"I Want Your Sex": Una relación tóxica

I Want Your Sex (2026), dirigida por Gregg Araki con Olivia Wilde, Cooper Hoffman, Charli XCX, Daveed Diggs, Mason Gooding, Chase Sui Wonders, Johnny Knoxville, Margaret Cho y Roxane Mesquida.

Sinopsis: Cuando el joven Elliot (Cooper Hoffman) consigue trabajo con la provocadora artista Erika Tracy (Olivia Wilde), sus fantasías se hacen realidad en el momento en que ella lo invita a convertirse en su musa sexual. Pero pronto Elliot se siente abrumado al ser arrastrado por Erika a un mundo de sexo, obsesión, poder y traición.

A partir de esta historia de un becario ingenuo que cae bajo el yugo sadomasoquista de su jefe, Gregg Araki extrae una sátira insolente y disparatada de nuestra sociedad mojigata.

Retrospectiva: Ladrón de bicicletas

Ladrón de bicicletas (Ladri di biciclette, 1948), de Vittorio De Sica con Lamberto Maggiorani, Enzo Staiola, Lianella Carell, Gino Saltamerenda, Vittorio Antonucci, Giulio Chiari.

Sinopsis: En la Roma de la posguerra, Antonio, un obrero en paro, consigue un sencillo trabajo pegando carteles a condición de que posea una bicicleta. De ese modo, a duras penas consigue comprarse una, pero en su primer día de trabajo se la roban. Es así como comienza toda la aventura de Antonio junto con su hijo Bruno por recuperar su bicicleta mientras su esposa María espera en casa junto con su otro hijo. 

El gran Vittorio De Sica filmó una de las obras cumbres del neorrealismo, con actores no profesionales, como Lamberto Maggiorani, el protagonista, un auténtico parado de la construcción. Basada en una novela de Luigi Bartolini que tuvo cierto éxito, la película traza un retrato de las dificultades de la vida en Italia durante la postguerra. Lo mejor y más entrañable es la relación entre el protagonista y su hijo, que le tiene idealizado.

Obra maestra del neorrealismo italiano que forma, junto con Milagro en Milán (Miracolo a Milano, 1951) y Umberto D. (1952), la famosa trilogía de De Sica. La posguerra, la pobreza, la dignidad, la familia... Pocas veces con tan pocos recursos se contó tanto. Una de las grandes películas de la historia del cine.

"Yakushima's Illusion", una ficción onírica

Yakushima's Illusion (L'Illusion de Yakushima, 2025), de Naomi Kawase con Vicky Krieps, Kan'ichirô Satô y Kanichiro. 

Sinopsis: La película sigue a Corry, una joven francesa que trabaja como coordinadora de enfermería de trasplantes cardíacos pediátricos. Tras completar su formación en hospitales parisinos, será enviada a un hospital a Japón para mejorar el funcionamiento de un departamento donde los trasplantes de órganos siguen siendo un tema tabú. Corry lucha a diario para completar con éxito el trasplante de un joven paciente de unos doce años.

Una película contemplativa y con conciencia social. Naomi Kawase presenta su último trabajo, donde combina la sensibilidad femenina, la naturaleza y el tema, más complejo para ella, de los vínculos emocionales.

Hace 100 años: The Home Maker

El 9 de agosto de 1925 se estrenó estadounidense The Home Maker, dirigida por King Baggot e interpretada por Alice Joyce, Clive Brook, Billy Kent Schaefer, Maurice Murphy, Julie Bishop, Frank Newburg, George Fawcett, Margaret Campbell, Martha Mattox, Alfred Fisher, Alice Flower, Virginia True Boardman, Elaine Ellis, Mary Gordon, Lloyd Whitlock. Productora: King Baggot, Universal Pictures. Duración: 80 minutos. 

Sinopsis argumental: La vida de un hombre parece desmoronarse. Está desmotivado con su trabajo, no le tienen en cuenta para un ascenso y, cuando la presión se vuelve insoportable, trata de suicidarse, pero fracasa también en eso y sólo logra lisiarse. A partir de entonces, se queda en casa con los niños y escribe, mientras su esposa ocupa un puesto comercial. Ambos están tan contentos con el cambio de circunstancias que, cuando el marido descubre que puede volver a usar sus extremidades, le ruega al médico de familia que no revele el hecho, para que no se arruine la felicidad de la familia.

