Efemérides de cine: Mundo futuro

El 14 de julio de 1976 se estrenó la película estadounidense Mundo futuro (Futureworld), dirigida por Richard T. Heffron e interpretada por Peter Fonda, Yul Brynner, Blythe Danner, Arthur Hill, John P. Ryan, Stuart Margolin, James M. Connor, Allen Ludden, Robert Cornthwaite, Angela Greene, Darrell Larson, Nancy Bell, Bert Conroy, Dorothy Konrad. Productora: American International Productions. Duración: 107 minutos. 

Sinopsis argumental: La ciudad de Delos ha sido concebida como el más grandioso complejo artificial para el ocio. En ella es posible pasar unas vacaciones al más puro estilo romano, entrar a formar parte del mundo medieval o vivir una experiencia espacial. A esta megalopólis futurista son invitados una famosa reportera de televisión y Charles Browning, un polémico periodista, que intenta averiguar por todos los medios por qué fue asesinado uno de los operarios de Delos. 

Nominaciones y premios: Saturn Awards: Mejor actriz. 2 nominaciones; Festival de cine fantástico de Avoriaz: Nominada a Grand Prix (Mejor película); Premios Hugo: Nominada a mejor presentación dramática.

Comentario: Fue la primera película en utilizar efectos gráficos tridimensionales generados por ordenador. Es la secuela de Almas de metal (Westworld, 1973), de Michael Crichton y el argumento menciona al nuevo parque temático de androides, usado como parte de clonaciones, dos años después del abandonado Mundo del Oeste. Se. conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Todos los hombres del presidente

El 4 de abril de 1976 se estrenó la película estadounidense Todos los hombres del presidente (All the President's Men), dirigida por Alan J. Pakula e interpretada por Robert Redford, Dustin Hoffman, Jack Warden, Jason Robards, Martin Balsam, Hal Holbrook, Jane Alexander, Neva Patterson, Stephen Collins, Robert Walden, Ned Beatty, Meredith Baxter, Penny Fuller, John McMartin, Frank Wills, Richard Venture, James Karen, Dominic Chianese, Gene Dynarski, Richard Herd, David Arkin, F. Murray Abraham. Productora: Wildwood Enterprises, Warner Bros. Duración: 136 minutos. 

Sinopsis argumental: En 1972, dos jóvenes periodistas del diario The Washington Post, Bob Woodward (Robert Redford) y Carl Bernstein (Dustin Hoffman), comienzan a investigar lo que parece ser un simple allanamiento del cuartel general del Partido Demócrata en Washington. Sus descubrimientos desencadenan el llamado 'caso Watergate', que provocó la dimisión del presidente Richard Nixon. 

Nominaciones y premios: 4 Oscar: Secundario (Robards), guion ad., dir. artística, sonido. 8 nominaciones; Globo de Oro: 4 nominaciones a drama, director, actor secundario, guion; Premios BAFTA: 10 nominaciones incluyendo película, director y actor (Hoffman); Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película, director y actor sec. (Robards); National Board of Review: Película, director, secundario (Robards), Top 10; Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director. 

Comentario: El especialista en thrillers políticos Alan J. Pakula adapta el libro homónimo, en el que los propios Bernstein y Woodward exponen su investigación. Se trataba de un film muy difícil, porque Pakula corría el riesgo de que el espectador se perdiera en un mar de datos, pero el cineasta filma con fuerza, aprovecha el carisma de sus protagonistas y secundarios, y exprime el inteligente guión de William Goldman, que resume con maestría el asunto. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Las 30 mejores películas basadas en psicópatas y dónde verlas (IX)

(cont.)

25. Mientras duermes (2011)

Director: Jaume Balagueró. Reparto:  Luis Tosar, Marta Etura, Alberto San Juan, Petra Martínez, Iris Almeida, Carlos Lasarte, Pep Tosar, Amparo Fernández, Roger Morilla, Tony Corvillo. 

La trama: César es el portero de un edificio de apartamentos y no cambiaría este trabajo por ningún otro, ya que le permite conocer a fondo los movimientos, los hábitos más íntimos, los puntos débiles y los secretos de todos los inquilinos. Si quisiera podría incluso controlar sus vidas, influir en ellas como si fuera Dios, abrir sus heridas y hurgar en ellas. Y todo sin levantar ninguna sospecha. Porque César guarda un secreto muy peculiar: le gusta hacer daño, mover las piezas necesarias para producir dolor a su alrededor. Y la nueva vecina del 5ºB no deja de sonreír. Entra y sale cada día radiante y feliz, llena de luz. Así que pronto se convertirá en el nuevo objetivo del juego de César. Se trata de un reto personal, de una obsesión. La rutina de un portero obsesionado con una inquilina deriva en un acoso silencioso y enfermizo. La tensión crece con cada maniobra del protagonista, revelando su retorcida necesidad de control.

Curiosidades: Luis Tosar construyó a César desde una gestualidad mínima pero cargada de intención, afinando la manera de hablar, moverse y mirar hasta convertirlo en un depredador silencioso que se camufla entre rutinas domésticas. Esa cercanía se tensaba aún más en su relación con Marta Etura, ya que eran pareja fuera de cámara. Disponible en AMC Channels. 

26. Tenemos que hablar de Kevin (We Need to Talk About Kevin, 2011)

Director: Lynne Ramsay. Reparto: John C. Reilly, Tilda Swinton, Ezra Miller, Siobhan Fallon Hogan, Ashley Gerasimovich, Leslie Lyles, Lauren Fox, Aaron Blakely. 

