Volvimos a ver “Jennifer 8”, con Uma Thurman y Andy Garcia, y el encanto de película de asesinos sigue siendo tan oscuro como siempre

Jennifer 8 (1992), dirigida por Bruce Robinson con Andy Garcia, Uma Thurman, Lance Henriksen, Graham Beckel, Kathy Baker, Kevin Conway, John Malkovich, Perry Lang, Bob Gunton, Michael O'Neill, Nicholas Love, Paul Bates. Más de treinta años después de su estreno en cines, este thriller de atmósfera inquietante de Bruce Robinson sigue conmoviendo por su humanismo. 

Sinopsis: John Berlin, un policía de homicidios de Los Ángeles, se traslada a San Diego para investigar un caso de asesinato múltiple. El único testigo es una chica ciega por la cual se siente inmediatamente atraído. El poco crédito que sus colegas dan al testimonio de una invidente complicarán la investigación. Y, mientras tanto, el asesino sigue suelto.

¿Qué recordábamos de esta Jennifer 8,  desenterrada de las profundidades de los thrillers criminales de los años 1990? Su atmósfera nocturna y lúgubre, el carisma de Andy Garcia como un policía cansado pero obsesivo, y Uma Thurman, encantadora como una joven ciega, objetivo de un asesino en serie. ¿El culpable? Ni idea, más de treinta años después de verla en cines. Sin embargo, hay un punto en el que nuestra memoria no nos ha fallado: esta película de asesinos en serie, sombría y extrañamente sentimental, aún cautiva con su oscuro encanto, y esa maldita nostalgia hace el resto, con la ayuda del talentoso director de fotografía Conrad Hall, quien sobreexpone la oscuridad, provocando sudores fríos y escalofríos.

“Ulysse”: Laetitia Masson nos ofrece un conmovedor retrato sobre la discapacidad

Ulysse (2026), de Laetitia Masson con  Élodie Bouchez, Alphonse Roberts, Stanislas Merhar, Romane Bohringer.

Sinopsis: Alice, investigadora de sociología, y Volodymyr, pianista, van a tener un hijo. Le llamarán Ulises. Pero Ulises, con un año, no encaja en las tablas de crecimiento. Demasiado pequeño, demasiado delgado y aún no camina. El veredicto llega: Ulises no será como los demás. ¿Pero cómo será? A partir de esta situación familiar, Ulysse narra el camino de un niño cuyo desarrollo no se ajusta a las normas esperadas. La historia también sigue la determinación de Alice, que acompaña a su hijo en su aprendizaje y busca permitirle existir de otra manera, más allá de la mirada médica o social que se tiene sobre él.

Una madre lucha por la integración social de su hijo discapacitado. Élodie Bouchez resulta convincente en su papel de madre amorosa y decidida. El verdadero éxito de la película reside en su capacidad para consolidarse, más allá de la conmovedora historia de iniciación y el retrato de una madre valiente, como una aventura contemporánea, magnificada por el amor parental. Una aventura a menudo enredada en el laberinto burocrático de formularios, pero donde la gracia y la alegría también desempeñan un papel importante. Uno piensa en la sonrisa y el humor de Ulises.

Retrospectiva: El árbol del ahorcado

En 1959, Delmer Daves dirigió El árbol del ahorcado (The Hanging Tree), un western psicológico. La pareja protagonista  la forman Gary Cooper y Maria Schell, a los que acompañan Karl Malden, George C. Scott, Karl Swenson, Virginia Gregg, John Dierkes, King Donovan, Ben Piazza.

La trama: En la época de la fiebre del oro, a un poblado minero de Montana llega Joe Frail (Gary Cooper), un extraño y contradictorio médico sobre el que parece pesar un oscuro pasado. Tras el asalto de unos bandoleros a la diligencia, la única superviviente resulta ser una inmigrante suiza (Maria Schell) que, a causa de una insolación, se queda ciega. De cuidarla hasta que recupera la vista se ocupará Frail.

Noveno y último western de Delmer Daves. Escrito por Wendell Mayes y Halsted Welles, adapta el relato breve The Hanging Tree (1957), de Dorothy M. Johnson. El film suma drama, romance y western. Focaliza la atención en un personaje infrecuente e insólito, un médico convertido en héroe y protagonista de un relato de frontera. Intensamente dramático, se enmarca en un contexto social de penurias, apremios, ambiciones, codicia, inseguridad y desesperación. La colonia de buscadores de oro forma una sociedad sin pasado, sin ley y sin servicios esenciales. En ella impera la violencia, el individualismo y la caprichosa voluntad del más fuerte. Los conflictos se resuelven con los puños, las pistolas o la horca. Destaca la música de Max Steiner y el fantástico clímax final.

