Cumplió 25 años: La leyenda del pianista en el océano

El 28 de octubre de 1998 se estrenó la película italiana La leyenda del pianista en el océano (La leggenda del pianista sull'oceano AKA The Legend of 1900), dirigida por Giuseppe Tornatore e interpretada por Tim Roth, Pruitt Taylor Vince, Mélanie Thierry, Bill Nunn, Clarence Williams III, Peter Vaughan, Niall O'Brien, Gabriele Lavia, Harry Ditson, Vernon Nurse, Angelo Di Loreta, Alberto Vasquez, Kevin McNally, Cory Buck. Productora: Sciarlò, Medusa Film. Duración: 125 minutos. 

Sinopsis argumental: Desde finales del siglo XIX, se producen emigraciones masivas a los Estados Unidos. A bordo de lujosos trasatlánticos, además de elegantes burgueses, viajan también emigrantes. Danny, el maquinista del Virginia, encuentra a un niño abandonado sobre un piano, lo adopta y le impone el nombre de Novecento ("siglo XX" en italiano). El barco es el hogar del niño, y los pasajeros, sus ventanas al mundo. Tras la muerte de Danny, alguien descubre por azar el talento innato del niño para el piano. A través de la música, este insólito personaje muestra lo que siente dentro del limitado mundo de un barco que no se atreve a abandonar.

Nominaciones y premios: Globos de Oro: Mejor banda sonora; Premios del Cine Europeo: mejor fotografía; Premios David di Donatello: 5 premios, incluyendo a mejor director. 8 nominaciones; Premios Satellite Awards. 2 nominaciones. 

Comentario: Una fábula intimista y en ocasiones mágica, filmada con la sensibilidad que caracteriza al director italiano Giuseppe Tornatore, ganador de un Oscar por Cinema paradiso. Para Tornatore ésta fue su primera película rodada en inglés y está basada en un monólogo teatral de Alessandro Baricco titulado Novecento. Los protagonistas fueron Tim Roth, en el papel del extraordinario pianista, y Pruitt Taylor Vince, que encarnó al amigo trompetista de Novecento y desde cuyo punto de vista se narra la historia. También hay que destacar la banda sonora, compuesta por Ennio Morricone, que ya había trabajado con Tornatore en varias ocasiones.

Clásicos de cine: Cinema Paradiso

"Totó yo elijo a mis amigos por su aspecto y a mis enemigos por su inteligencia”.

“Aquí eres como un esclavo… siempre trabajas como un burro, incluso en las fiestas: la Pascua, La Navidad… Sólo estás libre el Viernes Santo y, te aseguro, que si a Jesucrito no le hubieran crucificado, también se trabajaría en Viernes Santo”.

“Verás Salvatore, tarde o temprano, llega un momento en que hablar o estar callado es algo parecido. Por eso permanezco callado”.

“No Totó, eso no lo dijo nadie; lo digo yo. La vida no es como la has visto en el cine… la vida es más difícil”.

“No vuelvas, no escribas, no llames. Hazme caso. Hagas lo que hagas, ámalo, como amabas la cabina del cine Paradiso”.

Estas frases pertenecen a Cinema Paradiso (Nuovo Cinema Paradiso, 1988), de Giuseppe Tornatore, uno de los homenajes más sublimes realizados al séptimo arte. 

Cinema Paradiso se convierte en una película de cine dentro del cine para contarnos la historia de Totó niño (Salvatore Cascio), de Totó adolescente (Marco Leonardi) y de Totó adulto (Jacques Perrin). Una magistral película sobre la vida, el cine y los sentimientos (como la amistad, el amor y el recuerdo como principales señas de identidad), que difícilmente dejaran indiferente al espectador. La amistad entre Totó y Alfredo (magnífico Philippe Noiret), una amistad que es casi una dependencia mutua paterno-filial: en el caso de Totó, encuentra en Alfredo el padre que ya no tiene; en el caso de Alfredo, ve en Totó el hijo que nunca tuvo. El amor entre Totó adolescente y Elena, un amor platónico y eterno. Y el peculiar amor entre Totó y su madre.

