Homenaje a Marjane Satrapi, autora de "Persépolis"

Persépolis (Persepolis, 2007), escrita y dirigida por Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud, adaptado la novela gráfica homónima de Marjane Satrapi. 

La trama: Narra la conmovedora historia de una niña iraní desde la revolución islámica hasta nuestros días. Cuando los fundamentalistas toman el poder, forzando a las mujeres a llevar velo y encarcelando a miles de personas, y mientras tiene lugar la guerra entre Irak e Irán, Marjane descubre el punk, ABBA y Iron Maiden. Cuando llega a la adolescencia sus padres la envían a Europa, donde conoce otra cultura que nada tiene que ver con la de su país. La protagonista se adapta bien a su nueva vida, pero no soporta la soledad y vuelve con su familia, aunque eso signifique ponerse el velo y someterse a una sociedad tiránica. Voces originales en francés de Catherine Deneuve y Chiara Mastroianni.

Esta película animada que cautiva por su dibujo sencillo y estilizado, de líneas simples e incluso ingenuas, lo que sirve de marcado contraste para contar las penalidades de la protagonista. Ganó el Premio del Jurado en Cannes en 2007.

Más que jugar a las comparaciones entre los bienes y males de Oriente y Occidente, Satrapi pretende sobre todo que conozcamos su estado anímico, las penalidades que le tocó sufrir, que le llevaron a encararse con Dios, o con los ideales que aprendió en su familia. Ésta –sus padres, y de modo particular, su abuela– se convierten en grandes apoyos en los momentos difíciles, por ejemplo respetando su ruego de que no le pregunten nada acerca de su estancia en Austria. 

La película plantea el peso de ser extranjero –y encima, iraní– en otro país, la discriminación que sufre la mujer en Irán... Es condescendiente con el divorcio, piensa que existe un derecho a volver a empezar en el matrimonio las veces que hagan falta. Las diversas cuestiones las presenta sin una gran fundamentación, únicamente como sirviendo de modo didáctico un fresco histórico de sus vivencias personales. Aunque domina el elemento trágico, hay algunos momentos de humor suave con un punto de crueldad; hay que sonreír, por no llorar.

Las 30 mejores películas basadas en psicópatas y dónde verlas (X)

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28. Perdida (Gone Girl, 2014)

Director: David Fincher. Reparto: Ben Affleck, Rosamund Pike, Neil Patrick Harris, Missi Pyle, Tyler Perry, Kim Dickens, Patrick Fugit, Sela Ward, Scoot McNairy, Emily Ratajkowski, Carrie Coon, David Clennon, Lisa Banes, Casey Wilson, Boyd Holbrook, Lola Kirke. 

La trama: El día de su quinto aniversario de boda, Nick Dunne (Ben Affleck) informa que su esposa Amy (Rosamund Pike) ha desaparecido misteriosamente. Pero pronto la presión policial y mediática hace que el retrato de felicidad doméstica que ofrece Nick empiece a tambalearse. Además, su extraña conducta lo convierte en sospechoso, y todo el mundo comienza a preguntase si Nick mató a su esposa... El suspense aumenta mientras se revelan secretos que redefinen la historia. 

Curiosidades: Adaptación del best-seller Perdida, de Gillian Flynn. Affleck decidió aplazar su siguiente proyecto como director para ponerse a las órdenes de Fincher, convencido de que era uno de los pocos cineastas capaces de elevar un thriller comercial a la categoría de obsesión formal, una oportunidad que no estaba dispuesto a dejar pasar. Ese compromiso se extendió a la preparación del personaje: investigó casos de maridos convertidos en sospechosos mediáticos, con especial atención al de Scott Peterson, cuya frialdad ante las cámaras y comportamiento errático ayudaron a Affleck a modelar la inquietante ambigüedad de Nick Dunne. Disponible en Disney+. 

29. La casa de Jack ( The House That Jack Built, 2018)

Director: Lars von Trier. Reparto:  Matt Dillon, Bruno Ganz, Uma Thurman, Ed Speleers, Riley Keough, Siobhan Fallon Hogan, Sofie Gråbøl, David Bailie, Jeremy Davies, Jack McKenzie, Carina Skenhede. 

La trama: Estados Unidos, años 1970. Seguimos al inteligentísimo Jack durante cinco incidentes y descubrimos los crímenes que le definen como un asesino en serie. Vivimos la historia desde la perspectiva de Jack. Considera cada asesinato como una obra de arte, pero su profunda inadaptación le plantea problemas con el mundo exterior. A pesar de la intervención de la policía, que se acerca inevitablemente, Jack se empeña en arriesgarse cada vez más contra toda lógica. A medida que la historia avanza, compartimos las descripciones que hace de su condición, sus problemas y pensamientos mediante conversaciones con el desconocido Verge: una mezcla grotesca de sofisticación, de una casi infantil autocompasión y de explicaciones detalladas de maniobras tan peligrosas como difíciles para Jack. La narración combina violencia extrema y reflexión sobre la creación, generando un relato incómodo y provocador.