“Forrest Gump”, la aventura adulta de un niño grande

¿Qué mejor para comenzar el año que volver a ver uno de los clásicos de la filmografía de Tom Hanks, la genial Forrest Gump? Es una de las mejores películas de todos los tiempos.

Lo justifica más que nunca volver a ver la extraña odisea de este héroe simple y puro. Una adaptación de la novela homónima de 1986 de Winston Groom.

Forrest Gump (1994) fue una película de gran éxito y muy estimada, estrenada en 1994, dirigida por Robert Zemeckis y protagonizada por Tom Hanks en el papel de un hombre de mente sencilla pero influyente que vive importantes acontecimientos de la historia de Estados Unidos. La historia narra la vida de Forrest desde su infancia, abordando la Guerra de Vietnam, el movimiento antibelicista y el auge de Apple Computers, mientras persigue su amor de toda la vida por Jenny. Ganó varios premios Oscar, incluyendo el de mejor película, y se hizo famosa por frases como "La vida es como una caja de bombones". 

Su éxito radicó en la mezcla de humor, drama, ternura y un recorrido por la historia reciente de los Estados Unidos, a pesar de alguna crítica por su manufactura hollywoodense, siendo considerada una comedia popular imprescindible y conmovedora. 

En resumen, Forrest Gump es un clásico que, según la crítica, triunfó por su corazón, su humor y por entrelazar una historia personal con los grandes momentos de la historia americana, convirtiéndose en un fenómeno cultural y comercial. 

Efemérides de cine: Alguien voló sobre el nido del cuco

El 19 de noviembre de 1975 se estrenó la película estadounidense Alguien voló sobre el nido del cuco (One Flew Over the Cuckoo's Nest), dirigida por Milos Forman e interpretada por Jack Nicholson, Louise Fletcher, Danny DeVito, William Redfield, Peter Brocco, Will Sampson, Sydney Lassick, Dean R. Brooks, Scatman Crothers, Christopher Lloyd, Vincent Schiavelli, Mwako Cumbuka, Louisa Moritz, Brad Dourif.  Productora: United Artists, Fantasy Film. Duración: 133 minutos. 

Sinopsis argumental: Randle McMurphy (Jack Nicholson), un hombre condenado por asalto, y un espíritu libre que vive contracorriente, es recluido en un hospital psiquiátrico. La inflexible disciplina del centro acentúa su contagiosa tendencia al desorden, que acabará desencadenando una guerra entre los pacientes y el personal de la clínica con la fría y severa enfermera Ratched (Louise Fletcher) a la cabeza. La suerte de cada paciente del pabellón está en juego. 

Nominaciones y premios: 5 Oscars: Película, director, actor (Nicholson), actriz (Fletcher), guión adaptado; 5 Globos de Oro: Película, director, actor (Nicholson), actriz (Fletcher), guión; Premios BAFTA: 6 Premios incluyendo mejor película, director y actor. 10 nominaciones; Premios César: Nominada a mejor película extranjera; Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actor (Nicholson). 2 nominaciones; Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor película. 

Comentario: Está basada en el famoso best-seller de uno de los integrantes de la generación 'beat' estadounidense, Ken Kesey. Milos forman hizo con maestría esta brillante adaptación, producida por Michael Douglas. Una película de enorme éxito, tanto por su contenido, como por su carácter contracultural y anti-sistema. Sobre el espléndido reparto, destaca un portentoso Jack Nicholson, que ganó el Oscar al mejor actor. Tiene algunas escenas magníficas, espeluznantes y llenas de tensión. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Una ventana al cielo

El 9 de mayo de 1975 se estrenó la película estadounidense Una ventana al cielo (The Other Side of the Mountain), dirigida por Larry Peerce e interpretada por Marilyn Hassett, Beau Bridges, Belinda Montgomery, Nan Martin, William Bryant, Dabney Coleman, Bill Vint, Hampton Fancher, William Roerick, Dori Brenner, Walter Brooke, Jocelyn Jones, Greg Mabrey, Tony Becker, Griffin Dunne, Warren Miller, Robin Pepper, Brad Savage, Productora: Filmways Pictures. Duración: 103 minutos. 

Sinopsis argumental: La joven campeona de esquí Jill Kinmont queda paralizada tras un trágico accidente de esquí. Su mejor amiga corre la misma suerte tras contraer la polio. Poco a poco, Jill debe rehacer su vida con la ayuda de las personas cercanas a ella.

Nominaciones y premios: Nominada al Oscar: Mejor canción; Globos de Oro: Nueva promesa femenina (Hassett). 4 nominaciones. 

Comentario: La historia real de la esquiadora olímpica Jill Kinmont, confinada en una silla de ruedas tras un grave accidente. La película explora temas de superación, amor y la lucha incansable por alcanzar los sueños a pesar de las adversidades. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Tommy

El 19 de marzo de 1975 se estreno la película británica Tommy, dirigida por Ken Russell e interpretada por Oliver Reed, Roger Daltrey, Ann-Margret, Elton John, Eric Clapton, Keith Moon, Jack Nicholson, Tina Turner. Productora: Robert Stigwood Organization (RSO), Hemdale. Duración: 111 minutos. 

