“Enamorada”: un intenso melodrama mexicano, restaurada

Enamorada (1946), de Emilio Fernández con María Félix, Pedro Armendáriz, Fernando Fernández, Miguel Inclán, José Morcillo, Eduardo Arozamena, Manuel Dondé, Eugenio Rossi como Eduardo Roberts, Norma Hill, Juan García, José Torvay, Pascual García Peña, Daniel Arroyo, Rogelio Fernández, Beatriz Germán Fuentes, Cecilia Leger, Manuel Pozos, Enriqueta Reza, Arturo Soto Rangel.

Sinopsis: En tiempos de la revolución, las tropas zapatistas del general José Juan Reyes toman la tranquila y conservadora ciudad de Cholula. Mientras confisca los bienes de los ricos del pueblo, el general Reyes se enamora de la bella, rica e indomable Beatriz Peñafiel, hija del hombre más notable de Cholula. El desprecio inicial que Beatriz siente hacia el revolucionario da paso a la curiosidad y, finalmente, a un profundo y auténtico amor.

Dirigida magistralmente por Emilio Fernández, esta película de 1946, iluminada por la actuación de María. Félix, diosa del cine mexicano, se reestrena en cines. La acción comienza con fuerza desde el primer momento de Enamorada, un melodrama mexicano que, ochenta años después de su estreno, ha resurgido del olvido y conserva su fuerza. 

Efemérides de cine: Novecento

El 21 de mayo de 1976 se estrenó la película italiana Novecento, dirigida por Bernardo Bertolucci e interpretada por Robert De Niro, Gérard Depardieu, Dominique Sanda, Laura Betti, Stefania Casini, Francesca Bertini, Werner Bruhns, Sterling Hayden, Anna Henkel, Burt Lancaster, Donald Sutherland, Alida Valli, Stefania Sandrelli. Productora: Coproducción Italia-Francia-Alemania del Oeste (RFA); Produzioni Europee Associati (PEA), Les Productions Artistes Associes, Artemis Film. Duración: 314 minutos. 

Sinopsis argumental:  En el año 1901, en una finca del norte de Italia, nacen el mismo día el hijo de un terrateniente y el hijo de un bracero que serán amigos inseparables, aunque su relación se verá nublada por sus diferentes actitudes frente al fascismo. Drama que hace un complejo recorrido político y social por la Italia del siglo XX.

Nominaciones y premios: Premios National Society of Film Critics (NSFC): nominada a mejor fotografía; Bodil Awards (Dinamarca): Mejor Película Europea; 1976: Sindicato Italiano de Periodistas de Cine: Nominadas Actrices Sec. (Valli & Betti); Premios Sant Jordi: Mejor Interpretación en Película Extranjera (de Niro). 

Comentario: Octavo largometraje de Bernardo Bertolucci, dedicado a exaltar la lucha del movimiento obrero italiano de 1901 a 1945. La música de Ennio Morricone y la fotografía de Vittorio Storaro están cerca de la perfección.

Las 25 mejores películas de Steven Spielberg y dónde verlas (VIII)

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20. Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio (The Adventures of Tintin: Secret of the Unicorn, 2011)

Reparto: Animación. 

La trama: Tintín, un joven periodista dotado de una curiosidad insaciable, y su leal perro Milú descubren que la maqueta de un barco contiene un enigmático y secular secreto que deben investigar. A partir de ese momento, Tintín se verá acosado por Ivan Ivanovitch Sakharine, un diabólico villano que cree que el joven ha robado un valioso tesoro vinculado a un cruel pirata llamado Rackham el Rojo. Pero, con la ayuda de Milú, del cascarrabias capitán Haddock y de los torpes detectives Hernández y Fernández, viajará por medio mundo, sirviéndose de su proverbial astucia para burlar a sus perseguidores y encontrar antes que ellos El Unicornio, un navío hundido que puede proporcionar la clave de una fabulosa fortuna y de una antigua maldición. La aventura lo lleva por mares, desiertos y ciudades peligrosas en un viaje vibrante que mezcla humor, intriga y energía visual.

Las aventuras de Tintín: el secreto del unicornio (2011)

Curiosidades: El plan inicial apuntaba a la imagen real, con Milú generado por ordenador, pero Peter Jackson le hizo ver a Spielberg que ese enfoque se quedaba a medio camino: el mundo de Hergé pedía otra lógica. De ahí el giro hacia la captura de movimiento, manteniendo al perro como animación, para preservar el espíritu del cómic sin traicionarlo. Traslación a la pantalla de las aventuras de Tintín, el genial personaje de cómic creado por el artista belga Hergé, seguramente la obra maestra indiscutible del llamado Noveno Arte. No faltan a la cita personajes como Hernández y Fernández, el mayordomo Néstor o el capitán Allan. La base argumental la proporciona el álbum El secreto del Unicornio. Disponible en Filmin.

21. War Horse (Caballo de batalla) (War Horse, 2011)

Reparto: Jeremy Irvine, Emily Watson, David Thewlis, Benedict Cumberbatch, Peter Mullan, Niels Arestrup, Tom Hiddleston, Toby Kebbell, Celine Buckens, Patrick Kennedy, David Kross, Matt Milne, Leonard Carow, Eddie Marsan, Nicolas Bro, Robert Emms, Rainer Bock, Hinnerk Schönemann. 

La trama: En un pueblo inglés, Albert, el hijo de un granjero, ve nacer un potrillo. Poco después, su padre lo adquiere en una subasta, y el chico le pone de nombre Joey. Pero la familia se arruina y no tiene más remedio que vender el caballo justo cuando estalla la Primera Guerra Mundial (1914-1918). Ése es el punto de partida de un viaje en el que tanto Albert como Joey lucharán por sobrevivir a la contienda y volver a estar juntos. Su espíritu resistente inspira a quienes lo encuentran, mostrando cómo la lealtad y la esperanza pueden sobrevivir incluso en los tiempos más oscuros.