La trama: Eva, una mujer satisfecha consigo misma, es autora y editora de guías de viaje. Casada desde hace años con Franklin, un fotógrafo que trabaja en publicidad, decide, con casi cuarenta años y tras muchas dudas, tener un hijo. Así nacerá Kevin. Pero, ya desde el principio, empiezan a surgir dificultades... La narración fragmentada refleja culpa, miedo y la complejidad del vínculo familiar roto.

Curiosidades: Adaptación de la novela homónima de Lionel Shriver. La presencia constante de los colores de la diana (rojo, azul, amarillo y blanco) funciona como un hilo visual que atraviesa la película y mantiene al espectador anclado a la sombra del crimen, un recordatorio silencioso de que toda la historia está impregnada por la violencia latente de Kevin. Disponible en Movistar+, Filmin.

27. Nightcrawler (2014)

Director: Dan Gilroy. Reparto:  Jake Gyllenhaal, Rene Russo, Riz Ahmed, Bill Paxton, Kevin Rahm, Marco Rodríguez, Ann Cusack, Kent Shocknek.

La trama: Tras ser testigo de un accidente, Lou Bloom (Jake Gyllenhaal), un apasionado joven que no consigue encontrar empleo, descubre como forma de ganar dinero el mundo del periodismo criminalista en la peligrosa ciudad de Los Ángeles. Su trabajo es llegar al escenario de crímenes o accidentes y fotografiar lo sucedido para venderlos al mejor postor. Su conducta oportunista deriva en un retrato inquietante del morbo televisivo.

Curiosidades: Gyllenhaal entendió que Lou Bloom debía irradiar una inquietud casi animal, y por eso se sometió a una transformación física extrema: perdió más de 10 kilos y moldeó un cuerpo que reforzaba esa imagen de coyote hambriento que él mismo había imaginado para el personaje. Esa entrega absoluta lo llevó también a uno de los momentos más brutales del rodaje: la escena frente al espejo, improvisada, en la que golpeó el cristal con tal intensidad que lo hizo añicos y se abrió la mano, necesitando 46 puntos antes de volver al set apenas unas horas después, convertido ya en la encarnación perfecta de la obsesión que define la película. Disponible en Rakuten TV.

(cont.)

Las 30 mejores películas basadas en psicópatas y dónde verlas (II)

(cont.)

4. El fotógrafo del pánico (Peeping Tom, 1960)

Director: Michael Powell. Reparto: Karlheinz Böhm, Moira Shearer, Anna Massey, Maxine Audley, Brenda Bruce, Miles Malleson, Esmond Knight, Martin Miller, Michael Goodliffe, Shirley Anne Field, Jack Watson, Pamela Green.

Karlheinz Böhm en El fotógrafo del pánico (1960)

La trama: Böhm interpreta a psicópata que fotografía a sus víctimas mientras mueren; es un hombre profundamente perturbado, cuyo desequilibrio hunde sus raíces en la infancia. Su padre, un científico obsesionado por estudiar las reacciones infantiles ante el miedo, destrozó su psique y lo convirtió en un adulto acomplejado y afectado por una demencia demoníaca. El personaje necesita registrar en imágenes el terror que sienten sus víctimas antes de morir. Por eso ejerce la profesión de fotógrafo, para encubrir sus intenciones y poder satisfacer sus morbosos impulsos sin levantar sospechas. Presenta un retrato inquietante sobre trauma, obsesión y violencia, explorando la mirada como herramienta destructiva.

Curiosidades: Retirada de los cines en apenas cinco días, la película quedó marcada por un rechazo que no solo alimentó su leyenda maldita, sino que terminó arrasando la carrera de Michael Powell, quien pasó de ser una figura central del cine británico a convertirse en un director defenestrado por la industria. Disponible en Movistar+, Cultpix. 

5. Psicosis (Psycho, 1960)

Director: Alfred Hitchcock. Reparto: Anthony Perkins, Janet Leigh, Vera Miles, John Gavin, Martin Balsam, John McIntire, Simon Oakland, Frank Albertson, Patricia Hitchcock, Lurene Tuttle, Vaughn Taylor, John Anderson, Mort Mills. 

Anthony Perkins en Psicosis (1960)

La trama: Marion Crane, una joven secretaria, tras cometer el robo de un dinero en su empresa, huye de la ciudad y, después de conducir durante horas, decide descansar en un pequeño y apartado motel de carretera regentado por un tímido joven, Norman Bates, que vive en la casa de al lado con su madre. La tensión, el misterio y los giros inesperados crean un thriller psicológico que marcó para siempre el género.

Curiosidades: Una de las obras maestras del cine de Alfred Hitchcock y, sin duda, la más terrorífica. Psicosis contiene la famosa escena del asesinato de la ducha, que resulta sobrecogedora por su rápido montaje, su excelente fotografía en blanco y negro y por los acordes de violín de la música del maestro Bernard Herrmann. El resto de la película mantiene estas características con varios momentos memorables llenos de tensión. Todo el conjunto es una lección técnica de cómo narrar una historia en la pantalla, desde la meticulosa planificación, con inteligentes movimientos de cámara como el de la toma cenital en la escalera, hasta el uso de la elipsis, pasando por la utilización del croma o la profundidad de campo. Y por supuesto, estamos quizá ante unos de los mejores ejemplos de Macguffin dentro de la filmografía de Hitchcock. Disponible en Filmin. 

