluso hoy, la comedia romántica del cineasta, admirado por La princesa prometida (1987) y Algunos hombres buenos (1992), sigue reinando entre las películas favoritas de nuestros colegas cuarentones y...

Billy Cristal, Meg Ryan, Carrie Fisher y Bruno Kirby  en  Cuando Harry encontró a Sally... (1989)

La trama: Harry Burns (Billy Cristal) y Sally Albright (Meg Ryan) son dos estudiantes universitarios que se conocen por casualidad, cuando ella se ofrece a llevar Harry en su coche. Durante el viaje hablan sobre la amistad entre personas de diferente sexo y sus opiniones son absolutamente divergentes: mientras que Harry está convencido de que la amistad entre un hombre y una mujer es imposible, Sally cree lo contrario. A pesar de ello, pasan los años y su relación continúa. 

Diez películas, que fueron criticadas ferozmente al estrenarse, son celebradas hoy (V)

9. John Rambo AKA Rambo IV (Rambo, 2008), de Sylvester Stallone 

El ex boina verde John Rambo (Stallone) lleva una solitaria y apacible vida en la jungla del norte de Tailandia, pescando y cazando cobras para venderlas. Todo cambia cuando un grupo de misioneros católicos le proponen que les sirva de guía hasta la frontera con Birmania para suministrar medicinas y alimentos a los refugiados asediados por el ejército birmano, que ha hecho de la tortura y el asesinato una práctica habitual. En estas circunstancias, Rambo no tendrá más remedio que volver a tomar partido.

John Rambo recupera a una saga de mayor calidad, sobre todo en lo referente a la primera entrega. Stallone ha mantenido las señas de identidad de la franquicia del boina verde imbatible, marcada por la violencia extrema, las secuencias de acción exageradamente heroicas que obligan a suspender la credibilidad, y las frases lapidarias, pues de hecho tiene una muy divertida (“vivir por nada o morir por algo”, etc.).

10. Una cuestión de tiempo (About Time, 2013), de Richard Curtis

Tim Lake (Domhnall Gleeson) es un joven de 21 años que descubre que puede viajar en el tiempo. Su padre (Bill Nighy) le cuenta que todos los hombres de la familia han tenido desde siempre ese don, el de regresar en el tiempo a un momento determinado, una y otra vez, hasta conseguir hacer "lo correcto". Así pues, Tim decide volver al pasado para intentar conquistar a Mary (Rachel McAdams), la chica de sus sueños.

Richard Curtis, veterano guionista de Cuatro bodas y un funeral y Notting Hill, debutó como realizador con la excelente Love Actually, pero decepcionó en cierta medida con su segundo trabajo, Radio encubierta. Con esta película recupera la forma como director y guionista en Una cuestión de tiempo, mezcla de drama y comedia, con elementos fantásticos

Hace 100 años: La quimera del oro

El 26 de junio de 1925 se estrenó la película estadounidense La quimera del oro (The Gold Rush), dirigida por Charles Chaplin e interpretada por Charles Chaplin, Mack Swain, Tom Murray, Henry Bergman, Malcolm Waite. Productora: United Artists. Duración: 95 minutos. 

Sinopsis argumental: Chaplin, donde interpreta a un solitario buscador de oro que llega a Alaska en busca de fortuna. Una fuerte tormenta le obliga a refugiarse en la cabaña de un bandido. Contiene uno de sus gags más inolvidables, como la comilona consistente en una bota vieja o la coreografía hecha con los panecillos y los tenedores.

Nominaciones y premios: 2 nominaciones al Oscar: Mejor sonido, banda sonora original de una película dramática.

Comentario: Obra maestra de Chaplin. En 1942, fue reestrenada en versión sonora. Reestreno en cines españoles por su primer centenario, el 26 de junio de 2025. 

Feliz Año Nuevo 2025

¡Todos a los refugios! Siete películas de desastres para volver a ver (II)

Titanic se encuentra con La jungla de cristal: La aventura del Poseidón (The Poseidon Adventure, 1972), de Ronald Neame

Mientras los 1.500 pasajeros del Poseidón, un lujoso trasatlántico que navega de Estados Unidos a Europa, celebran la Nochevieja, estalla una feroz tormenta y una enorme ola transforma el placentero viaje en una catástrofe que puede acabar con la vida de todos los pasajeros. 