Sinopsis argumental: Un niño queda ciego, sordo y mudo como consecuencia del trauma sufrido al contemplar el asesinato de su padre a manos del amante de su madre. Con el paso del tiempo se convierte en estrella mundial del pinball. 

Nominaciones y premios: 2 nominaciones al Oscar: Mejor actriz (Ann-Margret) y canción de banda sonora; Globos de Oro: Mejor actriz musical/comedia (Ann-Margret). 3 nominaciones. 

Comentario: Tommy es la adaptación cinematográfica de la ópera rock homónima de The Who. La elección original para interpretar a La reina del ácido (Tina Turner) fue David Bowie. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

“Mon Inséparable”, de Anne-Sophie Bailly, una delicada “película de Calamy”

Mona vive con su hijo adulto, Joël, en un pequeño apartamento en los suburbios de París. Joël tiene treinta y pocos años y es 'lento', como suele decirse. Trabaja en un centro especializado. Está apasionadamente enamorado de su compañera de trabajo Océane, también discapacitada. Mona, sin embargo, no sabe nada de su relación. Cuando Océane se queda embarazada, hay que tomar una decisión y el vínculo simbiótico entre madre e hijo se tambalea. Una película discreta de una joven cineasta.

Cerca de A tiempo completo (À plein temps, 2021), de Éric Gravel; Les Cyclades (2022), de Marc Fitoussi o Iris (Iris et les hommes, 2024), de Caroline Vignal, ¿otra “película de Laure Calamy”, con una heroína abrumada por su trabajo, sus hijos o su libido? Sobre el papel, efectivamente había motivos para estar asustados. Madre separada y unida de un hijo “diferente” de treinta años, Mona (Laure Calamy, por tanto) ve su mundo tambalearse cuando se entera de que su querido hijo ha embarazado a su amiga Océane, que sufre, como él, una discapacidad intelectual. Milagrosamente, se evita el melodrama estrictamente compasivo que parecía.

Efemérides de cine: Perfume de mujer

El 20 de diciembre de 1974 se estrenó la película italiana Perfume de mujer (Profumo di donna), dirigida por Dino Risi e interpretada por Vittorio Gassman, Alessandro Momo, Agostina Belli, Moira Orfei, Franco Ricci, Elena Veronese, Lorenzo Piani, Stefania Spugnini, Carla Mancini, Torindo Bernardi, Marisa Volonnino, Alvaro Vitali. Productora: Dean Film. Duración: 103 minutos. 

Sinopsis argumental: A un joven cadete de la Armada se le ha encomendado la tarea de servir de acompañante a un irascible capitán ciego durante un fin de semana de viaje entre Turín y Nápoles. Del capitán, un hombre bebedor y mujeriego, recibirá el muchacho ciertas lecciones que no podrá olvidar.

Nominaciones y premios: Oscar: 2 nominaciones a mejor película de habla no inglesa y guión adaptado; Festival de Cannes: Mejor actor (Vittorio Gassman); Premios César: Mejor película Extranjera; Premios David di Donatello: Mejor director y mejor actor (Vittorio Gassman).

Comentario: Aclamada tragicomedia que obtuvo un gran éxito de público. El guion adapta la novela Il buio e il miele (La oscuridad y la miel) de Giovanni Arpino. En 1992 Hollywood hizo un exitoso remake con Esencia de mujer (Scent of a Woman), protagonizada por Al Pacino. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Armisticio del 11 de noviembre: diez películas conmovedoras sobre Primera Guerra Mundial (I)

El 11 de noviembre de 1918, a las 5:20 de la mañana, en un vagón de tren en el bosque de Compiègne (noreste de Francia) representantes del Imperio alemán se rinden ante los Aliados. El Armisticio de Compiègne entró en vigor a las 11:00 del día 11 del mes 11. Terminó así la Primera Guerra Mundial. 

Y recordamos el Armisticio que puso fin a los combates de la Primera Guerra Mundial en 1918. La oportunidad de sumergirnos en este fragmento de la historia con películas que exploran la Gran Guerra.

Inmediatamente después de la guerra o incluso hoy en día, muchas películas se centran en la Primera Guerra Mundial. De Stanley Kubrick a Bertrand Tavernier, imágenes impactantes y desgarradoras: las trincheras, la barbarie, la vida de los infantes, los rostros destrozados, la batalla del Marne... Para recordar del 14 al 18, entre los horrores de la guerra, acusación por la paz y El deber de la memoria, hemos seleccionado diez películas actualmente disponibles en las plataformas.