6. El estrangulador de Boston (The Boston Strangler, 1968)

Director: Richard Fleischer. Reparto: Tony Curtis, Henry Fonda, George Kennedy, Mike Kellin, Hurd Hatfield, Murray Hamilton, Jeff Corey, Sally Kellerman, Leora Dana, William Marshall, George Voskovec, Jeanne Cooper, Carolyn Conwell

Tony Curtis y Henry Fonda  en El estrangulador de Boston (1968)

La trama: Boston, 1962. La policía encuentra a una anciana estrangulada en su casa. Las pistas no conducen a ninguna parte. Después de varios asesinatos que siguen el mismo patrón, el criminal empieza a atacar a mujeres más jóvenes. El inspector Phil DiNatale (George Kennedy) asigna al detective John S. Bottomly (Henry Fonda,) para dirigir la investigación. Éste interroga a todo tipo de criminales son obtener resultados hasta que llega a Albert DeSalvo (Tony Curtis), un fontanero felizmente casado que dice ser inocente. Sin embargo, las pruebas demuestran lo contrario. Durante el interrogatorio, el criminal, que no recuerda nada, comienza a desmoronarse... El enfoque combina procedimiento policial y tensión psicológica para mostrar el caos y la incertidumbre de la época.

Curiosidades: Recreación de los trágicos sucesos reales que tuvieron lugar en la ciudad de Boston entre 1962 y 1964. Trece mujeres fueron horriblemente estranguladas por Robert de Salva. Cuando la policía consiguió detenerle, se descubrió que era un fontanero felizmente casado que llevaba una vida aparentemente normal. Era conocido con el macabro nombre de El Patito, debido a que sólo tenía tres dedos en una mano. La película sigue la aparición de los primeros cadáveres y como varios policías expertos llevaron a cabo la investigación. En un principio cuentan con pocas pistas, pero este hecho no les desanima. Disponible en Disney +. 

(cont.)

Las 30 mejores películas basadas en psicópatas y dónde verlas (I)

Un recorrido por el cine que mejor ha explorado la mente fría, manipuladora y perturbadora de los grandes psicópatas de la ficción y del mundo real.

En esta selección no se habla de ‘asesinos en serie’ en sentido estricto, sino de psicópatas cinematográficos, personajes cuya perturbación, manipulación, frialdad o perversidad marcan el pulso de cada historia. Por eso no todas las películas incluidas giran necesariamente en torno a muertes ni requieren un patrón homicida para explorar esa mente desviada que las define: algunas se centran en el control, otras en la obsesión, la violencia emocional o la imposibilidad de empatizar. Además de los títulos presentes, hay muchas otras obras que encajarían perfectamente en esta mirada al lado más oscuro de la condición humana, como El estrangulador de Rillington Place (1971), Maniac (1980), Copycat (1995), El coleccionista de amantes (1997), El talento de Mr. Ripley (1999) o Monster (2003), todas ellas ejemplos potentes de cómo el cine ha diseccionado la psicopatía desde ángulos muy diferentes.

1. M, el vampiro de Düsseldorf (M: Eine Stadt sucht einen Mörder, 1931)

Director: Fritz Lang. Reparto: Peter Lorre, Ellen Widmann, Inge Landgut, Otto Wernicke, Theodor Loos, Gustaf Gründgens.

La trama: Un asesino de niñas tiene atemorizada a toda la ciudad de Berlín. La policía lo busca frenética y desesperadamente, deteniendo a cualquier persona mínimamente sospechosa. Por su parte, los jefes del hampa, furiosos por las redadas que están sufriendo por culpa del asesino, deciden buscarlo ellos mismos.  El ambiente opresivo y la tensión creciente muestran el miedo colectivo.

Peter Lorre en M, el vampiro de Düsseldorf (1931)

Curiosidades: Una de las primeras obras maestras del cine sonoro alemán. En su penúltimo trabajo antes de exiliarse de Alemania, el maestro Fritz Lang describe el contexto social de inestabilidad e inseguridad que potenció el auge del nazismo. Lang reclutó a delincuentes reales para dar autenticidad al submundo que persigue al asesino, un rodaje que se complicó por las detenciones de algunos de sus ‘actores’. Ese retrato áspero llamó la atención de Goebbels, que quiso reclutar al director para el aparato propagandístico nazi, una propuesta que aceleró su huida. Disponible en Prime Video, Filmin.

2. La noche del cazador (The Night of the Hunter, 1955)

Director: Charles Laughton. Reparto: Robert Mitchum, Shelley Winters, Lillian Gish, James Gleason, Evelyn Varden, Peter Graves, Don Beddoe, Billy Chapin, Sally Jane Bruce. 

La trama: Tras realizar un atraco en el que han muerto dos personas, Ben Harper regresa a su casa y esconde el botín confiando el secreto a sus hijos. En la cárcel, antes de ser ejecutado, comparte celda con Harry Powell y en sueños habla del dinero. Tras ser puesto en libertad, Powell, obsesionado por apoderarse del botín, va al pueblo de Harper, convertido en un falso predicador, enamora a su viuda y se casa con ella. El contraste entre inocencia y maldad impulsa una historia inquietante con imágenes poderosas y un tono casi de cuento siniestro.

Robert Mitchum en La noche del cazador (1955)

Curiosidades: Laughton nunca volvió a dirigir después del fracaso inicial de la película, pero en ese único intento volcó una mirada muy personal marcada por su fascinación por el expresionismo alemán, una influencia que, junto al trabajo de Stanley Cortez, definió la estética de sombras extremas y atmósfera inquietante que hoy sostiene su condición de obra de culto. Se trata de un fascinante dibujo de los miedos infantiles. Ensoñación, cuento con ogros y hadas, título terrorífico y fábula moral. Basada en el libro de Davis Grubb. Disponible en Filmin.