Jeremy Irvine en War Horse (Caballo de Guerra) (2011)

Curiosidades: Spielberg defendía que el realismo mandaba: los únicos efectos digitales fueron tres planos brevísimos, apenas tres segundos, aplicados por seguridad. Incluso la escena del alambre se resolvió con trucos físicos (goma en lugar de espino real y, cuando tocaba, un animatrónico) para no poner al caballo en riesgo. Notable adaptación de la novela de Michael Morpurgo, que estaba narrada con talento desde el punto de vista del caballo del título. Disponible en HBO Max, Movistar+ Ficción Total, Tivify.

22. Lincoln (2012)

Reparto: Daniel Day-Lewis, Joseph Gordon-Levitt, Tommy Lee Jones, Jared Harris, David Strathairn, Sally Field, James Spader, John Hawkes, Hal Holbrook, Tim Blake Nelson, Jackie Earle Haley, Lee Pace, David Costabile, Jeremy Strong, Bruce McGill, Julie White, Gloria Reuben, Michael Stuhlbarg, Bill Camp, Elizabeth Marvel, Walton Goggins, Peter McRobbie, David Oyelowo, Gulliver McGrath.

La trama: En 1865, mientras la Guerra Civil Americana se acerca a su fin, el presidente Abraham Lincoln propone una enmienda que prohíba la esclavitud en los Estados Unidos. Sin embargo esto plantea un gran dilema: si la paz llega antes de que se apruebe la enmienda, el Sur tendrá poder para rechazarla y mantener la esclavitud; si la paz llega después, decenas de miles de personas seguirán muriendo en el frente. En una carrera contrarreloj para conseguir los votos necesarios, Lincoln se enfrenta a la mayor crisis de conciencia de su vida.

Daniel Day-Lewis en Lincoln (2012)

Curiosidades: Cuando Liam Neeson se bajó del proyecto, Spielberg volvió a su primera opción, Daniel Day‑Lewis, que dudó por el peso casi mítico del personaje. El giro llegó por una vía inesperada: Leonardo DiCaprio intervino para convencerlo de que aceptara. Steven Spielberg dirige al actor ganador de dos premios de la Academia Daniel Day-Lewis en Lincoln,  un revelador drama que se centra en los tumultuosos últimos meses en ejercicio del decimosexto presidente norteamericano. Disponible en Google Play, Apple TV, Prime Video, Rakuten TV. 

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Retrospectiva: "Novecento", una película fundamental...

Novecento (1900) (1976), dirigida por Bernardo Bertolucci e interpretada por Robert De Niro, Gérard Depardieu, Dominique Sanda, Laura Betti, Stefania Casini, Francesca Bertini, Werner Bruhns, Sterling Hayden, Anna Henkel, Burt Lancaster, Donald Sutherland, Alida Valli, Stefania Sandrelli.  un fresco histórico de extraordinaria belleza visual, a ratos épico, intimista en otros, poético siempre. 

Gérard Depardieu y Robert De Niro en Novecento (1900) (1976)

La trama: Impresionante fresco histórico que recorre la historia italiana del siglo XX a través de la historia de dos hombres que, naciendo el mismo día, pertenecen a clases sociales diferentes: Robert De Niro interpreta al hijo de un rico terrateniente y Gérard Depardieu al de uno de los obreros de su finca. Juntos vivirán experiencias sexuales en su juventud, los horrores de la Guerra en su madurez y seguirán discutiendo ya ancianos en uno de los finales más extravagantes que nunca ha tenido una película.

Donald Sutherland en Novecento (1900) (1976)

Tan irregular como poderosa, esta producción de Alberto Grimaldi cuenta con un reparto excepcional.Donald Sutherland en el papel de un fascista que dejó boquiabierto a los espectadores cuando aplasta con su cabeza a un gato y luego despedaza a un niño. Debido a su exagerada duración la película fue estrenada en dos partes. La música de Ennio Morricone y la fotografía de Vittorio Storaro están cerca de la perfección.

Las 25 mejores películas de Steven Spielberg y dónde verlas (III)

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5. E.T., el extraterrestre (E.T.: The Extra-Terrestrial, 1982)

Reparto: Henry Thomas, Dee Wallace, Peter Coyote, Robert McNaughton, Drew Barrymore, Erika Eleniak, C. Thomas Howell, K.C. Martel, Sean Frye. 

La trama: Un pequeño ser de otro planeta se queda abandonado en la Tierra cuando su nave, al emprender el regreso, se olvida de él. Está completamente solo y tiene miedo, pero se hará amigo de un niño, que lo esconde en su casa. El pequeño y sus hermanos intentan encontrar la forma de que el pequeño extraterrestre regrese a su planeta antes de que lo encuentren los científicos y la policía. La historia combina ternura, descubrimiento y emoción, logrando una conexión universal basada en la inocencia y el deseo de regresar a casa.

Drew Barrymore en E. T., el extraterrestre (1982)

Curiosidades: La historia nació de una cicatriz personal: Spielberg la apoyó en el amigo imaginario que se inventó tras el divorcio de sus padres, y esa raíz explica el pulso doméstico de todo el relato. Para facilitar interpretaciones convincentes en el reparto infantil, rodó en un orden casi cronológico, de manera que cada escena llegara cuando la relación ya estaba asentada. Steven Spielberg no sería quien es si no hubiera rodado esta película. Si ya antes había sorprendido con una visión favorable de la vida más allá de la Tierra en Encuentros en la tercera fase, su siguiente película fue directamente a destrozar el mito del marciano con malas pulgas que viene a nuestro planeta para sembrar la destrucción. Disponible en Prime Video, SkyShowtime, Disney+, Movistar+, Filmin. 

6. Indiana Jones y el templo maldito (Indiana Jones and the Temple of Doom, 1984)

Reparto: Harrison Ford, Kate Capshaw, Ke Huy Quan, Amrish Puri, Roshan Seth, Dan Aykroyd, Philip Stone, Roy Chiao, David Yip, Ric Young. 

La trama: 1935. Shanghai. El intrépido arqueólogo Indiana Jones, tras meterse en jaleos en un local nocturno, consigue escapar junto a una bella cantante y su joven acompañante. Tras un accidentado vuelo, los tres acaban en la India, donde intentarán ayudar a los habitantes de un pequeño poblado, cuyos niños han sido raptados. Esta peligrosa misión lo arrastra a rituales oscuros, persecuciones y una de las aventuras más intensas y frenéticas de toda la saga.