1. Novela por entregas: Nos vemos allá arriba (Au revoir là-haut, 2017), de Albert Dupontel

La Primera Guerra Mundial ha terminado. Albert Maillard y Edouard Péricourt, compañeros de armas del ejército francés, han sobrevivido. Pero a un alto coste en el caso del segundo, con la boca completamente destrozada, y la capacidad de habla notablemente mermada. Para un artista ilustrador como él de gusto exquisito, es una tragedia. Distanciado además de su familia de clase alta, especialmente de su padre Marcel, intercambia su identidad con la de un caído para simular su muerte y se oculta en un desván, con la complicidad de Albert. Éste, contable, tiene dificultades para volver a trabajar en lo suyo, y tiene que conformarse con modestos oficios, como el de hombre-anuncio. Finalmente, los dos amigos, con la complicidad de una jovencita huérfana, arman una estafa en torno al diseño de supuestos monumentos patrióticos para honrar a los muertos por la patria. Y entretanto, el sádico oficial que les hizo la vida imposible en las trincheras, el teniente Henri d'Aulnay-Pradelle, va a cruzarse inesperadamente con ellos. Adaptación de la novela homónima de Pierre Lemaitre, ganadora del prestigioso Premio Goncourt en 2013. Posteriormente fue adaptada al cómic, lo que puede haber influido en la soberbia concepción visual de la película, desde las escenas bélicas del arranque, con un perfecto diseño de las trincheras, al París de los años 1920, los dibujos y máscaras del protagonista, la cuidada concepción de los planos... Dirige, firma el guión y coprotagoniza Albert Dupontel, quien ya dio muestras de habilidad tras la cámara en filmes como 9 meses... ¡de condena!.

2. Bienvenidos al infierno: 1917 (2019), de Sam Mendes

Primera Guerra Mundial, conocida en su momento como la Gran Guerra. En el frente occidental, el general británico Erinmore (Colin Firth) encomienda a los cabos Schofield (George MacKay) y Blake (Dean-Charles Chapman), dos jóvenes soldados británicos, una misión estrictamente imposible. Deberán entregar un mensaje urgente y decisivo al coronel MacKenzie (Benedict Cumberbatch). Para realizar esta misión deberán abandonar la trinchera a plena luz del día y avanzar por el campo francés ocupado por los alemanes. Sin respiro, en una carrera a contrarreloj, los dos soldados atravesarán angostas trincheras, alambradas y campo a través en un entorno de muerte y destrucción, rodeado de cadáveres de hombres y animales. Solo disponen de unas pocas horas para cumplir su cometido y evitar a toda costa un violento ataque. Si no llegan a tiempo, 1.600 soldados perderán la vida, entre ellos el hermano de uno de los dos jóvenes soldados. Filmada en un largo plano secuencia, la sorprendente odisea de dos soldados de la Gran Guerra, por el particularmente inspirado director de Skyfall. Y ésta es la caída en un caos largo y abrumador. En su octavo largometraje como realizador, Sam Mendes parece haber rodado la antítesis de su anterior incursión en la temática bélica. Si Jarhead, el infierno espera, de 2005, retrataba sobre todo a soldados descerebrados, que sólo pensaban en obscenidades y manifestaban poco apego a sus lazos familiares, aquí se recurre a dos protagonistas honrados, y afectuosos, que se convierten en auténticos héroes, pese a que hacer lo correcto a veces vaya en su contra. Como consecuencia, su mensaje en contra de las guerras resulta más sólido, unos jóvenes de buen corazón como sus personajes no merecen estar viviendo un auténtico infierno, pasando continuamente junto a cuerpos destrozados. Inspirado por el recuerdo de su abuelo, al que dedica el film, el propio Mendes ha escrito un guión sin fisuras junto a Krysty Wilson-Cairns –forjada en la serie Penny Dreadful, donde él ejercía como productor ejecutivo– que muestra que la Primera Guerra Mundial fue peor que la Segunda, mucho más recreada por el cine, porque aún se podían ver los ojos de los adversarios.

3. Súplica por la paz: Johnny cogió su fusil (Dalton Trumbo's Johnny Got His Gun, 1971), de Dalton Trumbo

Joe, excombatiente americano, es víctima de una tremenda explosión durante la I Guerra Mundial. El soldado sufre secuelas mucho peores que la propia muerte y se queda impedido para siempre sobre una cama. Sin extremidades, ojos, boca ni oídos. El paciente consigue mantenerse con vida gracias a la rememoración de sus recuerdos, pero le cuesta saber si está durmiendo o si vive en una realidad paralela semejante al infierno. Joe aprenderá a comunicarse con sus cuidadores con movimientos cortos de cabeza. Su mensaje es claro y conciso: no quiere vivir más. Su deseo, sin embargo, no es atendido y tendrá que hacer frente a un futuro peor si cabe. Su cuerpo servirá para la investigación científica. El director Dalton Trumbo lleva al cine su novela homónima publicada en papel, consiguiendo mostrar en pantalla su posición antibelicista y su defensa de la eutanasia. Destaca la realización del film; en color los recuerdos de Joe, y en blanco y negro su presente en el hospital. Dalton Trumbo escribió también el guión basándose en su propia novela de 1939. Violenta, desgarradora e impactante. Gran Premio Especial del Jurado en Cannes en 1972, una película que sigue siendo tan poderosa como siempre.