Comentario: Se conserva una copia de The Home Maker en el UCLA Film and Television Archive.

Pura nostalgia: El diablo se viste de Prada

El diablo viste de Prada (Devil's Wear Prada, 2006), de David Frankel, se basa en una novela de Lauren Weisberger.

En el vertiginoso mundo de la moda de Nueva York, la cumbre del éxito la representa la revista Runway, dirigida con mano de hierro por Miranda Priestly (Meryl Streep). Trabajar como ayudante de Miranda podría abrirle cualquier puerta a Andy Sachs (Anne Hathaway), si no fuera porque es una chica que destaca por su desaliño estilo dentro del grupo de guapísimas periodistas de la revista. Andy comprende muy pronto que para triunfar en ese negocio va a necesitar algo más que iniciativa y preparación. Y la prueba está delante de ella, vestida de pies a cabeza de Prada. El personaje de Meryl Streep se inspira en Anna Wintour, directora de Vogue en los Estados Unidos.

Lo

La película critica de forma elegante la frivolidad del mundillo de la moda, a través de personajes tan manipuladores como superficiales, capaces de juzgar a las otras personas únicamente por los zapatos que llevan. Se pone así en solfa la obsesión por las mujeres estilizadas y los gustos estéticos que están de moda en la actualidad, y que dan lugar a la polémica en las pasarelas. De esta forma, en un momento de la acción, Miranda llega a insultar a Andrea, la protagonista, calificándola de "gorda". Y eso que la actriz que la interpreta, Anne Hathaway, protagonista de Princesa por sorpresa, no es precisamente una muchacha oronda. También realiza un sarcástico retrato del mundo laboral, donde prima la ambición y se corre el peligro de dejar en un segundo plano las relaciones humanas, por un exceso de celo.

Efemérides de cine: Manila en las garras de las tinieblas

El 16 de julio de 1975 se estrenó la película filipina Manila en las garras de las tinieblas (Maynila: Sa mga kuko ng liwanag), dirigida por Lino Brocka. interpretada por Hilda Koronel, Bembol Roco, Lou Salvador Jr., Joonee Gamboa, Pio De Castro III, Danilo Posadas, Joe Jardi, Spanky Manikan, Edipolo Erosido, Pancho Pelagio, Purita Yap, Josephine Gutierrez, Gina Zegui, Ronnie Magalong, Anna Marie Nicolas, Victor Diendo, Lily Gamboa Mendoza, Abelardo Reyes. Productora: Cinema Artists. Duración: 126 minutos. 

Sinopsis argumental: Julio (Bembol Roco), un pescador, viaja a Manila en busca de su amor perdido, Ligaya (Hilda Koronel). Entra en una obra y descubre las injustas prácticas laborales, condiciones laborales peligrosas y distintas tendencias políticas entre sus compañeros. Se ve mezclado en una red de prostitución masculina, descubriendo que Ligaya trabaja en un burdel. Considerada la mejor película filipina de todos los tiempos. 

Comentario: Basada en la novela In the Claws of Brightness de Edgardo M. Reyes. Es una de las muchas películas filipinas estrenadas durante la era Marcos, que duró hasta la revolución de 1986, y, en retrospectiva, una de las pocas que obtuvo reconocimiento internacional. Es ampliamente considerada como la mejor película filipina de todos los tiempos por los votantes, especialmente por los cineastas y críticos locales e internacionales. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno, 

Celebrando la promoción del "99" (XII)

Trabajo basura (Office Space), de Mike Judge

Por qué es importante: Mike Judge hizo que todos los empleados atados a sus cubículos y los trabajadores por turnos descontentos se sintieran reconocidos con esta comedia protagonizada por Ron Livingston y Jennifer Aniston en un elenco de personajes anodinos pero identificables. Su cinismo hilarante se quedó grabado en la memoria colectiva de los Estados Unidos, y nunca volvimos a mirar una grapadora de la misma manera.