Salvatores Cascio y Philipe Noiret en Cinema Paradiso (1988)

Cinema Paradiso es pua nostalgia, que permanece en el tiempo y pese al tiempo: espacios para el recuerdo, personajes para el recuerdo, colores para el recuerdo, música para el recuerdo, escenas para el recuerdo y frases para el recuerdo.

Una película que es homenaje al cine y que nos acompaña desde la infancia. Y por la película irán apareciendo grandes figuras del cine: Anna Magnani, Audrey Hepburn, Brigitte Bardot, Buster Keaton, Charles Chaplin, Clark Gable, Gary Cooper, Henry Fonda, Ingrid Bergman, Jimmy Stewart, John Wayne, Marcello Mastroianni, Marilyn Monroe, Silvana Mangano, Spencer Tracy, etc.) y numerosas referencias y secuencias de películas emblemáticas: La diligencia (1939), de John Ford; La terra trema (1948), de Luchino Visconti; Anna (1951), de Alberto Lattuada; El jeque blanco (1953), de Federico Fellin; Ulises (1955), de Mario Carmerini; Rocco y sus hermanos (1960), de Luchino Visconti, 1960), alguna película de Charlot.

Marco Leonardi en Cinema Paradiso (1988)

Una película mítica con la inolvidable banda sonora de Ennio Morricone, que toca continuamente la fibra sensible del espectador. Sobre todo su tema final con uno de los finales más antológicos que se recuerdan, un regalo que ve con lágrimas en los ojos al compartir todas las secuencias de besos robados por la censura… y es entonces cuando Totó recobra la paz con su pasado.

Jacques Perrin en Cinema Paradiso (1988)

Películas sobre películas (II)

(cont.)

5.- X (2022), de Ti West 

Década de 1970. Texas. Wayne lidera un grupo de cineastas que planean rodar una película porno, “Las hijas del granjero”. Para ello han alquilado un caserón pegado a una granja donde vive una decrépita pareja de ancianos, que ignoran sus intenciones. Protagoniza la cinta Maxine, la novia de Wayne, con el concurso de otros dos actores que son pareja, Jackson y Bobby-Lynne, mientras que DJ ejerce de director con ínfulas autorales, y su novia Lorraine, reticente al rodaje, se ocupa del sonido. Pronto van a descubrir que sus anfitriones no solo son un par de viejos raros, sino que ocultan siniestras intenciones.

 Brittany Snow, Kid Cudi, Owen Campbell, Jenna Ortega y Mia Goth en X (2022)

6.- Mank (2020), de David Fincher 

Una maravillosa declaración de amor al cine. Una mirada nostálgica al Hollywood clásico de los estudios. Una llamada de atención a la responsabilidad de los que se dedican a hacer películas. Todo esto y mucho más es Mank, una película servida en glorioso blanco y negro muy contrastado en el que David Fincher traslada a la pantalla un guión escrito por su padre Jack Fincher, fallecido en 2003, y hasta donde yo sé el único que ha salido de sus manos. Se basa en hechos reales, centrándose en los esfuerzos del guionista Herman J. Mankiewicz –conocido por sus colegas y amigos como Mank– por escribir el libreto de Ciudadano Kane, la mítica película con que Orson Welles debutó en la meca del cine en 1941.