4. La cara oculta de la guerra: El pabellón de los oficiales (La Chambre des officiers, 2001), de François Dupeyron

Agosto de 1914, comienzo de la Primera Guerra Mundial. Adrian, un joven y apuesto teniente, se dispone a hacer un reconocimiento a caballo cuando le explota un proyectil en pleno rostro. Inmediatamente después, Adrian es trasladado al hospital militar de Val de Grâce, a un pabellón separado del resto de enfermos donde se recuperan los oficiales que han sufrido heridas como las del joven teniente. En ese lugar no existen los espejos, pues la realidad de sus rostros es demasiado dolorosa como para aceptarla. El herido pasará allí cinco años, durante los cuales trabará amistad con el resto de enfermos. Además les prepararán para enfrentarse a sus nuevas vidas... La película se concentra en la parte de la convalecencia del protagonista en un hospital militar narrada en la novela original, y enfatiza el horror a las heridas sufridas por los camaradas en el campo de batalla. Mientras que la novela continúa narrando las experiencias de los oficiales hasta Segunda Guerra Mundial y más allá, la película culmina justo después de la Gran Guerra. Esta adaptación del libro de Marc Dugain está basada en una historia real: la de uno de estos soldados que regresó de la Gran Guerra con el rostro destrozado para siempre. Y la reconquista de su humanidad.

5. Masacre absurda: Senderos de gloria (Paths of Glory, 1957), de Stanley Kubrick

Año 1916. Europa está inmersa en la Gran Guerra. Las tropas francesas se ven dirigidas hacia un ataque suicida cuando el mando general da la orden directa al coronel Dax (Kirk Douglas) de tomar, al coste que sea, "la colina de las hormigas" (Ant Hill). Después del fracaso estrepitoso que supone la incursión, los altos cargos intentar cubrir sus errores alegando fallos en las tropas, por lo que deciden detener a tres soldados y acusarlos de amotinamiento. Dax, que antes de iniciarse el conflicto trabajaba como abogado, decide presentarse como defensa particular, pero pronto descubrirá que se encuentra en un punto muerto. Salvo que pueda demostrar que los cargos que se han presentado contra los soldados son falsos, y que la verdadera culpa recae en las directrices hechas por los generales, no podrá impedir que los tres jóvenes mueran ante un pelotón de fusilamiento. Un castillo donde viven los generales; Trincheras embarradas donde languidecen los soldados... Una sinfonía macabra del cinismo de los oficiales. Una película incomprendida y prohibida tras su estreno en Francia y basada en la novela homónima de Humphrey Cobb, publicada en 1935.

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Diez películas (muy) buenas que no queremos volver a ver (I)

Aunque son de gran calidad, es imposible volver a verlos. Demasiadas lágrimas, demasiada ansiedad, demasiada violencia... He aquí nuestras (buenas) razones para resistirnos a una segunda sesión.

1. El incomprendido (Incompreso, 1968), de Luigi Comencini

Tras una larga enfermedad, una mujer, madre de dos hijos, muere. El padre, un cónsul ingles en Florencia se volcará entonces en su trabajo y en el cuidado de su hijo pequeño Milo, desatendiendo las necesidades afectivas del mayor, Andrea un niño muy sensible al que trata como un adulto. 

"¿Cómo estás?" pregunta ansioso el padre de su hijo herido y postrado en cama. "Más o menos", responde el niño, cuando ya intuimos que no va a lograrlo… ¿Es esta la película más lacrimógena jamás realizada? Sí, definitivamente. Porque no sólo este niño va a morir sino que también estamos reviviendo sus traumas irreparables, como cuando descubre que ha borrado por error una cinta de audio en la que escuchamos la voz de su difunta madre... En El incomprendido, Comencini subraya donde duele, pero representa con tanta sensibilidad la confusión de los sentimientos familiares que se perdona. ¡Nunca tendremos suficientes Kleenex para volver a verlo!

2. Johnny cogió su fusil (Dalton Trumbo's Johnny Got His Gun, 1971), de Dalton Trumbo

Un joven combatiente de la Primera Guerra Mundial despierta totalmente confuso en un hospital, confinado de por vida, ciego, sordo y mudo y con las piernas y los brazos amputados a causa de una explosión sucedida durante un bombardeo. Al principio no es consciente de lo que le ha sucedido y en qué condiciones está, pero poco a poco comienza a darse cuenta... 

