When You're Strange
jueves, 4 de diciembre de 2025
Películas de la semana: 4 de diciembre
Hace 100 años: Where the Worst Begins
En diciembre de 1925 se estrenó la película estadounidense Where the Worst Begins, dirigida por John McDermott e interpretada por Ruth Roland, Alec B. Francis, Matt Moore, Grace Darmond, Roy Stewart, Derelys Perdue, Teodoro Lorch, Ernie Adams, J.P. Lockney, Bob Burns, Floyd Shackelford. Productora: Co-Artists Productions. Duración: 50 minutos.
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Sinopsis argumental: Una joven que vive en un rancho anhela ir al Este, así que, para conseguir dinero y realizar el viaje, secuestra al hijo de una adinerada pareja oriental que está de vacaciones en el Oeste y pide un rescate por él. Tras la captura, surge un interés amoroso entre los jóvenes, y las complicaciones que surgen son numerosas, pero terminan felizmente.
Comentario: Existe copia de la película en el archivo cinematográfico del Archivo de Cine y Televisión de la UCLA.
Diez películas de estreno en salas que no te puedes perder en diciembre (I)
Este diciembre viene repleto de estrenos comerciales, la mayoría destinados a toda la familia e ideales como sesiones navideñas. Las próximas semanas se estrenarán, entre otras, Avatar, fuego y ceniza, la tercera entrega de la famosa saga imaginada por James Cameron, Five Nights at Freddy’s 2, secuela de la exitosa adaptación del videojuego del mismo nombre, y Bob Esponja: Una aventura pirata, nueva entrega de la franquicia en torno a uno de los personajes animados más queridos. Habrá, no obstante, también espacio para películas más intimistas, como las magníficas Valor sentimental, de Joachim Trier, y Father Mother Sister Brother, dirigida por Jim Jamusch y León de Oro a la mejor película en el festival de Venecia.
1. Five Nights at Freddy’s 2 (2025), de Emma Tammi
Estreno de la esperada continuación de Five Nights at Freddy’s (2023), película de terror, inspirada en un videojuego, que se convirtió en un éxito. Dirigida, como su antecesora, por la cineasta Emma Tammi, cuenta con los actores principales de la primera y amplía el universo terrorífico de la pizzería donde sucede la acción con nuevos animatrónicos. La secuela retoma un año después los acontecimientos de la anterior entrega y abre la puerta al horror cuando la pequeña Abby decide reencontrarse con sus viejos y siniestros amigos. Estreno el 5 de diciembre de 2025.
2. Valor sentimental (Sentimental Value, 2025), de Joachim Trier (5 de diciembre)
La complejidad de los vínculos familiares y la relación entre vida y arte son algunos de los temas de este magnífico drama de Joachim Trier, director de La peor persona del mundo (2021). Gran Premio del Jurado en el festival de Cannes, gira en torno a dos hermanas adultas (Renate Reinsve e Inga Ibsdotter Lilleaas), una de ellas actriz, que se reencuentran con su padre (Stellan Skarsgård) tras una larga separación. El padre, un director de cine veterano, ofrece a una de sus hijas un papel en su próxima película. Estreno 5 de diciembre de 2025.
3. Eternity (2025), de David Freyne
Carismático trío protagonista para este cruce de comedia romántica y ciencia ficción. Con sello A24 y dirigida por David Freyne, imagina la existencia de un peculiar lugar al que van a parar las almas de las personas que fallecen. Allí aparece Joan (Elizabeth Olsen), la protagonista, y tiene que decidir con qué hombre de su vida, su marido (Miles Teller) o su primer amor (Callum Turner), quiere realmente compartir la eternidad. Estreno 5 de diciembre de 2025.
4. Roofman: Un ladrón en el tejado (Roofman, 2025), de Derek Cianfrance
Channing Tatum encarna al protagonista de esta película inspirada en la insólita historia de un personaje real, Jeffrey Manchester, un veterano de guerra que se convirtió en ladrón y llevó a cabo cosas tan delirantes como el atraco a numerosas sucursales de McDonald’s en Estados Unidos. Dirigida por Derek Cianfrance, cruza thriller, drama y comedia y cuenta con Kirsten Dunst en la piel de la protagonista femenina. Estreno 12 de diciembre de 2025.
5. Aro Berria, de Irati Gorostidi
Estrenada en la sección a concurso Nuevos Directores del festival de San Sebastián, donde recibió una Mención Especial del Jurado, Aro Berria es el debut en el largometraje de la cineasta Irati Gorostidi (su corto anterior “Contadores” se estrenó en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes). Singular, imprevisible y sorprendente, sigue a un grupo de trabajadores de una fábrica que se unen a una comunidad aislada en las montañas. Estreno 12 de diciembre de 2025.
