"The Electric Kiss” en Cannes, una comedia picaresca

The Electric Kiss (La Vénus électrique, 2026), la comedia romántica de Pierre Salvadori, que ha inaugurado el Festival de Cannes 2026 el martes, 12 de mayo. 

Tras Elegir mi vida (Partir un jour), de Amélie Bonnin en 2025, le tocó a Pierre Salvadori el honor de inaugurar el Festival de Cannes de 2026. Y quizás electrizar la Croisette. Para su undécima película, el "rey francés de la comedia" nos ofrece una obra romántica "auténtica". De esas que emocionan.

París, 1928. Antoine Balestro, un joven y elegante pintor, no ha podido trabajar desde la muerte de su esposa, para desesperación de su galerista, Armand. Una noche, borracho, Antoine intenta contactar con ella a través de una vidente. Sin saberlo, en realidad está hablando con Suzanne, una humilde feriante que se ha colado en su caravana para robar comida. Suzanne demuestra ser una experta en el engaño y, con la ayuda de Armand, comienza una serie de falsas sesiones de espiritismo. Poco a poco, Antoine recupera la inspiración, pero para Suzanne, las cosas se complican al enamorarse lentamente del hombre al que manipula...

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16. Andrei Rublev (1966)

Director: Andréi Tarkovski. Reparto: Anatoli Solonitsyn, Ivan Lapikov, Nikolai Grinko.

A comienzos del siglo XV, el monje pintor Andrei Rublev acude junto con sus compañeros a Moscú para pintar los frescos de la catedral de la Asunción del Kremlin. Fuera del aislamiento de su celda, Rublev comenzará a percatarse de las torturas, crimenes y matanzas que tienen aterrorizado al pueblo ruso... La biografía del pintor ruso Andrei Rublev -Andrei Rubliov-, famoso por sus iconos, sirve de base para hacer un minucioso retrato de la vida social, política y artística en la Rusia de principios del siglo XV. Tarkovski reflexiona sobre el papel del artista en tiempos de barbarie y la lucha interior entre la creación y el silencio. 

Curiosidades: Tarkovski logró estrenar la película solo en una proyección casi clandestina en Moscú antes de que la censura la frenara, y ese bloqueo inicial marcó su recorrido posterior, porque cuando por fin llegó a Cannes en 1969 lo hizo convertida en un rompecabezas de versiones recortadas y montajes parciales que reflejaban años de presiones políticas y decisiones ajenas a su visión. Disponible en Netflix y Prime Video. 

17. El león en invierno (The Lion in Winter, 1968)

Director: Anthony Harvey. Reparto: Peter O’Toole, Katharine Hepburn, Anthony Hopkins, Timothy Dalton.

Año 1183. El rey de Inglaterra Enrique II Plantagenet reúne a toda su familia para pasar las Navidades y decidir quién le sucederá en el trono. Manda llamar a su esposa, la maquiavélica Leonor de Aquitania, a quien mantiene encerrada en una torre después de haberla repudiado, y también a sus tres hijos: el taimado Geoffrey, el insignificante John (Juan sin Tierra) y el colérico Richard (Ricardo I Corazón de León). Conviene tener en cuenta que, algunos años antes (1173-1174), los tres, incitados por su ambiciosa madre, se habían sublevado contra su padre. Intrigas, traiciones y diálogos afilados convierten este drama histórico en un duelo verbal sobre el poder, el amor y la ambición en la corte medieval.

Katharine Hepburn y Peter O’Toole en El león en invierno (1968)

Curiosidades: El debut de Hopkins y Dalton aportó una energía inesperada al reparto, aunque ese entusiasmo juvenil convivió con las tensiones entre Hepburn y O’Toole, cuyas personalidades chocaron durante un rodaje que exigía intensidad emocional constante. Disponible en Netflix y Movistar Plus+. 

18. Macbeth (1971)

Director: Roman Polanski. Reparto: Jon Finch, Francesca Annis, Martin Shaw.

Macbeth, valeroso general escocés, recibe la visita de tres brujas que le profetizan que un día será rey. Aprovechando que el rey Duncan se aloja en su casa, y espoleado por su esposa, Macbeth lo asesina y es proclamado rey de Escocia. Sin embargo, para mantenerse en el trono, se verá obligado a seguir cometiendo más crímenes; mientras tanto, su esposa, abrumada por los remordimientos, se derrumba. Polanski ofrece una visión cruda y violenta de la tragedia de Shakespeare, donde la ambición y la culpa destruyen cualquier rastro de humanidad en un mundo salvaje.

Francesca Annis y Jon Finch en Macbeth (1971)

Curiosidades: Polanski defendió la crudeza de su Macbeth con una sinceridad incómoda, recordando a quien dudaba de la violencia que bastaba con pensar en lo que había vivido meses antes con el asesinato de Sharon Tate, y esa memoria oscura también afloró en la escena del asalto a la casa de los Macduff, construida a partir de imágenes que él mismo arrastraba desde la infancia, cuando los oficiales nazis irrumpieron en su hogar. Disponible en Amazon Prime Video y Apple TV. 

19. Excalibur (1981)

Director: John Boorman. Reparto: Nigel Terry, Helen Mirren, Nicol Williamson.

Tras una larga y cruenta guerra, Uther Pendragon le ruega al mago Merlín que le ayude a seducir a la esposa de su nuevo aliado, el Duque de Cornwall. Merlín accede, pero a condición de que el fruto de esa unión le sea entregado. Esa misma noche, es concebido Arturo. Dieciocho años después, los nobles de un reino cuyo trono está vacante intentan apoderarse de Excalibur, la espada mágica que está incrustada en una piedra desde la muerte de Uther. La leyenda del rey Arturo cobra vida entre magia, traiciones y batallas. Desde la espada en la piedra hasta la caída de Camelot, la película recrea el mito artúrico como una epopeya oscura sobre el poder, el destino y la decadencia.

Nigel Terry y Cherie Lunghi en Excalibur (1981)

Curiosidades: Boorman eligió a Mirren y Williamson pese a su mala relación previa porque veía en su tensión real una herramienta para reforzar la frialdad entre Morgana y Merlín, y esa apuesta se cruzó con otro factor clave del proyecto: él quería hacer una película basada en ‘El señor de los anillos’, pero no pudo porque no consiguió los derechos. Así que trasladó las ideas que tenía al mito artúrico. Disponible en Amazon Prime Video y Apple TV. 

20. Ran (1985)

Director: Akira Kurosawa. Reparto: Tatsuya Nakadai, Akira Terao, Jinpachi Nezu. 

En el Japón medieval, el poderoso señor Hidetora decide abdicar y repartir sus dominios entre sus tres hijos. El menor considera que la idea es absurda y sólo servirá para causar problemas. Su padre, enfurecido, lo deshereda. Muy pronto descubrirá su error: la ambición hará que sus hijos mayores se enfrenten por el poder en una cruenta guerra. Inspirada en El rey Lear, la película es una tragedia épica sobre el poder, la traición y el derrumbe de una familia y un reino.

Curiosidades: Kurosawa tardó una década en moldear un guion que describía un mundo tan vasto como implacable, y esa ambición se refleja en algo que a simple vista pasa desapercibido: los cientos de armaduras hechas a mano durante dos años de trabajo en un esfuerzo artesanal que sostiene la grandeza visual y la autenticidad de la película. Disponible en Amazon Prime Video y Apple TV. 

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Películas de la semana. 19 de enero

El documental Picasso. Un rebelde en París (Picasso: Un ribelle a Parigi - Storia di una vita e di un museo, 2023), de Simona Risi, originalmente producido en 2023, se estrena en cines de España en enero de 2026, con fechas clave el 19 y 20 de enero de 2026, distribuida por A Contracorriente Films. Aunque es una producción de 2023, su estreno en las salas españolas se ha programado para principios de 2026, coincidiendo con el 50 aniversario de su muerte. 