Por qué se mantiene: La visión catártica de Peter, Michael y Samir destrozando una máquina de fax al son de los Geto Boys llegó mucho antes de los videos de Corporate Natalie y los memes de "apaga la computadora portátil de golpe", pero si los chistes en el lugar de trabajo de las redes sociales son una indicación, todavía somos engranajes de la máquina corporativa. Yeeeahh, la encuesta dice que esta comedia nunca dejará de sonar verdadera.

Qué ver a continuación: Sumérgete en los sombríos matices de esta comedia y pregúntese "¿qué hubiera pasado si…?" a través de la alucinante serie de misterio de ciencia-ficción, Separación (Severance). Si eso es demasiado deprimente, la comedia distópica de Judge, Idiocracia (Idiocracy, 2006), al menos inyecta algo de tontería en su oscura (y demasiado reconocible) visión del futuro.

Las veinte mejores películas de John Ford (V)

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5. ¡Qué verde era mi valle! (How Green Was My Valley, 1941)

En un pueblo minero de Gales viven los Morgan, todos ellos mineros y orgullosos de serlo y también de respetar las tradiciones y la unidad familiar. Sin embargo, la bajada de los salarios provocará un enfrentamiento entre el padre y los hijos; porque mientras éstos están convencidos de que la unión sindical de todos los trabajadores es la única solución para hacer frente a los patronos, el cabeza de familia, en cambio, no quiere ni siquiera oír hablar de sindicatos ni de socialismo.

Roddy McDowall, Donald Crisp, Barry Fitzgerald, Richard Fraser, John Loder y Rhys Williams en ¡Qué verde era mi valle! (1941)

Ciudadano Kane (Citizen Kane), de Orson Welles, sin duda una obra clave y revolucionaria de la historia del cine, no fue la ganadora del Oscar a la mejor película del año 1941: perdió ante este magistral melodrama que narra la vida de una familia minera de Gales, vista bajo los ojos de su miembro más joven, un pequeño Roddy McDowall estupendo como protagonista y narrador. Un bello canto a los valores familiares que arrancó el alma del best-seller de Richard Llewellyn.

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Cumplió 25 años: Trabajo basura

El 19 de febrero de 1999 se estrenó la película estadounidense Trabajo basura (Office Space), dirigida por Mike Judge e interpretada por Ron Livingston, Stephen Root, Gary Cole, Jennifer Aniston, David Herman,  Ajay Naidu, Diedrich Bader, Richard Riehle, Alexandra Wentworth, Joe Bays, John C. McGinley. Productora:20th Century Fox, 3 Arts Entertainment. Duración: 90 minutos. 

Sinopsis argumental: Harto de su trabajo como programador informático y de su jefe, Peter Gibbons se propone que le despidan para cobrar una buena indemnización y dedicarse a la buena vida junto a una joven camarera llamada Joanna, que es en realidad la que le anima a seguir por ese camino. Pero sus múltiples acciones para conseguir el despido, entre las que figuran llegar tarde o no presentarse al trabajo, son consideradas como una nueva y revolucionaria manera de trabajar, lo que, contra todo pronóstico, le suponen un aumento de sueldo y un ascenso. 

Comentario:E sta sátira del mundo empresarial norteamericano supone el primer largometraje en imagen real de Mike Judge, el responsable de dar vida a los personajes de televisión Beavis y Butt-Head. 

“Fallen Leaves”, de Aki Kaurismäki en cinco imágenes

Llega a los cines Fallen Leaves (Kuolleet lehdet, 2023), ganadora del premio del jurado en Cannes. 

El cineasta finlandés Aki Kaurismäki, más conocido por sus trabajos sobre el proletariado de su país, regresa con Fallen Leaves, una brillante comedia. La película se centra en personajes del proletariado finlandés. Alma Pöysti y Jussi Vatanen que interpretan a dos solitarios que se encuentran por casualidad en Helsinki e intentan encontrar su primer, único y último amor.

Los fans del cineasta no se desanimarán: ¡esto es puro Kaurismäki! Incluso la actriz de la película, Alma Pöysti, tiene un parecido asombroso con Kati Outinen, musa del director, a quien dirigió en once películas. Nos sumerge en una Finlandia atemporal, filmada con un estilo propio de los años 1970. Pero esta vez, el director abre nuevos caminos. Fallen Leaves es mucho más divertida que la mayoría de sus películas. Pero es un humor seco, chirriante y desesperado. No hay nada divertido en la vida cotidiana de los dos protagonistas, que permanecen en el anonimato durante la mayor parte de la película. Encontramos la austeridad tan querida por Kaurismäki, los tristes bares de las afueras rodeados de obras y oscuros callejones de fríos muros.

