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domingo, 28 de junio de 2026

"Blue Giant": un alucinante viaje musical

Blue Giant (2003), dirigida por Yuzuru Tachikawa. Reparto: Animación. 
Sinopsis: La vida de Dai Miyamoto da un vuelco el día que descubre el jazz. Dai, antiguo jugador de baloncesto en el instituto, coge un saxofón y empieza a practicar día y noche, decidido a convertirse en uno de los más grandes de todos los tiempos. Abandona su somnolienta ciudad natal por los bulliciosos clubes nocturnos de Tokio, pero pronto descubre que la vida de un músico profesional no es para los débiles de corazón. Su pasión acaba conquistando al engreído pero talentoso pianista Yukinori, y después de que Dai convenza a su amigo Shunji para que aprenda a tocar la batería, lanzan un nuevo trío de jazz que rápidamente se gana la atención del público local. Pero, ¿Pero será suficiente para ser realmente grande?
Blue Giant es ante todo una impoluta y hermosa declaración de amor al jazz. Respira jazz en cada fotograma y lo hace de un modo tan desbordante que resulta casi ingenuo, de un radicalismo propio de la juventud. Y al espectador se le invita a no abandonar ese espíritu. Basada en el manga de Shin'ichi Ishizuka, que su autor inició en 2013 y consta de varios volúmenes, la dirección de Yuzuru Tachikawa es vibrante y fiel al espíritu original –la ambición de un joven por convertirse en el mejor músico de jazz

sábado, 28 de octubre de 2023

Cumplió 25 años: La leyenda del pianista en el océano

El 28 de octubre de 1998 se estrenó la película italiana La leyenda del pianista en el océano (La leggenda del pianista sull'oceano AKA The Legend of 1900), dirigida por Giuseppe Tornatore e interpretada por Tim Roth, Pruitt Taylor Vince, Mélanie Thierry, Bill Nunn, Clarence Williams III, Peter Vaughan, Niall O'Brien, Gabriele Lavia, Harry Ditson, Vernon Nurse, Angelo Di Loreta, Alberto Vasquez, Kevin McNally, Cory Buck. Productora: Sciarlò, Medusa Film. Duración: 125 minutos. 
Sinopsis argumental: Desde finales del siglo XIX, se producen emigraciones masivas a los Estados Unidos. A bordo de lujosos trasatlánticos, además de elegantes burgueses, viajan también emigrantes. Danny, el maquinista del Virginia, encuentra a un niño abandonado sobre un piano, lo adopta y le impone el nombre de Novecento ("siglo XX" en italiano). El barco es el hogar del niño, y los pasajeros, sus ventanas al mundo. Tras la muerte de Danny, alguien descubre por azar el talento innato del niño para el piano. A través de la música, este insólito personaje muestra lo que siente dentro del limitado mundo de un barco que no se atreve a abandonar.
Nominaciones y premios: Globos de Oro: Mejor banda sonora; Premios del Cine Europeo: mejor fotografía; Premios David di Donatello: 5 premios, incluyendo a mejor director. 8 nominaciones; Premios Satellite Awards. 2 nominaciones. 
Comentario: Una fábula intimista y en ocasiones mágica, filmada con la sensibilidad que caracteriza al director italiano Giuseppe Tornatore, ganador de un Oscar por Cinema paradiso. Para Tornatore ésta fue su primera película rodada en inglés y está basada en un monólogo teatral de Alessandro Baricco titulado Novecento. Los protagonistas fueron Tim Roth, en el papel del extraordinario pianista, y Pruitt Taylor Vince, que encarnó al amigo trompetista de Novecento y desde cuyo punto de vista se narra la historia. También hay que destacar la banda sonora, compuesta por Ennio Morricone, que ya había trabajado con Tornatore en varias ocasiones.

miércoles, 12 de octubre de 2022

Efemérides de cine: El ocaso de una estrella

El 12 de octubre de 1972 se estrenó la película estadounidense El ocaso de una estrella (Lady Sings the Blues), dirigida por Sidney J. Furie e interpretada por Diana Ross, Billy Dee Williams, Richard Pryor, James Callahan, Paul Hampton, Sid Melton, Virginia Capers, Yvonne Fair, Isabel Sanford, Jester Hairston, Lynn Hamilton, Victor Morosco. Productora: De Passe Entertainment. Duración: 144 minutos. 
Sinopsis argumentalCuenta la vida de Billie Holiday que fue publicada en 1956. Holiday pasa de limpiar un burdel de Harlem a ser una cantante estrella de música jazz, aunque también es adicta a la heroína y pierde al hombre que ella ama.
Nominaciones y premios5 Nominaciones. al Oscar, incluyendo actriz (Diana Ross ), dirección artística, vestuario; Globos de Oro: Nueva promesa femenina (Diana Ross). 3 nominaciones; Premios BAFTA: Nominada a mejor actriz (Diana Ross).
Comentario: Biopic sobre la cantante estadounidense Billie Holliday. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno, 

lunes, 16 de diciembre de 2019

Efemérides de cine: Hello, Dolly!