El documental propone un retrato profundo y revelador de los años decisivos que Pablo Picasso pasó en la capital francesa, la ciudad que marcó su transformación artística y personal. A través de material de archivo, fotografías, cartas y testimonios de expertos, el documental reconstruye el intenso diálogo entre el joven artista español y el efervescente ambiente cultural del París de principios del siglo XX. Lejos de una biografía convencional, la película se centra en el espíritu inconformista de Picasso, en su constante desafío a las normas estéticas y sociales, y en su capacidad para reinventarse sin cesar.

El relato recorre momentos clave como su llegada a Montmartre, la pobreza de los primeros años, el impacto del círculo de intelectuales y artistas que lo rodearon y el nacimiento de etapas fundamentales de su obra, desde el período azul y rosa hasta la irrupción del cubismo. París aparece no solo como escenario, sino como un auténtico catalizador creativo que alimentó su rebeldía y su genio. Simona Risi construye así un retrato íntimo y dinámico de Picasso, mostrando cómo su vida, sus pasiones y sus conflictos se reflejan en una obra que cambió para siempre la historia del arte moderno.

La película "The Rembrandt Syndrome en el punto de mira del lobby pronuclear: una «campaña de descrédito particularmente ofensiva"

Dos semanas después de su estreno, la película de Peter Schoeller, que retrata las dudas de un físico, se encuentra bajo presión de la asociación Les Voix du nucléaire. La Sociedad de Directores de Cine denuncia ataques cada vez más frecuentes.

Entre los defensores de la energía nuclear y la película Rembrandt (en cines desde el 24 de septiembre), que destaca sus peligros, naturalmente hay pocos puntos en común. Hasta ahora, es lógico. Salvo que, dos semanas después del estreno de este enredado thriller de espionaje, los activistas pronucleares y el director Pierre Schoeller -El ejercicio del poder (L'exercice de l'État, 2011) parecen haber superado la oposición por principios.

The Rembrandt Syndrome (Rembrandt, 2025), de Pierre Schoeller narra como Claire y Yves son una pareja de ingenieros en la industria nuclear francesa. Después de visitar la Galería Nacional, Claire desarrolla una extraña conexión emocional con las pinturas de Rembrandt y empieza a cuestionar la seguridad de los reactores EPR. Yves ya no entiende a la mujer con la que ha compartido su vida personal y profesional durante más de 20 años, pero, como ella, percibe el vago y profético presentimiento de un desastre inminente.

Cumplió 25 años: Grandes esperanzas

El 30 de enero de 1998 se estrenó la película estadounidense Grandes esperanzas (Great Expectations), dirigida por Alfonso Cuarón e interpretada por Ethan Hawke, Gwyneth Paltrow, Anne Bancroft, Robert De Niro, Hank Azaria,Chris Cooper, Raquel Beaudene, Kim Dickens, Clem Caserta. Productora: 20th Century Fox. Duración: 11 minutos. 

Sinopsis argumental: Gracias a la ayuda de un benefactor desconocido, el joven sin dinero Finn (Ethan Hawke) llega a Nueva York para dedicarse a la pintura. Desde que era niño Finn vive obsesionado por la bella y rica Estella (Gwyneth Paltrow), que se convierte en la musa que inspira sus cuadros...

Nominaciones y premios:  Asociación de Críticos de Boston: Nominada a mejor actor secundario (Robert De Niro)

Comentario: Adaptación modernizada de la famosa novela de Dickens, que ya había sido llevada al cine por David Lean. 

Cumplió 25 años: Artemisia

El 10 de septiembre de 1997 se estrenó la película francesa Artemisia, dirigida por Agnès Merlet con Valentina Cervi, Michel Serrault, Miki Manojlovic, Luca Zingaretti, Emmanuelle Devos, Frédéric Pierrot, Maurice Garrel, Brigitte Catillon, Yann Tregouët, Jacques Nolot, Silvia De Santis. Productora: Coproducción Francia-Alemania-Italia; Première Heure, Dania Film, France 3 Cinéma, 3 Emme Cinematografica, Schlemmer Film, Mediaset, Eurimages, Presidenzia del Consiglio del Ministri-Dipartimento dello Spettacolo. Duración: 97 minutos. 

Sinopsis argumental: Artemisia Gentileschi era solo una adolescente de 17 años, cuando la pasión por el arte y la vida la lleva a transgredir las normas morales de la época. Es una notable pintora, que debía ocultar su talento trabajando para su padre. Su afán de trabajar con el desnudo masculino, con modelos reales y su relación aprendiz/amante con Agostino Tassi, es la excusa para ser implicada como inmoral en la sociedad de aquel entonces.

Nominaciones y premios: Globos de oro: Nominada mejor película de habla no inglesa; Premios César: 2 nominaciones.

Comentario: Historia de la vida de Artemisia Gentileschi, considerada en la actualidad como la primera mujer pintora de la historia. 

Cumplió 25 años: Basquiat

El 9 de agosto de 1996 se estrenó la película estadounidense Basquiat, dirigida por Julian Schnabel e interpretada por Jeffrey Wright, David Bowie, Dennis Hopper, Gary Oldman, Courtney Love, Benicio del Toro, Willem Dafoe, Michael Wincott, Claire Forlani, Parker Posey, Tatum O'Neal, Christopher Walken, Jean-Claude La Marre, Elina Löwensohn, Paul Bartel, Chuck Pfeiffer. Productora: Miramax, Eleventh Street Production, Jon Kilik. Duración: 106 minutos. 

Sinopsis argumental: Biografía de Jean-Michel Basquiat, un joven pintor vanguardista que pintaba graffitis en Brooklyn y llegó a ser uno de los personajes más controvertidos y famosos de la pintura contemporánea mundial. Tras ser descubierto por Andy Warhol a principios de los años 1980, sus exposiciones se convirtieron en un acontecimiento dentro del mundo artístico neoyorquino. Mientras sus cuadros eran adquiridos por importantes museos y coleccionistas privados, él, incapaz de digerir un éxito tan fulgurante, se sumergió en el mundo de las drogas. Adicto a la heroína, murió de una sobredosis a los 27 años. 

Nominaciones y premios: Festival de Venecia: Nominada al León de Oro; Premios Independent Spirit: Mejor actor secundario (Del Toro). 2 nominaciones; National Board of Review: Mención especial.

Comentario: El pintor Julian Schnabel, que fue amigo del protagonista y compartió con él la época de esplendor de la Factory de Warhol, debutó en la dirección de largometrajes con esta película, en el que ejerció también las funciones de guionista. Jeffrey Wright fue el encargado de ponerse en la piel de Basquiat. Schnabel contó además con un reparto de lujo, en el que destacan ilustres nombres como los de David Bowie, Dennis Hopper, Benicio del Toro, Gary Oldman, Christopher Walken o William Dafoe. El debut de Schnabel en la realización (con el que consiguió la nominación al León de Oro veneciano) fue tan positivo que años más tarde decidió repetir la experiencia dirigiendo Antes que anochezca, protagonizada por Javier Bardem.

Efemérides de cine: El retrato de Dorian Gray

El 24 de abril de 1970 se estrenó la película británica El retrato de Dorian Gray (Dorian Gray), dirigida por Massimo Dallamano e interpretada por Helmut Berger, Richard Todd, Herbert Lom, Marie Liljedahl, Margaret Lee, Maria Rohm, Beryl Cunningham, Isa Miranda, Eleonora Rossi Drago, Renato Romano, Stewart Black, Francesco Tensi. Productora: Coproducción Reino Unido-Italia-Alemania del Oeste (RFA); Sargon Film/Terra Film/Towers of London. Duración: 104 minutos.

Sinopsis argumental: Un joven de alma pura comenta mientras le hacen un retrato que daría lo que fuera por mantenerse siempre joven y bello. Su deseo es concedido y desde ese momento será el retrato quien envejezca por él, y en donde se muestren los turbios reflejos de su alma. 

