Elio Petri, hijo de calderero, cineasta autodidacta y crítico de la clase política

En los años 1970, el director italiano realizó varias películas panfletarias que le valieron un Oscar y una Palma de Oro. Retrato de un hombre comprometido.

En esta década rueda su famosa Trilogía del poder (también citada como Trilogía de la neurosis) y varias películas más: Todo modo (1976, basada en la novela homónima de Leonardo Sciascia, con Gian Maria Volontè, Marcello Mastroianni y Mariangela Melato de protagonistas y música de Ennio Morricone); Le mani sporche (1978, adaptación para la RAI de la obra teatral Las manos sucias de Sartre) y Le buone notizie (1979, con Giancarlo Giannini y Ángela Molina como protagonistas).

La Trilogía del poder

La primera entrega, y quizá la más famosa y premiada de su filmografía, fue Investigación sobre un ciudadano libre de toda sospecha​ (Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto, 1970). La película estaba protagonizada por Gian Maria Volonté y Florinda Bolkan, y ganó el Gran Premio del Jurado del Festival de Cannes (XXIII edición, 1970) y el Oscar a la mejor película extranjera en 1970, además de ser candidato Petri (junto al coguionista Ugo Pirro) al Oscar al mejor guion original en la convocatoria del año siguiente, 1971. En la película se narra la historia del jefe de la brigada de homicidios asesina a su amante, pero pone en evidencia pruebas contra sí mismo porque no soporta que se burle el orden establecido y que los culpables queden impunes.

La trilogía continuó con su segunda entrega: La clase obrera va al Paraíso​ (La classe operaia va in paradiso, 1971), corrosiva sátira sobre el mundo fabril y la alienación de los obreros, que (ex aequo con El caso Mattei​ de Francesco Rosi) ganó la Palma de oro del Festival de Cannes. El estreno mundial de la película se produjo en la Muestra Internacional de Cine Libre de Porretta Terme. El director y el protagonista, Gian Maria Volonté, al término de la proyección, se acercaron a la fábrica DEMM para tener un debate con los obreros de esta factoría.​ Fue una película polémica desde su primera proyección en el festival. El director Jean-Marie Straub, presente en la sala, tomó el micrófono y dijo en público que todas las copias de La clase obrera va al Paraíso deberían quemarse inmediatamente. La película denuncia las condiciones laborales en las fábricas a través de la historia de un obrero modelo que, a raíz de un accidente, se hace sindicalista.

Con El amargo deseo de la propiedad (La proprietà non è più un furto, 1973) concluye la trilogía. Ugo Tognazzi fue el protagonista de la película. Un joven cajero de banco, alérgico a los billetes, se convierte en la pesadilla del mejor cliente de la entidad, un adinerado carnicero poco escrupuloso en sus negocios. Después de despedirse, el cajero roba al carnicero su mejor cuchillo y su sombrero. Entra en su domicilio y se apodera de algunas joyas. A continuación secuestra a la que es cajera y amante del carnicero.

Noticias de libro: Censure et cinemá en Italie

Censure et cinemá en Italie

Col. Darkness 8, censure et cinéma

Christophe Triollet, Didier Lefèvre, Nicoletta Perlo, Jean-Max Mejean, Étienne Looze

Editions LettMotif

2023

La Madeleine

248 págs. 

Si hay un país que concentra en su cine todos los excesos y contradicciones de la sociedad, ese sin duda puede ser Italia. De hecho, la riqueza de su cultura y las idas y venidas de su historia siempre han inspirado a los intelectuales italianos, incluidos muchos cineastas de talento deseosos de mostrar en la gran pantalla, con gritos de alegría o de ira, los sentimientos y frustraciones de la gente frente a de poderoso.

[...] Situados en el centro de las intrigas, desde la comedia popular hasta el giallo, la política, la violencia, el sexo y la religión han polarizado naturalmente la atención de las autoridades públicas desde los primeros tiempos del cine." Christophe Triollet Para el octavo volumen de En su colección Oscuridad, censura y cine, Christophe Triollet ha convocado a diez profesores e investigadores de cine para evocar diferentes aspectos de un cine italiano visceralmente marginal: una obra de estudiosos apasionados que regresa a lo largo de los artículos sobre la fantasía barroca de Fellini, la empresa

de La destrucción de Pasolini, la farsa (o la fuerza) cáustica de Marco Ferreri, las películas caníbales de Ruggero Deodato y Umberto Lenzi, el realismo documental de Gomorra... En su afán de apertura y diversidad, Tinieblas, censura y cine en Italia también ofrecen una visión original. Perspectiva de dos directores conocidos por sus películas gore, Lucio Fulci, anticlerical en sus comedias, y Joe d'Amato, pornógrafo extremo.

Y evocar la filmografía de Silvano Agosti, un cineasta rebelde que, ante la censura, eligió el camino de la radicalización y la clandestinidad. La oscuridad, la censura y el cine en Italia devuelven todo el mordiente, la locura, la creatividad de un cine italiano al que le gusta jugar con las prohibiciones.