El 16 de diciembre de 1969 se estrenó la película estadounidense Hello, Dolly!, dirigida por Gene Kelly con Barbra Streisand, Walter Matthau, Michael Crawford, Marianne McAndrew, E.J. Peaker, Tommy Tune, David Hurst, Louis Armstrong. Productora: 20th Century Fox. Duración: 146 minutos. 
Sinopsis argumentalCornelius Hackl, dependiente de una tienda de alimentación de Yonkers, marcha a Nueva York con su mejor amigo para pasar un buen rato. Allí no pueden evitar cruzarse con su jefe Horace, que les promete darles una reprimenda si los ve en un restaurante de moda en lugar de estar atendiendo la tienda. A través de Horace, comerciante viudo, conocemos a Dolly Levi, una casamentera de mediana edad -también viuda- que está intentando buscarle una nueva mujer. 
Nominaciones y premios3 Oscar: dirección artística, sonido y banda sonora musical. 7 nominaciones; Globos de Oro: 5 nominaciones, incluyendo mejor película comedia/musical; Premios BAFTA: 3 nominaciones incluyendo a mejor actriz (Streisand); Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director.
Comentario: Basada en el musical homónimo de Broadway. Louis Armstrong, que llegaría al número uno de las listas con la canción principal de la película. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

miércoles, 27 de marzo de 2019

El rincón del cinéfilo: Ragtime

Obra maestra poco conocida... Ragtime es la mejor película de Milos Forman.
Casi invisible desde su estreno en 1981, este panfleto del director checo sobre la historia norteamericana del siglo XX, aparece de nuevo en una versión restaurada. Es momento de rehabilitarla. 
Entre dos flamantes y bien logrados éxitos, las famosas Hair en 1979 y Amadeus en 1984), Milos Forman firmó su película estadounidense menos conocida y, en nuestra opinión, la mejor: Ragtime. Un fresco histórico de más de dos horas y media sobre los Estados Unidos de la Belle Epoque America, una película coral y comprometida que combina con virtuosismo el destino de tres familias de Nueva York, de tres entornos sociales diferentes, durante una década, desde 1902 hasta 1912. El legendario productor italiano Dino De Laurentiis, cómplice de Fellini y Visconti, contrata al director de Vuelo sobre un nido de cuco (One Flew Over the Cuckoo's Nest, 1975), después de enfrentarse a Robert Altman por el montaje de Buffalo Bill y los indios (Buffalo Bill and the Indians, 1976)  que produjeron juntos.

Frivolidad y violencia

Después de una llamada telefónica a su amigo Bob, quien confirma que nunca más quiere volver a trabajar con Dino, Milos Forman está trabajando para adaptar el éxito de ventas de E.L. Doctorow, Ragtime, una novela farragosa que mezcla figuras históricas de principios del siglo XX (Roosevelt, Freud, Houdini o el banquero J.P. Morgan) con los héroes de una ficción sobre la balbuceante lucha de clases. Forman centra la trama en tres personajes: un pianista negro, un inmigrante judío y futuro cineasta (autorretrato, apenas disimulado) y una joven actriz feminista adelantada a su época. Tres "minorías" en busca de la emancipación.
James Cagney en Ragtime (1981)
Como Forman tiene por costumbre, el reparto no tiene estrellas, con la notable excepción del joven octogenario James Cagney, que vuelve a la pantalla después de veinte años de ausencia. Disparando el presupuesto hasta los 27 millones de dólares, casi tres veces más que cualquier película de Hollywood de la época, cien actores, mil extras, incontables decorados, construidos en parte en los estudios de California, pero también en Inglaterra, donde se reconstruyen calles enteras de Nueva York como Madison Avenue, con caballos y barro, o la biblioteca JP Morgan, donde se lleva a cabo la escena final.
Elizabeth McGovern en Ragtime (1981)
Con su desmesurada ambición y proporciones de epopeya, Ragtime, una anacrónica y enfermiza gran película, pertenece a ese género decadente y grandioso que, junto con La puerta del cielo (Heaven's Gate, 1980), de Michael Cimino, que llevó a la bancarrota a United Artists, supuso el final del nuevo Hollywood y del reinado de los autores. Una coincidencia emocionante: la película de Forman, estrenada un año después del amargo fracaso de Cimino, puede considerarse como su continuación, ya que sigue el curso de la historia de los Estados Unidos, precisamente donde termina La puerta del cielo
Pat O'Brien, Robert Joy y Billy J. Mitchell in Ragtime (1981)
Miseria y opulencia, frívolidad y violencia: a través de la rebelión de un artista negro humillado, la obra maestra de Milos Forman ofrece un retrato ambiguo de una América a la vez, tierra de esperanza y segregación. No hay maniqueísmo en esta epopeya donde el bien y el mal cambian de bando durante la película, donde la complejidad de los seres y la realidad se toma su tiempo para desarrollarse. Amputado unos veinte minutos por el productor, para disgusto de Milos Forman, Ragtime divide a la crítica estadounidense y no encuentra a su público, que nunca se siente cómodo con las obras demasiado críticas de su historia, especialmente de un cineasta inmigrante Casi invisible desde su lanzamiento, Ragtime sale en versión restaurada. Es hora de poner a esta oda a la insumisión en el lugar que se merece.

martes, 26 de febrero de 2019

Michel Legrand, el gran compositor de bandas sonoras (III)