Comentario: Massimo Dallamano, un ex director de fotografía que fue conocido como cineasta por cintas de terror como ¿Qué habéis hecho con Solange? o El medallón ensangrentado, fue el responsable de esta versión moderna y sugestiva de la clásica novela de Oscar Wilde que habla sobre la vanidad y la belleza de la juventud. Como curiosidad, el protagonista, Helmut Berger, contó en varias entrevistas que no sabía que este filme era semipornográfico hasta que descubrió que estaba siendo exhibido en un cine X de Londres. Sin embargo, esta versión no fue la que se vio en la España franquista de la época, pues los 101 minutos originales fueron recortados hasta los 87 minutos, dejando el resultado no recomendado para menores de siete años. A pesar de esta censura, la cinta fue todo un éxito de taquilla. SE conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Hace 100 años: The Dragon Painter

El 27 de septiembre de 2019 se estrenó la película japonesa The Dragon Painter, dirigida por William Worthington e interpretada por Sessue Hayakawa, Toyo Fujita, Edward Peil Sr., Tsuru Aoki. Productora: Coproducción Japón-Estados Unidos; Haworth Pictures Corporation. Duración: 53 minutos. 

Sinopsis argumental: Tatsu es un joven pintor que vive en las montañas de Hakawa, Japón, haciendo una serie de pinturas y desechándolas al terminar, gritando a los dioses que devuelvan a su prometida, una princesa que creía que se había convertido en un dragón. Tatsu luego se dirige a un pueblo cercano, exigiendo un poco de papel de los lugareños. Su comportamiento inusual llama la atención de un hombre llamado Uchida, un amigo del famoso pintor Kano Indara, que busca a alguien para ser el protegido de Indara, ya que Indara no tiene hijo para ser su heredero y continúa el linaje familiar de pinturas. Un día, una de las pinturas desechadas de Tatsu entra en posesión de Uchida. Sorprendido por la obra de arte, Uchida invita a Tatsu a Tokio, alegando que Indara conoce el paradero de su princesa perdida. Cuando llega Tatsu, su comportamiento salvaje sorprende a Indara y causa un alboroto, hasta que Indara presenta a la princesa perdida, quien explica que tiene la forma de su única hija, Ume-ko. Tatsu exige la mano de Ume-ko en matrimonio, lo que Indara acepta, con la condición de que Tatsu sea su hijo y discípulo para llevar el nombre de Indara. Poco después de su matrimonio, Tatsu no puede pintar, explicando que desde que encontró su felicidad, no tiene ninguna razón para hacerlo. Los Indaras tratan de alentar a Tatsu a pintar, pero fue en vano. Al darse cuenta de que el anhelo de Tatsu de encontrar a su princesa perdida es lo que le otorgó su habilidad para pintar, Ume-ko le dice a su padre que con su muerte, el talento de Tatsu puede ser restaurado. A la mañana siguiente, Tatsu descubre una carta de Ume-ko, diciendo que se había suicidado con la esperanza de que restauraría la capacidad de Tatsu. Angustiado por lo que sucedió, Tatsu intenta suicidarse ahogándose en una cascada cercana, pero no tiene éxito. La tristeza de Tatsu continúa creciendo a medida que pasa el tiempo hasta que un día ve lo que parece ser el fantasma de Ume-ko en el jardín familiar, lo que lo motiva a pintar una vez más. El último trabajo de Tatsu le otorga a él y al Indaras reconocimiento internacional, pero poco después de su éxito, su dolor regresa. Esto lleva a Ume-ko, que estuvo escondido todo el tiempo, a regresar a un Tatsu asombrado. La película termina con Tatsu pintando en las montañas con Ume-ko a su lado.

Comentario: Basada en la novela homónima de Mary McNeil Fenollosa. The Dragon Painter fue restaurada en 1988 por el American Film Institute con George Eastman House y el MoMA. En 2014, la película se agregó al National Film Registry.

Con “Retrato de una mujer en llamas”, Céline Sciamma explora los vértigos del amor

El nacimiento del amor entre dos mujeres, una pintora y su modelo, en 1770. Deseo, creación, emancipación, filmados con tanta elegancia como lirismo.  la nueva película de Retrato de una mujer en llamas (Portrait de la jeune fille en feu, 2019), de Céline Sciamma.

La mano tiembla, tocando el papel en blanco. Luego, comienza trazando los contornos. Gestos sensuales. Estos son los primeros planos. "Tómense el tiempo para mirarme", dice el profesor, que posa para sus alumnos. Esta mujer, Marianne, orgullosa y erguida, es una pintora del siglo XVIII. De repente, desestabilizada por la presencia en su campo de visión de una pintura que sale del cobertizo sin ser advertida, recuerda su origen. Hace años, he aquí que llegó a una isla bretona para retratar a una joven, Héloïse. quien debió abandonar el convento para casarse con un hombre, en contra de su voluntad. Como es tradición, ella debe posar para ofrecer el lienzo a su futuro esposo. Pero ella no lo quiere. Su madre (Valeria Golino), con quien habla la pintora, ha imaginado un subterfugio: Marianne servirá de dama de compañía y de paseo, observará sigilosamente a su modelo, para realizar el retrato de memoria.

Noémie Merlant y Adèle Haenel en Retrato de una mujer en llamas, de Céline Sciamma

Este es el hilo conductor que orienta la película hacia un juego de miradas palpitantes, asociado al deseo que también la impregna. La directora Céline Sciamma, retrasa de forma intencionada la aparición de Héloïse. Es necesario espera al vigésimo minutos para verla surgir. Está de espalda, completamente cubierta. Avanza a paso ligero. La seguimos. Su capucha cae, descubriendo sus rubios cabellos, después...

Para ver: Van Gogh, a las puertas de la eternidad

Van Gogh, a las puertas de la eternidad (At Eternity's Gate) es una extraña evocación del pintor Vincent Van Gogh dirigida por Julian Schnabel, presentada en el Festival de Cine de Venecia 2018. Con un inesperado e intenso Willem Dafoe, nominado al Oscar al mejor actor. 

Después de la magistral Van Gogh (1991), de Maurice Pialat, ningún director se había atrevido a volver a representar en el cine al torturado pintor. Abordamos con una cierta perplejidad Van Gogh, a las puertas de la eternidad, de Julian Schnabel, sobre los últimos años de la vida de Van Gogh. El director de Basquiat (1996) parece, a priori, combina ciertos déficits con el éxito en la elección para el papel principal del actor americano Willem Dafoe, unos diálogos a veces en inglés (a menudo), a veces en francés (raramente), y el recurso a muchas estrellas invitadas, a veces por simple apariciones: Mathieu Amalric, Mads Mikkelsen, Emmanuelle Seigner, Amira Casar o Lolita Chammah.

Pero, con unos guionistas eruditos (Jean-Claude Carrière y Louise Kugelberg), Julian Schnabel realiza un cine que escaparía a todas las formas del biopic. Es más bien un ensueño poético y cosmopolita en torno a las temporadas pasadas en Arles por Van Gogh. La amistad con Paul Gauguin (Oscar Isaac), la relación fusional, intermitente, con el hermano, Theo, la malevolencia de las "buenas personas" del lugar, la soledad, los lugares de la locura y los momentos de la deslumbramiento ante la naturaleza: tantas escenas inusuales y, para algunos, inspiradas. Contra todo pronóstico, Willem Dafoe es tan natural y tan conmovedor en Van Gogh que casi olvidaríamos su actuación, ya asombrosa, como Pier Paolo Pasolini para Abel Ferrara... Después de haber obtenido el Premio de Interpretación en el último Festival de Cine de Venecia, el intérprete estadounidense también está nominado para el Oscar al mejor actor. Van Gogh, a las puertas de la eternidad  se convierte en uno de los objetos más extraños y artísticos propuestos por la plataforma Netflix.