Jonathan Ke Quan y Harrison Ford en Indiana Jones y el templo maldito (1984)

Curiosidades: La secuencia de la cámara de insectos fue tan real como parece: Kate Capshaw aceptó rodar cubierta por más de dos mil insectos vivos y, para vencer el miedo inicial, tomó sedantes antes de entrar en el set. Ella misma reconoció que le ayudaron a dar el paso. Se trata de la película con más elementos fantásticos de la serie de Indiana Jones. Las escenas se suceden a una velocidad de vértigo en varios continentes distintos. El sentido del humor es un elemento constante, y está reforzado por la presencia del joven Jonathan Ke Quan. Disponible en Netflix, Prime Video, HBO Max, Movistar+ Ficción Total, SkyShowtime, Tivify. 

7. El color púrpura (The Color Purple, 1985)

Reparto: Danny Glover, Whoopi Goldberg, Margaret Avery, Oprah Winfrey, Willard E. Pugh, Dana Ivey, Akosua Busia, Laurence Fishburne, Desreta Jackson, Adolph Caesar, Rae Dawn Chong, Leonard Jackson, Bennet Guillory, Carl Anderson, John Patton Jr., Susan Beaubian, James Tillis, Phillip Strong. 

La trama: Principios del siglo XX. Historia ambientada en Estados Unidos, en el sur rural. Whoopi Goldberg interpreta a una joven muchacha negra, obligada por su padre a casarse con un hombre odioso al que no quiere. Sólo encuentra consuelo en su hermana, a quien escribe puntualmente, aunque sus cartas de respuesta sean retenidas por su malvado marido. Un viaje emocional que combina dolor y esperanza con una sensibilidad profunda.

Whoopi Goldberg en El color púrpura (1985)

Curiosidades: La respuesta inicial fue un no: Spielberg se veía inseguro, dudaba de su mirada para retratar el Sur profundo y sentía que la historia pedía otra voz. Quincy Jones le desmontó el miedo con una frase perfecta, recordándole que no hacía falta “ser un extraterrestre” para dirigir a uno, y ese empujón lo metió de lleno en la película. Algunas escenas han pasado a la historia del cine, por su maestría y sutileza. Está basada en la novela homónima de Alice Walker, ganadora del Premio Pulitzer. A pesar de contar con un montón de nominaciones al Oscar, el film se fue sin ninguna estatuilla a casa, era la época en que no se toma muy en serio a Spielberg. Disponible en Netflix, Prime Video, HBO Max, Movistar+ Ficción Total, SkyShowtime, Tivify.

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Hace 100 años: El kimono rojo

El 1 de febrero de 1926 se estrenó la película estadounidense El kimono rojo (The Red Kimona AKA The Red Kimono), dirigida por Walter Lang e interpretada por Priscilla Bonner, Nellie Bly Baker, Carl Miller, Mary Carr, Virginia Pearson, Tyrone Power, Sr.,  Sheldon Lewis, Theodore von Eltz, Emily Fitzroy, George Siegmann, Dot Farley, Max Asher, Dorothy Davenport, Ellinor Vanderveer, Lottie Williams. Productora: Mrs. Wallace Reid Productions. Duración: 77 minutos. 

Sinopsis argumental: La historia comienza con una chica ingenua de pueblo, Gabrielle Darley, quien trata de escapar de su vida en el hogar cruel en los brazos de un apuesto extraño, Howard Blaine, que promete casarse con ella en Nueva Orleans. Pronto Gabrielle se encuentra a sí misma trabajando como prostituta en Nueva Orleans y se aferra a la creencia de que Howard realmente la ama.

Comentario:  Basada en un caso real ocurrido en Norteamérica, esta cinta realizada por un pionero del cine mudo, Walter Lang. La película es de un realismo y una crudeza sui generis, donde expone de modo melodramático y documental, la inocencia engañada por la perversión humana; expone un caso de prostitución femenina en el primer tercio del siglo XX en los Estados Unidos. La cinta se convierte en una denuncia explícita contra el sistema penal que no cumple con su papel de defensor de los derechos de género y humanos. Curiosamente la protagonista real, demandó a la compañía productora después del estreno de esta pelicular, por daños y prejuicios en su persona. Ganó el juicio y la productora tuvo que pagarle 50 mil dólares.

Efemérides de cine: El padrino parte II

El 12 de diciembre de 1974 se estrenó la película estadounidense El padrino parte II (The Godfather Part II), dirigida por Francis Ford Coppola e interpretada por Al Pacino, Diane Keaton, Robert De Niro, Robert Duvall, John Cazale, Talia Shire, Lee Strasberg, James Caan, Danny Aiello, Bruno Kirby, Michael V. Gazzo, G.D. Spradlin, Morgana King, Richard Bright, Gianni Russo, Abe Vigoda, Troy Donahue, Harry Dean Stanton, Dominic Chianese, Marianna Hill, Carmine Caridi, Gastone Moschin. Productora: Coppola Co. Production. Productor: Francis Ford Coppola. Duración: 200 minutos. 

Sinopsis argumental: Continuación de la historia de los Corleone por medio de dos historias paralelas: la elección de Michael como jefe de los negocios familiares y los orígenes del patriarca, Don Vito Corleone, primero en su Sicilia natal y posteriormente en Estados Unidos, donde, empezando desde abajo, llegó a ser un poderosísimo jefe de la mafia de Nueva York. 

Nominaciones y premios: 6 Oscar, incluyendo película, director, actor de reparto (De Niro). 11 nominaciones; Globos de Oro: 6 nominaciones, incluyendo mejor película - drama; Círculo de Críticos de Nueva York: 4 nominaciones, incluyendo mejor película; Sindicato de Directores (DGA): Mejor director; Sindicato de Guionistas (WGA): Mejor guión adaptado drama; Premios BAFTA: Mejor actor (Al Pacino). 4 nominaciones. 

Comentario: Una segunda parte que rompe el tópico de segundas partes nunca fueron buenas. Es cuestionable si es mejor o peor que la genial primera parte pero, como poco, se queda a la misma altura. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Armisticio del 11 de noviembre: diez películas conmovedoras sobre Primera Guerra Mundial (I)

El 11 de noviembre de 1918, a las 5:20 de la mañana, en un vagón de tren en el bosque de Compiègne (noreste de Francia) representantes del Imperio alemán se rinden ante los Aliados. El Armisticio de Compiègne entró en vigor a las 11:00 del día 11 del mes 11. Terminó así la Primera Guerra Mundial. 