Blanco y negro: un travelling trasero nos aleja lentamente, muy lentamente, de Johnny tendido en su cama de hospital, un despojo humano sin extremidades, sin rostro, que se ha convertido en un vergonzoso conejillo de indias de la medicina militar desde que explotó con una bomba. la Primera Guerra Mundial. “SOS ayúdame. SOS ayúdame…” repite mentalmente, mientras la imagen se oscurece para siempre. Durante casi dos horas difíciles, nos quedamos con él, en su cabeza y en sus recuerdos alegres de antes de la tragedia. Johnny cogió su fusil, la única película que ha dirigido el guionista Dalton Trumbo, es tan fuerte que estamos felices de haberla visto, ¡pero también seguros de no volver a infligirnos semejante tortura nunca más!

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Efemérides de cine: El enigma de Gaspar Hauser

El 1 de noviembre de 1974 se estrenó la película alemana El enigma de Gaspar Hauser (Kaspar Hauser - Jeder für sich und Gott gegen alle), dirigida por Werner Herzog e interpretada por Bruno S., Walter Landengast, Brigitte Mira, Willy Semmelrogge, Gloria Dör, Volker Prechtel, Enno Patalas, Helmut Döring, Michael Kroecher. Productora: ZDF, Werner Herzog Filmproduktion, Filmverlag der Autoren. Duración: 110 minutos.

Sinopsis argumental: Alemania, principios del siglo XIX. Kaspar es un enigmático muchacho que ha pasado toda la vida encerrado y aislado en una cueva: no conoce, pues, el lenguaje ni tiene capacidad para relacionarse con los demás. Cuando, en 1828, alguien lo abandona en Nuremberg con una carta para las autoridades locales, se convierte primero en una especie de atracción de feria y después en una curiosidad científica y social. 

Nominaciones y premios: Festival de Cannes: Premio del Jurado Ecuménico, Premio FIPRESCI;  Premios del cine Alemán: Mejor montaje, mejor diseño de producción.

Comentario: Werner Herzog se sirvió de este argumento para desarrollar una historia mucho más compleja cuya figura central era Bruno S., a quien descubrió en un documental y con quién más tarde volvió a colaborar en Stroszek. Bruno S. era el hijo de una prostituta que había pasado cerca de 23 años recluido en varias instituciones. Muchas de las experiencias personales de Bruno S. están incorporadas a la propia historia real de Kaspar Hauser.  Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Cumplió 25 años: El coleccionista de huesos

El 29 de agosto de 1999 se estrenó la película estadounidense El coleccionista de huesos (The Bone Collector), dirigida por Phillip Noyce e interpretada por Denzel Washington, Angelina Jolie, Queen Latifah, Michael Rooker, Mike McGlone, Luis Guzmán, Leland Orser, John Benjamin Hickey, Bobby Cannavale, Ed O'Neill. Productora: Universal Pictures, Columbia Pictures. Duración: 115 minutos. 

Sinopsis argumental: El detective Lincoln Rhyme (Denzel Washington) sufrió un terrible accidente durante una investigación que le dejo tetrapléjico. Sin embargo sigue siendo uno de los mejores policías de Nueva York, capaz de seguir el rastro de sus pesquisas desde la cama en la que está postrado. Sólo necesita un poco de ayuda, la de una agente que sea capaz de conectar con su intuición y llevar a la acción sus conclusiones. Junto a la oficial novata Amelia (Angelina Jolie), Rhyme hará todo lo posible por encontrar al brutal asesino que está llenando de cadáveres la ciudad: un psicópata que además está jugando al gato y al ratón con la policía, dejando pistas que Lincoln intenta descifrar.

Comentario: La película se basa en la novela de Jeffery Deaver, en relación con el tetrapléjico detective Lincoln Rhyme. Fue el primer libro de la Lincoln Rhyme Series. El bailarín de la muerte fue el siguiente libro de la serie.

Hace 100 años: El jorobado de Notre Dame

El 2 de septiembre de 1923 se estrenó la película estadounidense El jorobado de Notre Dame (The Hunchback of Notre Dame), dirigida por Wallace Worsley e interpretada por Lon Chaney, Patsy Ruth Miller, Ernest Torrence, Raymond Hatton, Norman Kerry, Nigel De Brulier, Brandon Hurst, Winifred Bryson, Gladys Brockwell, Kate Lester, Tully Marshall, Roy Laidlaw, Harry von Meter, Nick De Ruiz, Eulalie Jensen, Ray Myers, William Parke, John Cossar, Edwin Wallock. Productora: Universal Pictures. Duración: 133 minutos. 

Sinopsis argumental: Mientras baila en una plaza, la gitana Esmeralda es descubierta por Jehan. Obsesionado por su belleza, el hombre ordenará a Quasimodo, el campanero jorobado de Notre Dame, secuestrarla. Pero cuando Quasimodo es capturado y azotado, Esmeralda será la única que le demuestre su bondad. 