Gary Oldman y Amanda Seyfried en Mank (2020)

7.- ¡Ave, César! (Hail, Cesar!, 2016), de Joel Coen

Los hermanos Joel y Ethan Coen vuelven a transitar el terreno del cine dentro del cine que les valió la Palma de Oro en Cannes  y otros galardones, gracias a Barton Fink, 1991), pero en esta ocasión lo hacen con un tono muy diferente, detrás de la ironía amable se trasluce un auténtico homenaje al viejo sistema de los estudios de Hollywood, una fábrica de sueños que pese a sus inevitables defectos entregaba películas capaces de inspirar, entretener y conmover. No deja de tener su miga que el protagonista sea el jefe de Capitol Pictures, estupendo Josh Brolin, que duda entre seguir en la locura de producir películas o aceptar la oferta de irse a regentar otro tipo de fábrica, una de aviones, que le supondría un horario más humano y unos emolumentos bastante mayores.

George Clooney en ¡Ave, César! (2016)

8.- Cinema Paradiso (1988), de Giuseppe Tornatore

Cinema Paradiso es una historia de amor por el cine. Narra la historia de Salvatore, un niño de un pueblecito italiano en el que el único pasatiempo es ir al cine. Subyugado por las imágenes en movimiento, el chico cree ciegamente que el cine es magia; pero, un día, Alfredo, el operador, accede a enseñarle al pequeño los misterios y secretos que se ocultan detrás de una película. Salvatore va creciendo y llega el momento en el que debe abandonar el pueblo y buscarse la vida. Treinta años después recibe un mensaje, en el que le comunican que debe volver a casa. Ganadora del Oscar y el Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa.

Salvatore Cascio y Philippe Noiret en Cinema Paradiso (1988)

9.- Tropic Thunder: ¡Una guerra muy perra! (Tropic Thunder, 2008), de Ben Stiller

En la selva del sureste de Asia, se rueda una superproducción sobre la guerra de Vietnam en la que intervienen varias estrellas: Kirk Lazarus (Robert Downey Jr.), un actor que ha ganado tres Oscar; Jeff Portnoy (Jack Black), estrella de una popular y grosera saga de películas; Alpa Chino (Brandon T. Jackson) estrella del hip-hop metido a actor, y el novato Kevin Sandusky (Jay Baruchel). A medida que avanza el rodaje, las cosas van de mal en peor, sobre todo para Damien (Steve Coogan), el director de la cinta. Llega un momento en que todo el equipo se pierde en la jungla y tiene que librar una auténtica batalla para sobrevivir. 

Ben Stiller y Steve Coogan en Tropic Thunder: ¡Una guerra muy perra! (2008)

10.- The Artist (2011), de Michel Hazanavicius 

Asombrosa y genial film de Michel Hazanavicius, cuya carrera hasta la fecha no era especialmente brillante, lo más destacado era la saga de espías OSS 117. Aquí ha tomado la opción radical de entregar una película muda a la antigua usanza, lo que incluye formato de pantalla 4:3, rótulos como los de antaño, acompañamiento de orquesta, gesticulación exagerada de los actores para remarcar su estado anímico... También el recurso al montaje paralelo o los ángulos al más puro estilo expresionista. Pero Hazanavicius no se limita a rodar una película que pudiera creerse que fue hecha en la etapa del cine mudo, sino que juega a que el espectador advierta lo que se ha quedado en el camino debido a los avances técnicos, y lo que supuso la introducción de las películas habladas en determinados actores, idea que estaba presente en clásicos como Cantando bajo la lluvia y El crepúsculo de los dioses, que son citados muy sutilmente. De modo que hay recursos geniales, en que el sonido puede aparecer inesperadamente, o en que un determinado ruido expresado en un rótulo puede ser un original hallazgo para sorprender al espectador. A los que atacan determinadas películas tachándolas de maniqueas, no se sabe cómo calificarán un film que sabe a obra maestra casi desde su arranque. Porque la película no deja de ser un cuento moral, con aire de folletín, donde hay espacio para las risas, las lágrimas y el amor, y en que se fustiga la soberbia y se alaba el amor desinteresado, que puede detectarse en la sensible Peppy, pero también en un simpático y fiel perrillo que es una de las figuras de la película. Hazanavicius ha hecho un casting perfecto, los actores parecen en efecto de finales de la década de los 20 y principios de los 30. Bérénice Bejo es de una belleza y bondad arrebatadoras, y Jean Dujardin atrapa todos los matices de quien cae desde lo más alto hasta el abismo.