En los años 1970 se pusieron de moda las producciones de catástrofes, caracterizadas por una exhibición de suntuosos efectos especiales y un reparto que incluía a grandes estrellas en pequeños papeles. El argumento suele ser muy similar en todas ellas y tras el accidente o desastre meteorológico de turno (hubo desde incendios en El coloso en llamas hasta múltiples accidentes de aviones en las más populares de la época, las cintas de la saga de Aeropuerto), las vidas de un extenso grupo humano se truncan, pues su única preocupación pasa a ser la supervivencia. La aventura del Poseidón es uno de los títulos más representativos y cumple modélicamente todas estas características, tomando como base la novela de Paul Gallico. El choque del barco resulta espectacular, debido a la utilización de maquetas y técnicas muy avanzadas para la época. La lista de actores que interpretan a las víctimas es extensa, e incluye algunos de los nombres más taquilleros de la época, como Gene Hackman o Ernest Borgnine, pero también estrellas del Hollywood clásico como Shelley Winters o Leslie Nielsen. Un John Williams en sus primeros años de carrera es el autor de la música, un excelente presagio de que el autor de las bandas sonoras de La guerra de las galaxias, En busca del arca perdida y E.T., el extraterrestrese convertiría poco a poco en el más reputado compositor de música de cine de su generación. El éxito de esta película propició que se hiciese una secuela, Más allá del Poseidón, que, aun siendo entretenida, no alcanza la excelencia de la primera parte.

Diez clásicos para aprender sobre cine (VI)

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6. Ciudadano Kane (Citizen Kane, 1941), de Orson Welles

Un importante magnate estadounidense, Charles Foster Kane, dueño de una importante cadena de periódicos, de una red de emisoras, de dos sindicatos y de una inimaginable colección de obras de arte, muere en Xanadú, su fabuloso castillo de estilo oriental. La última palabra que pronuncia antes de expirar, ”Rosebud”, cuyo significado es un enigma, despierta una enorme curiosidad tanto en la prensa como entre la población. Así, un grupo de periodistas emprende una investigación para desentrañar el misterio.

Orson Welles en Ciudadano Kane (1941)

La historia examina la vida y el legado de Charles Foster Kane, un personaje interpretado por Welles y basado en el magnate de la prensa William Randolph Hearst, así como en el propio Orson Welles.​ Durante su estreno, Hearst prohibió mencionar la película en sus periódicos. La carrera de Kane en la industria editorial nace del idealismo y del servicio social, pero evoluciona gradualmente en una implacable búsqueda de poder. Narrada principalmente a través de flashbacks, la historia se cuenta a través de la investigación de un periodista que quiere conocer el significado de la última palabra que dijo el magnate antes de morir, Rosebud.

Está considerada como una de las obras maestras más grandes de toda la historia del cine, siendo particularmente alabada por su innovación en la música, la fotografía y la estructura narrativa. Una producción recibida con tibieza y que fue creciendo hasta ser considerada, durante décadas, la mejor película de la Historia. Este biopic fue la ópera prima de Orson Welles, ganó un Oscar al mejor guion original para Herman J. Mankiewicz y el propio Welles. También estuvo entre las candidatas al Óscar en otras ocho categorías: mejor película, mejor director, mejor actor principal, mejor dirección artística, mejor fotografía, mejor banda sonora, mejor sonido y mejor montaje.

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Diez años después, llegó el momento… de rehabilitarse: Una cuestión de tiempo

Una cuestión de tiempo (About Time, 2013), una comedia romántica de Richard Curtis rechazada por algunos críticos. ¿Y si no fuera ni una comedia romántica, ni una mala película?

Bajo su apariencia de comedia romántica, Una cuestión de tiempo es una comedia dramática bonita y bien escrita sobre la existencia

Que a Richard Curtis, gran hombre de la comedia inglesa teñida de rosa (y siempre más guionista que director), le falta imaginación, en opinión de algunos, que así sea. Pero esto también concierne al encantador Tim Lake, que puede revivir su pasado cerrando los ojos (como su padre antes que él)... ¡no! Fue hace poco más de diez años, y a diferencia de otros del mismo autor, este largometraje ha envejecido muy bien. 