Comentario: Basada en la novela Nuestra Señora de París escrita por Victor Hugo. La película es muy conocida por los grandes decorados que recrearon el París del siglo XV, y por la solvente interpretación y el espectacular maquillaje de Lon Chaney como el torturado campanero de Notre Dame de París. La película elevó a Chaney, hasta aquel momento un conocido actor, al estatus de estrella en Hollywood, cosa que le ayudó posteriormente a protagonizar varias otras películas de terror, sobre todo El fantasma de la ópera en 1925.

Clásicos de cine: Hijos de un Dios menor

Hijos de un Dios menor (Children of a Lesser God, 1986), de Randa Haines

Interpretada por Marlee Matlin, Piper Laurie, Philip Bosco, Allison Gompf, William Hurt, John F. Cleary, Philip Holmes, E. Katherine Kerr. 

James es el nuevo profesor de dicción en una escuela para sordos. Rápidamente se enamora de Sarah, una alumna que prefiere permanecer en la escuela antes que exponerse al duro mundo exterior. Ella empieza rechazándolo, pero poco a poco irá aceptando su ayuda y acabará abriéndole su corazón.

Un melodrama a la antigua usanza que obtuvo un gran éxito en su día, siendo nominado para los premios Óscar a mejor película, actor principal, actriz principal y secundaria, y guion adaptado. De todos ellos, sólo consiguió la estatuilla la debutante actriz sordomuda Marlee Matlin, en una de las mayores sorpresas que se recuerdan en la historia de estos premios. La intérprete inició así una productiva carrera qe la llevó a protagonizar series como Dudas razonables y Picket Fences, y películas como Walker o Sombras en el silencio.

La cinta significó también la puesta de largo cinematográfica de la directora Randa Haines, quien hasta entonces solo había trabajado en la televisión, dirigiendo episodios de series como California o Canción triste de Hill Street.

Está basada en la obra teatral de Mark Medoff. Una impresionante película, en la que los sentimientos siempre están en tensión. 

Cumplió 25 años: Un mundo a su medida

En mayo de 1998 se estrenó la película estadounidense Un mundo a su medida (The Mighty), dirigida por Peter Chelsom e interpretada por Sharon Stone, Gena Rowlands, Harry Dean Stanton, Gillian Anderson, Kieran Culkin, Elden Henson, James Gandolfini, Meat Loaf. Productora: Scholastic Entertainment, Simon Fields. Duración: 100 minutos. 

Sinopsis argumental: Esta es la historia de dos chicos no integrados en la sociedad que parten a la búsqueda de grandeza y bondad sólo para descubrir el tesoro más poderoso de todos: la amistad. Todo empieza cuando Kevin Dillon y su madre se trasladan al vecindario donde viven Maxvell Kane y sus abuelos. A pesar de sus trece años, la apariencia de Max es la de un gigante, con problemas en la escuela, falto de valor y que no encaja en ningún modelo social. Pero en su vida entrará Kevin, un pequeño con más labia, brío e inteligencia que cualquier otro chico de la ciudad.

Nominaciones y premios: Globos de oro: Nominada Mejor actriz de reparto (Sharon Stone) y canción original. 

Comentario: Adaptación una popular novela juvenil en Estados Unidos, Freak the Mighty, y logra un atractivo dibujo de la amistad. Los jóvenes actores Elden Henson y Kieran Culkin protagonizan una relación entrañable, donde cada uno se sacrifica por el otro. La inspiración la sacan del espíritu de caballería del rey Arturo. Eficaz recurso, que da pie a algunas escenas oníricas, donde caballeros medievales saludan con regocijo a sus jóvenes seguidores. Lo realista y lo mágico se funden con singular fortuna. Se trenza con acierto el acercamiento entre los dos protagonistas (en cierto modo, un don Quijote idealista, y un Sancho Panza más práctico), los enfrentamientos con una pandilla, el drama de la enfermedad, las relaciones familiares, y la oscura subtrama en torno al malvado padre de Max. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCLXXIII)

Ángel de venganza (Ms. 45 AKA Angel of Vengeance, 1981), de Abel Ferrara

Thana es una dulce jovencita, muda, que trabaja en una empresa de confección. Un día a la vuelta del trabajo es asaltada y violada en la calle. Al regresar a su casa se encuentra con otra horrible sorpresa: otro hombre ha entrado en su casa para robar y también él empieza a abusar de ella. En el forcejeo Thana consigue matar a su agresor y, entonces, algo se rompe en la cabeza de la muchacha. Desde ese momento irá asesinando a cuantos hombres se crucen en su camino.

Segunda película de Abel Ferrara, englobada en el subgénero de violación y venganza, y que alcanzó un estatus de culto en su estreno en los años 1980. La película fue vilipendiada gravemente en su estreno, pero ahora es respetada entre fanes del cine underground y considerada una película de culto.