En un entorno así, es fácil comprender por qué los protagonistas prefieren permanecer en silencio y ahogar su vida cotidiana en el alcohol. Pero el encuentro de estos dos tristes seres es inmensamente conmovedor por su dulzura y su poesía agridulce. Nadie filma al proletariado con tanto talento y amor como Kaurismäki, lo que hace de Fallen Leaves un largometraje profundamente conmovedor.

Fallen Leaves es el vigésimo largometraje del director y guionista finlandés Aki Kaurismäki. La obra constituye la conclusión de su llamada serie proletaria, que comenzó con Shadows in Paradise (1986), Ariel (1988) y The Girl from the Match Factory (1990) y fue diseñada originalmente como una trilogía. El título hace referencia a la chanson francesa Les feuilles mortes de Joseph Kosma y Jacques Prévert.​

Tiempos modernos, la película en imágenes (III)

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(6) Sin embargo, la vida fuera de la cárcel está llena de peligros, e intenta en vano que lo detengan de nuevo. Cuando una joven huérfana, que huye de las autoridades, roba una barra de pan, hace todo lo posible porque le echen a él la culpa. 

(7) Luego los dos deciden unir sus fuerzas. Un trabajo como vigilante nocturno en unos grandes almacenes termina de nuevo en desastre y encarcelamiento. Tras volver a la libertad encuentra nuevamente trabajo en la fábrica, pero una huelga vuelve a ponerlo en la calle. 

(8) Mientras tanto la chica se ha hecho bailarina  de un cabaret, en donde le dan trabajo como camarero-cantante. Cuando todo acaba nuevamente mal. 

(9) Charlot y la huérfana huyen perseguidos por las autoridades. En el último plano se les ve caminando por una carretera campestre cogidos de la mano. 

Tiempos modernos, la película en imágenes (II)

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(1) Charlot interpreta a un trabajador fabril cuya misión consiste en ir apretando las tuercas de una inacabable serie de piezas que le van llegando sobre una cinta transportadora.

(2) Le utilizan como un conejillo de Indias para probar un nuevo mecanismo destinado a aumentar la productividad, una máquina que alimenta automáticamente a los hombres mientras trabajan. 

(3) Finalmente se derrumba a causa de la tensión, se pone como un loco y le envían a un sanatorio mental. 

(4) Una vez dado de alta, entra a formar parte del gran ejército de los desempleados. recoge una bandera roja que se ha caído de un camión, y sin darse cuenta, congrega tras de sí una gran manifestación, por lo que es detenido bajo la acusación de ser un agitador comunista. 

(5) En la cárcel, impide accidentalmente un motín, por lo que le devuelven la libertad. 

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Tiempos modernos, la película en imágenes (I)

Chaplin consideraba al cine sonoro como la ruina de "el arte más antiguo del mundo, el arte de la pantomima". En su opinión, las películas habladas aniquilaban " la gran belleza del silencio". Tiempos modernos (Modern Times, 1936), como una película muda con la única excepción de la voz del propio Chaplin, al que se oyó por primera vez en la pantalla cantando una canción sin pies ni cabeza, las únicas voces de la película eran las que surgían de pantallas de televisión o altavoces. Tiempos modernos fue, asimismo, la última aparición de Charlot, el famosísimo vagabundo, vestido con unos pantalones demasiado grandes, una chaquetilla ajustada, bombín y un cuello blanco y un deportivo bastón que parecía indicar su caballero arruinado. Este personaje que había aparecido por primera vez en la gran pantalla veintidós años antes, concretamente en 1914, y había alcanzado una aceptación universal superior a la de cualquier imagen humana de ficción conocida hasta entonces. 

Tiempos modernos no fue muy bien recibida por los críticos de la época. Se acusó a Chaplin de intentar ser algo más que un "clown", y de querer convertirse en algo así como un filósofo popular. Al mismo tiempo, se le reprochó que se había quedado anticuado al no aceptar el sonido; después de todo, aquella era la etapa de los actores cómicos como los hermanos Marx, Mae West y W. C. Fields. Los críticos señalaron que, en lo que se refería a la técnica cinematográfica, había aprendido muy poco desde 1914. También fue inevitable que se atribuyesen implicaciones. 