(cont.)
Después de La bahía de los ángeles (La baie des anges), de Jacques Demy, en 1963, vendrá la sublime Los paraguas de Cherburgo (Les parapluies de Cherbourg, 1964), la película "cantada" montada "contra un ejército de escépticos y refractarios", Palma de Oro en Cannes. La petulante Las señoritas de Rochefort (Les demoiselles de Rochefort), en 1967, cuyas canciones en versos alejandrinos le hicieron pasar un mal rato a Legrand, quien realizó hasta cuarenta propuestas por canción. Luego, Piel de asno (Peau d'âne, 1970), las más olvidables, No te puedes fiar ni de la cigüeña (L’evénement le plus important depuis que l’homme a marché sur la lune, 1973), Lady Óscar (1979) o Calle P (Parking, 1985), todas ellas con Jacques Demy como director.
Michel Legrand (sentado), Norman Maen, Catherine Deneuve y Franoise DorlŽac, durante  el
rodaje de la película Las señoritas de Rochefort 1966. Fotografía de Georges Kelaidites (1932-2015)
Paralelamente, el compositor colabora con Jean-Luc Godard, Joseph Losey, Chris Marker. Saturado de la Nouvelle Vague, se va con su esposa e hijos a vivir a Los Ángeles a fines de la década de 1960 y firma la emblemática The Windmills of Your Mind de para El caso de Thomas Crown (The Thomas Crown Affair, 1968), de Norman Jewison, con la que ganaría un Oscar. Abrumado por una depresión de la que tardará muchos meses en recuperarse, regresó a Francia dos años después. Desde la distancia, continuará su carrera en Estados Unidos, trabajando con Barbra Streisand, John Frankenheimer o Clint Eastwood.
El caso de Thomas Crown (1968)

Del jazz al ballet

Pero el hombre-orquesta no se resume sólo en su música para el cine. En 1956, se "enamoró" a primera vista de Claude Nougaro. Le gusta "su forma de articular palabras, tanto espontáneas como literarias". El tolosano es entonces un poeta, y aún no es cantante. Legrand convenció al productor Jacques Canetti para grabarlo. En 1962 Claude Nougaro, un disco que contenía Le cinéma, disco que contenía importantes éxitos (Le cinéma, Le jazz et la java, Une petite fille, Les Don Juan, Rouge et Noire...). Pero las personalidades de Legrand y Nougaro eran polos opuestos: el primero es el control, el segundo los excesos. Sus caminos divergen.
A partir de 1964, el compositor se canta a sí mismo, dispersándose con energía. Sus cualidades vocales no son malas, pero no lo convierten en un gran intérprete. Veinticinco años más tarde, debutó en la dirección con Cinco días en junio (Cinq jours in juin, 1989), una historia muy personal de cómo cruzó una parte de Francia con su madre en 1944. Pero, fue un fracaso. "Encontré la historia de este niño, tierna; pero no tuvo suerte", dijo sobre el largometraje en una conversación con Jacques Chancel.
Ávido de renovación, este fogos hombre, casado cuatro veces, se habría acercado, en el último período de su vida, a un repertorio sinfónico más clásico, experimentando con el ballet (Liliom, para John Neumeier), creando un concierto para piano, otro para el violonchelo. Todavía complaciéndose en el cine, prepara la banda sonora de la película inacabada de Orson Welles, restaurada por Netflix, En el otro lado del viento, o un nuevo largometraje como director, sobre un guión de Didier van Cauwelaert. Impulsado por el entusiasmo de la cantante Natalie Dessay, una de sus más fervientes admiradoras, incluso había terminado un oratorio imaginado, cuarenta años antes, por Barbra Streisand. Decididamente magnetizado por la música, el octogenario seguía vibrando.
David y el gigante de piedra (Die Schelme von Schelm, 1995)

lunes, 25 de febrero de 2019

Michel Legrand, el gran compositor de bandas sonoras (II)

(cont.)
De la música de Legrand, a menudo recordamos un brillo alegre, tan profundo como una noche de invierno y tan ligero como una mañana de primavera. Un virtuosismo para hacer malabares con semitonos, dando gracia y nostalgia a sus partituras. Que tiene su origen en una infancia que nunca fue de color rosa. "Si ella tuviera un color, sería gris; si se definiera por un sentimiento, sería la soledad", afirmó en 2013 a Stéphane Lerouge para su autobiografía, Rien n’est grave dans les aigus (Ed. La Cherche Midi), una reedición revisada y aumentada, J’ai le regret de vous dire oui, se publicó en 2018. El niño de Ménilmontant (en la actualidad, barrio situado en el XX Distrito de París), nacido en 1932, ve a su padre abandonar el hogar cuatro años después, Raymond, actor, arreglista, compositor e instrumentista, es un "alegre conversador y un egoísta encantador", que se convertirá en una estrella bajo la Ocupación alemana y dejará a su primera familia "muriéndose de hambre". Marcelle lucha para criar a Michel y su hermana, pero se niega a ser llamada "mamá". Para las demostraciones de amor, los pequeños deberán esperar.