Y recordamos el Armisticio que puso fin a los combates de la Primera Guerra Mundial en 1918. La oportunidad de sumergirnos en este fragmento de la historia con películas que exploran la Gran Guerra.

Inmediatamente después de la guerra o incluso hoy en día, muchas películas se centran en la Primera Guerra Mundial. De Stanley Kubrick a Bertrand Tavernier, imágenes impactantes y desgarradoras: las trincheras, la barbarie, la vida de los infantes, los rostros destrozados, la batalla del Marne... Para recordar del 14 al 18, entre los horrores de la guerra, acusación por la paz y El deber de la memoria, hemos seleccionado diez películas actualmente disponibles en las plataformas.

1. Novela por entregas: Nos vemos allá arriba (Au revoir là-haut, 2017), de Albert Dupontel

La Primera Guerra Mundial ha terminado. Albert Maillard y Edouard Péricourt, compañeros de armas del ejército francés, han sobrevivido. Pero a un alto coste en el caso del segundo, con la boca completamente destrozada, y la capacidad de habla notablemente mermada. Para un artista ilustrador como él de gusto exquisito, es una tragedia. Distanciado además de su familia de clase alta, especialmente de su padre Marcel, intercambia su identidad con la de un caído para simular su muerte y se oculta en un desván, con la complicidad de Albert. Éste, contable, tiene dificultades para volver a trabajar en lo suyo, y tiene que conformarse con modestos oficios, como el de hombre-anuncio. Finalmente, los dos amigos, con la complicidad de una jovencita huérfana, arman una estafa en torno al diseño de supuestos monumentos patrióticos para honrar a los muertos por la patria. Y entretanto, el sádico oficial que les hizo la vida imposible en las trincheras, el teniente Henri d'Aulnay-Pradelle, va a cruzarse inesperadamente con ellos. Adaptación de la novela homónima de Pierre Lemaitre, ganadora del prestigioso Premio Goncourt en 2013. Posteriormente fue adaptada al cómic, lo que puede haber influido en la soberbia concepción visual de la película, desde las escenas bélicas del arranque, con un perfecto diseño de las trincheras, al París de los años 1920, los dibujos y máscaras del protagonista, la cuidada concepción de los planos... Dirige, firma el guión y coprotagoniza Albert Dupontel, quien ya dio muestras de habilidad tras la cámara en filmes como 9 meses... ¡de condena!.

2. Bienvenidos al infierno: 1917 (2019), de Sam Mendes

Primera Guerra Mundial, conocida en su momento como la Gran Guerra. En el frente occidental, el general británico Erinmore (Colin Firth) encomienda a los cabos Schofield (George MacKay) y Blake (Dean-Charles Chapman), dos jóvenes soldados británicos, una misión estrictamente imposible. Deberán entregar un mensaje urgente y decisivo al coronel MacKenzie (Benedict Cumberbatch). Para realizar esta misión deberán abandonar la trinchera a plena luz del día y avanzar por el campo francés ocupado por los alemanes. Sin respiro, en una carrera a contrarreloj, los dos soldados atravesarán angostas trincheras, alambradas y campo a través en un entorno de muerte y destrucción, rodeado de cadáveres de hombres y animales. Solo disponen de unas pocas horas para cumplir su cometido y evitar a toda costa un violento ataque. Si no llegan a tiempo, 1.600 soldados perderán la vida, entre ellos el hermano de uno de los dos jóvenes soldados. Filmada en un largo plano secuencia, la sorprendente odisea de dos soldados de la Gran Guerra, por el particularmente inspirado director de Skyfall. Y ésta es la caída en un caos largo y abrumador. En su octavo largometraje como realizador, Sam Mendes parece haber rodado la antítesis de su anterior incursión en la temática bélica. Si Jarhead, el infierno espera, de 2005, retrataba sobre todo a soldados descerebrados, que sólo pensaban en obscenidades y manifestaban poco apego a sus lazos familiares, aquí se recurre a dos protagonistas honrados, y afectuosos, que se convierten en auténticos héroes, pese a que hacer lo correcto a veces vaya en su contra. Como consecuencia, su mensaje en contra de las guerras resulta más sólido, unos jóvenes de buen corazón como sus personajes no merecen estar viviendo un auténtico infierno, pasando continuamente junto a cuerpos destrozados. Inspirado por el recuerdo de su abuelo, al que dedica el film, el propio Mendes ha escrito un guión sin fisuras junto a Krysty Wilson-Cairns –forjada en la serie Penny Dreadful, donde él ejercía como productor ejecutivo– que muestra que la Primera Guerra Mundial fue peor que la Segunda, mucho más recreada por el cine, porque aún se podían ver los ojos de los adversarios.

3. Súplica por la paz: Johnny cogió su fusil (Dalton Trumbo's Johnny Got His Gun, 1971), de Dalton Trumbo

Joe, excombatiente americano, es víctima de una tremenda explosión durante la I Guerra Mundial. El soldado sufre secuelas mucho peores que la propia muerte y se queda impedido para siempre sobre una cama. Sin extremidades, ojos, boca ni oídos. El paciente consigue mantenerse con vida gracias a la rememoración de sus recuerdos, pero le cuesta saber si está durmiendo o si vive en una realidad paralela semejante al infierno. Joe aprenderá a comunicarse con sus cuidadores con movimientos cortos de cabeza. Su mensaje es claro y conciso: no quiere vivir más. Su deseo, sin embargo, no es atendido y tendrá que hacer frente a un futuro peor si cabe. Su cuerpo servirá para la investigación científica. El director Dalton Trumbo lleva al cine su novela homónima publicada en papel, consiguiendo mostrar en pantalla su posición antibelicista y su defensa de la eutanasia. Destaca la realización del film; en color los recuerdos de Joe, y en blanco y negro su presente en el hospital. Dalton Trumbo escribió también el guión basándose en su propia novela de 1939. Violenta, desgarradora e impactante. Gran Premio Especial del Jurado en Cannes en 1972, una película que sigue siendo tan poderosa como siempre.