"Nostalgia” de Mario Martone: conociendo al verdadero cura que desafió a la mafia

En el corazón de Sanità, un barrio popular de Nápoles, Don Antonio Loffredo desvió a los jóvenes de la Camorra ofreciéndoles acceso a la cultura y el deporte. Inspiró a un personaje clave en la película Nostalgia (2022), de Mario Martone.

Está lloviendo en Nápoles. En el barrio de Sanità, el agua se escurre entre los adoquines irregulares de las callejuelas, rebota en el plástico de los cubos de basura llenos. Oscurece un poco más la piedra de la escalera de ala de halcón del tan barroco palazzo San Felice. Trae lágrimas a las innumerables efigies expuestas o pintadas del actor Totò (1898-1967), el niño local, que, en todas las paredes agrietadas, se encuentran junto a las, decoradas con colores, de la Virgen y el dios del fútbol Diego Maradona, el ex ídolo de Napoli. Pequeñas estatuas de santos permanecen secas, anidadas en las fachadas de las casas, mientras otras, gigantescas, imponen su gracia dentro de los mismos puestos, como detrás de este mostrador de un carnicero. 

Está en este distrito muy popular con calles repletas de scooters, en el corazón de Nápoles, tanto arcaico como moderno. donde inmigrantes de todo el mundo se mezclan con la población local, que el director Mario Martone eligió para rodar Nostalgia, una soberbia tragedia que parece un thriller existencial. No pudo encontrar mejor plató cinematográfico que este enclave alejado del mar, construido sobre cuevas, pasadizos, casas bajas, y que contiene en sus entrañas las catacumbas de San Gennaro y San Gaudioso.

Jacques Perrin, fallece un aventurero del cine

Este joven líder del cine italiano y luego del francés se había convertido en un audaz productor y director de documentales de animales de gran presupuesto como “Oceans”, que militaba de manera espectacular por la causa medioambiental. Murió a la edad de 80 años.

Jacques Perrin en 1962 durante el rodaje de Et Satan conduit le Bal, de Roger Vadim, en Collioure

Había sido uno de los jóvenes actores más destacados en Italia a principios de la década de 1960, luego un productor al que le gustaba rescatar proyectos pendieentes y un director de documentales ecológicos tan espectaculares como arriesgados. Jacques Perrin, fallecido el 21 de abril de 20022, fue una figura verdaderamente especial del cine francés. Más discreto que la mayoría de sus compañeros actores, productores o cineastas. Más modesto, también, él que aseguró que su talento era saber unir a la gente que lo tenía. Pero con una tenacidad inquebrantable, cuando muchos otros se habrían rendido.

Claudia Cardinale y Jacques Perrin en La chica con la maleta (1961)

Hijo de un director de la Comédie-Française y de una actriz, Jacques Perrin se había iniciado en las tablas incluso antes de cumplir la mayoría de edad, y tras un breve paso por el Conservatorio de Arte Dramático. Fue en el Teatro Edouard VII, donde actuó junto a Sami Frey, que el cineasta Valerio Zurlini se fijó en su rostro angelical y su voz de infinita dulzura. Le encomienda, en rápida sucesión, dos papeles que le convertirán en una estrella al otro lado de los Alpes: el joven burgués enamorado de la proletaria Claudia Cardinale en La chica con la maleta (La ragazza con la valigia, 1961), atractiva mezcla de comedia dramática y crítica social, y luego el hermano pequeño de Marcello Mastroianni en la desgarradora Crónica familiar (Cronaca familiare, 1962).

Marcello Mastrianni y Jacques Perrin en Crónica familiar (1962)

También se le recordara eternamente por encarnar al inolvidable Salvatore Di Vita en Cinema Paradiso (Nuovo Cinema Paradiso, 1988), la magnífica películas del italiana Giuseppe Tornatore.

Jacques Perrin en Cinema Paradiso (1988)

Romy Schneider y...: una retrospectiva en cuatro capítulos (III)

Romy Schneider et Luchino Visconti : entre l’égérie et le maître, une complicité singulière

Hoy, Visconti, que influirá sutilmente en la imagen de la intérprete de Sissi.. 

Luchino Visconti et Romy Schneider, el 15 de agosto de 1972, poco antes del estreno  de Luis II de Baviera, el rey loco (Ludwig, 1973)

Entre los dos, la historia siempre ha sido triple. Ella, él y alguien más, no siempre la misma persona. La historia también se ha desarrollado en tres momentos clave, distribuidos de manera desigual a lo largo de una docena de años. Cuando Luchino Visconti conoció a Romy Schneider, la primera etapa de su carrera como cineasta (décadas de 1940 y 1950) terminó en un malentendido, en un callejón sin salida. Noches blancas (Le notti bianche, 1957), su muy formalista adaptación de Dostoyevsky, con Marcello Mastroianni y Jean Marais, llevó a Visconti lejos de los territorios despejados con brillantez desde sus inicios: la alegoría política del film noir Obsesión (Ossessione, 1943), el emergente neorrealismo de La tierra tiembla (La terra trema, 1948), luego el melodrama popular Bellísima (Bellissima, 1951), y la venenosa película de época Senso (1954). Tras el fracaso de Noches blancas, rechazada por el público y la crítica, Luchino Visconti tuvo que pensar en su lugar en el cine, en su deseo como creador. Un aristócrata rico, nunca necesitó trabajar para vivir: esta es toda la paradoja y el estilo de su ferviente apoyo al Partido Comunista Italiano. 