Para ver: No te preocupes, no llegará lejos a pie

La nueva película de Gus Van Sant, No te preocupes, no llegará lejos a pie (Don’t Worry, He Won’t Get Far on Foot, 2018), una comedia dramática basada en libro homónimo, memorias del dibujante cómics, John Callahan, se de enero de 2018 en el Festival de Cine de Sundance. Su estreno mundial estaba previsto para el 13 de mayo de 2018, pero se ha retrasado para el 13 de julio de 2018. En España, se estrenará el próximo 7 de septiembre.

Con una duración de 114 minutos y un guión de John Callahan y el propio Gus Van Sant está interpretada por Joaquin Phoenix, Rooney Mara, Jonah Hill, Jack Black, Mark Webber, Peter Banifaz, Udo Kier, Nolan Gross, Connor Skific, Karen Nitsche, Beth Ditto, Olivia Hamilton, Kim Gordon, Carrie Brownstein,  Emilio Rivera, Ken Tatafu, Angelique Rivera, Rebecca Rittenhouse, Anne Lane, Rebecca Field, Alexandra W.B. Malick, Amir Talai. Producida por Anonymous Content/Iconoclast/Big Indie Pictures. Distribuida por Amazon Studios. 

Narra la historia de John Callahan es un chico de 21 años que sufre un grave accidente al ser golpeado por un coche. John acaba tetrapléjico, situación que transformará su vida para acabar convirtiéndose en uno de los dibujantes más conocidos del mundo. No te preocupes, no llegará lejos a pie es la historia de la lucha de la perseverancia contra las limitaciones para conseguir tener una gran carrera.

Cine para niños: Tres películas para ayudar a los niños a atravesar la pantalla

Qué los niños vean películas antiguas, es un ardua tarea, Por eso cada seman seleccionamos tres obras accesible a los infantes de 8 a 12 años de la historia del cine y de cualquiera de sus géneros y estilos. En esta ocasión la selección la componen La rosa púrpura de El Cairo, El último gran héroe y El lienzo. 
Por supuesto, no sentimos un poco ridículos cuando nos quejamos al comprobas como los más jóvenes ven sus películas en el teléfono móvil... Sin embargo, el efecto de la pantalla grande (incluso si sólo es nuestro televisor), cambia la apariencia, fuerza la inmersión en la historia. Las luces se apagan, los teléfonos también (algo mucho más difícil), recreamos la atmósfera de las habitaciones oscuras (permitimos algunas palomitas) y comenzamos a creer. Total fusión con los personajes en la pantalla. ¿"En", en serio? ¿O, más bien, "dentro" la pantalla? ¿Y si el mundo de la ficción fuera más profundo que un plano blanco? ¿Qué pasaría si le ofreciéramos a nuestros hijos que fueran al otro lado?

1.- La rosa púrpura de El Cairo (La Rose pourpre du Caire, 1985), de Woody Allen 

Inspirada en El moderno Sherlock Holmes y Seis personajes en busca de autor de Luigi Pirandello.
En el mundo real, también puedes amar y besarte de verdad... Woody Allen fue el primero en atreverse a cruzar la pantalla. Intrigado por una bella espectadora que viene por quinta vez para ver la película en blanco y negro de la que es el personaje principal, Tom Baxter (Jeff Daniels) sale de la pantalla y entra al mundo en color de la realidad. La bella Cecilia (Mia Farrow) vive un sueño: ¡su héroe de ficción la toma en sus brazos! Pero en la pantalla, se produce el pánico, los actores de reparto ya no pueden interpretar. Entonces el actor que interpreta a Tom lo convence para que vuelva a la película... Oda a la libertad y el poder de la ilusión, La rosa púrpura de El Cairo es también la oportunidad perfecta para explicar las fórmulas "mise en abyme" Y "efecto de carcajada". Gracias, Woody.

2.- El último gran héroe (Last Action Hero, 1993), de John McTiernan

El ¡abrete, Sésamo! para cruzar la pantalla, es una entrada de cine mágica. La magia, por supuesto, como puerta de entrada. El joven Danny puede así reencontrarse con el héroe de sus películas de acción preferidas, Jack Slater, en su mundo de ficción donde ser un superhéroe no es nada difícil: las balas no matan, las no hacen daño... Pero cuando sucede lo contrario, y que los personajes vengan al mundo real, es un shock: ¡podemos morir de verdad! Incluso Arnold "Terminator" Schwarzenegger cambia y Danny se desorienta... En estos maravillosos tiempos de cine, ¡esto desestabiliza seriamente!

3. El lienzo (Le Tableau, 2011), de Jean-François Laguionie

En esta película de animación, no son los actores los que se escapan de la película, sino los personajes de una pintura. Como la pastora y el deshollinador de la película Le Roi y l'oiseau (1953), de Jacques Prévert y Paul Grimault. Película fantástica que narra la historia de de tres tipos de personajes que viven dentro de un cuadro incompleto y que pertenecen a una clase social distinta. Los Toupins, que han sido pintados totalmente; los Pafins, que poseen varios colores y los Reufs, que son sólo trazos. Esto causa que los primeros sean superiores a los últimos. Por ello, Ramo, Lola y Plume, son tres jóvenes que deciden conseguir que el pintor acabe el cuadro con el objetivo de que la armonía vuelva a reinar entre todos. De cuadro en cuadro, el pequeño grupo se encuentra con los personajes de Matisse, Modigliani o Giacometti. Para deshacerse de las barreras pero también, aquí, de los prejuicios: "¡No estar terminado! Nunca será un insulto".

Efemérides de cine: El tormento y el extásis

El 16 de septiembre de 1965 se estrenó la película estadounidense El tormento y el éxtasis (The Agony and the Ecstasy), dirigida por Carol Reed. Protagonizada por Charlton Heston, Rex Harrison, Diane Cilento, Harry Andrews, Alberto Lupo, Adolfo Celi, Venantino Venantini, John Stacy, Fausto Tozzi, Tomas Milian. Productora: 20th Century Fox. Duración: 139 minutos.

Sinopsis argumental: Renacimiento italiano, principios del siglo XVI (Cinquecento). Cuando el papa Julio II (Rex Harrison) encarga a Miguel Ángel (Charlton Heston) que pinte el techo de la Capilla Sixtina, el artista rechaza el trabajo. El Papa lo obliga a aceptarlo, pero Miguel Ángel destruye su obra y huye de Roma. Cuando, por fin, reanuda el proyecto, éste se convierte en un enfrentamiento de férreas voluntades, avivado por constantes diferencias artísticas y temperamentales. Drama histórico basado en un bestseller de Irving Stone.

Nominaciones y premios: : 5 Nominaciones al Oscar: dirección artística color, vestuario, fotografía, banda sonora original, sonido; Globos de Oro: nominada mejor actor - Drama (Harrison) y guión; Premios David di Donatello: mejor producción extranjera; National Board of Review: Top 10 mejores películas y actor secundario (Andrews)

Comentario: Lujosa producción de la que se celebra el quincuagésimo aniversario de su estreno. A destacar el duelo interpretativo entre Charlton Heston y Rex Harrison. 

Efemérides de cine: Pollock. La vida de un creador (2000)

El 6 de septiembre de 2000 se estrenó la película estadounidense Pollock. La vida de un creador (Pollock), dirigida por Ed Harris y protagonizada por Ed Harris, Marcia Gay Harden, Tom Bower, Jennifer Connelly, Bud Cort, John Heard, Val Kilmer, Robert Knott, David Leary, Amy Madigan, Sally Murphy, Molly Regan, Stephanie Seymour, Matthew Sussman, Jeffrey Tambor. Productora: Brant-Allen/Fred Berner Films/Pollock Films/Zeke Productions. Duración: 122 minutos.

Sinopsis argumental: Nueva York, años 40. Jackson Pollock y Lee Krasner, pintores y amantes, se encuentran en el centro del mundo artístico neoyorquino. Cuando contraen matrimonio, se trasladan al campo; ella abandona su trabajo para entregarse en cuerpo y alma al arte de Pollock, que empieza a crear una obra extraordinariamente original que lo convierte en el primer pintor moderno de los Estados Unidos. Pero la fama y la fortuna llegan acompañadas de dudas existenciales y episodios violentos. 