Orquestaciones para Sinatra, Piaf o Montand

Alto como dos manzanas y media, el mini-Legrand se aferra al piano, reproduciendo de oído lo que escucha en la radio. Pronto, entrará en  el Conservatorio de París, beneficiándose de la enseñanza extremadamente exigente de Nadia Boulanger. A la edad de 16 años en Pleyel, fue "aturdido, sacudido, anonadado" por un concierto de Dizzy Gillespie. Irresistiblemente atraído por el jazz, este músico con la "reputación de un descifrador loco" orquestó para Frank Sinatra, Édith Piaf o Yves Montand; montó una comedia de dos pianos con Darry Cowl; arregl las canciones de Juliette Gréco o Marcel Mouloudji; acompañó a Henri Salvador... Se convierte, según sus palabras, en un "rentable arreglista". En resumen, vive bien pero está aburrido.
En 1955 comenzó su nueva carrera en el cine: primero compuso una partitura que luego describió como "abominable" para Les amants du Tage (1955), de Henri Verneuil. Antes de un reencuentro fundacional. En 1960, Jacques Demy prepara Lola; Su compositor, Quincy Jones, le falla. Contactado para reemplazarlo, Michel Legrand, abrumado por el trabajo, se niega. Llamada de Agnès Varda, furiosa: "¿Pero cómo te atreves a rechazar a Demy por una película de Carné  [El solar (Terrain Vague, 1960)]? ¡A tu edad, es una pena! ¡Carné, es el pasado del cine! La esposa del director lo convence, y solicitará al músico un año más tarde para su película Cleo de 5 a 7Cléo de 5 a 7, 1962). Este fue el comienzo de una relación "fraternal" entre los dos hombres, y de una complicidad artística fecunda. 

sábado, 23 de febrero de 2019

Michel Legrand, el gran compositor de bandas sonoras (I)

Michel Legrand, el gran compositor de banda sonoras para el cine, ha muerto del pasado 26 de enero de 2019. 
Se calcula que ha compuesto cerca de doscientass banda sonoras, entre las que destacamos La señoritas de Rochefort (Les Demoiselles de Rochefort) y Los paraguas de Cherburgo (Les Parapluies de Cherbourg). Había recibido tres Oscar a la largo de su carrera. 
"Soy una persona optimista y alegre, pero en todo lo que hago, la muerte siempre está presente", dijo a Jacques Chancel de Radioscopie en 1989, en France Inter. Ella le ganó esta vez, a la edad de 86 años. Sin embargo, Michel Legrand, quien afirmó "ser el sello" de la posteridad, habrá tenido éxito en una carrera internacional, "bigger than life" (más grande que la vida), como gusta decir al otro lado del Atlántico. Es porque el artista ha tenido varias vidas, moviéndose con la flexibilidad de un gato desde la profesión de pianista acompañante a la de arreglista, orquestador, compositor e incluso cantante. Seduciendo tanto a Francia como a Estados Unidos, donde fue considerado por un tiempo, como el jardinero del mercado de Les Halles rogordete, mudo y bigotudo que apareció en la portada de su disco Amo a París (I love Paris), un rotundo éxito al otro lado del Atlántico en 1954.
Brillante y colérico, el compositor de Moulins de mon Cœur, (incluida en la película El caso Thomas Crown (The Thomas Crown Affair, 1968), dirigida por Norman Jewison), Las señoritas de Rochefort y los paraguas de Cherburgo admitía de buena gana tener un carácter raro. Este entusiasta impaciente pudo, a los 22 años, "rechazar" al ídolo Charles Trenet, a quien consideraba "seco y quebradizo". "No quiero tener nada que ver con el pasado; el ayer se acabó, solo el mañana me interesa ", decía en 2005. Eso no le impidió comentar con cordialidad algunas de sus colaboraciones, como la sombría Trois places pour le 26 (Tres entradas para el 26) firmado por su querido Jacques Demy en 1988, con un todopoderoso Yves Montand.
(cont.)

miércoles, 7 de marzo de 2018

Cumplió 25 años: Rebeldes del swing 5-3

El 5 de marzo de 1993 se estrenó la película estadounidense Rebeldes del swing (Swing Kids), dirigida por Thomas Carter e interpretada por Robert Sean Leonard, Christian Bale, Frank Whaley, Barbara Hershey, Kenneth Branagh, Noah Wyle, Tushka Bergen, David Tom, Julia Stemberger. Productora: Buena Vista. Duración: 112 minutos. 
Sinopsis argumentalAmbientada en la Alemania nazi de 1939, justo antes del inicio de la Segunda Guerra Mundial, narra el choque entre el régimen totalitario de Hitler y los llamados «chicos Swing», un movimiento cultural y estético de jóvenes alemanes amantes de la música swing americana surgido durante los años 30. 
Peter Müller (Robert Sean Leonard), vive junto a su madre (Barbara Hershey), su hermano Willi (David Tom) y su abuela. Peter, hijo de un profesor universitario que murió tras pasar cuatro meses en un campo de concentración por defender a sus compañeros judíos, es uno de estos «chicos Swing», junto con sus amigos Thomas (Christian Bale), Arvid (Frank Whaley) y Otto (Jayce Bartok). Su odio al sistema hace que termine teniendo problemas con las autoridades cuando decide, junto a Thomas, robar una radio para regalársela a Arvid. Obligado a ingresar en las Juventudes Hitlerianas Thomas también decide alistarse para que no esté solo. Un día, mientras Arvid volvía de comprar un disco, miembros de las Juventudes Hitlerianas, uno de los cuales es un antiguo amigo de la pandilla llamado Emil (Noah Wyle), le pegan una paliza. Al enterarse, Thomas decide vengarse de Emil sin demasiado éxito. Thomas, finalmente, acaba contagiándose del espíritu de Emil, convirtiéndose finalmente en un nazi, y una noche, acaba discutiendo con Arvid y con Peter. Esa noche, Arvid se suicida, prefiriendo morir a vivir bajo el régimen nazi. Una tarde, al llegar a casa, Peter encuentra allí a Thomas y acaban teniendo otra discusión. Otra noche, Peter vuelve a un café donde se baila música swing, y los nazis irrumpen en el local. Thomas encuentra a Peter y comienzan una pelea que termina cuando Thomas le dice que se vaya, ya que si le encuentran le meterán en un campo de trabajo. Finalmente acaban deteniendo a Peter y le suben en un camión. Antes de que el camión arranque, Thomas hace el saludo de los chicos swing a Peter, comprendiendo que en el fondo no es un nazi. Finalmente Peter es conducido al campo de concentración y, mientras su hermano Willi corre tras el camión, encuentra un paraguas y hace también el saludo de los chicos swing.
ComentarioÓpera prima de Thomas Carter, conocido realizador de capítulos en series televisivas como Canción triste de Hill Street (Hill Street Blues, 1981) y de Corrupción en Miami (Miami Vice). Mezcla de drama y musical -con música de jazz- que narra la lucha de los jóvenes en la Alemania nazi.