Curiosidades: La première en Cannes dejó claro que Von Trier no había rebajado un ápice su voluntad de incomodar: más de un centenar de espectadores abandonaron la sala incapaces de seguir el despliegue de violencia y sordidez que proponía. Resulta obligado reconocer el convincente trabajo de Matt Dillon, como sabelotodo desquiciado, muy alejado de los seductores que le encumbraron en los años 1980. Disponible en Filmin. 

30. Longlegs (2024)

Director: Osgood Perkins. Reparto: Maika Monroe, Nicolas Cage, Alicia Witt, Blair Underwood, Lisa Chandler, Erin Boyes, Dakota Daulby, Vanessa Walsh, Rryla McIntosh, Bea Perkins. 

La trama: Oregón en los años 1990, en los años de la presidencia de Bill Clinton. La agente novata del FBI Lee Harker está detrás de un asesino en serie que de alguna forma incomprensible convence a padres para que liquiden a sus familias y luego se suiciden, y además deja crípticas notas en la escena del crimen firmadas por el misterioso Longlegs. Inesperadamente le envía a ella una felicitación de cumpleaños, ya que la conoce, pues de niña tuvo un encuentro con él. La investigación revela conexiones personales inquietantes mientras una atmósfera densa y oscura acompaña cada descubrimiento.

Curiosidades: Perkins, hijo de Anthony Perkins (Psicosis), construye los mensajes cifrados de la película con la misma tosquedad calculada que hizo célebres las cartas del Asesino del Zodiaco: erratas, sintaxis torcida y un aire de rompecabezas que no busca solo ocultar información, sino sembrar inquietud en cada línea. Disponible en Alquiler Google Play, Apple TV y Prime Video.

“El mago del Kremlin”: una película demasiado política para algunos

¿Dónde rodar? ¿En ruso o en inglés? Y con un presupuesto reducido, el casting apresurado y la muerte… Nominada al León de Oro como mejor película en el Festival de Cine de Venecia. 

La adaptación de Olivier Assayas de El mago del Kremlin, la novela superventas de Giuliano da Empoli, fue una aventura donde los problemas se arremolinaron. Antes de ver en El mago del Kremlin (Le mage du Kremlin, 2025), un guion potencialmente formidable, Olivier Assayas lo reconoció inicialmente como una “fuente de problemas” igualmente formidable. Y los problemas, especialmente cuando están vinculados a las complejidades de la geopolítica, son algo que el director de Carlos (Carlos, le film, 2010), Viaje a Sils Maria (2014)  y La red Avispa (Wasp Network, 2019) vio venir desde lejos. Temas controvertidos, proyectos extensos, producción caótica, financiación errática... "Ya había estado allí, ya lo había hecho", recuerda.

El doblemente nominado al Oscar Jude Law da vida a Vladimir Putin en esta fascinante película que expone los secretos mejor guardados del Kremlin. El actor nominado al BAFTA Paul Dano protagoniza la película encarnando al asesor ficticio Vadim Baranov, el cerebro detrás del ascenso de Putin al poder y de su implacable régimen político.

La trama: En el turbulento contexto postsoviético de los años 1990, un joven artista y productor de televisión comienza a ascender gracias a su talento y habilidad para conectar con las élites. Su ingenio le abre las puertas al círculo más cercano de un agente del KGB con gran ambición política, lo que le convierte en testigo privilegiado del nacimiento de una nueva Rusia. Desde dentro del poder, ambos moldean el futuro del país, en un juego donde los límites entre la verdad y la mentira se desdibujan peligrosamente.

Películas de culto de los años 1990 que debe (re)descubrir (I)

Spielberg, Klapisch, Cameron… Grandes nombres del cine han influido a toda una generación con sus películas. La elección es difícil, hemos decidido ofrecer nuestra lista de películas de culto de los años 1990 para volver a ver en las plataformas.

Violencia exacerbada, sangre a borbotones y humor demoledor… Los años 1990 vieron la llegada de las películas de Quentin Tarantino a la gran pantalla y algunos cinéfilos aún no lo han superado. Muchas películas que se han convertido en clásicos de culto apostaron por el humor sin olvidar pintar un retrato fiel de una nueva generación un poco perdida en sus valores. Y aún así, muchas frases de culto, diálogos que nos sabemos de memoria, secuelas con cierto éxito… Es difícil elegir entre las mejores películas de la década de 1990, pero hemos seleccionado las películas disponibles en plataformas que nos transportarán a una esta época.

1. Los chicos del barrio (Boyz N the Hood, 1991), de John Singleton

Una alabada película del comprometido director John Singleton, que anda en la línea de otro famoso cineasta de color: Spike Lee. Tiene un claro propósito realista de denuncia social. Un atractivo retrato del panorama vital de un grupo de jóvenes en una zona poco favorecida de Los Angeles. Diálogos mordaces y efectivos, y una acción constante que engancha desde el principio al espectador. Destaca la presencia de unos jovencitos Cuba Gooding Jr. y Ice Cube, antes de que sus carreras se dieran a conocer.