Pero el arte de Chaplin ha sobrevivido a todas estas críticas. Tiempos modernos parece más fresca y original actualmente que en el momento de su estreno. La principal cualidad de la película (una característica de la mejor obra de Chaplin), no es tanto su "modernidad" como su "intemporalidad". El universo de Chaplin no corresponde a ninguna época concreta, sino que parece pertenecer a cualquier momento. 

Aunque el mundo de Tiempos modernos es el mundo de la Gran Depresión americana de 1929, todo lo que en ella se cuenta, trabajo en cadena, huelgas, disturbios, drogas, manifestaciones, contaminación urbana, la inhumana rigidez de las burocratizadas instituciones sociales, etc., tiene que ver con la realidad cualquier tiempo presente. Al mismo tiempo, y mientras los temas de la película son los típicos de ahora o de hace 50 años, los personajes y los sentimientos son más propios del siglo XIX. Cuando Chaplin habla de los pobres y desposeídos, muestra las duras condiciones de vida de la clase obrera o habla del personaje de la joven extraviada la por entonces su esposa Paulette Goddard, se está remontando a El chico (The Kid, 1921), y todavía más allá, a su propia niñez en los barrios pobres y orfelinatos de la Inglaterra victoriana. 

Pero donde el genio de Chaplin se revela en todo su esplendor es en la escena en la que, queriendo mostrarse amable, recoge la bandera roja que se acaba de caer de un camión y empieza a correr detrás de él sin darse cuenta que a sus espaldas se va formando una gigantesca manifestación. Resulta imposible decir si la escena es cómica o trágica. En cualquier caso, sigue siendo una de las grandes representaciones simbólicas del hombre como víctima de su destino.

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Cumplió 25 años: Un día inolvidable

El 20 de diciembre de 1996 se estrenó la película estadounidense Un día inolvidable (One Fine Day), dirigida por Michael Hoffman e interpretada por Michelle Pfeiffer, George Clooney, Mae Whitman, Alex D. Linz, Charles Durning, Joe Grifasi, Ellen Greene, Peter Hamill, Jon Robin Baitz, Amanda Peet, Sheila Kelley, George Martin, Holland Taylor, Anna Maria Horsford, Rachel York, Marianne Muellerleile, Sidney Armus, Gregory Jbara, Michael Massee, Robert Klein, Victor Truro, Michael Badalucco, Michael Genet. Productora: 20th Century Fox, Via Rosa Productions, Fox 2000 Pictures. Duración: 109 minutos. 

Sinopsis argumental: Melanie Parker (Michelle Pfeiffer) trabaja como arquitecta en Nueva York mientras cría a su único hijo. Es una mujer dedicada íntegramente a su trabajo que vive alejada de los hombres, de los que no quiere saber nada. Por su parte Jack Taylor (George Clooney) es un periodista divorciado que también tiene que hacerse cargo de su hija. Al igual que Melanie, carece de vida sentimental. Sin embargo, el destino hará que ambos se encuentren.

Nominaciones y premios: Nominada al Oscar: Mejor canción original; Nominada al Globo de Oro: Mejor canción original.

Comentario: Michael Hoffman dirige esta comedia que pretende retomar el estilo de las películas clásicas protagonizados por Katharine Hepburn y Spencer Tracy. Como protagonistas, el cineasta contó con Michelle Pfeiffer (también productora ejecutiva de la cinta) y George Clooney, quien, tras triunfar en la pequeña pantalla gracias al papel de Doug Ross en Urgencias, dio el salto con éxito al cine gracias a esta película y a la anterior, Abierto hasta el amanecer. Como curiosidad, la película, que debe su título original a un tema de The Chiffons llamado One Fine Day, logró una nominación al Oscar a la mejor canción por For the First Time, compuesta por James Newton Howard, Jud Friedman y Allan Dennis Rich. Estos dos últimos ya habían sido nominados anteriormente en esta categoría por Run to you de El Guardaespaldas.