Nominaciones y premios: Oscar: mejor actriz de reparto (Marcia Gay Harden: 1 nominación al mejor actor principal (Ed Harris); Awards Circuit Community Awards: 2 nominaciones; Camerimage: 1 nominación; Independent Spirit Awards: 1 nominación; National Society of Film Critics Awards: tercer lugar a la mejor actriz de reparto; Online Film & Television Association: 1 nominación; Satellite Awards: 1 nominación; Toronto Film Critics Association Awards: mejor actuacikón masculina (Ed Harris); World Soundtrack Awards: 1 nominación.

Comentario:  La película narra la vida de Jackson Pollock, pintor estadounidense de compleja personalidad y adicto al alcohol, desde que busca el éxito entre el mundillo artístico en la década de 1940, hasta su muerte en 1956.

Noticias de libro: El Greco en el cine. La construcción de un mito.

El Greco en el cine. La construcción de un mito. 

Adolfo de Mingo Lorente y Palma Martínez-Burgos

Celya

Toledo

2013

344 págs.

Prólogos de Gloria Camarero Gómez y Fernando Martínez Gil. 

Portada de Manuel Outmuro.

Del capítulo La mirada griega: Nicos Hadjinicolau con traducción de Vassilis Tsiolis.

Publicación extensa e intensa bellamente ilustrada, que esboza, apenas unos meses antes de que se produjera conmemoración institucional del IV Centenario de la muerte en Toledo de Domenikos Theotokopoulos, una aproximación al pintor desde el punto de vista cinematográfico. 

Nunca hasta la fecha se había propuesto un análisis sistemático de su biografía y producción artística a partir de las interpretaciones realizadas por los profesionales del cine y la televisión, desde realizadores y guionistas hasta intérpretes, directores de fotografía y compositores de bandas sonoras...

Melilla: Certamen Pintura

XII Certamen de Pintura Rápida "Ciudad de Melilla"

Melilla: Concurso

El arte en el cine (VI)

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• Shirley: Visions of Reallity (2013). Austria. Dirección y guión: Gustav Deutsch. Protagonizada por Stephanie Cumming, Christoph Bach, Florentín Groll, Elfriede Irrall, Tom Hanslmaier. Productora: KGP Kranzelbinder Gabriele Production. Distribuidora: Karma Films. Drama. Pintura. Color. Duración: 92 minutos. Nominaciones y premios: Austrian Film Award, AT: mejor fotografía, mejor diseño de producción y mejor vestuario y 2 nominaciones mejor música y mejor maquillaje; Camerimage: 2 nominaciones al mejor director novel y a la mejor fotografía. Estrenada en febrero de 2013. Trece pinturas de Edward Hopper cobran vida para contarnos la historia de una mujer que vive una realidad que no acepta. Shirley es una mujer atractiva, carismática, comprometida y emancipada que querría cambiar el curso de la historia, una mujer que no acepta la realidad de la época que le ha tocado vivir: América entre los años 1930 y los 1960.

• Cutie and the Boxer (2013). Estados Unidos. Dirección: Zachary Heinzerling. Reparto: Documental. Documentary, Noriko Shinohara, Ushio Shinohara. Productora: Little Magic Films/Cine Mosaic/Ex Lion Tamer. Distribuidora: RADiUS-TWC. Documental. Cine independiente USA. Pintura. Color. Duración: 81 minutos. Nominaciones y premios:  Premios Oscar: nominado a mejor largometraje documental; Festival de Sundance: mejor director (documental). Estrenada el 19 de enero de 2013. Esta sincera historia de amor neoyorquina explora los caóticos 40 años de matrimonio del famoso pintor Ushio Shinohara y su esposa, Noriko. Ansiosa por dejar de lado su papel de asistente de su autoritario marido, Noriko busca una identidad propia.

• El gran hotel de Budapest (The Grand Budapest Hotel, 2014). Estados Unidos. Dirección y guión: Wes Anderson. Protagonizada por Ralph Fiennes, Tony Revolori, Saoirse Ronan, Edward Norton, Jeff Goldblum, Jude Law, Willem Dafoe, F. Murray Abraham, Adrien Brody, Tilda Swinton, Harvey Keitel, Mathieu Amalric, Jason Schwartzman, Tom Wilkinson, Larry Pine, Bill Murray, Léa Seydoux, Owen Wilson, Giselda Volodi, Florian Lukas, Karl Markovics, Wallace Wolodarsky, Bob Balaban, Volker Michalowski, Fisher Stevens, Waris Ahluwalia. Productora: FoxSearchlight/Scott Rudin Productions/American Paintbrush. Distribuidora: 20th Century Fox. Comedia. Aventuras. Años 1930. Pintura. Color. Duración: 99 minutos.  Nominaciones y premios:  4 Premios Oscar: mejor banda sonora, dirección artística, vestuario y maquillaje; Globos de Oro: mejor película - comedia o musical; Premios César: Nominada a Mejor film extranjero; Premios BAFTA: 5 premios incluyendo mejor guión original; Festival de Berlín: Gran Premio del Jurado; Círculo de Críticos de Nueva York: mejor guión; Críticos de Los Angeles: 2º mejor film del año. 2 premios, incluido mejor guión; Premios Gotham: Nominada a mejor película; Satellite Awards: mejor dirección artística y vestuario; Sindicato de Guionistas (WGA): mejor guión original; Sindicato de Actores (SAG): nominada a mejor reparto; Critics Choice Awards: 3 premios incluyendo mejor comedia; Críticos de Chicago: mejor guión y mejor dirección artística; Premios David di Donatello: mejor film extranjero. Estrenada el 6 de febrero de 2014. Gustave H. (Ralph Fiennes), un legendario conserje de un famoso hotel europeo de entreguerras, entabla amistad con Zero Moustafa (Tony Revolori), un joven empleado al que convierte en su protegido. La historia trata sobre el robo y la recuperación de una pintura renacentista de valor incalculable y sobre la batalla que enfrenta a los miembros de una familia por una inmensa fortuna. Como telón de fondo, los levantamientos que transformaron Europa durante la primera mitad del siglo XX.

• Monument's Men (The Monument’s Men, 2014). Estados Unidos. Coescrita, producida y dirigida por George Clooney. Protagonizada por George Clooney, Matt Damon, Bill Murray, John Goodman, Cate Blanchett, Bob Balaban, Jean Dujardin, Hugh Bonneville, Dimitri Leonidas, Justus von Dohnányi, Zahary Baharov, Serge Hazanavicius, Grant Heslov, Alexandre Desplat, Lee Asquith-Coe, Nick Clooney. Productora: 20th Century Fox/Columbia Pictures/Smoke House/Studio Babelsberg. Distribuidora:  . Bélico. Drama. Acción. II Guerra Mundial. Nazismo. Pintura. Basado en hechos reales. Color. Duración: 118 minutos. Estrenada el 4 de febrero de 2014.  A finales de la II Guerra Mundial (1939-1945), a un selecto grupo de historiadores, directores de museos y expertos en arte, tanto británicos como norteamericanos, se les encomienda la importante y peligrosa misión de recuperar las obras de arte robadas por los nazis durante la guerra para devolvérselas a sus legítimos propietarios. Era una misión imposible: las obras estaban muy bien custodiadas y el ejército alemán tenía orden de destruirlas en cuanto el Reich cayera. Pero aquellos hombres, en una carrera contrarreloj, arriesgaron sus vidas para evitar la destrucción de miles de años de cultura de la humanidad.