3. Mientras Nueva York duerme (While the City Sleeps, 1956)

Director: Fritz Lang. Reparto: Dana Andrews, Rhonda Fleming, Ida Lupino, George Sanders, Howard Duff, Thomas Mitchell, Vincent Price, Sally Forrest, John Drew Barrymore, James Craig, Robert Warwick, Mae Marsh, Vladimir Sokoloff, Pitt Herbert, Ralph Peters, Sandra White. 

La trama: Los periodistas del Sentinel están a punto terminar la edición del periódico. En los pasillos y en las mesas se conspira y se intriga para hacerse con la dirección del diario. Mientras tanto, un criminal que se dedica a matar mujeres jóvenes, tras cada asesinato, deja a la policía un mensaje escrito con pintalabios. En el periódico se establece una feroz competición: el primero que consiga la noticia de la captura del asesino "del pintalabios", tendrá todas las de ganar. Un redactor sin ambiciones consigue convencer a una secretaria de la que está enamorado para que sirva de cebo a fin de atraer al asesino, contando, por supuesto, con vigilancia policial. El ritmo tenso muestra cómo la búsqueda de poder eclipsa la justicia.

Dana Andrews en Mientras Nueva York duerme (1956)

Curiosidades: La figura del “asesino del pintalabios”, inspirada en los crímenes reales de William Heirens, sirve aquí como punto de partida para un relato que Lang orienta más hacia la disección del poder mediático que hacia el propio thriller, mostrando cómo la carrera por controlar un imperio periodístico distorsiona ambiciones y lealtades hasta convertir la investigación en un juego de intereses. Prensa y cine negro unidos en un título imprescindible del Hollywood de los años 1950, rodada en tan solo cinco semanas utilizando el sistema panorámico conocido como "Superscope" magistralmente resuelto gracias a la poderosa fotografía en blanco y negro de Ernest Laszlo. Adaptación de la novela The Bloody Spur, de Charles Einstein, donde se narra el devenir diario del periódico New York Sentinel.

(cont.)

Efemérides de cine: El reportero

El 28 de febrero de 1975 se estrenço la película italiana El reportero (Professione: Reporter AKA The Passenger), dirigida por Michelangelo Antonioni e interpretada por Jack Nicholson, Maria Schneider, Jenny Runacre, Ian Hendry, Steven Berkoff, Ambroise Bia, José María Caffarel. Productora: Coproducción Italia-Francia-España; Compagnia Cinematografica Champion, C.I.P.I. Cinematográfica, Les Films Concordia. Duración: 119 minutos.

Sinopsis argumental: David Locke (Jack Nicholson) es un desilusionado periodista que emprende una peligrosa investigación sobre las intrigas políticas internacionales que facilitan la implantación de regímenes dictatoriales en algunos países africanos, lo que le hará vivir situaciones muy arriesgadas. 

Nominaciones y premios: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película); Asociación de Críticos Norteamericanos (NBR): Nominada a Mejores 10 películas del año; Premios Sant Jordi: Mejor interpretación extranjera.

Comentario: Antonioni ofrece una extraña intriga, a ratos algo lenta y aburrida, aunque siempre resulte interesante la interpretación de un desconcertado Jack Nicholson. El director se luce con el largo plano secuencia final. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Primera plana

El 18 de diciembre de 1974 se estrenó la película estadounidense Primera plana (The Front Page), dirigida por Billy Wilder e interpretada por  Jack Lemmon, Walter Matthau, Susan Sarandon, Vincent Gardenia, David Wayne, Allen Garfield, Austin Pendleton, Harold Gould, Cliff Osmond, Dick O'Neill, Carol Burnett, Martin Gabel, Charles Durning, Herb Edelman, Paul Benedict, Jon Korkes, Lou Frizzell, Doro Merande. Productora: Universal Pictures. Duración: 105 minutos. 

Sinopsis argumental: Chicago, 1929. Earl Williams, convicto del asesinato de un policía, espera en la cárcel el momento de su ejecución. Mientras tanto, en la sala de prensa del Tribunal Supremo, un grupo de periodistas espera el indulto o la confirmación de la sentencia. Hildy Johnson, el cronista de sucesos del Chicago Examiner, que tendría que cubrir la información, está a punto de contraer matrimonio y abandonar su trabajo; pero Walter Burns, el maquiavélico director del periódico, empeñado en retenerlo, tratará de impedir su boda por todos los medios.

Nominaciones y premios: Globos de Oro: 3 nominaciones, incluyendo mejor película comedia/musical; Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guion adaptado comedia; 2 Premios David di Donatello, incluyendo a mejor director extranjero; Festival de Valladolid - Seminci: Premio Especial del Jurado.

Comentario: Obra maestra basada en la obra teatral homónima de Ben Hecht y Charles MacArthur, que ya había sido llevada a la gran pantalla por Lewis Milestone en 1931, con el título Un gran reportaje y por el gran Howard Hawks en la también magistral Luna nueva (His Girl Friday) en 1940. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

"El reportero: La leyenda de Ron Burgundy", llega a Netflix

En 2004,se estrenó la primera película de Adam McKay,  El reportero: La leyenda de Ron Burgundy (Anchorman: The Legend of Ron Burgundy, 2004), realizamos una mirada retrospectiva de esta comedia absurda ahora de culto, que se (re) verá en Netflix. Descubra cómo era el mundo de los telediarios en la década de los setenta, momento en el que Ron Burgundy y su leal equipo del canal 4 se convierten en la primera fuente de información de San Diego. Todo parece marchar bien en un mundo dominado por los hombres hasta que una famosa reportera, Veronica Corningstone, lo Corningstone, lo pone todo patas arriba.