Cumplió 25 años: Un loco a domicilio

El 10 de junio de 1996 se estrenó la película estadounidense Un loco a domicilio (The Cable Guy), dirigida por Ben Stiller con Jim Carrey, Matthew Broderick, Leslie Mann, George Segal, Diane Baker, Jack Black, Owen Wilson, Harry O'Reilly, David Cross, Janeane Garofalo, Andy Dick, Ben Stiller, Eric Roberts. Productora: Columbia Pictures/Brillstein-Grey Entertainment/Licht/Mueller Film Corporation. Duración: 96 minutos.

Sinopsis argumental: Steven Kovacs es un joven que acaba de romper con su novia y que pretende instalar en su casa un servicio de televisión por cable de forma gratuita. Pero Kovacs se encuentra con un instalador un tanto peculiar, que busca incansablemente un amigo con el que compartir su vida. Desde el momento en el que el "Chico del Cable" entra en casa del protagonista, intenta adentrarse en la vida de éste hasta arruinársela... y poco a poco se va convirtiendo en un ser peligroso, capaz de hacer cualquier cosa por mantener la incipiente amistad con su cliente.

Comentario: Ben Stiller, conocido por sus trabajos como actor en películas como Algo pasa con Mary y Los padres de ella, fue el director de esta comedia negra, cuyo gran reclamo era la presencia del histriónico Jim Carrey. Pese a la presencia del cómico de Ace Ventura, un detective diferente, la cinta no funcionó tan bien como esperaban sus productores, quizás a causa de su humor, más retorcido y amargo de lo habitual. Completan el reparto Matthew Broderick y la bella Leslie Mann.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (XX)

Tiempos modernos (Modern Times, 1936), de Charles Chaplin

Largometraje escrito y dirigido, por Charles Chaplin, que fue también el actor principal. Esta película es un reflejo de las condiciones desesperadas de las cuales era víctima un empleado de la clase obrera en la época de la Gran depresión, en la visión dada por la película, por la eficiencia de la industrialización y la producción en cadena. Tiempos modernos muestra escenas de corte futurista de la fábrica en la que trabaja Charlot que podrían tener influencia de la película de Fritz Lang Metrópolis y de la famosa ilustración Mechanophobia de John Vassos, aparecida en 1931. Fue la primera película de Charles Chaplin en la que a este se le puede escuchar su voz mientras canta en el bar. El actor canta una versión de la canción de Léo Daniderff «Je cherche après Titine», pero con una lengua inexistente, conocida como «Charabia», cuyos sonidos tratan de asemejarse a una mezcla de francés e italiano, con alguna palabra reconocible en inglés. Es una mezcla entre el cine mudo y el sonoro; a veces es considerada como la última película muda de la historia. Se emplearon algunos efectos auditivos, como música, cantantes y voces provenientes de radios y altavoces así como la sonorización de la actividad de las máquinas. Considerada como un ejemplo de crítica social, el mismo Chaplin negó la relevancia que muchos han querido darle a su trabajo en este largometraje. En la obra se mezcla la ficción con la realidad, para tomarla con un poco de humor.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (XV)

Baby Face (Carita de ángel) (Baby Face, 1933), de Alfred E. Green

El Hollywood Pre-Code tiene uno de sus más famosos e interesantes exponentes en esta película de Alfred E. Green. Parece ser que Carita de ángel fue la “respuesta” de Warner Bros. a la Metro-Goldwyn- Mayer por el estreno de La pelirroja (Red-Headed Woman, 1932), probablemente más divertida y descarada, con una Jean Harlow más espectacular de lo que vemos aquí a Barbara Stanwyck como Lily Powers —sugerente apellido—, que está más dispersa. Es como si a Alfred E. Green lo que más le importara fuera dejar claro que Stanwyck puede hacer lo que quiera contigo, por las veces en las que enfoca su cara con el gesto de sugerencia al hombre de turno, haciendo honor al título del film en España. 