• Mr Turner (2014). Reino Unido. Dirección y guión: Mike Leigh. Protagonizada por Timothy Spall, Dorothy Atkinson, Marion Bailey, Paul Jesson, Martin Savage, Lesley Manville, Ruth Sheen, Roger Ashton-Griffiths. Productora: Focus Features International (FFI)/Film4/Thin Man Films/Xofa Productions. Distribuidora: Wanda Visión. Drama | Biográfico. Pintura. Siglo XIX. Color. Duración: 149 minutos.  Nominaciones y premios: Premios Oscar: 4 nominaciones incluyendo mejor fotografía. Festival de Cannes: Mejor actor (Timothy Spall). Premios BAFTA: 4 nominaciones incluyendo mejor fotografía. Festival de Sevilla: mejor director, mejor actor (Timothy Spall). National Board of Review (NBR): Mmjores películas independientes del año; Círculo de Críticos de Nueva York: mejor actor (Timothy Spall); Premios del Cine Europeo: mejor actor (Timothy Spall); Satellite Awards: ejor fotografía. Critics Choice Awards: 2 nominaciones incluyendo mejor fotografía. Estrenada el 15 de mayo de 2014. Biografía sobre el pintor británico, J.M.W Turner (1775-1851). Artista reconocido, ilustre miembro de la Royal Academy of Arts, vive con su padre y su fiel ama de llaves. Es amigo de aristócratas, visita burdeles y viaja frecuentemente en busca de inspiración. A pesar de su fama, también es víctima de las burlas del público y del sarcasmo de la sociedad. Profundamente afectado por la muerte de su padre, dcide aislarse. Su vida cambia cuando conoce a Mrs Booth, propietaria de una pensión familiar a orillas del mar.

• Big Eyes (2014). Estados Unidos. Dirección: Tim Burton. Protagonizada por Amy Adams, Christoph Waltz, Danny Huston, Jason Schwartzman, Krysten Ritter, Terence Stamp, Heather Doerksen, Emily Fonda, Jon Polito, Steven Wiig, Emily Bruhn, David Milchard, Elisabetta Fantone, Connie Jo Sechrist, James Saito. Productora: Silverwood Films/ Electric City Entertainment/Tim Burton Productions/The Weinstein Company. Distribuidora: The Weinstein Company. Drama. Basado en hechos reales. Biográfico. Años 50. Años 60. Pintura. Color. Duración: 106 minutos. Nominaciones y premios:  Globos de Oro: mejor actriz principal - Comedia o musical (Amy Adams); Premios BAFTA: 2 nominaciones incluyendo mejor actriz (Amy Adams); Independent Spirit Awards: nominada a mejor guión;  Critics Choice Awards: Nominada a mejor canción Big Eyes. Estrenada el 25 de diciembre de 2014. Narra la historia de Margaret y Walter Keane. En los años 50 y 60 del siglo pasado, tuvieron un éxito enorme los cuadros que representaban niños de grandes ojos. La autora era Margaret, pero los firmaba Walter, su marido, porque, al parecer, él era muy hábil para el marketing.

El arte en el cine (V)

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• Rembrandt’s J’accuse (2008). Reino Unido- Dirección y guión: Peter Greenaway. Reparto: Documental. Martin Freeman, Emily Holmes, Eva Birthistle, Jodhi May, Jonathan Holmes, Natalie Press, Michael Teigen. Productora: Submarine/Vrijzinnig Protestantse Radio Omroep (VPRO)/Westdeutscher Rundfunk (WDR)/ARTE/Yleisradio (YLE). Distribuidora: ContentFilm International. Documental. Misterio. Color. Duración: 80 minutos. Greenaway investiga y expone pormenorizadamente la relación entre la historia pintada en el cuadro y el desenlace en la vida del pintor. A partir de la exposición de 34 puntos el director pretende resolver el crimen contenido en el cuadro, hipótesis que sólo puede resolverse en un punto final. Se intercalan recreaciones actuadas por los personajes de la historia, encarnados por los mismos actores que protagonizaron la película sobre el tema en las que, dirigiéndose al espectador, se intenta dilucidar lo ocurrido Secuela o complemento de su película La ronda de noche (Nightwatching, 2007), en la que aborda de nuevo el tema de uno de los más famosos cuadros de Rembrandt, La ronda de noche (1642) y su relación con el prematuro fin de la carrera del pintor. Rembrandt's J'Accuse formó parte de la selección oficial de la edición de 2009 del Hot Docs Canadian International Documentary Festival de Toronto.

• Séraphine (2008). Francia. Dirección: Martin Provost. Protagonizada por Yolande Moreau, Ulrich Tukur, Anne Bennent, Geneviève Mnich, Nico Rogner. Productora: TS Productions/France 3 Cinéma/Climax Films/RTBF. Distribuidora: Golem Distribución . Drama. Biográfico. Enfermedad. Pintura. Color. Duración: 125 minutos. Nominaciones y premios:  7 Premios Cesar, incluyendo mejor película y mejor actriz (Yolande Moreau); Asociación de Críticos de Los Angeles: mejor actriz (Yolande Moreau); Premios del Cine Europeo: nominada mejor actriz (Yolande Moreau) Estrenada el 7 de septiembre de 2008 . Narra la vida, fuera de lo común, de la francesa Séraphine de Senlis, una mujer nacida en 1864 que fue pastora, luego ama de casa y, finalmente, pintora antes de hundirse en la locura. Comienzos de siglo XX. Séraphine Louis, de 42 años, vive en Senlis y se gana la vida limpiando casas. El poco tiempo que le sobra lo ocupa pintando. Es la mujer de la limpieza de la Sra. Duphot, que alquila un piso a Wilhelm Uhde, un marchante alemán fascinado por los pintores modernos e ingenuos. Durante una cena ofrecida por la Sra. Duphot, Wilhelm Uhde descubre un pequeño cuadro que había traído Séraphine unos días antes. Fascinado, lo compra y convence a Séraphine para que le enseñe otras obras suyas.

• Castillos de cartón (2009). España. Dirección: Salvador García Ruiz. Protagonizada por Adriana Ugarte, Nilo Mur, Biel Durán, Pepa Pedroche, Alfonso Torregrosa, Cristian Magaloni, Álvaro Aguilar, Fernando Ripio. Productora: Tornasol Films/Castafiore Films. Drama. Drama romántico. Pintura. Color. Duración: 1001 minutos. Estrenada el 30 de octubre de 2009. Basada en la novela de Almudena Grandes.  es la historia del triángulo amoroso de tres estudiantes de Bellas Artes. María José estudia pintura en la Facultad de Bellas Artes de una gran ciudad. Una mañana, mientras prepara un lienzo para clase, Jaime, uno de sus compañeros, dibuja su retrato sin que ella se dé cuenta. Junto a él, admirando su capacidad para el dibujo, está Marcos, el alumno de más talento de su promoción. María José espera que Jaime le regale el retrato, pero después de mostrárselo él, inesperadamente, se lo guarda. María José, Jaime y Marcos compartirán su pasión por la pintura y algo más, una historia de amor que durará hasta que la época de aprendizaje termine y deban enfrentarse al mundo real.