4. La cara oculta de la guerra: El pabellón de los oficiales (La Chambre des officiers, 2001), de François Dupeyron

Agosto de 1914, comienzo de la Primera Guerra Mundial. Adrian, un joven y apuesto teniente, se dispone a hacer un reconocimiento a caballo cuando le explota un proyectil en pleno rostro. Inmediatamente después, Adrian es trasladado al hospital militar de Val de Grâce, a un pabellón separado del resto de enfermos donde se recuperan los oficiales que han sufrido heridas como las del joven teniente. En ese lugar no existen los espejos, pues la realidad de sus rostros es demasiado dolorosa como para aceptarla. El herido pasará allí cinco años, durante los cuales trabará amistad con el resto de enfermos. Además les prepararán para enfrentarse a sus nuevas vidas... La película se concentra en la parte de la convalecencia del protagonista en un hospital militar narrada en la novela original, y enfatiza el horror a las heridas sufridas por los camaradas en el campo de batalla. Mientras que la novela continúa narrando las experiencias de los oficiales hasta Segunda Guerra Mundial y más allá, la película culmina justo después de la Gran Guerra. Esta adaptación del libro de Marc Dugain está basada en una historia real: la de uno de estos soldados que regresó de la Gran Guerra con el rostro destrozado para siempre. Y la reconquista de su humanidad.

5. Masacre absurda: Senderos de gloria (Paths of Glory, 1957), de Stanley Kubrick

Año 1916. Europa está inmersa en la Gran Guerra. Las tropas francesas se ven dirigidas hacia un ataque suicida cuando el mando general da la orden directa al coronel Dax (Kirk Douglas) de tomar, al coste que sea, "la colina de las hormigas" (Ant Hill). Después del fracaso estrepitoso que supone la incursión, los altos cargos intentar cubrir sus errores alegando fallos en las tropas, por lo que deciden detener a tres soldados y acusarlos de amotinamiento. Dax, que antes de iniciarse el conflicto trabajaba como abogado, decide presentarse como defensa particular, pero pronto descubrirá que se encuentra en un punto muerto. Salvo que pueda demostrar que los cargos que se han presentado contra los soldados son falsos, y que la verdadera culpa recae en las directrices hechas por los generales, no podrá impedir que los tres jóvenes mueran ante un pelotón de fusilamiento. Un castillo donde viven los generales; Trincheras embarradas donde languidecen los soldados... Una sinfonía macabra del cinismo de los oficiales. Una película incomprendida y prohibida tras su estreno en Francia y basada en la novela homónima de Humphrey Cobb, publicada en 1935.

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Otros estrenos internacionales: Noviembre (III)

La sustancia (The Substance, 2024), de Coralie Fargeat

'Tú, pero mejor en todos los sentidos'. Esa es la promesa, un producto revolucionario basado en la división celular, que crea un alter ego más joven, más bello, más perfecto. “¡A los 50 se detiene! » La antigua actriz convertida en reina del aeróbic televisivo, Elisabeth Sparkle (Demi Moore), recibe el agradecimiento de su jefe y, a través de él, de toda la sociedad: más allá de este límite, su billete no es más válido. Una misteriosa sustancia, el equivalente químico del retrato de Dorian Gray, le permitirá rejuvenecer... o casi.

Demi Moore interpreta el papel de su vida en La sustancia (2024)

Invitada sorpresa en el Festival de Cannes, esta película de terror estadounidense escrita y dirigida por la francesa Coralie Fargeat provocó risas, pasiones y violentos rechazos en la Croisette, antes de ganar el premio al guión. Escandalosa, sangrienta, la agitadora feminista bajo influencias (Peter Jackson, David Cronenberg...) muestra sus agallas, sin duda, pero sobre todo impresiona, incluso conmueve, por su estilización: desde el apartamento de la heroína hasta su soledad, nada es real en esto, prisión mental, y su retrato enfurecido de una mujer consumida por el odio a sí misma. Estreno 6 de noviembre. 

Grand Tour (2024), de Miguel Gomes

Rangún, Birmania, 1917. Edward, funcionario del Imperio Británico, huye de su prometida Molly el día que ésta llega para casarse. Durante su viaje, sin embargo, el pánico da paso a la melancolía. Contemplando el vacío de su existencia, el cobarde Edward se pregunta qué habrá sido de Molly... Decidida a casarse y divertida por la jugada de Edward, Molly le sigue la pista a través de Asia.

Gonçalo Waddington en Grand Tour (2024)

Se sale del visionado de la película con el irresistible deseo de consultar un atlas. Birmania, Tailandia, Singapur, Vietnam, Filipinas, China, Japón… esta es realmente una gran gira. En 1917, un delgado funcionario del Imperio Británico llegó a Rangún para casarse con su prometida, pero repentinamente cambió de opinión y huyó poco antes de que llegara su novia. Ella sale en su busca... ¿Un éxito de taquilla? En absoluto: cine hecho con 3 yenes y 6 escudos, rudimentario pero rico en imaginación, un ensamblaje de ficción de época recreada en estudio e imágenes de viajes de archivo que rodó él mismo el director portugués Miguel Gomes. Entre exuberantes selvas, pueblos y aldeas en el fin del mundo, la película invita a un viaje increíble, donde el pasado y el presente colonial se fusionan. La pintoresca galería de personajes, la música de los idiomas (portugués, chino, japonés, etc.), el blanco y negro expresionista, el juego de luces y sombras, las rimas visuales se combinan para crear un mundo fascinante. Una deriva que es a la vez un homenaje a la época dorada del cine y un melodrama. Grand Tour es pura alquimia. Estreno 6 de noviembre. 

Gladiator II (2024), de Ridley Scott 

Años después de presenciar la muerte del admirado héroe Máximo a manos de su tío, Lucio (Paul Mescal) se ve forzado a entrar en el Coliseo tras ser testigo de la conquista de su hogar por parte de los tiránicos emperadores que dirigen Roma con puño de hierro. Con un corazón desbordante de furia y el futuro del imperio en juego, Lucio debe rememorar su pasado en busca de la fuerza y el honor que devuelvan al pueblo la gloria perdida de Roma.