2. Thelma y Louise (Thelma & Louise, 1991), de Ridley Scott

El director británico Ridley Scott recuperó su prestigio entre la crítica, tras la decepcionante Legend (1985), con esta "road movie" que explora las frustraciones de dos mujeres que deciden vivir la libertad sin límites. Impecables interpretaciones, ritmo inigualable y Oscar al mejor guión en 1992.

3. Delicatessen (1991), de Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro

Uno de los mayores éxitos del cine francés de los últimos años, lo que se debe a su renovador estilo visual y a la gran imaginación que destila cada uno de sus planos. Además, crea un mundo propio, con unos decorados y vestuarios muy originales, que pueden ser parte de cualquier lugar del mundo. Retrata a los habitantes de un edificio, en cuya planta baja se sitúa una charcutería. El origen de la carne que allí se vende es desconocido.C on este largometraje debutaron los realizadores Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro. Obtuvieron un gran número de premios internacionales, entre los que destacan los cuatro del festival de Cinema Fantastic de Sitges de 1991. La película tiene pasajes de una rara y bella poesía.

4. Europa (1991), de Lars von Trier

Una original mirada a la Alemania de postguerra, a cargo del danés Lars von Trier. Sigue la pista a un joven americano, descendiente de alemanes, que vuelve a su país de origen con idea de ayudar a su reconstrucción.Con sorprendente acabado visual, deudor del expresionismo, donde cautivan la mezcla de color y blanco y negro, o las sobreimpresiones, Von Trier pergeña una historia muy movida de aires kafkianos, que recuerda que en esta vida se hace obligatorio, en un momento u otro, tomar partido. Inolvidable resulta la voz en off inicial de Max von Sydow contando hasta diez para iniciar el viaje a Europa.  El director, con su característico estilo de comunicación afirmó que había diseñado la película "como una obra maestra. Eso lo decidí por adelantado, antes siquiera de empezar a escribirla."

5. La bella y la bestia (Beauty and the Beast, 1991), de Gary Trousdale y Kirk Wise

Adaptación bastante fiel del célebre cuento de Hans Christian Andersen, convertida ya en un clásico de Disney. Película que consolidó el renacer de Walt Disney, tras otros éxitos como La sirenita (The Little Mermaid, 1989).  

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En el Festival de Venecia, Olivier Assayas cautiva con “El mago del Kremlin”

El mago del Kremlin (La Mage du Kremlin, 2025), un thriller sobre el funcionamiento interno y los misterios de la política rusa. Basado en la exitosa novela de Giuliano da Empoli, esta película francesa, presentada en la Mostra, narra la singular historia de la eminencia gris de Vladimir Putin. Paul Dano interpreta al "mago" y Jude Law al "zar". En medio del caos postsoviético de los años 1990, el joven Vadim Baranov (Paul Dano) empieza a labrarse un camino como artista y productor de televisión. Su elocuencia y conexión con las altas esferas le llevan a convertirse, de la noche a la mañana, en el asesor de un agente del KGB con un brillante porvenir: Vladimir Putin (Jude Law). Desde las entrañas del poder, ambos darán forma a la nueva Rusia, difuminando los límites entre la verdad y la mentira.

El romance y el poder son una combinación que a menudo ha inspirado a Olivier Assayas. Basta pensar en Demonlover (2002) o la miniserie Carlos (2010). Por lo tanto, no sorprende que el cineasta se sintiera seducido por el éxito de ventas de Giuliano da Empoli, El mago del Kremlin. Adaptando esta novela premonitoria, publicada en 2022, el año de la invasión de Ucrania, presenta un thriller cautivador sobre los entresijos y misterios de la política rusa. Una radiografía oscura de los acontecimientos significativos que han marcado la historia de este país, desde el final del reinado de Boris Yeltsin hasta el fortalecimiento autocrático del régimen de Putin.

Adaptaciones nuevas y futuras de libros a la pantalla (VI)

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16. Amateur (2025), de James Hawes

Charlie Heller es un brillante pero introvertido decodificador de la CIA que trabaja en una oficina en el sótano de la sede de Langley. Su vida cambia radicalmente cuando su esposa muere en un ataque terrorista en Londres. Cuando sus supervisores se niegan a tomar cartas en el asunto, él mismo toma las riendas y se embarca en un peligroso viaje por todo el mundo para localizar a los responsables. Su inteligencia puede ser el arma definitiva para llevar a cabo su venganza. Basada en la novela de Robert Littell. Disponible para alquilar o comprar. 

17. The Woman in Cabin 10 (2025), de Simón Stone

Un escritor de viajes se topa con un secreto espantoso mientras viaja a bordo de un crucero de lujo. Basada en la novela de Ruth Ware. Disponible en Netflix a lo largo de 2025. 

18. Estado eléctrico (The Electric State, 2025), de Anthony Russo y Joe Russo

En un futuro distópico donde los avances tecnológicos y la IA han alcanzado niveles desbordantes, Michelle, una joven huérfana, se embarca en un viaje a través de una América devastada junto a su inseparable robot y a un vagabundo excéntrico, buscando a su hermano menor desaparecido. Basada en la novela gráfica de Simon Stålenhag. Disponible actualmente en Netflix.