• El mural (2010). Argentina y México. Dirección: Héctor Olivera. Protagonizada por Luis Machín, Carla Peterson, Ana Celentano, Bruno Bichir, Sergio Boris, Camilo Cuello Vitale, Rodrigo Noya, Juan Palomino, Mónica Galán, Luis Campos, Regina Lamm, Francisco Cocuzza, Stella Gallazzi, Marcos Woinsky, Matías Sandor. Productora: Aries Cinematográfica Argentina/Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA). Distribuidora: Aries Cinematográfica Argentina. Biografía. Drama. Color. Duración: Nominaciones y premios: Academía de las Artes y Ciencias Cinematográficas: mejor fotografía, montaje, dirección artística, vestuario, mejor maquillaje y/o peluquería; Asociación Argentina de Críticos de Cine: mejor actriz de reparto (Ana Celentano), mejor fotografía, mejor dirección artística, mejor vestuario y 5 nominaciones: mejor película, mejor actor principal (Luis Machín), mejor montaje, mejor música y mejor sonido; Premios Ariel: 3 nominaciones: mejor dirección artística, mejor vestuario y mejor maquillaje. Estrenada el 20 de mayo de 2010. El título alude al famoso mural que realizó el pintor mexicano David Alfaro Siqueiros en 1933 en la fastuosa casaquinta de Don Torcuato de un millonario argentino y que, luego de diversos avatares, se exhibe al público desde diciembre de 2010. La historia relata las distintas circunstancias que llevaron al pintor David Alfaro Siqueiros a realizar, durante los meses que estuvo en Argentina en los años treinta, el famoso mural de 200 metros cuadrados, Ejercicio Plástico, en el piso, paredes y techo en forma de bóveda del sótano de la quinta Los Granados, propiedad de Natalio Félix Botana, el millonario propietario del periódico Crítica. Siqueiros realiza el mural con la colaboración de los pintores argentinos Lino Enea Spilimbergo, Antonio Berni, Juan Carlos Castagnino y el pintor uruguayo Enrique Lázaro. Natalio Botana y David Alfredo Siqueiros compartían la pasión por el arte, ambos con visiones de la vida e ideologías que a primera vista demostraban ser completamente diferentes. El primero, un hombre que manejaba la opinión pública del país con su diario Crítica, y el segundo que con su arte generaba amor y odio, revolucionando las calles a través de murales socialistas con connotaciones absolutamente políticas. Este mural es el leit motiv para contar una historia que tiene intriga, sexo, traiciones, mentiras y hasta cierto sentido del humor entre los principales personajes: Siqueiros, su esposa, la poeta uruguaya Blanca Luz Brum, Botana, su mujer Salvadora Medina Onrubia y el poeta chileno Pablo Neruda, y, como una suerte de personaje más, la quinta Los Granados, en la que transcurre la historia. La película trata de reflejar el clima político de la época y el conflicto de un pintor, defensor del concepto del arte como experiencia para las masas y comunista activo realizando en una casa privada un mural que sólo verían los amigos de su millonario dueño.

• El gran Vázquez (2010). España. Dirección: Óscar Aibar. Protagonizada por Santiago Segura, Álex Angulo, Manolo Solo, Mercè Llorens, Enrique Villén, Jesús Guzmán, Pere Ponce, Pep Sais, Jordi Banacolocha, Pere Vall, Itziar Aizpuru, Itziar Castro, Alberto Vidal, Hector Vidales, Lita Claver 'La Maña', Biel Durán, Carles Velat, Oriol Tramvia, Ernesto Sevilla, Carlos Areces. Productora: Distinto Films/Tornasol Films/Castafiore Films. Distribuidora: Alta Classics. Comedia. Biográfico. Años 1960. Color. Duración: 108 minutos. Nominaciones y premios: Nominada al Goya: Mejor actor de reparto (Álex Angulo); Premios Gaudí: 4 nominaciones: mejor película en lengua no catalana, mejores efectos especiales, mejor maquillaje y mejor vestuario: Premido de Monte Carlo al Cine de Comedia: nominada a mejor película. Festival Internaciones de Cine de San Sebastián: nominada al mejor albúm de banda sonora. Estrenada el 17 de septiembre de 2010. Biopic del dibujante de cómics español Manuel Vázquez (Madrid, 1930-Barcelona, 1995), creador de famosos tebeos como La familia Cebolleta o Anacleto, agente secreto. Barcelona, años 1960. Es primavera y Vázquez respira la vida a pleno pulmón. Sus personajes -las Hermanas Gilda, Anacleto, la Familia Cebolleta...-, triunfan en los tebeos de la Editorial Bruguera. Mientras, el mejor dibujante de tebeos de España disfruta de lo que quiere cuando quiere, no paga nada, esquiva con ingenio a sus acreedores, burla y tima a sus jefes y se casa alegremente coleccionando una familia tras otra. Hasta que un gris contable de su editorial decide que debe pasar por el aro como todo hijo de vecino. No será tarea fácil: para el genial dibujante, la vida es una fiesta en la que hay que colarse si no te han invitado. 

• El molino y la cruz (Mlyn I Krzyz, 2011). Polonia. Dirección: Lech Majewsky. Protagonizada por Rutger Hauer, Charlotte Rampling, Michael York, Joanna Litwin, Dorota Lis, Bartosz Capowicz, Mateusz Machnik, Marian Makula, Sylwia Szczerba, Wojciech Mierkulow, Ruta Kubas, Jan Wartak, Sebastian Cichonski. Productora: Coproducción Suecia-Polonia; Silesia Film. Distribuidora:  . Drama. Histórico. Cine épico. Pintura. Color. Duración: 92 minutos. Nominaciones y premios: Festival de Sevilla: Premio Especial del Jurado. Estrenada el 23 de enero de 2011; Premios Asociación de Críticos de Cine Argentinos: Nominada a mejor película extranjera; Camerimage: nominada a la mejor fotografía; Cinema Eye Honors Awards: nominada al mejor director; International Cinephile Society Awards: mejor fotografía y mejor diseño de producción; Festival de Cine Europeo Les Arcs: nominada a mejor director; Festival Internacion al de Cine de Lurne: mejor película; Premios al Cine Polaco: mejor diseño de producción y mejor vestuario y 2 nominaciones: mejor música y mejor fotografía; Cçitculo de Críticos Cinematográficos de San Francisco: Premio especial. La película se inspira en la obra Cristo cargando la cruz del pintor flamenco Pieter Brueghel "el Viejo". Se eligieron doce personajes del cuadro y sus historias se combinaron con los avatares de la creación de la tela. Majewski pintó los decorados y se utilizó lo último en técnicas digitales para incorporar a los actores al mundo de Brueghel. La película se exhibió en Sundance. 

• Reverón (2011). Venzuela. Dirección: Diego Rísquez. Protagonizada por Luigi Sciamanna, Sheila Monterola, Nicolás Ferdinandov, Luis Fernández, Antonio Delli, Adrián Delgado, Francis Rueda, Jorge Pizzani, Diana Volpe, Héctor Manrique, Prakriti Maduro, Anabella Troconis, Jeska Lee Ruiz, Melissa Inojosa, Mirta Borges, Diego Rísquez, Rolando Peña, Luis Brito, Mario Nazoa, Amanda Dudamel, Gustavo Mezquita, Alejandro Pantoja, Ana Valentina Quilarque, Elys Añanguren, Luciano Pérez, Diane de Sousa, Yarua Camagni, Elisa Pantoja, Castor González, Francisco Díaz, Pedro Linares. Productora: Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC)/Producciones Guakamaya. Drama. Romance. Biográfico. Años 1920. Años 1930. Años 1940. Años 1950. Pintura. Color. Duración: 110 minutos. Nominaciones y premios: Festival de Cine de Bogotá: Premio al mejor documental en sobre arte. Estrenada el 27 de mayo de 2011. Se trata de una historia de amor que transcurre entre 1924 y 1954 a la orilla del Mar Caribe donde descubrimos el universo del gran artista plástico venezolano Armando Reverón, su relación con Juanita su musa e inseparable compañera, los amigos que los frecuentan, la construcción y recreación de los objetos que forman su mundo, su obsesión por la luz del trópico que lo ciega. Veremos el desarrollo de su enfermedad mental y el universo lúdico, afectivo y doloroso dentro de ese espacio mágico denominado El Castillete.