martes, 8 de septiembre de 2015

Efemérides de cine: Calle 54

El 8 de septiembre de 2000 se estrenó la película española Calle 54, escrita y dirigida por Fernando Trueba. Reparto: Documental, Michel Camilo, Gato Barbieri, Tito Puente. Productora: Fernando Trueba P.C.. Duración: 105 minutos.
Sinopsis argumental: Los artistas más destacados del Latin Jazz. Incluye, entre otros, artistas brasileños (como Eliane Elias), cubanos (como Paquito D'Rivera, Bebo Valdés y Chucho Valdés), españoles (como Chano Domínguez), dominicanos (Michel Camilo), venezolano (Aquíles Báez), puertorriqueños (Tito Puente o Jerry González) y argentinos (el Gato Barbieri), y de esa manera recorre todos los lugares por los que se han desarrollado las diferentes ramas de este género, que mezcla el ritmo y el sonido de la música latina (como la rumba, la samba, el joropo o el flamenco) con la armonía y la estructura del jazz. Las escenas transcurren con los artistas principales tocando en sus bandas.
Nominaciones y premiosPremios Goya: mejor sonido. 3 nominaciones; Premios del Cine Europeo: nominada a mejor documental.
ComentarioDocumental sobre las figuras del jazz latino, reunidos en la calle 54 de Nueva York: Michel Camilo, Gato Barbieri, Tito Puente, etc.

miércoles, 1 de octubre de 2014

Efemérides de cine: Un día volveré

El 27 de septiembre de 1961 se estrenó la película estadounidense Un día volveré (París Blues), dirigida por Martin Ritt. Protagonizada por Paul Newman, Joanne Woodward, Sidney Poitier, Diahann Carroll, Louis Armstrong, Serge Regianni, Barbara Laage, André Luguet, Marie Versini, Moustache. Producción y distribución: Pennebaker Productions/Diane Productions/Jason Films/Monica Corp./Monmouth/United Artist.
Sinopsis argumentalNarra las desventuras románticas de dos norteamericanos que son músicos de jazz y tocan en un club nocturno de París. Ram va a la estación de San Lázaro a esperar al gran trompetista Wild Man Mooer. Allí conoce a dos turistas, Connie y Lillian, y las invita a ir al club donde toca. Por su parte, Wild Man le ha prometido que hará llegar su partitura a un importante empresario. 
Nominaciones y premiosNominada al Oscar: Mejor banda sonora (Musical).
ComentarioComedia dramática que explora las desventuras sentimentales de dos músicos de jazz. 

domingo, 22 de junio de 2014

Efemérides de cine: New York, New York

El 20 de junio de de 1977 se estrenó la película estadounidense New York, New York, dirigida por Martin Scorsese. Protagonizada por Robert De Niro, Liza Minnelli, Lionel Stander, Barry Primus, Georgie Auld, Mary Kay Place, George Memmoli, Dick Miller, Leonard Gaines. Productor: Irwin Winkler & Robert Chartoff. Distribuidora: United Artists.
Sinopsis argumental: Jimmy es un impetuoso y seductor saxofonista que aspira a formar parte de una gran banda. Francine es una tímida cantante de bar que sueña con ser famosa. Cuando se conocen, surge entre ellos una atracción inmediata y, cuando él toca y ella canta, consiguen hacer temblar los rascacielos. Es el comienzo de una tormentosa relación que pondrá a prueba su capacidad para encontrar el equilibrio entre su pasión por el jazz y el amor que los une. 
Nominaciones y premios: Globos de Oro: 4 nominaciones, incluyendo mejor película comedia/musical.
Comentario: Fue un fracaso comercial en su época, pero su canción principal cantada por Liza Minnelli, New York, New York, alcanzó enorme fama en la versión de Frank Sinatra.