Maria Schell en un fotograma de Noche Blancas (1957)

Sin embargo, entre los motivos que han hecho necesario que volviera a ejercitar su arte, se encuentra este joven actor francés de mirada inocente y fabulosa belleza, Alain Delon, elegido por Visconti para Rocco y sus hermanos (Rocco e i suoi fratelli), que ganará el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Venecia y se estrenará en 1960. Y, tras la estela del elegido, está su amante, Romy Schneider.

El personaje de Rocco, interpretado por Alain Delon, en un fotograma de la película

La actriz italiana Monica Vitti se eclipsa

La aventura (L'Avventura, 1960), La noche (La Notte, 1961) y El eclipse (L'Eclisse, 1962)... Por su intensidad y su misterio, la actriz ha revolucionado, junto a Michelangelo Antonioni, el cine moderno. Ha muerto a los 90 años.

Su apariencia de rubia cerebral seguirá siendo única en la historia del cine. Monica Vitti falleció el 2 de febrero, dos meses después de celebrar su 90 cumpleaños, tras una larga enfermedad que le había hecho perder la memoria, precisa Il Corriere della Sera. El diario italiano no puede resistirse a recordar que la actriz italiana tuvo el privilegio de leer su nota necrológica en Le Monde, un disparate que data ya de 1988.

La aventura (L'Avventura, 1960)

Es decir, como si el pasado se hubiera convertido en su reino. Como una estatua esculpida a la luz precisa y cortante de las películas de Michelangelo Antonioni, Monica Vitti reina para siempre sobre una legendaria imaginación cinematográfica que se ha impuesto en el espacio de tres películas: La aventura, La noche (1961) y El eclipse. Con esta trilogía, Antonioni desvía a la actriz de un camino clásico, iniciado en el teatro, y la lanza a la luz de una modernidad exigente, encontrando en ella una intensidad y un misterio capaces de empujar al espectador hasta el punto de bascularlo en un nueva dimensión de las relaciones humanas.

La noche (La Notte, 1961) 

Antítesis del símbolo sexual

En torno a la pareja y los sentimientos, el maestro italiano y su musa crearon una atmósfera única, atravesada por la neurosis, el dolor de vivir y el aburrimiento, expuesta al vértigo de un vacío existencial que Fellini relataba, a la vez, con su exceso barroco, en La dolce vita, que santificaba a la lujuriosa Anita Ekberg. Monica Vitti no tuvo miedo de imponerse como la antítesis de este símbolo sexual. Introvertido, casi al borde de la desaparición (el gran tema de La aventura), afirmaba sin embargo una presencia poderosamente inquietante. A su manera, se convirtió en una imagen fantástica, inquietante y fascinante bajo una frialdad engañosa.

El eclipse (L'Eclisse, 1962)

Ícono de una feminidad más indescifrable, Mónica Vitti se impone también, en la mirada amorosa de Antonioni, con la evidencia de una estrella de la pantalla. En el dúo que forma con Alain Delon en El eclipse, no se retrae: el imbatible magnetismo del actor francés encuentra su sparring. Y en La noche, la luz oscura de Jeanne Moreau no eclipsa a Vitti. El desierto rojo (Il deserto rosso, 1964), un deambular cautivador por la angustia y el sufrimiento, marca ya el final de un milagro imposible de reproducir indefinidamente: Antonioni sólo volverá con su musa para la menos conocida pero bellísima El misterio de Oberwald (Il Mistero di Oberwald, 1981), basada en la pieza teatral El águila de dos cabezas (L’Aigle à deux têtes, 1943), de Jean Cocteau, en donde ncarna a una reina de la que se enamora un poeta, cuando se suponía que debía matarla. Una especie de absoluto de la pasión. 

El desierto rojo (Il deserto rosso, 1964)

Una carrera fulgurante y luego errática

Marcada por la visión de un cineasta que tenía tanto genio como autoridad, ¿tuvo la actriz todas las oportunidades que se merecía? Podemos dudarlo. Ella rodó con otros grandes del cine italiano, pero no en sus más grandes películas: Con Monicelli  fue La ragazza con la pistola (1968); con Scola El demonio de los celos (Dramma della gelosia (tutti i particolari in cronaca, 1970)) y con Dino Risi Noi donne siamo fatte così (Erotika, exotika, psicopatika, 1971), una película de episodios, en la que interpreta cinco papeles distintos, todas ellas muchachas insatisfechas. El deseo de volver a conectar con los placeres más tradicionales como actriz fue sin duda grande, como lo demuestra Modesty Blaise, superagente femenino (Modesty Blaise, 1966), de Joseph Losey, que le dio a Monica Vitti la oportunidad de convertirse en una heroína de cómic proyectada en una película de acción pop.