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"Sus hijos después de ellos", una lista de reproducción nostálgica e intensamente simbólica

Sus hijos después de ellos (Leurs enfants après eux, 2024), de Ludovic Boukherma y Zoran Boukherma, adapta la novela homónima - Premio Goncourt- de Nicolas Mathieu, que cuenta con una banda sonora que presenta clásicos de la época. También ofrece algunas reflexiones sobre las letras.

Agosto de 1992. Una tarde sofocante en un valle perdido del este de Francia. Anthony (de 14 años) y su primo, matan el aburrimiento junto al lago, donde se encuentran con Steph y Clem. Para Anthony, este será el verano de su primer amor, el que lo define todo. El momento agridulce de la vida que marca el fin de la infancia y la mayoría de edad. Pero también está Hacine, un joven rebelde del barrio. Y una motocicleta que le roba a Anthony, que cambia toda su vida. A lo largo de cuatro veranos cruciales, los destinos de Anthony, Steph y Hacine se cruzan, chocan y se entrelazan. Y en medio de todo este torbellino, el amor intentará encontrar su camino.

Iron Maiden, NTM, Johnny Hallyday, Jean-Jacques Goldman, Boney M.: la banda sonora de Sus hijos después de ellos, de Ludovic y Zoran Boukherma, está llena de éxitos, no siempre de muy buen gusto y a menudo demasiado literales o redundantes con las emociones de los personajes adolescentes con las hormonas a flor de piel. ¿Realmente necesitamos que Florent Pagny "sepa amar" a los 14 años?. Anclada en la Francia provinciana y proletaria de los años 1990, la novela de Nicolas Mathieu , ganadora del Premio Goncourt en 2018  se dividió en cuatro capítulos cuyos títulos están inspirados en canciones emblemáticas de la época (Smells Like Teen Spirit, de Nirvana, You Could Be Mine, de Guns'n'Roses), que curiosamente no aparecen en la película.

El éxito que más nos convence llega durante la escena de la fiesta en la villa "burguesa", a los veinticinco minutos de película, cuando los dos tortolitos, Anthony (Paul Kircher) y Stephanie (Angelina Woreth), se lanzan al agua... a la piscina. Un adolescente de pelo rubio decolorado coloca entonces el último álbum de los Red Hot Chili Peppers, Blood Sugar Sex Magik, en un reproductor de CD vertical (estamos, sin duda, en la casa de la burguesía), que fue un éxito mundial en 1992 y, por lo tanto, también en Lorraine. El título elegido es el más conocido del álbum: Under the Bridge, con su introducción de guitarra y su verso susurrado por Anthony Kiedis, cantante de los Red Hot: Sometimes I feel like I don't have a partner (A veces siento que no tengo pareja...".

Todos los vírgenes adictos al Clearasil y al hachís marroquí se sabían la letra de memoria, como Stéphanie, que la tararea en primer plano delante de Anthony, quien se emociona un poco e intenta acercarse, frustrado por la sirena de buena cuna que aún no está lo suficientemente enamorada del proletario. Pero los Red Hot Chili Peppers sirvieron de brebaje esa noche y dos años después, cuando Anthony conoce a Stéphanie en el baile del pueblo, el amor imposible finalmente pudo hacerse realidad con otra canción diegética (cuya fuente aparece en pantalla) y una canción sincrónica (estrenada en la época descrita por la película, es decir, 1994). Él está en la miseria, va a alistarse en el ejército. "Él llega, ella lo ve, lo desea y sus ojos hacen el resto", susurra Cabrel. Samedi soir sur la terre (Una noche de sábado en la Tierra), en Meurthe-et-Moselle.

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5. El silencio del agua (He bian de cuo wu, 2023), de Wei Shujun

Década de 1990, ciudad de Banpo, China rural. El cadáver de una mujer aparece junto al río. Ma Zhe, jefe de la policía criminal, dirige la investigación de un asesinato que rápidamente desemboca en una evidente detención. Mientras sus superiores se afanan en comunicar su éxito, varias pistas empujan a Ma Zhe a profundizar en el comportamiento oculto de sus conciudadanos.

El thriller más taquillero del año en China. Un arrollador policíaco en los parajes más rurales de la China de los años 1990 que inevitablemente nos llevará a Memories of Murder. Una joya que pasó por Cannes en la que el agua, y el cine, tienen un papel muy especial. La realidad y la poesía se mezclan en esta película caprichosa y fantasmal, dirigida por el joven director Wei Shujun.

6. Vincent debe morir (Vincent doit mourir, 2023), de Stéphan Castang

Vincent empieza a ser atacado por la gente que lo rodea sin motivo aparente. Su anodina existencia se descontrola y, conforme la violencia crece, no tiene más remedio que huir. Pero ¿adónde?

Si George A. Romero rodara una comedia romántica paranoica en Saint-Nazaire, ¿cómo sería? Esta película preapocalíptica está protagonizada por Karim Leklou, quien intenta escapar de una serie de intentos de asesinato contra su persona común.

7. El callejón de las almas perdidas (Nightmare Alley AKA Nightmare Alley: A Vision in Darkness & Light, 2021), de Guillermo del Toro

Un buscavidas manipulador (Bradley Cooper) se alía con una psiquiatra tan embaucadora como él (Cate Blanchett) para timar a los ricos de la sociedad neoyorquina de los años 1940. 