• Medianoche en París (Midnight in Paris, 2011). Estados Unidos. Escrita y dirigida por Woody Allen. Protagonizada por Owen Wilson, Marion Cotillard, Rachel McAdams, Corey Stoll, Kurt Fuller, Michael Sheen, Mimi Kennedy, Kathy Bates, Léa Seydoux, Alison Pill, Tom Hiddleston, Gad Elmaleh, Adrien Brody, Vincent Menjou Cortes, Carla Bruni, Olivier Rabourdin, Yves Heck, François Rostain, Adrien de Van, Marcial Di Fonzo Bo, Nina Arianda. Productora: Coproducción USA-España-Francia; Gravier Productions/Mediapro/Televisió de Catalunya (TV3) Versátil Cinema/Pontchartrain Productions. Distribuidora: Alta Films. Comedia. Romance. Fantástico. Comedia romántica. Viajes en el tiempo. Años 1920. Nominaciones y premios: Oscar: mejor guión original. 4 nominaciones: película, director y dirección artística;  Globos de Oro: mejor guión. 4 nominaciones; Critics Choice Awards: mejor guión original. 3 nominaciones; Premios BAFTA: nominada a mejor guión original; Satellite Awards: 2 nominaciones: mejor director y actriz secundaria (McAdams); Independent Spirit Awards: nominada a mejor fotografía y actor sec. (Stoll); Premios Goya: Nominada a Mejor guión original; American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año; Asociación de Críticos de Chicago: nominada a mejor guión. Estrenada el 11 de mayo de 2011. Un escritor norteamericano algo bohemio (Owen Wilson) llega con su prometida Inez (Rachel McAdams) y los padres de ésta a París. Mientras vaga por las calles soñando con los felices años 1920, cae bajo una especie de hechizo que hace que, a medianoche, en algún lugar del barrio Latino, se vea transportado a otro universo donde va a conocer a personajes que jamás imaginaría iba a conocer... 

• Ruby Sparks (2012): Estados Unidos. Dirección: Jonathan Dayton, Valerie Faris. Protagonizada por Paul Dano, Zoe Kazan, Chris Messina, Antonio Banderas, Annette Bening, Steve Coogan, Elliott Gould, Aasif Mandvi, Deborah Ann Woll, Toni Trucks, Alia Shawkat, Wallace Langham, John F. Beach, Jane Anne Thomas, Eleanor Seigler, Emma Jacobs. Productora: Fox Searchlight Pictures/Bona Fide Productions. Distribuidora: 20th Century Fox. Romance. Comedia. Drama. Fantástica. Comedia romántica. Comedia dramática. Literatura. Cine independiente USA. Color. Duración:  104 minutos. Nominaciones y premios:  Independent Spirit Awards: nominada a mejor guión. Estrenada el 25 de julio de 2012.. Los directores de Pequeña Miss Sunshine (Little Miss Sunshine, 2006) relatan la historia de un escritor que se enamora de uno de sus personajes femeninos. Calvin Weir-Fields (Paul Dano) había sido un niño-prodigio, cuya primera novela había tenido un gran éxito. Pero, desde entonces, sufre un sistemático bloqueo creativo agravado por su deprimente vida amorosa. Finalmente, consigue crear un personaje femenino, Ruby Sparks (Zoe Kazan), que acaba materializándose y compartiendo la vida con él.

• Renoir (2012). Francia. Dirección y guión: Gilles Bourdos. Protagonizada por Michel Bouquet, Romane Bohringer, Thomas Doret, Michèle Gleizer, Vincent Rottiers, Christa Theret. Productora: Fidélité Films. Distribuidora: Golem Distribución. Drama | Biográfico. Años 1910-1919. Pintura. Color. Duración: 191 minutos. Nominaciones y premios: Premios César: Mejor vestuario. 4 nominaciones. Estrenada el 25 de mayo de 2012. La Costa Azul, 1915. Auguste Renoir, en el ocaso de su vida, está atormentado por la pérdida de su esposa, los dolores artríticos y la noticia de que su hijo ha sido herido en la guerra. Sin embargo, cuando una joven entra en su mundo, el pintor se siente dueño de una nueva energía. Radiante de vida, bellísima, Andrée se convertirá en su última modelo. Jean regresa a casa para reponerse y también cae bajo el encanto de la estrella pelirroja que brilla en el firmamento de Renoir. A pesar de la oposición de su padre, se enamora de la joven indomable y empieza a desarrollarse el gran cineasta.

• El artista y la modelo (2012). España. Dirección: Fernando Trueba. Protagonizada por Jean Rochefort, Aida Folch, Claudia Cardinale, Chus Lampreave, Götz Otto, Christian Sinniger. Productora: Fernando Trueba Producciones Cinematográficas/Televisión Española (TVE)/Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA)/Instituto de Crédito Oficial (ICO)/Audiovisual Aval SGR. Distribuidora: Alta Films. Drama. Años 1940. II Guerra Mundial. Escultura. Blanco y negro. Duración: 104 minutos. Nominaciones y premios: Premios Goya: 13 nominaciones, incluyendo mejor película y director; Festival de San Sebastián: Concha de Plata-Mejor director. Estrenada el 28 de septiembre de 2012. Verano de 1943. En un lugar de la Francia ocupada, no lejos de la frontera española, vive retirado un viejo y famoso escultor que se siente hastiado de la vida y de la locura de los hombres. Ya nada es capaz de animarle, de servirle de estímulo. Sin embargo, con la llegada de una joven española que se ha fugado de un campo de refugiados y que le servirá de musa, renace en él el deseo de volver a trabajar y esculpir su última obra.

• La banda de Picasso (2013). España. Dirección y guión: Fernando Colomo. Protagonizada por Ignacio Mateos, Pierre Bénézit, Raphaëlle Agogué, Jordi Vilches, Lionel Abelanski, Alexis Michalik, Stanley Weber, Louise Monot, Cristina Toma, Eszter Tompa, David Coburn, Thomas Jouannet, Tony Gaultier. Productora: Colomo P.C/FilmTeam. Distribuidora: Alta Films. Comedia. Robos y Atracos. Basado en hechos reales. Años 1910-1919. Pintura. Color. Duración: 101 minutos. Nominaciones y premios: Premios Goya: nominada a mejor diseño de vestuario y mejor canción. Estrenada el 25 de enero de 2013. París, 1911.  La Gioconda desaparece del Louvre. Pablo Picasso y Guillaume Apollinaire son detenidos. Pablo recuerda que Guillaume le había presentado a un atlético joven llamado “el Barón” que, al enterarse de su fascinación por unas estatuas ibéricas, decide robarlas del Louvre y vendérselas a un precio ridículo. Aquellas estatuas fueron cuatro años antes la inspiración del primer cuadro cubista, Las señoritas de Avignon. Pablo es español, Guillaume polaco, el Barón, belga. Y la prensa habla de una banda internacional llegada a Francia para desvalijar los museos. Historia basada en un hecho real. 

• Camille Claudel, 1915 (2013). Francia. Dirección: Bruno Dumont. Protagonizada por Juliette Binoche, Jean-Luc Vincent, Robert Leroy, Marion Keller, Régine Gayte, Myriam Allain, Emmanuel Kauffman, Eric Jacoulet, Armelle Leroy-Rolland, Florence Philippe, Claire Peyrade, Sandra Rivera, Nicole Faurite. Productora: 3B Productions/Arte France Cinéma/C.R.R.A.V. Nord Pas de Calais/Canal+/Region PACA. Distribuidora: ARP Sélection. Drama. Basado en hechos reales. Histórico. Años 1910-1919. Enfermedad. Escultura.  Color. Duración: 95 minutos. Nominaciones y premios: Festival Internacional de Cine de Berlin (Berlinale): nominada al Oso de Oro; Festival de Cine Europe de Bruselas: mejor película europea; International Cinephile Society Awards: segundo lugar como mejor actriz (Julitte Binoche); Istanbul International Film Festival: Premio FIPRESCI y Premio Especial del Jurado; Premios Lumière: nominada a mejor actriz (Juliette Binoche); Premio Louis Delluc: nominada a mejor película; Tallinn Black Nights Film Festival: Mejor actriz (Juliette Binoche) y nominada como mejor película. Estrenada el 12 de febrero de 2013. En 1915, Camille Claudel (Juliette Binoche) es internada por su familia en un asilo de enfermos mentales del sur de Francia. Ya no volverá a esculpir, pero espera siempre la visita de su hermano, el escritor Paul Claudel. Fue rodada en un manicomio, donde Binoche actuó rodeada de auténticos pacientes con problemas mentales. 

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