Modesty Blaise, superagente femenino (Modesty Blaise, 1966)

Pero demasiados entretenimientos menores terminaron por hacer perder el rumbo a esta carrera inicialmente deslumbrante y luego errática, que se cruzó con Buñuel, El fantasma de la libertad (Le Fantôme de la liberté, 1974) y André Cayatte en Razón de estado (La Raison d'Etat, 1978, con Jean Yanne). Al dirigir y actuar en Escándalo secreto (Scandalo segreto), en 1990, Monica Vitti demostró cuánto había permanecido unida al cine y a la relación de pigmalión que a menudo está en su centro: al borde del suicidio, la mujer engañada que interpretó fue salvada por un director. amigo, que se ofreció a hacer una película de su historia... La historia, en la pantalla, se detuvo allí. Continuó escribiendo libros de recuerdos. Y con la época de los homenajes, marcada por un León de Oro en el festival de Venecia, en 1995. En el escenario, subida para recibir esta estatuilla rugiente, la rubia apareció entonces magníficamente italiana, sonriente, divertida, generosa. Una leona a su manera, Monica Vitti. 

James Norton, un actor como ningún otro

En la hermosa película de Uberto Pasolini Cerca de tí (Nowhere Special, 2020), en cines a partir del 17 de diciembre de 2021, James Norton interpreta a un modesto a una modesta limpiador de ventanas de 35 años, dedica su vida a criar a su hijo Michael, un niño de cuatro años a quien su madre abandonó justo después de nacer. Ambos llevan una vida simple, elaborada a través de rituales diarios, en una relación de amor sin fisuras. Por desgracia, a John sólo le quedan unos cuantos meses de vida. Dado que no tiene familia, decide invertir los días que le quedan en buscar una nueva familia que adopte a Michael con el fin de salvar a su hijo de descubrir la terrible realidad de la vida. El discreto actor británico se encuentra entre los favoritos para convertirse en el próximo James Bond. 

Cerca de tí (Nowhere Special, 2020)

Sí, a pesar de este desgarrador resumen, Cerca de tí, de Uberto Pasolini no sería sino otro almibarado melodrama más que almibarado, pero se salva en gran parte gracias a la interpretación densa y reservada de James Norton.

James Norton y Robson Green en Granchester

A sus 36 años, el actor británico ya tiene una larga y ecléctica carrera a sus espaldas. Lo hemos podido ver en diversos papeles, entre otros, como sacerdote investigador en la serie inglesa Granchester, o como el marido de Emma Watson en Mujercitas (Little Women, 2019), de Greta Gerwig. James Norton ocupa un lugar especial en la sucesión de símbolos sexuales internacionales. Mandíbula cuadrada, ojos azules, rasgos regulares y varoniles, el hombre ciertamente corresponde en todos los sentidos a los cánones de Hollywood. Tanto es así que el rumor sigue creciendo: estaría en la primera línea para reemplazar a Daniel Craig con el esmoquin de James Bond.

Mujercitas (Little Women, 2019)

Nanni Moretti : “hay algo en ‘Tres pisos’ que el público de series a lo que no está habituado la densidad”

Con motivo del estreno de Tres pisos (Tre Piani) su nueva película coral y moral en los cines el 23 de septiembre de 2021, el director italiano confió en su carrera, su negativa a colaborar con plataformas online y su deseo de dirigir películas caseras independientemente de si será rentable, divertido o trágico.

Tres pisos, el nuevo largometraje de Nanni Moretti, es una película coral en la que seguimos, durante tres períodos, a los habitantes de un hermoso edificio en Roma. Cuya vida da un vuelco por el accidente de uno de ellos: un adolescente, borracho al volante, ha atropellado a un transeúnte... El cineasta italiano defiende esta seria y bella película, que recibió una calurosa acogida en el pasado Festival de Cine de Cannes, donde se presentó en competición. Se estrenará, probablemente, en España, el próximo 10 de diciembre de 2021. 

Retrospectiva de Roberto Rossellini: amor, miedo y exquisita humanidad (II)

(cont.)

6.- Stromboli (Stromboli (Terra di Dio), 1950)

Con Ingrid Bergman como actriz principal. Es considerada como un ejemplo clásico del neorrealismo italiano. La película es el resultado de una famosa carta escrita a Rossellini por la actriz. En ella, le expresaba admiración por su trabajo y el deseo de trabajar con él. Es recordada, también, por la relación que se estableció entre Rossellini y Bergman a partir de su trabajo conjunto, así como por el hijo que tuvieron fuera de sus respectivos matrimonios. De hecho, la relación causó un gran escándalo en Estados Unidos, y Bergman fue reprendida por el senador Edwin C. Johnson. Además, su carrera en Hollywood se estancó durante algunos años, hasta que ganó el premio Óscar por la película Anastasia. La película tiene asimismo características de documental, como en la escena de pesca y de una verdadera evacuación del pueblo tras una erupción del volcán de Estrómboli. En su mayoría, quienes aparecen en la película como habitantes del pueblo de verdad habitaban allí. Emplear lugareños que no son actores para que representen personajes es un rasgo típico del neorrealismo.

7.- Francisco, juglar de Dios (Francesco, giullare di Dio, 1950)

Mediante la depuración plástica y el realismo ascético, Rossellini recrea algunos fragmentos de la vida del santo fundador de la Orden Franciscana antes del inicio de su predicación por el mundo. El relato, estructurado en episodios cuyos títulos anticipan lo que en ellos ha de acontecer, resulta diáfano en su sencilla narrativa salpicada de ironía y sentido del humor. 