Nueva adaptación de la novela de William Lindsay Gresham, llevado al cine con anterioridad por Edmund Goulding en 1947. El imaginativo maestro mexicano revela su lado oscuro en este exuberante cine negro con un elenco espléndido. 

8. Nido de víboras (Jipuragirado japgo sipeun jimseungdeul AKA Beasts That Cling to the Straw, 2020), de Kim Yong-hoon

El destino de un mediocre grupo de desgraciados comienza a converger lentamente mientras se desmorona. Joong Man va tirando a duras penas trabajando en una sauna y cuidando de su madre enferma, hasta que encuentra en el vestuario una bolsa llena de dinero. Tae Young se ha metido en un lío porque su novia se ha dado a la fuga con el dinero que él le había robado a un prestamista. Además, aparece misteriosamente un cadáver. Mi Ran, acorralada entre su marido maltratador y su vulgar trabajo de camarera, empieza una relación con su joven amante, Jin Tae, quien se ofrece a matar a su pareja… Así empieza este juego en el que solo puede sobrevivir el más fuerte. 

Cinco individuos sin ninguna conexión aparente gravitan alrededor de un bolso de diseño lleno de billetes. Un thriller surcoreano en forma de juego de matar, donde el humor y la trivialidad suavizan la violencia gráfica de las escenas de asesinato.

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Una madre coraje...

Aún estoy aquí (Ainda estou aqui, 2024), dirigida por Walter Salles con Fernanda Torres, Fernanda Montenegro, Selton Mello y Valentina Herszage.

1971. Brasil está sometida a una dictadura militar. Pero la familia Paiva, el matrimonio formado por Rubens y Eunice, y sus cinco hijos, Veroca, Eliana, Nalu, Marcelo y Babiu, tratan de seguir con su vida feliz junto a la playa en Río de Janeiro. Rubens fue diputado en el pasado, pero ha abandonado la actividad política profesional, y Eunice se dedica a las tareas del hogar, ayudada por una tata. Incluso deciden mandar a su hija mayor, algo rebelde, a estudiar a Londres, para evitar que se meta en líos. Esto no impedirá la irrupción en casa de fuerzas militares, que se llevan primero al padre, para interrogarlo, y luego a la madre y a una hija. Aquello trastoca su existencia, sobre todo porque Rubens no vuelve a casa, y comienza una larga espera, aguardando su regreso, con las dudas de que tal vez nunca ocurra.

Basada en las memorias de Marcelo Rubens Paiva, en las que narra cómo su madre se vio obligada al activismo político cuando su marido, el diputado izquierdista Rubens Paiva, fue capturado por el régimen durante la Dictadura militar de Brasil, en 1971. 

Todo sobre el terror en 2025 (II)

Febrero

- Winnie the Pooh: El bosque sangriento (Winnie The Pooh: Blood and Honey 2, 2024). Dirigida por Rhys Frake-Waterfield y escrita por Matt Leslie. Es la segunda entrega del Twisted Childhood Universe (TCU) y una secuela de Winnie Pooh: Miel y Sangre (Winnie-the-Pooh: Blood and Honey, 2023), que sirvió como una reimaginación de terror de A. A. Milne y los libros de Winnie-the-Pooh de E. H. Shepard. La película está protagonizada por Scott Chambers como Christopher Robin y Ryan Oliva como el personaje principal, con Tallulah Evans, Teresa Banham, Peter DeSouza-Feighoney, Alec Newman y Simon Callow en papeles secundarios. Sigue a Pooh, Piglet, Tigger y Búho mientras buscan vengarse de Christopher Robin por revelar su existencia al mundo.

- La pesadilla de Neverland de Peter Pan (Peter Pan's Neverland Nightmare, 2025). Es la cuarta película de The Twisted Childhood Universe (TCU) y sirve como una versión de terror de Peter Pan de JM Barrie. Sigue a Wendy Darling en su intento de rescatar a su hermano Michael de "las garras del malvado Peter Pan". Por el camino conoce a Campanilla, que en esta retorcida versión del cuento se verá tomando heroína, convencida de que es polvo de hadas. La famosa historia de Peter Pan reinventada como un film de terror por Jagged Edge Productions, productora de Winnie Pooh: Miel y Sangre.

- Longlegs (2024). Dirigida por Oz Perkins. Está protagonizada por Maika Monroe y Nicolas Cage, quienes también produjeron la película a través de Saturn Films. El elenco también cuenta con Blair Underwood, Alicia Witt, Michelle Choi-Lee, Dakota Daulby y Kiernan Shipka en papeles secundarios. La película sigue a una agente del FBI encargada de localizar a un asesino en serie ocultista, con quien se da cuenta de que tiene una conexión personal.