Rachel McAdams y Domhnall Gleeson en Una cuestión de tiempo (2013)

Tim Lake (Domhnall Gleeson) es un joven de 21 años que descubre que puede viajar en el tiempo. Su padre (Bill Nighy) le cuenta que todos los hombres de la familia han tenido desde siempre ese don, el de regresar en el tiempo a un momento determinado, una y otra vez, hasta conseguir hacer "lo correcto". Así pues, Tim decide volver al pasado para intentar conquistar a Mary (Rachel McAdams), la chica de sus sueños.

Cumplió 25 años: 200 cigarrillos

El 26 de febrero de 1999 se estrenó la película estadounidense 200 cigarrillos (200 Cigarettes), dirigida por Risa Bramon Garcia e interpretada por Ben Affleck, Christina Ricci, Janeane Garofalo, Kate Hudson, Courtney Love, Casey Affleck, Guillermo Díaz, Angela Featherstone, Gaby Hoffmann, Catherine Kellner, Paul Rudd, Martha Plimpton, Brian McCardie, Nicole Ari Parker, Jay Mohr, David Johansen. Productora: Lakeshore Entertainment, MTV Films. Duración: 101 minutos. 

Sinopsis argumental: Es la víspera de Año Nuevo de 1981, y la joven Monica (Martha Plimpton) ha organizado una fiesta para todos sus amigos. Sin embargo, cuando solo se presenta su amiga Hillary (Catherine Kellner) empieza a agobiarse pensando que nadie más va a acudir, dándole plantón. Sin embargo, nada más lejos de la realidad. Otros jóvenes están en ese momento preparándose o saliendo de sus casas para ir a la fiesta. Pero el destino es caprichoso, y harán que se entretengan por distintos motivos. Por ejemplo Val (Christina Ricci) y Stephie (Gaby Hoffmann) se pierden en la ciudad y acaban llegando a un club. Cindy (Kate Hudson) intenta escapar de una cena horrible que está teniendo con el paranoico Jack (Jay Mohr), pero es imposible. Y Lucy (Courtney Love) y su mejor amigo Kevin (Paul Rudd) intentan ir juntos para la tensión sexual entre ellos les pone en más de un aprieto.

Comentario: Película que explora en el desconcierto vital de la juventud. El reparto es excelente, hay buena música, y algunos de los temas planteados presentan un innegable interés. La directora explica que “deseaba hacer una comedia romántica fuera de onda, que explorase las relaciones en sus momentos más elevados y desesperados”.

Felicitación Año Nuevo,

¡Feliz Año Nuevo 2024!

Clásicos de cine: Tú y yo

Tú y yo (Love Affair, 1939), de Leo McCarey

Co-escrita y dirigida por Leo McCarey, narra la historia de una pareja –ambos con compromisos amorosos– que se conoce durante un viaje en barco y quedan en encontrarse en el edificio Empire State Building seis meses después. La película fue escrita especialmente para Charles Boyer e Irene Dunne. Un elemento importante de la trama es cuando visitan a la abuela del personaje de Boyer, interpretada por la legendaria actriz rusa (y maestra de actores) Maria Ouspenskaya.

Irene Dunne y Charles Boyer en Tú y yo (1939)

Casi 20 años después, McCarey decidió encarar una remake. Esta vez se llamó Tú y yo (An Affair to Remember, 1957), uno de los clásicos románticos de todos los tiempos. Los protagonistas fueron Cary Grant, Deborah Kerr y Cathleen Nesbitt. Obtuvo cuatro nominaciones al Oscar: mejor fotografía, música, canción, vestuario. 

Cary Grant y Deborah Kerr en Tú y yo (1957)

Finalmente, en 1994 llegó la última versión, Un asunto de amor (Love Affair), dirigida por Glenn Gordon Caron. Los protagonistas fueron Warren Beatty y Annette Bening, acompañados por la gran Katharine Hepburn, en su última actuación para el cine, y Pierce Brosnan. La ausencia de nominaciones al Oscar refleja la mala recepción que tuvo la cinta.