El director Abel Ferrara se haría célebre con su película Teniente corrupto (Bad Lieutenant, 1992) rodada once años después de ésta. Narra una historia violenta con un desarrollo poco original y un guión bastante simplón, aunque tenga fuerza el planteamiento vengador de la protagonista. Como es habitual en Ferrara muestra su tendencia al exceso y su regodeo en los asesinatos, con ralentizaciones muy efectistas. Protagoniza la malograda Zoë Lund, quien moriría de sobredosis con tan sólo treinta y siete años.

Cine para niños: “Valentina”, un tierno retrato de la discapacidad

En el secreto de su habitación, Valentina se sumerge en una tierra mágica en busca de su abuela desaparecida. Una epopeya sonriente y colorida en la mente de una niña con síndrome de Down. A partir de 6 años.

Valentina (2021), de Chelo Loureiro

Valentina sueña con ser trapecista y cree que por ser Down no podrá conseguirlo, pero su abuela, compañera de juegos, aprendizajes y canciones, le asegura que, si las orugas consiguen convertirse en mariposas, nada es imposible. Y que nunca debemos perder la ilusión ni las ganas de aprender, las mismas que ella pone, aún a su edad, en su afán de convertirse en directora de orquesta.

¿Qué es un niño diferente? Esta bonita película animada española responde con dulzura y humor, dibujando el retrato de Valentina, una niña con síndrome de Down rebosante de ternura e imaginación. Edredones rojos agudos, lentes grandes y redondos, esta soñadora no entiende adónde ha ido de repente su amada abuela, cómplice de todos sus juegos y de toda su felicidad diaria. En el secreto de su habitación, mientras sus padres creen que está dormida, la niña elige abrir las puertas de la tierra mágica donde espera encontrar a quien tanto extraña. ¿Cómo evocar la minusvalía, pero también el duelo, a la altura de un niño, sin ser ni pomposo, ni cursi, ni melodioso?…

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCLXIII)

El hombre elefante (The Elephant Man, 1980), de David Lynch

A finales del siglo XIX, el doctor Frederick Treves descubre en un circo a un hombre llamado John Merrick. Se trata de un ciudadano británico con la cabeza monstruosamente deformada, que vive en una situación de constante humillación y sufrimiento al ser exhibido diariamente como una atracción de feria.

Interpretada en sus principales papeles por  Anthony Hopkins, John Hurt, Anne Bancroft, John Gielgud. Recibió el Premio César a la mejor película extranjera; 8 nominaciones a los Oscar, incluyendo película y director; 4 nominaciones a los Globos de Oro, incluyendo mejor película-drama; en los BAFTA, fue mejor película, actor (Hurt) y diseño de producción y 7 nominaciones; Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director; Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guion adaptado drama.

Uno de los films más conmovedores de David Lynch, que está inspirado en hechos reales. La historia da vueltas a la idea de que la hermosura no es sólo el aspecto físico de las personas. Un canto al espíritu humano, rodado en un audaz blanco y negro, cuenta con unas magníficas interpretaciones. A destacar John Hurt, que da vida a John Merrick, el hombre elefante.

El ‘Adagio para cuerdas’ del compositor estadounidense Samuel Barber, considerada por muchos melómanos como una de las expresiones más perfectas del dolor y la tragedia, y que está incluida sobre estas mismas líneas y en la música del segundo largometraje de David Lynch, acompaña los últimos momentos de la película y de la vida de John Merrick (el tristemente célebre hombre elefante, de verdadero nombre Joseph Merrick), y es imposible imaginar mayor humildad y belleza en esos momentos.

Cumplió 25 años: Mr. Magoo

El 25 de diciembre de 1997 se estrenó la película estadounidense Mr. Magoo, dirigida por Stanley Tong e interpretada por Leslie Nielsen, Kelly Lynch, Matt Keeslar, Nick Chinlund, Stephen Tobolowsky, Ernie Hudson, Jennifer Garner, Malcolm McDowell, Miguel Ferrer, L. Harvey Gold, Art Irizawa, John Tierney, Terence Kelly, Rick Burgess, Jerry Wasserman, Bill Dow. Productora: Walt Disney Pictures, Nearsighted Productions. Duración: 87 minutos. 

Sinopsis argumental: Cuando una piedra preciosa robada cae en manos del torpe millonario Quincy Magoo se desencadena un siniestro complot para recuperar la joya. Magoo es el objetivo de todo tipo de malévolos personajes... 

Comentario: Basada en el dibujo animado original del mismo nombre de la United Productions of America (UPA) y fue la primera y última película de lengua inglesa hecha por el director de Hong Kong, Stanley Tong. La película recibió muy malas críticas y no tuvo ningún éxito en taquilla.