- The Monkey (2025). Dirigida por Osgood Perkins y protagonizada por Theo James, Tatiana Maslany, Elijah Wood, Christian Convery, Colin O'Brien, Rohan Campbell y Sarah Levy. Está basado en el cuento del mismo nombre de 1980 escrita por Stephen King, publicado en su  colección de cuentos Skeleton Crew (La niebla en los países de literatura hispana). Cuando los gemelos Hal y Bill descubren el antiguo mono de juguete de su padre en el ático, una serie de truculentas muertes comienzan a ocurrir a su alrededor. Los hermanos deciden tirar el mono y continuar con sus vidas, distanciándose con el paso de los años. Pero cuando las misteriosas muertes vuelven a sucederse, los hermanos deberán reunirse para destruir el mono antes de que acabe con las vidas de todos a su alrededor.

Paul Kircher: “De película en película, tengo la sensación de haberme descubierto a mí mismo”

Impresionante en El reino animal (2023), el actor de 22 años explota en Leurs enfants après eux (2024), de Ludovic Boukherma y Zoran Boukherma. Se trata de la adaptación de la novela homónima de Nicolas Mathieu, Premio Goncourt 2018. Contra una cierta imagen de virilidad, trabajadora y lunar, Paul Kircher seduce a los directores.

De la época ingrata a la era de las posibilidades: en Leurs enfants après eux, Paul Kircher abarca cuatro épocas en la vida de un joven en el corazón del devastado Mosela, en los años 1990. Adolescente plagado de acné y luego adulto en ciernes. Buscando escapar de esta fatalidad social – alcoholismo, violencia, horizontes bloqueados – que afectó a sus padres antes que él, ilumina la película de los hermanos Boukherma con su grácil torpeza, su cuerpo elástico, su silueta en transición, mitad crisálida, mitad mariposa. También en la ciudad el rostro del niño parece todavía suspendido entre dos edades. Se mezclan huellas conmovedoras de la infancia: en las mejillas redondeadas, la sonrisa de casi infantil...

Leurs enfants après eux (2024)

"El atraco": éxito sorpresa de Netflix: thriller criminal pero con un actor increíble

Un ex miembro del servicio de inteligencia es llamado al rescate para resolver un oscuro caso de un sangriento robo. Un sorprendente thriller polaco, protagonizado por un investigador con un estilo único. Dirigido por Michał Gazda llegó a Netflix el 16 de octubre de 2024, protagonizado por Olaf Lubaszenko.

El atraco (Napad), una dramática película policíaca nos traslada a los años 1990, donde a un ex policía caído en desgracia se le ofrece una última oportunidad de redención. Protagonizado por el famoso actor Olaf Lubaszenko, este thriller oscuro y sin aliento se centra en un hombre desesperado por recuperar su vida anterior siguiendo la pista de una banda responsable de un atraco a un banco de alto nivel.

Olaf Lubaszenko y Jedrzej Hycnar en El atraco (2024)

En la Polonia de principios de los años 1990, un ex policía caído en desgracia, interpretado por Olaf Lubaszenko, recibe una oferta que no puede rechazar: para borrar su pasado y recuperar su carrera, debe detener a un grupo de delincuentes responsables de un audaz atraco a un banco. Para ello, cuenta con la ayuda de una joven y decidida policía, interpretada por Wiktoria Gorodecka, que acaba de ser asignada a esta delicada investigación. Juntos, no sólo deben identificar a los miembros de la banda, sino también evitar que el caso llegue a los titulares, lo que podría socavar la estabilidad del país y empañar aún más la reputación del antiguo detective.

La originalidad de esta película reside no sólo en su ambientación histórica, los años poscomunistas en Polonia, sino también en la profundidad de sus personajes. La película se centra tanto en la caza policial como en los conflictos internos de un hombre que intenta redimirse a los ojos de la sociedad.

"Aftersun”: la historia de un vínculo abrumador entre padre e hija

El recuerdo de unas vacaciones con un padre cariñoso saca a la luz las grietas que escondía entonces.

El "después del sol" del título, no se tratará en esta primera película, dirigida por la escocesa Charlotte Wells  sino del sol y del después, todo el tiempo... Cuando tenía 11 años, la pequeña escocesa Sophie hizo un viaje organizado a Turquía, sola con su padre, Calum. Años después, recuerda aquellos pocos días de sol, de los que quedan imágenes filmadas en vídeo, propias de aquellas “vacaciones brillantes” que entonces dijo haber vivido. Y ella era sincera. Con el tiempo, sin embargo, algo misterioso se ha sumado a la melancolía de la felicidad pasada...

Noticias de libro: 100 películas de la década de 1990

100 películas de la década de 1990

Jürgen Müller (ed.)

Taschen

768 págs.

A finales del siglo XX…

El compendio definitivo de películas de la década de 1990

La última década del siglo XX reafirmó el fascinante poder de la gran pantalla, donde la proyección al futuro se combinó con referencias al pasado. No resulta exagerado decir que nunca antes el cine había abordado de forma tan irónica su propia vanidad y que nunca se había preocupado con tanta intensidad por sí mismo como medio. Cineastas como Steven Soderbergh, David Lynch, Quentin Tarantino y Ang Lee crearon mundos tan crípticos como confusos, mientras que James Cameron y Steven Spielberg recurrieron a efectos especiales cada vez más espectaculares.