Ron Burgundy (Will Ferrell) se ha cosechado un elevado prestigio en su profesión como presentador de informativos en San Diego, pero tiene un defecto: es algo machista. Corren los años 1970 y las mujeres salen de sus casas para conquistar el mundo profesional. A Ron le comunican la incorporación de una chica (Christina Applegate) a la redacción de noticias, a lo que el presentador reacciona con desgana y cierta oposición. Sin embargo, termina aceptando trabajar junto a la nueva siempre que esta se dedique a los asuntos más femeninos, como los desfiles de moda u otras cuestiones hogareñas. Verónica no es la típica niña guapa de cerebro vacío, sino que tiene las ideas muy claras y apunta maneras en su profesión. Ella no está dispuesta a pasar por las restricciones de su compañero por el simple hecho de no compartir el mismo género, así que reclama el lugar que le corresponde.

Aunque era el típico cómico histriónico procedente de televisión, Will Ferrell subió muchos puntos al protagonizar Melinda y Melinda, de Woody Allen, y ha demostrado tener cierta gracia en productos hechos a su medida, como Elf. Esta comedia homenajea la estética de los años 1970, época dorada de los telediarios en Estados Unidos.

Cumplió 25 años: El dilema

El 28 de octubre de 1999 se estrenó la película estadounidense El dilema (The Insider), dirigida por Michael Mann e interpretada por Al Pacino, Russell Crowe, Christopher Plummer, Diane Venora, Philip Baker Hall, Colm Feore, Gina Gershon, Michael Gambon, Rip Torn, Stephen Tobolowsky, Lindsay Crouse, Debi Mazar, Bruce McGill, Lynne Thigpen, Hallie Kate Eisenberg. Productora: Touchstone Pictures, Forward Pass, Blue Lion Entertainment, Digital Image Associates, Kaitz Productions, Mann/Roth Productions, Spyglass Entertainment. Duración: 151 minutos. 

Sinopsis argumental: Jeffrey Wigand, científico y directivo de la famosa tabacalera norteamericana Brown & Williamson, descubre el secreto que la industria del tabaco oculta celosamente: las sustancias que crean adicción en los fumadores. Lowell Bergman, un productor televisivo, arriesga su carrera al invitar a su programa a Wigand, que ve cómo su vida se desmorona tras revelar la verdad a la opinión pública; pero nadie saldrá indemne de esta batalla contra las tabacaleras. 

Nominaciones y premios: 7 Nominaciones al Oscar, incluyendo mejor película, director, actor y guión; 5 nominaciones al Globo de Oro, incluyendo mejor director, película-drama; Premios BAFTA: Nominada a mejor actor (Russell Crowe); Asociación de críticos de Los Angeles: Mejor película, actor, actor secundario; 2 premios National Board of Review: Libertad de expresión y actor (Crowe); Critics' Choice Awards: Mejor actor (Russell Crowe). 2 nominaciones.

Comentario: Esta película lleva a la pantalla hechos reales que aparecieron narrados con talento en un apasionante artículo de Marie Brenner en Vanity Fair bajo el título The Man Who Knew Too Much (El hombre que sabía demasiado). La película muestra unos villanos distintos a aquéllos a que nos tiene acostumbrados el cine: las grandes multinacionales, que tienen detras a personajes poco conocidos por el gran público, pero que acumulan toneladas de poder, ejercido a veces de un modo, ¿cómo diríamos?... poco ortodoxo. El director pprocuró ser muy fiel a los hechos auténticos. El Fiscal del Estado de Mississippi Michael Moore, que llevó el caso, creyó revivir los acontecimientos al ver el detalle con que se habían reproducido los escenarios. El propio Fiscal se permitió un cameo en la película, interpretándose a sí mismo. 

“El hombre que amaba los platos voladores”, en Netflix: la verdadera historia de un despilfarro extra (terrestre)

En 1986, tres años después del fin de la dictadura militar, un periodista argentino despertó el entusiasmo popular al “documentar” fenómenos extraterrestres. La ficción de Diego Lerman regresa a esta historia con mirada cómplice.

Leonardo Sbaraglia, irreconocible, en el papel del periodista José de Zer

Inspirándose en hechos auténticos, el nuevo largometraje del argentino Diego Lerman se desarrolla en 1986, el periodista José de Zer junto al Chango, su camarógrafo, emprenden el viaje hacia La Candelaria (Córdoba) tras recibir una propuesta extraña por parte de dos personajes sospechosos. Al llegar al pueblo no hay mucho que valga la pena, tan solo un pastizal quemado en medio de los cerros. Lo que vino a continuación fue la labor de un genio mitómano con un talento oculto: la creación audiovisual de presencia alienígena más recordada de la historia de la televisión argentina. 
De entrada, asistimos a la oposición entre José de Zer (Leonardo Sbaraglia, irreconocible) y su jefe de redacción, que no dudó en “embellecer la realidad” con fines propagandísticos durante la dictadura militar, enferma terminal a principios de los años 1980. Reflexionando sobre cuestiones de imaginación, realidad y el estatus de la verdad en el mundo de los medios pre-digitales, esta caprichosa comedia dramática de Netflix se aleja claramente del realismo más duro de la anterior película de Lerman. 