8.- Europa ‘51 (1952)

Segunda colaboración entre Rossellini y Bergman que indaga en las obsesiones de la anterior: el drama de una mujer dominada por la soledad y situada en plena crisis existencial tras el suicidio de su hijo. Tras la muerte de este, esta decide marchar al extrarradio para ayudar a los más desfavorecidos. Allí ofrecerá apoyo a un delincuente que la pondrá bajo el radar policial. Otra obra mayúscula con un diseño de personajes primoroso.

9.- El general de la Rovere (Il generale Della Rovere, 1959)

El también actor Vittorio de Sica interpreta para Rossellini a este embaucador que se hace pasar por general para delatar a los miembros de la resistencia. Lógicamente, su humanidad y moral se va despertando poco a poco, haciendo que se tome su papel de héroe más en serio de lo que el enemigo esperaba. Está basada en la novela de Indro Montanelli basada así mismo en una historia real.

Retrospectiva de Roberto Rossellini: amor, miedo y exquisita humanidad (I)

Se editan nueve películas del gran cineasta italiano, todas restauradas. Clásicos neorrealistas como Paisà, Stromboli, Roma, ciudad abierta y otras, menos conocidas.

1.- Roma, ciudad abierta (Roma città aperta, 1945)

Junto con Ladrón de bicicletas (Ladri di biciclette, 1948), ​es considerada la obra maestra del neorrealismo italiano. La acción se desarrolla en Roma, en los últimos años de la ocupación nazi: 1943 y 1944. Se inspira en la historia verídica del sacerdote Luigi Morosini, torturado y muerto por los nazis por ayudar a la resistencia. En la Roma de 1943 y 1944, se entretejen las historias de varias personas relacionadas con la Resistencia. Durante la ocupación, el padre Pietro protege a los partisanos y, entre otros, da asilo a un ingeniero comunista: Manfredi. Pina, una mujer de pueblo, está de novia con un tipógrafo que lucha en la resistencia. Cuando la policía lo arresta, Pina corre desesperadamente tras el camión que se lo lleva, pero cae asesinada por una ráfaga de ametralladora ante los ojos de su hijo. Poco después, también el padre Pietro y el ingeniero -este traicionado por su examante drogadicta- son arrestados. Manfredi muere por las atroces torturas que le infligen los alemanes para que revele el nombre de sus compañeros de resistencia. El padre Pietro corre la misma suerte: lo fusilan en presencia de los niños de la parroquia, entre los cuales se encuentra el hijo huérfano de Pina.

2.- Paisà (Camarada)(Paisà, 1946)

La segunda de la trilogía de Rossellini formada por Roma, ciudad abierta, Paisà y Alemania, año cero.​ Se divide en seis episodios con el nexo común del avance de las tropas aliadas  en la campaña italiana durante la Segunda Guerra Mundial, cuando la Alemania nazi perdía la guerra contra los aliados. Un tema principal son los problemas de comunicación a causa de las barreras lingüísticas. Está protagonizada por actores no profesionales, lo que le infiere una realidad aún más palpable.

3.- Germania, anno zero (Alemania, año cero) (1948)

La tercera parte de la trilogía antes mencionada. La película explora la herida dejada por el nazismo, que afectó de forma terrible y profunda a una generación simbolizada por el protagonista, Edmund, un niño de doce años, intenta sobrevivir a las duras condiciones de la postguerra alemana, especialmente en Berlín, una ciudad que ha quedado completamente derruida tras la Segunda Guerra Mundial. Una película terrible, virulenta, amarga y a la par bellísima, reflexión de inaudita dureza sobre los horrores de la guerra.

4.- El amor (L'amore, 1948)

Hay dos películas en El amor. La primera es la adaptación de La Voix humaine, de Cocteau, este monólogo teatral en el que una mujer lastimada por una ruptura pretende, tras un intento de suicidio, mantener al teléfono a su amante fugitivo. Al ser este mediometraje demasiado corto para ser proyectado solo, Rossellini lo acompañó con El milagro, una fábula que su entonces asistente, un tal Federico Fellini, tuvo la idea: la historia, a la vez conmovedora e irónica, de una ingenua campesina, abusado por un pastor (el mismo Fellini) que se hizo pasar por San José. En ambas películas, Anna Magnani está prodigiosa.

5.-  La macchina ammazzacattivi (1952)

Una de las raras incursiones de Rossellini en el registro de la comedia, y una auténtica curiosidad. En un pueblo de la costa de Amalfi, un fotógrafo se da cuenta de que un simple clic de su cámara es suficiente para hacer desaparecer a personas no deseadas... Como su héroe, el cineasta dispara a todos: el alcalde codicioso, el usurero venal, los amantes andrajosos y esos estadounidenses quien regresó al lugar de desembarco en Italia para construir un hotel allí. Su puesta en escena alerta compensa la delgadez del escenario pegándose a los lados de los personajes, que no dejan de subir y bajar las escaleras del pueblo, como en el cine mudo. Una fábula sobre la desconfianza en el poder de la cámara (o del cine) para reproducir la vida.