sábado, 9 de noviembre de 2013

Noticias de libro: La bomba de San José

La escritora mexicana Ana García Bergua ha ganado el Premio de Literatura Sor Juan Inés de la Cruz por su novela La bomba de San José. Dotado con 10.000 dólares, el premio se entregará el 4 de diciembre próximo, durante la XXVII edición de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara (FIL).
El Premio Sor Juana Inés de la Cruz, creado en 1993, supone un reconocimiento al trabajo literario de las mujeres en el mundo hispano y se entrega cada año durante la FIL. En la edición anterior fue galardonada la autora chilena Lina Meruane y, en 2011, la escritora española Almudena Grandes.
La bomba de San José es una novela con gran sentido del humor, una exploración inci­siva y a la vez sutil de la vida en Méx­ico en los años sesenta.
Hubo una vez una ciudad ingeniosa y a la vez ingenua. Una ciudad donde los poetas trabajaban en las flamantes agencias de publicidad y donde se hacía teatro y cine experimental y los pintores ya no querían pintar murales y las mujeres ya no querían ser obedientes, sino, entre otras cosas, disfrutar de la libertad del mambo y la danza moderna y oír jazz por las noches. Era una ciudad a la que también le gustaba ir a los cabarets del Centro y que se inventó una Zona Rosa para poner los nuevos cafés. Son los años sesenta en la Ciudad de México, la época de la Ruptura, de las reseñas de cine y de la Casa del Lago, y los ímpetus creativos son tales que incluso un pariente del Señor Presidente aspira a crear una obra maestra del Séptimo Arte, aunque no sin la ayuda de El Yaqui, venerado director de perlas del cine nacionalista nacional. En su entusiasmo por desplegar su moderna sensibilidad y tal vez deslumbrar a Cannes, el pariente no para mientes en los métodos, por lo que –remontado en el Ajusco- reúne, amenaza y hasta secuestra a sus colaboradores. Con toda razón, considera que ser quien es no debe obstar para dejar huella en el palmarés del cine universal. Ni que decir tiene que el lector se ve obligado a tomar aire con cierta frecuencia, entre una y otra tanda de carcajadas, y que la esposa buena y fiel es debidamente recompensada por sus nuevas y muy modernas amistades, mientras que el esposo secuestrado y la estrellita que lo vuelve loco reciben su justo castigo. La bomba de San José de Ana García Bergua es una novela con gran sentido del humor, evocadora de una época en que los refugiados españoles todavía creían que iba a caer Franco y la gente también iba a alfabetizar guajiros en Cuba y aprendía a hacer yoga y a andar en minifalda.
Ana García Bergua nació en la ciudad de México en 1960. Ha colaborado en numerosas revistas y suplementos culturales; fue becaria del CNCA en 1992. Ha publicado las novelas El umbral. Travels and adventures (1993), Púrpura (1999), Rosas Negras (2004), Isla de bobos (2007), y los libros de cuentos El imaginador (1996), Relatos a la carta (2000), La confianza de los extraños (2002) y Otra oportunidad para el señor Balmand (2004). Su columna “Y ahora paso a retirarme” aparece desde hace varios años en La Jornada Semanal.

viernes, 11 de octubre de 2013

Efemérides musicales: Porgy y Bess

10 de octubre de 1935, en Estados Unidos se estrena Porgy & Bess, ópera de jazz de George Gershwin.
Porgy y Bess (cuyo título original en inglés es Porgy and Bess) es una ópera en
tres actos con música de George Gershwin y libreto en inglés de Ira Gershwin y DuBose Heyward. Está basada en la novela Porgy de Heyward y en la pieza de teatro del mismo nombre coescrita con su esposa Dorothy. Las tres obras tratan sobre el estilo de vida de los estadounidenses negros en la ficticia Calle Bagre (Catfish Row) en Charleston, Carolina del Sur a principios de la década de 1930.
Originalmente fue concebida como una ópera folclórica de los Estados Unidos. La primera versión de la ópera, que duraba cuatro horas (contando los dos intermedios), fue interpretada privadamente en una versión de concierto en el Carnegie Hall, en el otoño de 1935. Eligió como su director coral a Eva Jessye, quien también dirigió a su propio y renombrado coro. El estreno mundial en escena tuvo lugar en el Colonial Theatre de Boston el 30 de septiembre de 1935, el ensayo para una obra que se pretendía inicialmente para Broadway donde la inauguración tuvo lugar en el Alvin Theater de la ciudad de Nueva York el 10 de octubre de 1935. Durante los ensayos y en Boston, Gershwin hizo muchos cortes y refinó la obra para abreviar su duración y fortalecer la acción dramática. En Broadway llegó a las 124 representaciones. La producción y dirección se confiaron a Rouben Mamoulian (ver entrada en este Blog), quien previamente había dirigido las producciones de Broadway de la obra teatral de Heyward, Porgy. El director musical fue Alexander Smallens.
Utilizó un reparto conformado exclusivamente por cantantes negros con preparación en música clásica, una aventurada y visionaria visión artística para la época.
Aportando una gran riqueza de idiomas del blues y del jazz a la ópera, Gershwin la consideraba su mejor obra, pero no fue aceptada en los Estados Unidos como una "verdadera ópera" hasta 1976, cuando la Houston Grand Opera produjo la partitura completa siendo seguida por su estreno en la Metropolitan Opera en 1985 con Grace Bumbry y Simon Estes estableciéndose como un triunfo artístico.
En la actualidad es considerada parte del repertorio de ópera estándar, aunque no está entre las más representadas. Porgy and Bess también se presenta internacionalmente y se han realizado diversas grabaciones de la obra. En las estadísticas de Operabase aparece la n.º 68 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 1.ª en Estados Unidos y la primera de Gershwin, con 56 representaciones.
A pesar de su éxito, sigue causando controversia, dado que algunos la consideran racista al reflejar falsos estereotipos de los negros norteamericanos.
El aria Summertime es con mucho, la pieza más conocida de la obra, existiendo innumerables grabaciones e interpretaciones en vivo por diversos artistas, como las de Louis Armstrong y Ella Fitzgerald.
Esta ópera es admirada por la síntesis innovadora de las técnicas orquestales europeas, con las expresiones idiomáticas del jazz y la música folk estadounidense conseguidas por Gershwin.
Porgy and Bess narra la historia de Porgy, un inválido afroamericano que habita los suburbios de Charleston, Carolina de Sur, y sus intentos por rescatar a Bess de las garras de Crown, su proxeneta y de Sportin' Life, un vendedor de drogas.
Ruby Elzy, 1935, la primera Serena
en Porgy and Bess
La primera vez que Gershwin leyó la novela Porgy de DuBose Heyward en 1926, mostró interés en componer una ópera y en seguida mandó una carta al autor. Aunque las reuniones iniciales fueron prometedoras, Gershwin no tenía prisa, lo que llevó pronto a Heyward a realizar una versión dramatizada de su novela en colaboración con su mujer Dorothy y que se estrenó como obra de teatro en 1927.
Tras el estreno, la obra despertó el interés de Al Jolson, quien pretendía colaborar junto con Jerome Kern y Oscar Hammerstein II para crear un musical a partir de la obra, con Jolson interpretando el papel principal y con la cara pintada, pero el entusiasmo inicial para el musical propuesto pronto decreció. Poco después tanto George Gershwin como su hermano Ira se unieron a Heyward en Charleston para dar forma a la ópera en la que Gershwin había estado pensando durante ese tiempo.