Annette Bening y Warren Beatty en Un asunto de amor (1994)

Muchísima más suerte tuvo el año anterior Algo para recordar (Sleepless in Seattle, 1993). No se trata de un remake propiamente dicho, pero hay coincidencias en la trama con la del película de 1957. Esa segunda versión constituye una clarísima inspiración para la directora y guionista Nora Ephron, que logró un encantador homenaje de la mano de una pareja imbatible por su carisma y química: Tom Hanks y Meg Ryan, obteniendo dos nominaciones al Oscar, mejor guión original y mejor canción original, así como tres nominaciones a los Globos de Oro: mejor película comedia, mejor actor y mejor actriz. 

 Meg Ryan, Ross Malinger y Tom Hanks en Algo para recordar (1993)

Efemérides de cine: Una dama y un bribón

El 13 de abril de 1973 se estrenó la película francesa Una dama y un bribón (La bonne année), dirigida por Claude Lelouch e interpretada por Lino Ventura, Françoise Fabian, Charles Gérard, André Falcon, Mireille Mathieu, Lilo, Claude Mann, Frédéric de Pasquale. Productora: Coproducción Francia-Italia; Les Films 13. Duración: 90 minutos. 

Sinopsis argumental: Un permiso especial de año nuevo permite a Simon salir de la prisión por una noche. Han pasado seis años desde su captura y está deseando regresar a su apartamento y encontrarse con su novia. Sin decirle nada, queriendo darle una sorpresa, llega al hogar y comprueba que el sorprendido es él, pues, sin llegar a ser detectado, observa que su novia vive ahora con otro hombre. Decepcionado, decide marcharse. ¿Es esa la compensación que le espera por todos los sacrificios? Él siempre ha sido un hombre meticuloso y astuto. Cada golpe es planeado al detalle y su dedicación al objetivo es total. Bueno, no siempre. Cuando su colega Charlot y él viajan a Cannes para robar una famosa joyería, no puede evitar fijarse en la dependienta de la tienda de antigüedades de al lado y tomarse ese plan como si de un juego se tratara. 

Nominaciones y premios: Premios BAFTA: Nominada a mejor música;  Festival de San Sebastián: Mejor actor (Lino Ventura) y Mejor actriz (Françoise Fabian).

Comentario: Claude Lelouch, un realizador cuyo primer gran éxito lo consiguió con Un hombre y una mujer (ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cannes y el Oscar a la mejor película extranjera), volvió a dar en la diana comercial en 1972 con La aventura es la aventura, una historia sobre la amistad entre cinco bribones. Un año más tarde, decidió coger a dos de sus personajes (Charlot y Lino) y dedicarles una película que iba un poco más lejos y también hablaba sobre el amor. Para ello, volvió a confiar los roles a Lino Ventura y Charles Gérard, aunque en esta ocasión se verían acompañados de la bella Françoise Fabian. Como curiosidad, Una dama y un bribón -una cinta que entusiasmó a Stanley Kubrick- se financió gracias a la publicidad, particularmente de marcas como Van Cleef & Arpels. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Año Nuevo 2023

 Feliz Año

Efemérides de cine: La aventura del Poseidón

El 12 de diciembre de 1972 se estrenó la película estadounidense La aventura del Poseidón (The Poseidon Adventure), dirigida por Ronald Neame e interpretada por Gene Hackman, Ernest Borgnine, Red Buttons, Carol Lynley, Leslie Nielsen, Shelley Winters, Roddy McDowall, Stella Stevens, Jack Albertson, Pamela Sue Martin, Arthur O'Connell, Eric Shea, Fred Sadoff, Sheila Allen, Jan Arvan, Byron Webster, John Crawford, Bob Hastings, Erik Nelson, Charles Bateman. Productora: 20th Century Fox. Duración: 117 minutos. 