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"El cine no sirve para nada": un sentido homenaje a un escandaloso Marco Ferreri (II)

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Por supuesto, lo llamaron misógino. En efecto, en La abeja reina (Una storia moderna - L'ape regina, 1963), Marina Vlady acaba matando sexualmente a su marido para poder tener  un hijo (ella no se responsabiliza de nada: ¡son el Estado y la Iglesia los que reclaman este crimen!). 

Y en Liza (La cagna, 1972), Catherine Deneuve mata al mejor amigo de su hombre - un perro - para tomar su lugar y lamer la mano que se le tiende… Pero, como escribe Gabriela Trujillo, “¿por qué tanto retrato cruel de la mujer? ¿Puede ser sospechoso de misoginia? Después de todo, en este cine que salva vidas porque sin moral, ninguna zorra se demora, ninguna víctima es aburrida, ninguna arpía permanece así por mucho tiempo, ninguna femme fatale sobrevive feliz a su víctima. De sus heroínas, el cineasta dijo: “No son mujeres, sino oráculos. Antes de agregar: “La mujer siempre ha tenido las llaves de nuestro futuro, pero el hombre hizo todo lo posible para que ella no lo supiera."

Y eso es lo que pinta: hombres perdidos, patéticos, abrumados. Que disfrutan sexualmente con un llavero (I Love You). Que se esfuman como las figuras en un incendio fuego de un museo de cera (Adiós al macho (Ciao maschio, 1978)). O están totalmente fuera de lugar en La última mujer (L'ultima donna, 1976), Gérard el tosco (interpretado por Depardieu el sutil) fulmina: "Entonces, para lograr la igualdad entre los sexos, ¿debemos separarnos?" Lo que hace, además, como un idiota. Consecuencia inmediata: sus aullidos de dolor despiertan a su bebé asustado y llorando ¡Qué burla: todo por eso!

Bestiario insensato

Cuando no se está castrando, el hombre de Ferreri se lanza de lleno por la ventana (Marcello Mastroianni en L'uomo dei cinque palloni (Break Up), 1965). Pero, recuerda Gabriela Trujillo, “es toda la genialidad de Ferreri continuar la narración abajo, en la calle, donde un hombre (breve aparición del actor Ugo Tognazzi) hecha pestes contra el suicida porque al aterrizar dañó su auto...” Decididamente, el hombre es un animal curioso. De ahí que, en la obra del cineasta, un demencial bestiario compuesto por perros, gatos, ratas, ranas, guepardos y gorilas...

¿Qué pensaría Ferreri de nuestro tiempo? ¿Del Covid-19? ¿De #MeToo? ¿Del calentamiento global? ¿De Donald Trump? ¿De Greta Thunberg? Patearía las camillas, provocaría inevitablemente polémica, provocaría nuevos escándalos. ¡Ah, lo extrañamos!

"El cine no sirve para nada": un sentido homenaje a un escandaloso Marco Ferreri (I)

Brillante ay apasionante estudio sobre Marco Ferreri firmado por Gabriela Trujillo, Marco Ferreri: Le cinéma ne sert à rien, (Capricci Editions, 2021), nos ofrece la ocasión para volver sobre el verbo panfletario, la filosofía incendiaria y las múltiples provocaciones del más iconoclasta de los cineastas italianos. 

Durante mucho tiempo, desde su muerte en 1997, para ser sincero, Marco Ferreri ha estado en el purgatorio. Ya no vemos sus películas, los más jóvenes no conocen su nombre... Pero nada es sorprendente: desde la Antigüedad, nos hemos deshecho de los portadores de malas noticias. Y como mensajero de lo peor, no podríamos hacerlo mejor que este cineasta regordete y barbudo, cínico por la lucidez, provocador por la necesidad, al que Gabriela Trujillo rinde homenaje en un libro con el sobretítulo irónico: El cine es inútil. Estudio emocionante, brillante e inteligente. Calidad suprema: es legible, completamente desprovisto del preciosismo jerárquico que abarrota muchos ensayos cinematográficos.

Ferreri es menos un director (sus películas son formalmente imprecisas, si no francamente descuidadas) que un panfletario. Un filósofo, más exactamente, un sociólogo que obstinadamente y con tristeza -porque nunca se regocija con lo que muestra- vería los vicios y las hipocresías del mundo. Y no va de la mano. La delicadeza, no le importa. La sutileza tampoco. Golpea fuerte, presiona donde duele y se revuelve profundamente en heridas abiertas. De ahí los gritos de dolor - y resentimiento - de sus víctimas. Quienes se convierten, necesariamente muy rápidamente, en detractores, adversarios, incluso enemigos jurados...

La cara oculta de los Treinta (Años) Gloriosos

El público del Festival de Cine de Cannes de 1973, con la presidenta del jurado, Ingrid Bergman, a la cabeza, grita de rabia y desesperación frente a La gran comilona (La Grande Bouffe), fábula terrenal, melancólica y escatológica, donde hombres de clase media sin aliento en sus cincuenta años se aprovechan del lema general - “¡Consume! »- para suicidarse colectivamente por medio de la comida. Nadie se ha atrevido a denunciar con tanta crueldad los días decepcionantes, el rostro oculto de las Treinta (Años) Gloriosos... Los insultos y anatemas dirigidos contra el cineasta, no paran. 