Bérénice Bejo y Jean Dujardin en The Artist (2011)

(cont.)

Cinco películas con la bada sonora compuesta por Ennio Morricone

Desde Pánico en la ciudad (Peur sur la ville, 1975) a Lolita de Adrian Lyne (Lolita, 1997), cinco temas poco conocidos compuestos por Ennio Morricone. ¡Ver una película por su banda sonora! En esta ocasión, hemos seleccionado cinco obras, westerns excluidos, para ilustrar una retrospectiva dedicada al compositor italiano. 

1.- Cinema Paradiso (1989), de Giuseppe Tornatore

Cinema Paradiso se destaca como la colaboración fundacional entre Tornatore y Morricone. Al final de la película, en una sala de proyección, Jacques Perrin descubre, en trozos de celuloide, de escenas de abrazos y besos, una vez cortadas por el proyeccionista de su infancia (Philippe Noiret), por razones de censura. El tema lírico de la música, coescrito por Morricone y su hijo Andrea, simboliza la transición entre el viejo proyeccionista y este pequeño niño que se convirtió en cineasta. Dos generaciones, como Morricone y Tornatore, el segundo que entró en la vida del primero, cuando Sergio Leone (1929-1989) desapareció.

2.- Pura formalidad (Una pura formalità, 1993), de Giuseppe Tornatore

La partitura de esta película es muy tensa, aguda, con un agitato para violinista solista y orquesta de una modernidad frontal, muy virtuosamente rítmica. Pero también hay un título interpretado por Gérard Depardieu, en conclusión de la película: Ricordare. Después de una hora y cuarenta minutos de alta tensión, esta canción trae una sensación de calma, de elevación. Dramáticamente, ella dice lo que no vemos en la imagen: el paraíso simbólico de Onoff, el personaje de Depardieu.

3.- Pánico en la ciudad (Peur sur la ville, 1975), de Henri Verneuil

Entre las partituras francesas de Morricone, Pánico en la ciudad es un "monumento" de gran audacia estética para una película de sábado por la noche: un ostinato en el piano en el grave, una melodía silbada, golpes agudos, una parte central disonante a la armónica, que refleja el caos mental del asesino psicopático cazado por Belmondo. Este tema ha impresionado tanto a Alexandre Desplat que ha escrito un arreglo original para el Traffic Quintet

4.- El trío infernal (Le trio infernal, 1974), de Francis Girod

El trío del título se deshace de un cadáver (Andrea Ferreol en un papel de descomposición) disolviéndolo en una bañera llena de ácido sulfúrico, y luego descuartizándolo. Para esta secuencia, Morricone toma el partido por la bufonada, con una canción titulada Requiem al ácido sulfúrico, en contrapunto total a la situación en la pantalla. Estéticamente, es una mezcla de Rossini y Mozart, imbuida de gran ironía, con un pequeño grupo vocal femenino. Sin música, el hiperrealismo macabro produce náuseas. Con la música, sonríes. Aficionado al humor negro, Morricone ha aceptado trabajar con Girod especialmente por esta escena alucinógena.

5.- Lolita de Adrian Lyne (Lolita, 1998), de Adrian Lyne

Entre las partituras menos conocidas de Morricone, está esta colaboración fugaz con el cineasta de Flashdance. Para traducir la sensualidad y el conflicto, Morricone firma un tema de una impresionante belleza armónica, que le da un sentido del tiempo suspendido, con un instrumento que rara vez usa, la armónica de cristal, cuyas vibraciones de vidrio han seducido a Nino Rota en el Casanova de Fellini. Michel Legrand siempre dice: "Cuando el punto de vista del compositor es correcto, es imposible imaginar la película con otra música". Ese es exactamente el caso, y mucho más, con Lolita.