Efemérides de cine: El último testigo

El 19 de junio de 1974 se estrenó la película estadounidense El último testigo (The Parallax View), dirigida y producida por Alan J. Pakula e interpretada por Warren Beatty, Hume Cronyn, William Daniels, Kenneth Mars, Walter McGinn, Kelly Thordsen, Chuck Waters, William Joyce, Jo Ann Harris, Earl Hindman, Betty Murray, Bill McKinney. Productora: Paramount Pictures. Duración: 105 minutos. 

Sinopsis argumental: El periodista de investigación Joseph Frady (Warren Beatty) y siete periodistas más presencian el asesinato de un candidato al Senado de los Estados Unidos. Cuando sus siete colegas mueren accidentalmente, Frady empieza a dudar de la versión oficial según la cual el autor de los crímenes es un loco que actúa en solitario.

Nominaciones y premios: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guión adaptado drama; National Society of Film Critics (NSFC): Mejor fotografía.  Festival de cine fantástico de Avoriaz: Premio de la crítica. 2 nominaciones.

Comentario: Basada en la obra The Parallax View de Loren Singer e otra cinta de intriga política protagonizada por periodistas, del director de Todos los hombres del presidente, inspirada en el asesinato de John Kennedy. El último testigo es la segunda película de la trilogía de paranoia política, junto con Klute (1971) y Todos los hombres del Presidente (1976). Es la única en la trilogía que no fue distribuida por Warner Bros. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Diez clásicos para aprender sobre cine (VI)

(cont.)

6. Ciudadano Kane (Citizen Kane, 1941), de Orson Welles

Un importante magnate estadounidense, Charles Foster Kane, dueño de una importante cadena de periódicos, de una red de emisoras, de dos sindicatos y de una inimaginable colección de obras de arte, muere en Xanadú, su fabuloso castillo de estilo oriental. La última palabra que pronuncia antes de expirar, ”Rosebud”, cuyo significado es un enigma, despierta una enorme curiosidad tanto en la prensa como entre la población. Así, un grupo de periodistas emprende una investigación para desentrañar el misterio.

Orson Welles en Ciudadano Kane (1941)

La historia examina la vida y el legado de Charles Foster Kane, un personaje interpretado por Welles y basado en el magnate de la prensa William Randolph Hearst, así como en el propio Orson Welles.​ Durante su estreno, Hearst prohibió mencionar la película en sus periódicos. La carrera de Kane en la industria editorial nace del idealismo y del servicio social, pero evoluciona gradualmente en una implacable búsqueda de poder. Narrada principalmente a través de flashbacks, la historia se cuenta a través de la investigación de un periodista que quiere conocer el significado de la última palabra que dijo el magnate antes de morir, Rosebud.

Está considerada como una de las obras maestras más grandes de toda la historia del cine, siendo particularmente alabada por su innovación en la música, la fotografía y la estructura narrativa. Una producción recibida con tibieza y que fue creciendo hasta ser considerada, durante décadas, la mejor película de la Historia. Este biopic fue la ópera prima de Orson Welles, ganó un Oscar al mejor guion original para Herman J. Mankiewicz y el propio Welles. También estuvo entre las candidatas al Óscar en otras ocho categorías: mejor película, mejor director, mejor actor principal, mejor dirección artística, mejor fotografía, mejor banda sonora, mejor sonido y mejor montaje.

(cont.)

Cumplió 25 años: Nunca me han besado

El 26 de marzo de 1999 se estrenó la película estadounidense Nunca me han besado (Never Been Kissed), dirigida por Raja Gosnell e interpretada por Drew Barrymore, David Arquette, Michael Vartan, Leelee Sobieski, Molly Shannon, John C. Reilly, Jeremy Jordan, Jessica Alba, Jordan Ladd, Marley Shelton, James Franco, Denny Kirkwood, Marissa Jaret Winokur, Maya McLaughlin, Giuseppe Andrews, Octavia Spencer, Branden Williams, Cress Williams, Garry Marshal, Sean Whalen, Martha Hackett, Jenny Bicks, Katie Lansdale. Productora: 20th Century Studios, Flower Films. Duración: 110 minutos. 

Sinopsis argumental: Josie Geller trabaja como correctora en un importante periódico, aunque lo que realmente desea es convertirse en periodista. De pronto se le presenta la oportunidad que tanto había estado esperando: su primer trabajo como reportera, en el que deberá infiltrarse en un instituto. Allí revivirá su frustrada adolescencia, pero también conocerá a un profesor que la ayudará a integrarse.

Comentario: Película de jóvenes adolescentes, con un nivel más que aceptable. Hay lugar para el humor y el amor, y también para reflexionar sobre las inquietudes de la juventud actual. La película retrata con gracia las típicas pandillas de cualquier instituto (los guaperas, los líderes, los empollones...), e incide en las virtudes y defectos de cada uno de ellos.

Cumplió 25 años: Ejecución inminente

El 15 de marzo de 1999 se estrenó la película estadounidense Ejecución inminente (True Crime),dirigida por Clint Eastwood e interpretada por Clint Eastwood, Isaiah Washington, James Woods, Denis Leary, Lisa Gay Hamilton, Diane Venora, Bernard Hill, Michael McKean, Mary McCormack, Penny Bae Bridges, Francesca Eastwood, Michael Jeter, Hattie Winston, Laila Robins, John Finn. Productora: Zanuck Company, Malpaso Productions. Duración: 127 minutos. 