Unos años más tarde, en Los negros también comen (Come sono buoni i bianchi, 1988), bromeó sobre ciertas ONGs humanitarias cuyos miembros acaban siendo devorados por las mismas personas a las que querían ayudar (la antropofagia es un tema recurrente en su obra. 

En La carne (1991), comedia de amor, sexo y antropofagia... Tras colaborar en España con Rafael Azcona y rodar su película más destacada, La grande comilona, Ferreri resume la mayoría de los temas y obsesiones que lo han hecho famoso en esta atrevida síntesis que llega a tocar, incluso, el canibalismo. Con este tipo de propuestas, no es extraño que el cineasta tuviera habitualmente problemas para la distribución de sus películas.

Y mucho antes que Spike Jonze en Her (2013), imagina, en I Love You (1986), a un hombre, cansado del deseo que despierta, repentinamente, enamorado de un llavero con cabeza de mujer que susurra incansablemente las tres palabras que solo necesita escuchar para llenar su vida.

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El presidente de los Estados Unidos... esa estrella de cine (VIII)

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Rutherford B. Hayes, decimonoveno presidente de los Estados Unidos

32. Las aventuras de Buffalo Bill (Buffalo Bill, 1944), de William A. Wellman

Con John Dilson como el president Rutherford B. Hayes. La historia de William 'Buffalo Bill' Cody, una de las más legendarias figuras del salvaje oeste americano. La trama abarca desde sus días de juventud, como explorador para la caballería, hasta su última actividad, como dueño de un gran circo con un espectáculo basado en sus aventuras. Una lujosa producción a caballo entre el western, el biopic y el drama puro y duro, centrada en la figura del legendario Buffalo Bill. Joel McCrea hace una realista interpretación del mítico explorador, secundado por las siempre gratas Maureen O'Hara y Linda Darnell, en los papeles de las dos mujeres que le amaron.

James A. Garfield, vigésimo presidente de los Estados Unidos

33. La muerte de un presidente (Il prezzo del potere, 1969), dirigida por Tonino Valeri

Con Van Johnson como el presidente James Garfield. Acabada la Guerra de Secesión, un grupo de sureños preparan una conspiración para asesinar al presidente Garfield. Una cinta de política-ficción en clave de western que recrea el asesinato del presidente estadounidense James A. Garfield, dirigida por Tonino Valeri, cineasta italiano y que había sido ayudante de Sergio Leone y con una carrera a sus espaldas más interesante de lo que pudiera parecer a primera vista.

Chester A. Arthur, vigésimo primer presidente de los Estados Unidos. 

34. El rey de la plata (Silver Dollar, 1932), dirigida por  Alfred E. Green

Con Emmett Corrigan como el presidente Chester A. Arthur. película biográficaestadounidense anterior al Código Hays de 1932, protagonizada por Edward G. Robinson, Bebe Daniels y Aline MacMahon. Basada en la obra homónima de David Karsner, que cuenta la historia del ascenso y caída de Horace Tabor (rebautizado como Yates Martin), un magnate de la plata en el siglo XIX en Colorado. Una copia se conserva en la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos. 

35. Pistolas en la frontera (Cattle King, 1963), de Tay Garnett

Con Larry Gates como el presidente Chester A. Arthur. Una de las últimas películas del director Tay Garnett y también de su protagonista, un envejecido Robert Taylor. Se trata de un rutinario western sobre las famosas luchas entre rancheros y ganaderos, tema tocado hasta la saciedad por el género.

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Desde "Blow Up" hasta "Boxes", Jane Birkin en diez películas (III)

7.- Soigne ta droite (1987), de Jean-Luc Godard

"Con Godard, no fue divertido. El rodaje estaba teniendo lugar en Trouville, estaba lloviendo, tenía un resfriado y quería asistir al funeral de Coluche en París. Estaba interpretando una escena en un descapotable, al que limpiaba los cristales con una esponja. Cuando mi cara estaba cerca de la ventana, al pasar la esponja limpió mi cara. Godard hizo un gesto de cierta violencia. Recuerdo que se lamentó de verme cerca en el cuadro y gritó que era "una mierda". Pero Caroline Champetier, su operadora, me consoló porque aparentemente también dijo eso de sí mismo."

Jane Birkin y Raphaël Delpard en Soigne ta droite (1987)

8.- Jane B. por Agnès V. (Jane B. par Agnès V., 1988), de Agnès Varda 

"Para Agnès, rodé esa escena muy divertida de Juana de Arco en un caballo, en la rue de Rivoli, con zapatos puntiagudos y una peluca marrón. Tuve que gritar: "¡Debemos echar a los franceses de Francia!" Con un acento inglés que cortaba como un cuchillo. Como estaba de mortificada, fui a galopar por París. En el camino, la gente gritaba "¡Oh! ¡Es Marie Laforêt!" Fue realmente surrealista.