¿Sueña con vagar por el desierto con El paciente inglés? ¿Podría salvarse en Titanic? ¿Sigue convencido de que Algo pasa con Mary? 100 películas de la década de 1990 repasa los títulos más importantes del cine de 1991 a 2000 y recupera una gran variedad de películas de primer orden. La trama y la estética de cada película se presenta de forma analítica e informativa. Los comentarios sobre actores, directores y aspectos históricos o técnicos del cine añaden otros elementos de interés. 100 películas de la década de 1990 es un libro especializado pero entretenido, claro pero incisivo. Como una escena cumbre del cine, este libro es inolvidable y absolutamente apasionante.

Sobre el editor

Jürgen Müller es profesor de Historia del Arte Moderno Temprano y Contemporáneo en la Universidad Técnica de Dresde. Estudió Historia del Arte en Bochum, Münster, Pisa, París y Ámsterdam, y ha ejercido de crítico de arte y conservador en numerosas exposiciones. Es el editor de la serie de películas por décadas de TASCHEN.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCIX)

Picnic en Hanging Rock (Picnic at Hanging Rock, 1975), de Peter Weir

La acción transcurre en 1900 en Australia Meridional. Un grupo de alumnas de un colegio victoriano va a hacer una excursión el día de San Valentín a un lugar llamado Hanging Rock, una formación rocosa de origen volcánica. Tras el pícnic, un pequeño grupo de alumnas junto con una profesora deciden investigar las zonas más recónditas del lugar, pero solo una de ellas volverá a ser vista, aunque no recordará nada.

Segunda película de su director está basada en la novela homónima de Joan Lindsay, publicada en 1967. Considerada como una de las primeras obras maestras del cine australiano, la segunda película de Peter Weir ha ido ganando adeptos con los años y que relata un supuesto hecho real donde una serie de jóvenes desaparecieron en las inmediaciones del extraño fenómeno geológico de Hanging Rock, unos 70 kilómetros al norte de Melbourne, en dirección al corazón del continente austral. En realidad, tal hecho nunca aconteció, y la decisión de Weir (heredada de Lindsay) de encabezar su película con un texto que alude a su carácter de «basado en hechos reales» la empareja curiosamente con otra película que se estrenó un año antes, La matanza de Texas (The Texas Chain Saw Massacre, 1974), de Tobe Hooper, que también se inicia con un anuncio falso similar.

Una película trata sobre la incomprensión, sobre los límites del conocimiento y de nuestras escasas energías morales para asumir lo que habita más allá, sobre la imposibilidad de discernir la figura de aquello que escapa a nuestras formas tradicionales de dar sentido al mundo.

Ciudad de mentiras un caso de "censura"

En Ciudad de mentiras (City of Lies, 2018), de Brad Furman, Johnny Depp investiga los asesinatos sin resolver de los dos raperos The Notorious BIG y Tupac Shakur. 

Adaptada del libro de investigación LAbyrinth, de Randall Sullivan, publicado en 2002, Ciudad de mentiras es un thriller policial dirigido por Brad Furman que analiza los asesinatos sin resolver de los raperos afroamericanos Tupac Shakur y Christopher Wallace (también conocido como The Notorious BIG o Biggie Smalls), que tuvo lugar en rápida sucesión con seis meses de diferencia, en 1996 y 1997, en el contexto de rivalidades musicales y guerras de pandillas entre la costa este y la costa oeste de los Estados Unidos. Johnny Depp interpreta a un inspector decidido a descubrir los vínculos que los policías corruptos de Los Angeles (LAPD) han forjado con Suge Knight, el jefe del sello de Tupac, Death Row Records.

Rodada en 2017, Ciudad de mentiras nunca se ha estrenado en las salas de Estados Unidos (ni en otros muchos países, donde se retransmite directamente por Internet). En agosto de 2018, la película se retiró de las carteleras, según se informa debido a una demanda en curso que involucra a Depp y al gerente de ubicación de la película; hasta el momento no se ha anunciado una fecha de reestreno.

El 23 de agosto de 2018, el Daily Beast informó que el problema legal de Depp fue utilizado como chivo expiatorio. Sugiriendo que el Departamento de Policía de Los Ángeles pudo haber estado tratando de suprimir la película, en la que se le retrata negativamente, o que había otros actores importantes que no querían que se estrenara la película. En julio de 2020, Adam Tod Brown argumentó que la película fue suprimida para que Voletta Wallace no pueda reabrir el caso de asesinato Notorious BIG para demandar al LAPD. El 29 de agosto de 2018, Bank Leumi presentó otra demanda contra Miramax por millones de dólares en garantías impagas causadas por retirar la película del estreno. 

El lobo de Wall Street, la decadencia según Martin Scorsese

El lobo de Wall Street (The Wolf of Wall Street, 2013), de Martin Scorsese, basada en las memorias del mismo nombre de Jordan Belfort. Auge y caída de un un agente de bolsa de Nueva York,  en las décadas de 1980 y 1990. En un contexto de sexo, drogas y dinero fácil, Scorsese filma la caída de un estafador tanto como la bancarrota de una civilización.