A pesar de estar concebida como un vehículo estándar, para el lucimiento de La Stanwick a quien Capra ya había puesto en órbita y dirigida por un hombre de la casa, la Warner, con esta y otras películas dejó testimonio de un país en depresión, cuyas gentes se buscaban la vida como podían. Que esto lo hiciera visible una mujer utilizando "sus encantos" y que ademas no tuviera escrúpulos por ello fue un escándalo que la reciente censura no permitió, obligando a modificar el final y a tergiversar las palabras de Nietsche en las que la protagonista encuentra justificación a sus hechos para con una sociedad clasista y machista que la condenaba a prostituirse de por vida sin nada a cambio. Significativo es que su "venganza" y ascenso la ejecute en un Banco al que llega a hundir aprovechándose de cada uno de sus peldaños. Peldaños que si bien están a distinto nivel en el fondo son todos iguales.

Cumplió 25 años: Tommy Boy

El 31 de marzo de 1995 se estrenó la película Tommy Boy, dirigida por Peter Segal e interpretada por Chris Farley, David Spade, Bo Derek, Rob Lowe, Brian Dennehy, Julie Warner, Sean McCann. Productora: Paramount Pictures. Duración: 98 minutos.

Sinopsis argumental: Tommy Callahan Jr. nunca ha sido un gran estudiante, más bien un auténtico desastre más interesado en las juergas universitarias que en los libros. Después de siete años de retraso consigue graduarse y debe regresar a Ohio, donde trabajará en el negocio familiar. Al llegar se encuentra con una serie de cambios, entre ellos la nueva y explosiva mujer de su padre, Beverly, y el hijo de ésta, ambos muy ambiciosos. Su padre sufre un ataque al corazón y muere, y todo parece que va a desmoronarse. Sin embargo, Tommy se pone al frente de la empresa.

Nominaciones y premios:  Nominada a los Premios Razzie: Peor actriz secundaria (Bo Derek).

Comentario: Protagonizada por ex miembros de Saturday Night Live y amigos cercanos Chris Farley y David Spade. Este fue el primer trabajo de dos que tuvo el dúo en la pantalla grande, siendo el otro largometraje Oveja negra (Black Sheep), estrenado en 1996.

Hace 25 años: Un poeta entre reclutas

El 3 de junio de 1994 se estrenó la película estadounidense Un poeta entre reclutas (Renaissance Man), dirigida por Penny Marshall e interpretada por Danny DeVito, Gregory Hines, James Remar, Cliff Robertson, Richard T. Jones, Mark Wahlberg. Productora: Cinergi Pictures Entertainment/Parkway Productions/Touchstone Pictures. Duración: 130 minutos. 

Sinopsis argumental: Cuando Bill Rago pierde su lucrativo empleo de ejecutivo de publicidad, se da cuenta de que no está cualificado para nada más. En la oficina de desempleo sólo pueden ofrecerle un contrato a corto plazo como profesor de educación general básica de un grupo de soldados inadaptados.

Comentario: La película hace un retrato amable del ejército, que ha prestado gustoso su colaboración. No en vano el film de Penny Marshall ha sido calificado de El club de los poetas muertos en clave castrense. Desde luego que su título en España no muestra recato alguno a la hora de subirse al carro del célebre profesor Keating. Lo cierto es que ambas películas comparten la intención de despertar en el espectador el interés por las humanidades y concretamente, en el caso que nos ocupa, por Shakespeare.

Cine y trabajo (XXX)

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291.- Onslaught (2016). Grecia. Dirección: Vassilis Vafeas. Interpretación: Nikos Poursanidis, Amalia Arseni, Takis Papamattheou, Margarita Panousopoulou, Thanasis Kourlampas, Rita Antonopoulou, Maria Katsandri, Stavros Mermigis. Música: Thanos Mikroutsikos. Fotografía: Kostis Gikas. Productora: Greek Film Center/Hellenic Radio & Television (ERT)/Sigma Film/Sklavis & Co./Tonikon. Drama. Teatro. Política. Trabajo. Empleo. Color. Duración: 78 minutos. 