Jane Birkin y Agnès Varda en Jane B. par Agnès V. (1988)

En 2016, Agnès me propuso que la acompañara a Lyon para una retrospectiva de su obra. Esa misma noche, pensé en volver a mi hotel para ver la televisión tranquilamente... Pero ella dijo: "¡Ni lo pienses! ¡Tenemos derecho a dormir en la cama de Louis Lumière en el museo Louis-Lumière! "En la actualidad, no puedo ir a Lyon sin pensar en los hermanos Lumière, en esacama, en Agnès Varda, su extraordinaria imaginación y curiosidad..."

9.- La bella mentirosa (La belle noiseuse, 1991), de Jacques Rivette

"¡Rivette era tan elegante, tan original! Tenía que estar lista para ir de viaje con él... Por la mañana, llegó sin un guión y escribió diálogos profundos justo antes de la escena. Descubrí en el último minuto lo que me pasaría. Como en la vida real, me sorprendió, estaba buscando mis palabras. Al principio, fue una pesadilla cuando Piccoli lo vivía como un verdadero placer. Finalmente, me di cuenta de lo extraordinaria que era esta técnica de cineasta. En un momento, Rivette me hace decir de Piccoli: "Antes, me pintaba porque me amaba. Ahora, porque él me ama, ya no me pinta ". Esta réplica obviamente me hizo pensar en mi relación con Jacques Doillon y la idea de estar con un artista y un día de no ser más su inspiración. "

Michel Piccoli y Jane Birkin, en La belle noiseuse (1991)

10.-  Boxes (2007), de Jane Birkin

Rivette me dijo que intenté poner demasiadas cosas en Boxes. Tenía razón, pero mi vida contaba con tantos personajes que no quería olvidar a ninguno de ellos. Está Josephine, mi vecina que vivía en el cobertizo de carbón, el pequeño viudo, mis tres hijas, mis tres esposos, mi padre, mi madre, mi hermana ... Todos me han nutrido. Es una película sobre la angustia de ser madre, que estoy feliz de haber realizado. Espero que algún día se transmita por televisión, incluso a las 11 de la noche, incluso a medianoche, porque refleja la vida de cada pariente amado."

Natacha Régnier, Lou Doillon, Adèle Exarchopoulos, Jane Birkin y Geraldine Chaplin, en Boxes (2007)

Desde "Blow Up" hasta "Boxes", Jane Birkin en diez películas (II)

4.- La moutarde me monte au nez (1974), de Claude Zidi

"La pareja que formaba en la pantalla con Pierre Richard era genial. Hasta tal punto que recientemente, en Kiev, la gente pensó que estábamos juntos y me preguntaron al respecto. En la película, interpreté a una estrella joven y alocada en brazos de una especie de Kissinger. La foto fue encantadora y el rodaje fue muy entretenido. Como mis chistes eran físicas, no estaba ansiosa por mi voz. Siempre la encontré demasiado aguda con un acento aterrador. Además, es una pesadilla escucharla y las pocas veces que veo una de mis películas, prefiero quitar el sonido."

Jane Birkin y Pierre Richard en La moutarde me monte au nez (1974) 

5.- Te amo... pero yo no (Je t'aime moi non plus, 1976), de Serge Gainsbourg

"En este trío shakesperiano sobre la homosexualidad, Joe Dallesandro fue un infiltrado inocente. Serge había propuesto primero el papel a Dirk Bogarde, quien lo rechazó. ¡Tanto mejor porque la película habría sido muy diferente! Se habría mezclado el lado paterno de Bogarde, su sofisticación y un cierto erotismo perverso. Ava Monneret, mi peluquera, me había puesto me peinó para el papel y me convertí en un niño. Serge me filmó como realmente era: yo misma.

Joe Dallesandro y Jane Birkin en Je t’aime, moi non plus (196).

Cuando estaba en el internado, me apodaron "medio niño" porque no tenía senos. Fue una tortura para mí. ¡Qué placer encontrar a alguien como Serge que tenía miedo a los grandes senos! Incluso habiendo conocido los mejores con Bardot... Un día, me mostró un dibujo de una niña con senos pequeños que databa de sus estudios en las Bellas Artes. ¡Era yo! También me llevó al Louvre para mostrarme algunos Cranach porque, según él, yo era "como un Cranach"."

6.- La pirata (La pirate, 1984), de Jacques Doillon

"Fue el rodaje más excitante que he conocido. Jacques puso el listón muy alto y sus diálogos fueron realmente sublimes. Originalmente, Adjani debería haber encarnado a Alma, pero ella se negó. Así que acepté el papel y Maruschka Detmers el de la pirata: dos mujeres que se aman. Jacques también tuvo la idea de hacer interpretar a mi hermano Andrew Birkin como mi esposo. Estaba tan metida en el papel que al final, cuando la pequeña Laure Marsac tira de mí y caigo por las escaleras, mi mano se dislocó en la rampa. 

Jane Birkin y Maruschka Detmers en La pirata (1984)

Gracias al documental de Clélia Cohen, ciertos archivos han vuelto del pasado. Como las imágenes de la rueda de prensa de La pirata en el Festival de Cannes de 194., en donde estoy defendiendo la película, que provocó un escándalo la noche anterior, escuchándose abucheos en la sala. Me enorgullece mucho hoy. No pensé en absoluto que fuera filmado y me conmovió mucho vernos a todos, Léotard, Maruschka, Jacques y Andrew..."

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