Sinopsis argumental: Mientras los 1.500 pasajeros del Poseidón, un lujoso trasatlántico que navega de Estados Unidos a Europa, celebran la Nochevieja, estalla una feroz tormenta y una enorme ola transforma el placentero viaje en una catástrofe que puede acabar con la vida de todos los pasajeros.

Nominaciones y premios: Oscar: Mejor canción. Mejores efectos visuales (Premio especial) 8 nominaciones; Globos de Oro: Mejor actriz de reparto (Shelley Winters). 4 nominaciones; Premios BAFTA: Mejor actor (Hackman). Nominada mejor actriz secundaria (Winters).

Comentario: En los años 1970 se pusieron de moda las producciones de catástrofes, caracterizadas por una exhibición de suntuosos efectos especiales y un reparto que incluía a grandes estrellas en pequeños papeles. El argumento suele ser muy similar en todas ellas y tras el accidente o desastre meteorológico de turno (hubo desde incendios en El coloso en llamas hasta múltiples accidentes de aviones en las más populares de la época, las cintas de la saga de Aeropuerto), las vidas de un extenso grupo humano se truncan, pues su única preocupación pasa a ser la supervivencia. La aventura del Poseidón es uno de los títulos más representativos y cumple modélicamente todas estas características, tomando como base la novela de Paul Gallico. El choque del barco resulta espectacular, debido a la utilización de maquetas y técnicas muy avanzadas para la época. La lista de actores que interpretan a las víctimas es extensa, e incluye algunos de los nombres más taquilleros de la época, como Gene Hackman o Ernest Borgnine, pero también estrellas del Hollywood clásico como Shelley Winters o Leslie Nielsen. Un John Williams en sus primeros años de carrera es el autor de la música, un excelente presagio de que el autor de las bandas sonoras de La guerra de las galaxias, En busca del arca perdida y E.T., el extraterrestre se convertiría poco a poco en el más reputado compositor de música de cine de su generación. El éxito de esta película propició que se hiciese una secuela, Más allá del Poseidón, que, aun siendo entretenida, no alcanza la excelencia de la primera parte. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Cumplió 25 años: La caja china

El 4 de septiembre de 1997 se estrenó la película estadounidense La caja china (Chinese Box), dirigida por Wayne Wang e interpretada por Jeremy Irons, Gong Li, Maggie Cheung, Ricky Hui, Rubén Blades, Jared Harris, Josie Ho, Ralph Lister, François Chau, Ken Bennett, Winston Ellis. Productora: Coproducción Estados Unidos-Francia-Japón; WW Productions, NDF International, Pony Canyon, Canal+. Duración: 110 minutos.

Sinopsis argumental: Hong Kong, Nochevieja de 1996. En la colonia británica, donde se entremezclan como en ningún otro lugar del mundo, comunismo y capitalismo, tradición y modernidad, se celebra la entrada de un año histórico: el que pondrá fin al colonialismo inglés. John (Jeremy Irons), un periodista británico, especializado en finanzas, que vive en Hong Kong desde hace quince años, está enamorado de Vivian (Gong Li), una antigua prostituta que vive con Chang (Michael Hui), un hombre de negocios que no se casa con ella por su pasado. John recibe la noticia de que tiene leucemia y de que sólo le quedan unos meses de vida, más o menos lo que falta para que Hong-Kong vuelva a estar bajo soberanía china. 

Nominaciones y premios: Festival de Venecia: Mejor música; nominado al León de Oro.

Comentario: Lu historia estuvo parcialmente basada en la novela de Paul Theroux Kowloon Tong. La película fue rodada en Hong Kong en la época de la transferencia de la soberanía a la República Popular de China llevada a cabo el 30 de junio de 1997.

Two Lovers: cinco referencias a Hitchcock, inesperadas en una melodrama

Después de tres thrillers, James Gray hizo una película romántica en 2008. Pero, no podemos olvidarlo, el cineasta estadounidense lo rodó como un gran thriller, bajo la sombra de Alfred Hitchcock. La demostración en cinco puntos.