Paul Mescal y Pedro Pascal serán los gladiadores de Ridley Scott en noviembre

Descendemos de nuevo a la arena. Un breve resumen de la situación, para aquellos que han olvidado un poco los juegos circenses, desde el estreno de la primera película (Gladiator, 2000): Maximus, el general esclavo de antaño, ya no está disponible (spoiler: nuestro héroe, interpretado por Russell Crowe muere al final), es Lucius quien hereda la falda y la espada. ¿Quién? Lucius, personaje secundario de niño, sobrino del emperador Cómodo, que regresa, ya adulto, disfrazado de Paul Mescal. Al actor irlandés se unen en los créditos parte del reparto original (Connie Nielsen, Derek Jacobi, etc.), al igual que el director Ridley Scott. Una gran cantidad de recién llegados también condimentan la ensalada romana, entre ellos Pedro Pascal, Denzel Washington y... un rinoceronte, si hemos de creer en el tráiler atronador y sangriento de este neo-peplum en directo desde el Coliseo. Estreno el 13 noviembre.

The Most Precious of Cargoes (La Plus Précieuse des marchandises, 2024), de Michel Hazanavicius

Con esta película de animación , Michel Hazanavicius adapta la novela homónima de Jean-Claude Grumberg. Un pobre leñador y su mujer vivían en un gran bosque. El frío, el hambre, la pobreza y una guerra a su alrededor hacían que sus vidas fueran muy duras. Un día, la mujer del leñador rescata a un bebé. Una niña arrojada desde uno de los muchos trenes que atraviesan constantemente el bosque. Este bebé, 'la más preciada de las cargas', transformará las vidas de la pobre mujer del leñador y de su marido, así como las de aquellos en cuyo camino se cruzará la niña, incluido el hombre que la arrojó desde el tren. Y algunos intentarán protegerla, cueste lo que cueste. Su historia revelará lo peor y lo mejor del corazón de los hombres.

¡Michel Hazanavicius se ha alejado de OSS 117: Perdido en Río (2009) y Corten! (2022) al realizar su primer largometraje de animación (del que él mismo dibujó los personajes), una joya de humanidad que impactó en el último Festival de Cannes. Adaptado de una novela de Jean-Claude Grumberg, este cuento como ningún otro nos sumerge en los bosques de Polonia, en pleno invierno, durante la Segunda Guerra Mundial. Constantemente, trenes largos, oscuros y ciegos atraviesan la inmaculada capa de nieve, llevando su carga de almas inocentes a los campos de exterminio. Un día, un bebé cae de un carro de plomo, inmediatamente rescatado por un par de leñadores...

Narrada por Jean-Louis Trintignant en su último papel (sin olvidar las voces de Dominique Blanc, Grégory Gadebois, Denis Podalydès...), la fábula rinde homenaje a los Justos, a aquellos que fueron, a riesgo de sus vidas, los refugios frágiles y garantes obstinados de la ternura humana. A medida que el niño crece, la película permanece en la naturaleza y en el ciclo de las estaciones, que despliegan sus maravillas desafiando el cercano horror nazi. Los gráficos están inspirados en la pintura de principios de Disney y del siglo XIX (nubes altivas a lo Courbet, pelirrojas terrosas tomadas de artistas rusos), realzadas con líneas negras y elegantes contrastes, al estilo de Henri Rivière, este ilustrador de la Belle Époque, aficionado a los estampados japoneses. Y luego, deslizándose poco a poco hacia la realidad de lo peor, la de los campos, el relato abandona el mundo del cuento para toparse con las aristas vivas de la Historia, y se cubre de oscuridad, evitando con fuerza y ​​delicadeza lo previsible. trampas, las notas falsas y la indecencia que siempre puede suscitar un tema así. Una obra maestra de belleza indispensable. Estreno 20 de noviembre.

Por todo lo alto (En fanfare, 2024), de Emmanuel Courcol

Thibaut es un director de orquesta de renombre internacional que viaja por el mundo. Cuando se entera de que es adoptado, descubre la existencia de un hermano, Jimmy, un empleado de un comedor escolar que toca el trombón en una banda de música en el norte de Francia. Al parecer todo les separa, excepto el amor por la música. Al detectar las excepcionales habilidades musicales de su hermano, Thibaut se propone reparar la injusticia del destino. Jimmy entonces comienza a soñar con otra vida...

Sarah Suco y Pierre Lottin, músicos de la bandas

¿Qué es una buena película para sentirse bien? Una película que no teme tocar las fibras del corazón siempre que la cuerda se toque bien... Después de El triunfo (Un triomphe, 2020), donde un actor que fue profesor de teatro transformó a unos presidiarios en vibrantes intérpretes de Samuel Beckett, Emmanuel Courcol explora de nuevo la relaciones milagrosas entre los desclasados ​​y la cultura que restaura el orgullo. Un prestigioso director de orquesta descubre, ya avanzado en su vida y en un ambiente obrero, a un hermano que no sospecha que tiene un oído perfecto. Si la partitura parece un poco agradable, la ejecución es perfecta con interesantes notas discordantes, una mirada sincera a las divisiones sociales y, sobre todo, intérpretes afinados. Entre Benjamin Lavernhe, más que perfecto como músico distinguido que encuentra una verdadera causa artística, y Pierre Lottin, ideal a la hora de encarnar una rabia que hay que suavizar, Por todo lo alto seducirá con el sonido in crescendo del Boléro de Ravel. Llorar, con la música, por posibles reconciliaciones. Estreno 27 de noviembre. 