Sinopsis argumental: Steve Everett es un periodista de investigación alcohólico y mujeriego. Su estilo de vida no sólo lo ha desprestigiado profesionalmente, sino que además ha arruinado su matrimonio. Encuentra una inesperada oportunidad de rehabilitación cuando le encargan una entrevista con un condenado a muerte en la víspera de su ejecución. A pesar de ello, decide investigar por su cuenta y ciertos indicios le hacen sospechar que el hombre que va a ser ejecutado es inocente. Sin embargo, dispone de muy poco tiempo para conseguir la información necesaria que haga posible el indulto e impida la ejecución de la sentencia.

Comentario: Clint Eastwood, en esta ocasión, vuelve a dar vida con convicción a ese antihéroe cansino, tan típico y tan suyo: tipo de vuelta de todo, mujeriego incapaz de mantener los lazos familiares, y sin embargo, luchador hasta la extenuación por lo que cree justo. A esta actitud desencantada de su personaje se trata de contraponer la fe honda del condenado Frank. Algunos personajes se dibujan con acierto (el alcaide, el testigo, el condenado y su familia…), otros son más pobres. En cualquier caso, Eastwood vuelve a atrapar con una película bien rodada.

Clásicos de cine: Chantaje en Broadway 1957

Chantaje en Broadway (Sweet Smell of Success, 1957), de Alexander Mackendrick

J.J. Hunsecker es un influyente columnista de Nueva York que tiene a la ciudad atemorizada con el poder de repercusión de sus artículos. De carácter tiránico y gran ambición, Hunsecker no tolera que su hermana pequeña tenga una relación con un músico de jazz. Ese instinto protector se convierte en la principal flaqueza de un hombre que hasta ese momento parecía invulnerable. Primera película americana de Alexander MacKendrick, que a pesar de haber nacido en Estados Unidos había desarrollado su carrera como director en el Reino Unido, 'Chantaje en Broadway' cosechó un gran éxito, en parte por la pareja de actores designados para los papeles principales. Burt Lancaster fue elegido para interpretar al despótico Hunsecker y Tony Curtis el responsable de dar vida al guitarrista del que se enamora la hermana del periodista.

Estudio sobre la corrupción, encarnada ésta en un famoso periodista que usa su influencia para destruir la relación de su hermana con un músico de jazz.

Los afilados diálogos fluyen magistralmente para desvelar los aspectos más sórdidos del poder y los costes del triunfo alrededor del mundo del espectáculo. Deja huella el duelo interpretativo Lancaster-Curtis. Una película muy notable. Imprescindible. 

Clásicos de cine: Vacaciones en Roma

Vacaciones en Roma (Roman Holiday, 1953), de William Wyler

Y con el siguiente reparto: Gregory Peck, Audrey Hepburn, Eddie Albert, Hartley Power, Harcourt Williams, Margaret Rawlings, Tullio Carminati, Paolo Carlini, Claudio Ermelli, Paola Borboni, Alfredo Rizzo, Laura Solari, Gorella Gori, Heinz Hindrich, John Horne, Andrea Esterhazy, Ugo De Pascale. Consiguió 3 Oscar: Mejor actriz (Hepburn), argumento original y vestuario. 10 nominaciones, así como el Globo de Oro a la mejor actriz-drama. 

Durante una visita a Roma, Ana, la joven princesa de un pequeño país centroeuropeo, trata de eludir el protocolo y las obligaciones que implica, escapándose de palacio para visitar la ciudad de incógnito. Así conoce a Joe, un periodista americano que busca una exclusiva y finge desconocer la identidad de la princesa. La pareja vivirá unas jornadas inolvidables recorriendo la ciudad.

William Wyler, autor de poderosos dramas y vigorosas películas de acción, fue capaz también de firmar esta deliciosa comedia romántica que se mantiene desde entonces como una de las obras cumbre del género. La película fue candidata a diez Oscar y consiguió finalmente tres. Uno de ellos fue para una jovencísima actriz de origen belga que debutaba en el cine estadounidense con esa película y que se convirtió ya para siempre en una de las mayores estrellas de Hollywood. Su nombre, Audrey Hepburn. Como anécdota, la famosa escena en la que Peck asusta a Hepburn metiendo la mano en la Bocca de la Verità no estaba en el guion. Fue una improvisación de él y, por lo tanto, el sobresalto fue auténtico.

Cumplió 25 años: Miedo y asco en Las Vegas

El 15 de mayo de 1998 se estrenó la película estadounidense Miedo y asco en Las Vegas (Fear and Loathing in Las Vegas), dirigida por Terry Gilliam e interpretada por Johnny Depp, Benicio del Toro, Craig Bierko, Tobey Maguire, Michael Jeter, Ellen Barkin, Christina Ricci, Gary Busey, Cameron Diaz, Jenette Goldstein, Christopher Meloni, Katherine Helmond, Mark Harmon, Harry Dean Stanton. Productora: Universal Pictures, Summit Entertainment, Fear and Loathing LLC, Rhino Films, Shark Productions. Duración: 119 minutos. 

Sinopsis argumental: Un periodista y un misterioso abogado que viajan en un descapotable rojo se dirigen, a través del desierto, a Las Vegas. El maletero del coche es una auténtica farmacia: dos bolsas de marihuana, 75 pastillas de mescalina, 5 hojas de ácidos y muchas otras drogas. 

Comentario: Terry Gilliam, el niño travieso de Hollywood, y autor de Los caballeros de la mesa cuadrada o El sentido de la vida, dirige esta inclasificable película. Su estilo es inconfundible y la mezcla de personajes estrambóticos dentro de situaciones inverosímiles es su sello de identidad. Los protagonistas son dos tipos, drogados hasta las patillas, convencidos de vivir su auténtico sueño americano, y que ven su realidad según la percepción que les causa las drogas. Las escenas ilógicas y las alucinaciones encadenan las secuencias de la cinta, y tan solo se interrumpen con la intervención de los demás personajes. La película es una historia transgresora y delirante, y una crítica, al fin y al cabo, de ese mundo tramposo que engancha y mata a la vez.