¿Podemos apasionarnos durante casi tres horas por un  lleno de basura  Martin Scorsese nos dice que sí. Sus grandes retratos de mafiosos en Uno de los nuestros (Goodfelass, 1990) o Casino (1995) siempre ocultaron un elemento de empatía. Filmó a los mafiosos como duplicados de sí mismo, descarriados y condenados. Al contrario, considera a su lobo de Wall Street como un extraterrestre puro: un monstruo de vulgaridad y codicia, si no de estupidez. Neurópatas inquietantes, alguna vez interpretado por Robert De Niro, este nuevo "héroe" es la caricatura más llamativa, el gemelo grotesco.

Es la delincuencia en el cuello blanco la que, sin duda, reclama esta apariencia. Porque si se trata del ascenso de poder de los empresarios bursátiles, en el punto de inflexión de los años 1980-90, la película, producida en 2013, habla también de la crisis de 2008 y de la ignominia que desveló, las catástrofes económica y humanas que ha causado. Para Scorsese, los especuladores y otros estafadores son la peor raza, sin el encanto anticuado de los gánsteres en los casinos y restaurantes italianos. Las altas finanzas, completamente corruptas, sumergen al mundo en una bufonada aterradora.

Abou Leila: un grito desde el corazón de Argelia

Con su primera película Abou Leila (2019), el director describe la Argelia de la década de 1990, entonces afectada por el terrorismo islamista. Pero también, insiste el director Amin Sidi-Boumédiène, es una fábula universal sobre la violencia y los sentimientos de quienes se enfrentan a ella.

Proyectada en 2019 en Cannes, en la Semana de la Crítica, Abou Leila finalmente comenzó su carrera teatral el 15 de julio de 2020: esta alucinante road-movie, a través de una Argelia repleta de violencia, marca el impresionante debut de Amin Sidi -Boumediene. El director nos cuenta sobre su país, donde la crisis de Covid todavía está en su apogeo y está retrasando el estreno de su primer largometraje por el momento.

Argelia, 1994. S. y Lotfi, dos amigos de la infancia, cruzan el desierto en busca de Abu Leila, un peligroso terrorista. Festival Internacional de Sevilla: Mejor película sección Nuevas Olas.

Noticias de libro: Generación Titanic

Generación Titanic

El libro de cine de los 90

Juan Sanguino

Dolmen Editorial

2017

360 págs. 

El Hollywood de los 90 tenía de todo y para todos. Los avances en efectos digitales abrían los telediarios, las bandas sonoras vendían millones de cedés (y casetes) y el público acudía al cine sin saber nada de las películas, como si la cartelera fuera una caja de bombones: nunca sabíamos lo que nos iba a tocar. Pero teníamos la garantía de que, si había una estrella en el póster, todo iba a acabar bien. (A menos que en esa caja no hubiera bombones sino una cabeza humana). Fuimos testigos de cómo el cine independiente y (hasta entonces) marginal daba un golpe de estado, contribuimos a que las películas de dibujos dejasen de ser solo para niños, y nunca nos cansábamos de ver thrillers: eróticos, domésticos, psicológicos, laborales, de acción y de juicios. Hollywood ha cambiado y nosotros con él, pero regresar al cine de los 90 a través de estos 32 clásicos generacionales supone revivir aquellas pelis con sexo, palabrotas y gente fumando, aquellos viernes de Cine Cinco Estrellas y aquella época en la que no hablábamos de las películas durante tres días en las redes sociales, sino durante meses y meses en la vida real. Porque, hoy, estas 32 películas son más que reliquias de un cine que ya no se hace: hoy son parte de nosotros.

Efemérides de cine: La tormenta perfecta

El 26 de junio de 2000 se estrenó la película La tormenta perfecta (The Perfect Storm), dirigida por Wolfgang Petersen Protagonizada por George Clooney, Mark Wahlberg, Diane Lane, John C. Reilly, William Fichtner, John Hawkes, Allen Payne, Mary Elizabeth Mastrantonio, Karen Allen, Cherry Jones, Bob Gunton, Christopher McDonald, Michael Ironside, Rusty Schwimmer. Productora: Warner Bros. Pictures. Duración: 129 minutos. 

Sinopsis argumental: Gloucester, Massachussetts, octubre de 1991. El Andrea Gail es un barco de pesca capitaneado por Billy Tyne (George Clooney), un veterano pescador cuyas últimas salidas se han saldado con paupérrimas capturas. Buscando un golpe de suerte que haga cambiar esta mala racha, se interna en el Flemish Cap, un lugar más allá de las zonas frecuentadas por los pescadores. Lo que ignora es que, a la zona donde faena, se está aproximando la tormenta más aterradora y destructiva que se pueda concebir.

Nominaciones y premios: 2 nominaciones al Oscar: mejor sonido, efectos visuales; Premios BAFTA: Mejores efectos especiales. nominada a mejor sonido.

Comentario: Adaptación de la novela homónima de Sebastian Junger. La historia, basada en un hecho real, trata de pescadores de pez espada de la localidad de Gloucester, Massachusetts, EE. UU. en la década de 1990. Específicamente entre el 24 y el 31 de octubre de 1991.