Más terror: La mujer de negro

La mujer de negro (Woman in Black, 2012), de James Watkin

Arthur Kipps (Daniel Radcliffe) es un notario viudo inglés de unos 30 años de edad que vive en el Londres de la primera década de 1900. Este hombre recibe un ultimátum: si no vende la mansión Eel Marsh, será despedido. Cuando llega al pequeño pueblo, en el que no es bien recibido y donde todos intentan que se marche lo antes posible, se da cuenta de que la tarea no va a ser nada fácil. Mucho menos cuando ve que la mansión está situada en un pequeño islote, rodeada de pantanos y separada del resto del pueblo por la marea. Lo que no imagina es que en la mansión habita el espíritu de una mujer, conocida entre los lugareños como La Mujer de Negro, que se suicidó tras la muerte de su hijo Nathaniel. Al parecer, la mujer se llamaba Jennett y su hermana y cuñado adoptaron al pequeño Nathaniel alegando que Jennett era mentalmente incapaz de criarlo. Una vez muerto su hijo, Jennett no sólo culpó a su familia de no haber evitado el fallecimiento y se suicidó: además, su espíritu incita a los niños del pueblo a suicidarse cuando alguien se cruza con ella. La llegada de Arthur al pueblo, no sólo alborota a los habitantes, también al espíritu y los suicidios infantiles empiezan a ser más frecuentes: estando en la comisaría, llegan dos niños con su hermana Victoria Hardy, que ha bebido lejía. La niña vomita sangre y muere en los brazos de Arthur, que ve la silueta de la Mujer de Negro por el escritorio. Arthur encuentra los papeles de la relación entre Jennett y su hermana, Alice: Jennett negó el veredicto de Alice cuando argumentó que su hermana sufría problemas mentales. Además, Jennett solicitó ver a su hijo y la petición le fue denegada. Arthur averigua, gracias al certificado de defunción del pequeño, que Nathaniel se ahogó cuando el coche en el que iba cayó al pantano. Culpando a su hermana Alice por haberse salvado a sí misma y haber dejado al cadáver del Nathaniel en el pantano sin un entierro apropiado, Jennett se colgó en su habitación. Al regresar al pueblo, Arthur ve que hay un incendio y entra en la casa para salvar a una niña. Ve como la Mujer de Negro llama a la niña y cómo esta muere quemada. Después de esto, todo el pueblo pide a Arthur que se marche, pero él tiene una idea: encontrar el cadáver del pequeño Nathaniel y enterrarlo, para tranquilidad de su madre. Para ello, cuenta con la ayuda de Sam Daily (Ciarán Hinds), el cual ve el espíritu de su hijo en la mansión y se puede despedir de él. Mientras, Arthur y Daily entierran el cadáver del niño en la tumba de su madre y abandonan el lugar. Ya en la estación de tren, de regreso a casa, Arthur se encuentra con su hijo de cuatro años. Éste, sin que su padre se de cuenta, ve a la Mujer de Negro al otro lado de la vía y cruza para reunirse con ella. Arthur, que está hablando con Daily, se da cuenta de lo que está sucediendo y salta a las vías para salvar a su hijo justo cuando pasa el tren. Sam Daily ve como la Mujer de Negro está rodeada de los espíritus de todos los niños del pueblo a los que incitó a suicidarse y se da cuenta de lo que ha ocurrido. Arthur y su hijo han muerto, atropellados por el tren. Ve como Daily y la niñera lloran desconsoladamente y como el espíritu de su mujer acude junto a ellos para dirigirse al Más allá. Arthur acata la llamada de su mujer, juntos recorren un camino cubierto por una densa neblina. Todo esto, bajo la atenta mirada de la Mujer de Negro, detrás de una ventana.

Finalizada la saga de Harry Potter, Daniel Radcliffe, un reto mayor que enfrentarse a Voldemort. El actor debe demostrar que es capaz de resultar creíble en papeles diferentes. En esta ocasión protagoniza una cinta de terror basada en una novela de Susan Hill, publicada con gran éxito en 1982, y que ha tenido otras adaptaciones televisivas, radiofónicas y teatrales (en España triunfó una versión excelente con Emilio Gutiérrez Caba).

Cumplió 25 años: La camarera del Titanic

El 24 de octubre de 1997 se estrenó la película española La camarera del Titanic, dirigida por Bigas Luna e interpretada por Aitana Sánchez-Gijón, Olivier Martínez, Romane Bohringer, Salvador Madrid, Didier Bezace, Aldo Maccione, Jean-Marie Juan, Arno Chevrier, Marianne Groves, Didier Bénureau, Alberto Cassadie, Giorgio Gobbi. Productora: Coproducción España-Francia-Italia-Alemania; Tornasol Films, Mate Production, Rodeo Drive, UGC. Duración: 100 minutos.

Sinopsis argumental: Francia, 1912. Horty, un joven obrero gana el concurso anual de fuerza que organiza su empresa: el premio es un billete de ida y vuelta para ir a Southampton a ver la partida del Titánic. Durante la noche, una hermosa muchacha llama a su habitación del Gran Hotel de Southampton y le pide alojamiento. Es una camarera del Titanic: debe embarcar al día siguiente y todos los hoteles de la ciudad están completos. A la mañana siguiente, ella desaparece. Horty la ve en el Titanic, intenta acercarse, pero el barco zarpa.

Nominaciones y premios: Premios Goya: Mejor guion adaptado y diseño de vestuario. 5 nominaciones.

Comentario: Poco antes de que se desatara la fiebre titánica con la superproducción de James Cameron, Bigas Luna estrenó esta coproducción, rodada en Francia, basándose en una novela de Didier Decoin y tomando también como referencia el hundimiento del trasatlántico. La historia, de un intenso romanticismo, permite al director catalán transitar una vez más por los temas que mejor estimulan su pasión creativa: el erotismo, los borrosos límites entre la realidad y la ilusión, y el embuste, en este caso como sustancia de la narración. 

Efemérides de cine: ¡Agáchate, maldito!

El 29 de octubre de 1971 se estrenó la película italiana ¡Agáchate, maldito! (Giù la testa), dirigida por Sergio Leone e interpretada por James Coburn, Rod Steiger, Romolo Valli, Maria Monti, Rik Battaglia, Franco Graziosi, Antoine Saint-John, David Warbeck, Aldo Sambrell, Conrado San Martín. Productora: Coproducción Italia-España; Euro International Film, United Artists. Duración: 156 minutos

Sinopsis argumental: Juan Miranda y John Mallory, un veterano del IRA, se conocen en México y planean trabajar juntos robando bancos. Un día dinamitan una prisión creyendo que era un banco. La explosión libera a los revolucionarios presos, y ambos se convierten en héroes de la revolución. Poco tiempo después, las tropas del gobierno, comandadas por el coronel Gutiérrez, comienzan a seguirles los pasos.

Nominaciones y premios: Premios David di Donatello: Mejor director (ex aequo). 