292.- Maquinaria Panamericana (2016). México. Dirección: Joaquin del Paso. Interpretación: Javier Zaragoza, Ramiro Orozco, Irene Ramirez, Edmundo Mosqueira, Delfino López, César Panini, Javier Camacho, Israel Ruiz, Regina DuPacci, Cecibon Garcia. Guion: Lucy Pawlak, Joaquin del Paso. Música: Christian Paris. Fotografía: Fredrik Olsson. Productora: Coproducción México-Polonia; Amondo Films/Blac Maria/FOPROCINE/Mantarraya/Estudios Churubusco/Terminal/The Polish National Film School in Loodz. Drama. Comedia. Sátira. Comedia absurda. Trabajo. Empleo. Color. Duración: 86 minutos. Premios Ariel: Mejor guion original. Parece un viernes de trabajo cualquiera en Maquinaria Panamericana S.A., una empresa especializada en la venta y reparación de maquinaria para la construcción y la destrucción. Los empleados se preparan para el codiciado fin de semana, perdiendo el tiempo en pequeños rituales y rutinas, hasta que un giro inesperado los saca de su pacífica monotonía. Don Alejandro, el dueño de la compañía es encontrado muerto en una bodega de refacciones. El descubrimiento lo cambia todo: la compañía está en quiebra, los trabajadores de la tercera edad no tienen ninguna perspectiva de empleo y nadie recibirá compensación por su trabajo. En un estado de confusión, miedo y tristeza, los trabajadores deciden encerrarse en la compañía. 

293.- Pareciera que amanece (2017). Perú. Dirección: Mateo Krystek. Interpretación: Rodrigo Ahumada, Elisa Tenaud, André Silva. Guion: Mateo Krystek, Rafael de Orbegoso, Rodrigo Ahumada. Música: Santiago Barriga. Fotografía: Fernando Cobian. Productora: RIP Films. Drama. Trabajo. Empleo. Cortometraje. Color. Duración: 20 minutos. Dante trabaja editando reportajes violentos en un canal de televisión nocturno. Mientras se encuentra sumergido en la rutina, varios encuentros a lo largo de un día le harán darse cuenta de que se ha convertido en alguien que jamás pensó ser.
 

294.- Crash Test Aglaé (2017). Francia. Dirección: Eric Gravel. Interpretación: India Hair, Julie Depardieu, Yolande Moreau, Anne Charrier, Frédérique Bel, Tristán Ulloa, Adil Hussain, Hanns Zischler, Danial Maratov, Alisher Maratov. Guion: Eric Gravel, Fabrice de Costil. Música: Philippe Deshaies, Lionel Flairs, Benoit Rault. Fotografía: Gilles Piquard. Productora: Novoprod/Centre National de la Cinématographie (CNC) / Région Ile-de-France/Région Grand Est/Cinéfeel Prod/Cinéfeel 2/Vamonos Films/Aglaé Production/Caravane Films/Anaphi Invest/Navarino. Comedia. Trabajo. Empleo. Color. Duración: 85 minutos. La película narra la historia de una joven obrera psicorígida cuyo único punto de referencia en la vida es su trabajo.Cuando le dicen que su fábrica va a sufrir una re-localización salvaje, ella acepta, ante el asombro de la propia empresa, de continuar su trabajo en la India. Acompañada por dos compañeras, va a emprender un absurdo periplo en coche hasta el otro lado del mundo que se transformará en una improbable búsqueda personal. 

295.- En el séptimo día (On the Seventh Day, 2017). Estados Unidos. Dirección: Jim McKay. Interpretación: Fernando Cardona, Gilberto Jiminez, Abel Perez, Genoel Ramírez, Mathia Vargas, Alex Tragellis, Alfonso Velazquez, Alejandro Huitzil, Gilberto Arenas, Loren Garcia, Christopher Gabriel Núñez, Donal Brophy. Guion: Jim McKay. Fotografía: Charles Libin. Productora: C-Hundred Film Corp. Drama. Cine independiente USA. Inmigración. Trabajo. Empleo. Color. Duración: 97 minutos. Un grupo de inmigrantes mexicanos indocumentados trabajan seis días a la semana y saborean su día de descanso en los campos de fútbol de Brooklyn.

296.- El vals del autónomo (2017). España. Dirección: Alberto Utrera. Interpretación: Nacho López. Guion: Alberto Utrera. Fotografía: Christian Reyes. Productora: MoA Studio. Drama. Comedia. Trabajo. Empleo. Comedia dramática. Color. Cortometraje. Duración: 2 minutos. Administrativo, diseñador, comercial, contable, community… La supervivencia del autónomo pasa por hacer todos los trabajos a la vez y no morir en el intento.