La rubia y la morena

Un hombre duda entre una rubia y una morena: la trama de Two Lovers es muy simple, tan antiguo como el cine. Si el color del cabello, en la historia del séptimo arte, no siempre ha tenido la misma connotación. James Grey se sitúa menos del lado de Murnau (en L'Aurore, la rubia encarna la seguridad y la morena del peligro), que del de Hitchcock. La rubia Michelle (Gwyneth Paltrow) es una escurridiza "vecina" que no envía las mismas promesas que la morena Sandra (Vinessa Shaw), cariñosa y atenta desde el primer beso.

Vértigo en el tejado

Como James Stewart en Vértigo (De entre los muertos), en España, Leonard (Joaquin Phoenix) no ve a Michelle como es, la proyecta como una fantasía. James Gray mostró la obra maestra de Hitchcock a sus actores. Cuando en la azotea del edificio Gwyneth Paltrow mira a cámara, es un homenaje a Kim Novak en dicha película.

El ojo vecino de La ventana indiscreta

Desde la ventana de su dormitorio, Leonard puede ver la de Michelle. A diferencia de La ventana indiscreta, esta vez no hay ningún asesinato que ver, y apenas se habla de voyeurismo: los dos personajes se miran y se comunican. Pero como Jeff (James Stewart) en la obra de Hitchcock, Leonard es un fotógrafo aprisionado en un apartamento. Por encima de todo, Two Lovers es también una película sobre la mirada. Leonard es espiado por su madre, escudriñado por su futuro padrastro, obsesionado por el retrato de la mujer que lo dejó (volvemos a Vértigo…).

Un halo de misterio

Es un lugar común llamar a Hitchcock "el maestro del suspense"; podría llegar a ser así designar a James Gray de esta manera. Es raro que una drama sea tan fascinante. Joaquin Phoenix tiene algo que ver, dándole a su personaje un poco de emocionante misterio. La fotografía tenebrosa de Joaquín Baca-Asay ayuda, encajando a la perfección con los otros thrillers de James Grey (ya se había ocupado el director de fotografía de La noche es nuestra (We Own the Night., 2007). Y luego está la forma en que el cineasta orquesta la bipolaridad de Leonard, delicadamente con la presión que pesa sobre sus hombros. El desarrollo de su futuro suegro, justo antes del compromiso, se parece mucho al de un líder de pandilla (ciertamente más cercano a un mafioso de New Hollywood que a un gángster hitchcockiano).

Un corte revelador

James Gray le gusta el siglo XIX:  siempre hay ópera aquí y allá, adapta un cuento de Dostoievski (Noches  blancas) en Two Lovers, y concluye su película con un préstamo de La education sentimental, de Flaubert. Pero este desenlace está cortado de una forma que a Hitchcock le hubiera gustado, con dos primeros planos de objetos caídos al suelo que cuentan, mejor que cualquier diálogo, lo que pasa por la cabeza del personaje. O cómo adentrarse en el alma de los hombres con una cámara.

Navidad 2021 y Año 2022

 

                                Feliz Navidad 
                                           y
                                un prospero 

                                   Año 2022

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CXXV)

La semilla del diablo (Rosemary's Baby, 1968), de Roman Polanski 

Los Woodhouse, un matrimonio neoyorquino, se mudan a un edificio situado frente a Central Park, sobre el cual, según un amigo, pesa una maldición. Una vez instalados, se hacen amigos de Minnie y Roman Castevet, unos vecinos que los colman de atenciones. Ante la perspectiva de un buen futuro, los Woodhouse deciden tener un hijo; pero, cuando Rosemary se queda embarazada, lo único que recuerda es haber hecho el amor con una extraña criatura que le ha dejado el cuerpo lleno de marcas. Con el paso del tiempo, Rosemary empieza a sospechar que su embarazo no es normal. Basada en el best seller del escritor Ira Levin, se trata de una de las mejores películas de terror sobrenatural de todos los tiempos, con un gran éxito de crítica y de taquilla que sirvió de inspiración posteriormente para otras películas del género. Obtuvo un Oscar a la mejor actriz de reparto (Ruth Gordon), y Polanski obtuvo una candidatura al Oscar en la categoría de mejor guion adaptado.​ Aparece en el puesto n.º 9 en el listado AFI's 100 años... 100 películas de suspense.​ En 2014, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.