Comentario: Fue la penúltima película de Leone, ambientada en el México revolucionario de principios del siglo XX. Ésta es la segunda parte de la trilogía conocida como Once upon a time Trilogy, precedida por la película Hasta que llegó su hora (C'era una volta il West, 1968) y sucedida por Érase una vez en América (Once Upon a Time in America, 1984). Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Muerte en Venecia

El 1 de marzo de 1971 se estrenó la película italiana Muerte en Venecia (Morte a Venezia), dirigida por Luchino Visconti e interpretada por Dirk Bogarde, Björn Andrésen, Silvana Mangano, Marisa Berenson, Mark Burns, Romolo Valli. Productora: Alta Cinematografica. Duración: 127 minutos. 

Sinopsis argumental: El famoso compositor alemán Gustav Von Aschenbach viaja hasta Venecia en busca de paz después de una estresante gira. Pero la llegada al hotel de un joven llamado Tadzio perturba a Gustav, pues el chico representa el ideal de belleza que siempre había soñado. La obsesión por su juventud y esa perfección física es tal que renuncia a abandonar Venecia ante la amenaza de una epidemia de peste.
Nominaciones y premios:  Nominada al Oscar: Mejor vestuario, Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película); Premios BAFTA: 4 premios: banda sonora, dirección artística, fotografía y vestuario; Premios David di Donatello: Mejor director.
Comentario: Inspirada en la célebre novela homónima de Thomas Mann, la película fue dirigida por uno de los realizadores más emblemáticos del cine italiano, Luchino Visconti, autor de títulos como Bellísima y Rocco y sus hermanos. El actor inglés Dirk Bogarde encarna al compositor alemán, Gustav Von Aschenbach (aunque en la novela el protagonista era un escritor) y Bjorn Andrésen interpretó al joven Tadzio de quien se enamora el músico. El reparto lo completan nombres como Silvana Mangano y Marisa Berenson. La banda sonora es también uno de lo puntos más sobresalientes de la película. El tema central de la película fue extraído del Adagietto de la Quinta Sinfonía de Gustav Mahler, el compositor austriaco sobre quien de algún modo se inspiró Thomas Mann para escribir el personaje de su novela. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de esta maravillosa película. 

Hace 100 años: Las páginas del libro de Satán

El 15 de noviembre de 1920 se estrenó la película danesa Las páginas del libro de Satán (Blade af Satans bog), dirigida por Carl Theodor Dreyer e interpretada por Helge Nissen, Halvard Hoff, Jacob Texiere, Hallander Helleman, Ebon Strandin, Johannes Meyer, Nalle Halden, Tenna Kraft, Viggo Wiehe, Emma Wiehe, Jeanne Tramcourt, Hugo Bruun, Elith Pio, Emil Helsengreen, Viggo Lindstrøm. Productora: Nordisk Film. Duración: 107 minutos. 

Sinopsis argumental: Satanás es un ángel caído que quiere agradar a Dios. Pero el Señor lo condena a vivir entre los hombres para tentarlos permanentemente; cada vez que provoque la condenación de un alma, la propia condena de Satán se alargará un milenio. En cambio si llega a hallar a un alma capaz de resistir sus tretas, logrará un mérito a su favor...

Comentario: Dreyer afrontaba su tercer largometraje con la firme voluntad de indagar en las argucias de las que el maligno lleva valiéndose toda la vida para inmiscuirse en los asuntos humanos. Y lo hizo escogiendo cuatro momentos estelares de la historia: el prendimiento de Jesucristo, la Inquisición española en la Sevilla renacentista, el proceso a María Antonieta y, por último, la invasión bolchevique de Finlandia durante la guerra civil de 1918.

Efemérides de cine: La hija de Ryan

El 9 de noviembre de 1970 se estrenó la película británica La hija de Ryan (Ryan's Daughter), dirigida por David Lean e interpretada por Sarah Miles, Robert Mitchum, Christopher Jones, Trevor Howard, John Mills, Leo McKern, Barry Foster, Marie Kean, Arthur O'Sullivan, Gerald Sim. Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Duración: 206 minutos. 

Sinopsis argumental: Rosy Ryan (Sarah Miles) es la hija del tabernero de una pequeña población en la costa de Irlanda, durante la Primera Guerra Mundial. La película transcurre en el período posterior al Alzamiento de Pascua de abril de 1916, en el que el nacionalismo constitucionalista está viéndose desplazado por la creciente actividad revolucionaria del Irish Republican Brotherhood, dirigida sobre todo contra la policía irlandesa (Royal Irish Constabulary) y el ejército. Como Madame Bovary, Rosy es una chica romántica que anhela un amor apasionado y ser una joven fina y educada y, por lo tanto, no se encuentra a gusto en el pueblo estrecho que no resuelve sus nacientes necesidades. La única persona que ella considera de un nivel social adecuado es el maestro de escuela, Charles Shaughnessy (Robert Mitchum), un hombre corriente, viudo, que tiene unos cuantos años más que ella. Rosy cree estar enamorada del maestro y ambos acaban casándose. Sin embargo, cuando llega al pueblo un joven militar británico herido en el frente y con traumas de guerra, el mayor Randolph Doryan (Christopher Jones), Rosy se da cuenta de lo que es estar realmente enamorada.

Nominaciones y premios: 2 premios Oscar: Secundario (Mills), Fotografía. Nominada a actriz (Miles) y sonido; Globo de Oro: Secundario (Mills). Nominada a mejor a actriz (Miles) y actor secundario (Howard); Premios BAFTA: 10 nominaciones incluyendo a mejor película y director; Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director; Premios David di Donatello: Mejor producción extranjera.

Comentario: El trasfondo de la agreste y bella costa irlandesa, con sus espectaculares borrascas y sus acantilados impresionantes en la península de Dingle, junto con las actuaciones del cura y el tonto del pueblo, hacen de La hija de Ryan una película inolvidable. La crítica de la época la machacó, aunque en la actualidad esté considerada por muchos como una de las mejores obras del director. La taquilla no le dio la espalda. Sin embargo las agrias críticas, incluso personales, de parte de la crítica internacional hicieron que Lean se retirase, incomprendido, hasta principios de la década de 1980. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.