Argumento

Leontyne Price en 1953 como Bess
La obra transcurre en Catfish Row, un miserable suburbio aledaño al puerto de Charleston, Carolina del Sur, EUA.
Acto I
Escena I
Ha anochecido y algunos vecinos del suburbio están bebiendo, cantando y jugando a los dados. Una de las concurrentes, Clara, mientras acuna a su niñito, entona la famosísima canción Summertime. Aparece Porgy, un pobre minusválido que llega feliz después de haber hecho una buena caja pidiendo limosna. A mitad de la partida, algunos jugadores comienzan a burlarse de Porgy a causa de la aparente atracción que éste siente hacia una linda muchacha llamada Bess. El amante de ésta, Crown, completamente borracho se enfrenta a otro parroquiano, Robbins, y tras enzarzarse en una pelea, Crown mata a Robbins. Antes de huir de la justicia, Crown le dice a su novia Bess que lo espere, pues piensa regresar en unas semanas. Bess está deprimida y sin hombre que la proteja. Aparece un narcotraficante de cocaína, Sportin Life, y tras regalarle a Bess unas dosis de droga, le propone a la muchacha que se marche con él a Nueva York, a lo que ésta se niega. Bess, sin techo donde cobijarse, busca acomodo entre sus vecinos, pero todas las puertas se le cierran menos la del lisiado Porgy, que finalmente la acoge.
Escena II
La comunidad se reúne para velar el cadáver de Robbins. Aparece la policía que acusa al viejo Peter del homicidio, éste delata a Crown pero, a pesar de esto, la policía lo detiene como testigo ocular. Todos depositan su donativo para que Robbins sea enterrado decentemente. El encargado de la funeraria, al comprobar que no se ha reunido suficiente dinero, se niega a efectuar el entierro. Serena, la esposa de Robbins, promete pagar el entierro lo antes posible, a lo que el encargado de la funeraria finalmente accede. El acto acaba con un espiritual en memoria de Robbins.
Acto II
Ruby Elzy, 1935, la primera Serena en Porgy and Bess
Escena I
John W. Bubbles el primer Sporting Life
La vida transcurre monótonamente en Catfish Row. Los pescadores están reparando sus redes. Las mujeres, entre las que se encuentran María y Bess, están haciendo los preparativos para ir de excursión al día siguiente. Porgy, en la puerta de su casa, canta la felicidad que siente al vivir junto a Bess. Sportin Life va de acá para allá, intentando colocar su droga. Aparece Frazier, un abogado deshonesto, que saca dinero a Porgy por el divorcio de Crown y Bess, aunque nunca estuvieron casados. Cuando Sportin vuelve a insinuarse a Bess, Porgy lo echa. La escena termina con el lamento de Bess por tener que dejar sólo a Porgy para irse de excursión a la isla de Kittiwah con los demás.
Escena II
Isla de Kittiwah. La excursión está terminando. Cuando Sportin Life está dando una perorata contra la religión, lo interrumpe Serena diciendo que el barco los está esperando para regresar a Catfish Row. Todos recogen sus cosas y se alejan hacia el embarcadero. Cuando Bess está a punto de marcharse, aparece Crown que ha estado escondido todas esas semanas en la isla. Crown le propone a Bess que vuelva con él, pero Bess intenta explicarle que ella ha cambiado de vida y que es feliz junto a Porgy. Crown insiste, Bess titubea y finalmente los antiguos amantes caen uno en brazos del otro mientras el barco zarpa sin Bess.
Escena III
Habitación de Porgy unos días más tarde. Bess, que ha regresado fingiendo haberse perdido en la isla, habla con Porgy, y éste le da a entender que no la cree y que sabe que ella estuvo con Crown. Bess le contesta que quiere quedarse a vivir con él y que la ayude a rechazar a Crown si éste aparece de nuevo, pues confiesa que le es difícil resistirse a la atracción de su antiguo amante. El viento comienza a soplar con fuerza y el cielo se oscurece anunciando tormenta. Clara, la mujer del pescador Jake, expresa su preocupación por el esposo en alta mar.
Escena IV
Unas horas más tarde. La tormenta está en pleno apogeo. Las mujeres, reunidas en un cobertizo, están preocupadas por los marineros, sobre todo Clara. Aparece Crown que viene a llevarse con él a Bess, pero ella se niega a seguirle. Porgy intenta defenderla, pero Crown lo tira al suelo. Clara, que ha tenido una premonición de cómo la barca de su marido zozobraba, sale precipitadamente al exterior. Ante las súplicas de Bess, Crown va en busca de Clara pero no sin antes jurar que volverá a por ella.
Acto III
Escena I
Noche del día siguiente. Todos lloran la desaparición de Jake, Clara y Crown a los que dan por desaparecidos. Bess, que lleva en sus brazos al bebé de Clara, le canta Summertime para dormirlo. Sportin Life, cínicamente, habla de los “dos” hombres de Bess. Crown aparece furtivamente y entra en la habitación de Porgy en busca de Bess; pero el lisiado, que lo está aguardando, lo sorprende y lo mata. Porgy, triunfante, le grita a Bess: “¡Ahora sí que tienes un verdadero hombre, y es Porgy!”.
Escena II
La policía llega para investigar la muerte de Crown. Primero interrogan a Serena, de quien sospechan pues su marido, Robbins, fue víctima de Crown. Luego, se llevan a Porgy para que identifique el cadáver. Aparece Sportin Life y convence a Bess de que Porgy será condenado a cadena perpetua, le ofrece droga y le vuelve a proponer irse con él a Nueva York, a lo que Bess accede.
Escena III
Una semana más tarde regresa Porgy que ha sido puesto en libertad por la policía. Busca por todas partes a Bess, todos sus compañeros lo evitan, hasta que Serena y María se atreven a decirle que Bess se ha marchado con el traficante de cocaína. Porgy, lejos de amilanarse, pregunta en qué dirección queda Nueva York y, lleno de esperanza, emprende el camino en busca de su Bess.