Clásicos de cine: El manantial

El manantial (The Fountainhead, 1949) sigue fielmente la trama argumental básica de la novela homónima, aunque dejando fuera muchas subtramas del libro. Fue dirigida por King Vidor y el reparto estuvo compuesto, entre otros actores, por Gary Cooper (Howard Roark), Patricia Neal (Dominique Francon), Raymond Massey (Gail Wynand) y Kent Smith (Peter Keating). El guion fue escrito por la propia Ayn Rand, autora de la novela, y controlado minuciosamente por ella misma de una forma completamente desacostumbrada en Hollywood, donde los estudios se toman todo tipo de libertades con los guiones originales. En varias ocasiones durante el rodaje, Ayn amenazó con suspender todo el proyecto si el guion sufría la más leve modificación.

La película trata de Howard Roark (Gary Cooper) es un arquitecto vanguardista, ávido de romper con todo lo hecho hasta ahora en los terrenos de la arquitectura. Dominique Francon (Patricia Neal) es una columnista del periódico The Banner de New York que también ama la individualidad y todo lo que libere al hombre de la esclavitud de las ideas. Juntos, pero "separados", iniciarán una guerra contra el mundo de lo convencional. 

Ayn Rand quería que los diseños arquitectónicos que aparecen en la película fuesen hechos por Frank Lloyd Wright, el arquitecto real que inspira parcialmente al arquitecto de ficción, Howard Roark. Lloyd Wright pedía tanto dinero por sus diseños que los estudios vetaron esta posibilidad.

Ni Gary Cooper ni Ayn Rand quedaron satisfechos con la película. Gary Cooper, quizás ya demasiado mayor para un papel que en el libro corresponde a un hombre joven, pronunció el famoso discurso final sin entenderlo realmente, cosa que se nota en la entonación y en el énfasis. Incluso se disculpó ante Ayn Rand y le ofreció volver a rodar la escena, oferta que Ayn rechazó. Ayn Rand tuvo que luchar mucho para mantener la integridad del guion, y aun así tampoco quedó satisfecha con la película, llegando a afirmar que lo único bueno que tenía era que conseguiría nuevos lectores para la novela. No obstante, la película es muy apreciada hoy en día en círculos objetivistas.

Cumplió 25 años: Mad City

El 10 de octubre de 1997 se estrenó la película estadounidense Mad City, dirigida por Costa-Gavras e interpretada por Dustin Hoffman, John Travolta, Alan Alda, Mia Kirshner, Blythe Danner, Robert Prosky, William Atherton, Ted Levine, Tammy Lauren, William O'Leary, Raymond J. Barry, Scanlon Gail. Productora: Warner Bros. Duración: 115 minutos. 

Sinopsis argumental: Después de haber sido despedido, el vigilante de un museo (Travolta) secuestra a un grupo de niños con el fin de recuperar su puesto de trabajo. Un veterano reportero (Hoffman) que necesita recuperar el prestigio perdido, intenta conseguir la primera crónica del suceso.

Comentario: Ácida crítica la que ofrece el film hacia la telebasura o la información a cualquier precio. Con clara inspiración en El gran carnaval de Billy Wilder, Costa-Gavras pone el dedo en una dolorosa llaga de la sociedad de la información: la búsqueda del morbo en la pequeña pantalla, la facilidad con que los canallas se convierten en héroes o viceversa, etc. Pese a los dardos envenenados que el director lanza al personaje de Dustin Hoffman, también le dota de humanidad, al advertir poco a poco las consecuencias de sus deseos de protagonismo. Brillantes están también John Travolta como el asustado vigilante que se divierte con los niños, y Alan Alda como periodista sin escrúpulos.

Cumplió 25 años: La caja china

El 4 de septiembre de 1997 se estrenó la película estadounidense La caja china (Chinese Box), dirigida por Wayne Wang e interpretada por Jeremy Irons, Gong Li, Maggie Cheung, Ricky Hui, Rubén Blades, Jared Harris, Josie Ho, Ralph Lister, François Chau, Ken Bennett, Winston Ellis. Productora: Coproducción Estados Unidos-Francia-Japón; WW Productions, NDF International, Pony Canyon, Canal+. Duración: 110 minutos.

Sinopsis argumental: Hong Kong, Nochevieja de 1996. En la colonia británica, donde se entremezclan como en ningún otro lugar del mundo, comunismo y capitalismo, tradición y modernidad, se celebra la entrada de un año histórico: el que pondrá fin al colonialismo inglés. John (Jeremy Irons), un periodista británico, especializado en finanzas, que vive en Hong Kong desde hace quince años, está enamorado de Vivian (Gong Li), una antigua prostituta que vive con Chang (Michael Hui), un hombre de negocios que no se casa con ella por su pasado. John recibe la noticia de que tiene leucemia y de que sólo le quedan unos meses de vida, más o menos lo que falta para que Hong-Kong vuelva a estar bajo soberanía china. 

Nominaciones y premios: Festival de Venecia: Mejor música; nominado al León de Oro.

Comentario: Lu historia estuvo parcialmente basada en la novela de Paul Theroux Kowloon Tong. La película fue rodada en Hong Kong en la época de la transferencia de la soberanía a la República Popular de China llevada a cabo el 30 de junio de 1997.