En el cine

Esta Porgy and Bess fue llevada al cine como musical por Columbia en 1959 (basada más en la obra de DuBose Heyward, Dorothy Heyward que en la ópera), dirigida por Otto Preminger, música de George Gershwin, Ken Darby, e interpretada en sus principales papeles por Sidney Poitier, Dorothy Dandridge, Sammy Davis Jr., Pearl Bailey, Brock Peters, Diahann Carroll (Robert McFerrin y Adele Addison, doblaron a Sidney Poitier y Dorothy Dandridge).
Sinopsis argumental: En 1912, en un pueblo de pescadores de Carolina del Sur, Bess (Dorothy Dandridge), una mujer con mala reputación, trata de librarse de Crown, su amante (Brock Peters). La única persona dispuesta a pasar por alto su pasado es Porgy (Sidney Poitier), un tullido. Pero su relación se ve amenazada por la desaprobación de la gente y por el retorno de Crown. Basada en la ópera homónima del compositor George Gershwin, cuyo libreto es obra de Ira Gershwin y DuBose Heyward.

Oscar: Mejor Banda Sonora y  4 nominaciones más. Globos de Oro: Mejor película - Musical. 3 nominaciones.




domingo, 6 de octubre de 2013

Efemérides de cine: El cantante de jazz

El 6 de octubre de 1927, en Nueva York se proyecta El cantante de jazz AKA El cantor de jazz(The Jazz Singer) dirigida por Alan Crosland, la primera película del cine sonoro. En España se representó en el Cine Callao, de Madrid, el 13 de junio de 1929.
Primera película con diálogos sonoros que utilizó el sistema sonoro Vitaphone (grabación de sonido sobre un disco). A partir de ese momento, el cine cambia de manera radical, excepto con algunos directores de cine nostálgicos de un cine mudo que, según ellos, se bastaba a sí mismo. Desde entonces, las comedias musicales se multiplicaron.
La obra teatral El Cantor del Jazz había sido un éxito en Broadway en su versión original de 1925 y revivió en 1927 con Al Jolson como protagonista. Cuando la Warner Bros. rechazó las condiciones salariales de George Jessel, obligando a éste a rechazar el papel principal, el estudio se acercó a Eddie Cantor, a quien tampoco le pareció atractiva la oferta. Fue entonces cuando le fue ofrecido el papel a Al Jolson, quien, como describió el historiador Donald Crafton, "entusiasmaba a la audiencia con vitalidad y el sex appeal de sus gestos y canciones con raíces más bien afro-americanas.
La película fue inicialmente una obra musical para teatro del autor estadounidense Samson Raphaelson, en Broadway era interpretado por el actor y cantante George Jessel. La obra adaptada contaba con cinco actos el cual el personaje central narra la historia de una familia judía ultra ortodoxa, el Rabino Rabinowitz que era el padre, quiere que su único hijo Jakie, dé continuación a la tradición familiar y se convierta en la quinta generación de rabinos, pero éste elige otro camino y por lo tanto otra forma de expresión para sus aptitudes vocales: decide convertirse en un cantante de jazz. 
Fue nominada al Oscar como mejor guión adaptado y recibió el premio honorario a esta producción pionera por revolucionar la industria del cine.
Esta película tuvo dos versiones posteriores:
La primera de Michael Curtiz en 1953, El cantor de jazz (The Jazz Singer) con Danny Thomas.
Y la segunda de El cantor de jazz (The Jazz Singer) Richard Fleischer en 1980, con Neil Diamond y Laurence Olivier.

martes, 19 de febrero de 2013