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Las 30 mejores películas de ciencia-ficción y dónde verlas (I)
La ciencia-ficción siempre ha sido el género que mejor ha sabido mirar al futuro para hablar del presente. Desde que Stanley Kubrick redefiniera el lenguaje cinematográfico con 2001: Una odisea del espacio, el género ha evolucionado en múltiples direcciones: desde la distopía existencial hasta la épica espacial, pasando por la inteligencia artificial, los viajes en el tiempo o la colonización de otros mundos. Ridley Scott firmó dos de sus pilares con Alien y Blade Runner, mientras que Christopher Nolan ha sabido llevar la ciencia ficción al gran público sin renunciar a la ambición narrativa en títulos como Interestelar u Origen. Y en los últimos años, Denis Villeneuve ha devuelto la grandeza al género con su monumental adaptación de Dune, cuya segunda parte ha consolidado una de las sagas más importantes del cine moderno.
Pero más allá de los grandes nombres y presupuestos, la ciencia ficción también ha brillado en propuestas más íntimas y personales. Películas como Moon, de Duncan Jones, o Ex Machina, de Alex Garland, demuestran que el género puede ser tan introspectivo como espectacular, explorando la identidad, la conciencia y los límites de lo humano con una sensibilidad poco habitual. En este reportaje repasamos 30 películas esenciales de la ciencia ficción, ordenadas por fecha de estreno, que han marcado un antes y un después en la historia del cine. Además, te contamos dónde puedes verlas en streaming.
1. Metrópolis (1927), de Fritz Lang
Futuro, año 2000. En la megalópolis de Metrópolis la sociedad se divide en dos clases, los ricos que tienen el poder y los medios de producción, rodeados de lujos, espacios amplios y jardines, y los obreros, condenados a vivir en condiciones dramáticas recluidos en un gueto subterráneo, donde se encuentra el corazón industrial de la ciudad. Un día Freder (Alfred Abel), el hijo del todopoderoso Joh Fredersen (Gustav Frohlich), el hombre que controla la ciudad, descubre los duros aspectos laborales de los obreros tras enamorarse de María (Brigitte Helm), una muchacha de origen humilde, venerada por las clases bajas y que predica los buenos sentimientos y al amor. El hijo entonces advierte a su padre que los trabajadores podrían rebelarse.
La anécdota: Joseph Goebbels, ministro de propaganda nazi, quedó tan impresionado por la película que ofreció a Fritz Lang dirigir el cine del Tercer Reich como “ario honorario”, soslayando la cuestión de que el director tenía ascendencia judía. Lang rechazó la propuesta y huyó de Alemania esa misma noche. Mientras el régimen censuraba la película por considerarla ideológicamente peligrosa, una copia íntegra sobrevivió en Argentina. Décadas después, ese hallazgo permitió restaurar la versión original. Disponible en Rakuten TV.
2. King Kong (1933), de Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack
Un equipo de cine van a rodar una película a la misteriosa isla de Teschio, al este de Sumatra. Allí los recién llegados descubren la existencia de una civilización prehistórica y de una tribu ancestral que secuestra a la atractiva Ann, la actriz protagonista, para ofrecerla en sacrificio ritual a King, un gigantesco gorila.
La anécdota: La pelea entre Kong y el Tyrannosaurus Rex en King Kong (1933) no solo es uno de los momentos más memorables del cine fantástico, también fue una proeza técnica que rozó la obsesión. El animador Willis H. O’Brien tardó siete semanas en dar vida a la escena mediante stop-motion, ajustando cada gesto del gorila y del dinosaurio con precisión milimétrica. Pero no todo fue miniatura: para los primeros planos, el equipo construyó una cabeza mecánica gigante de Kong, capaz de mover los ojos y la mandíbula con sorprendente expresividad. Disponible en Amazon Prime y Apple TV.
3. La invasión de los ladrones de cuerpos (Invasion of the Body Snatchers, 1956), de Don Siegel
En la ciudad de Santa Mira, en California, el médico Miles Bennell empieza a recibir quejas de varios pacientes sobre sus seres queridos, a los que acusan de ser unos impostores. El psiquiatra local, Dan Kauffman, considera que se trata de un episodio de histeria colectiva. No obstante, un amigo de Bennell, Jack Belicec, descubre en su casa un extraño cuerpo sin vida que aún no está desarrollado por completo. La misma situación va a experimentar Becky Driscoll, una antigua novia de Bennell, que halla una figura femenina. El médico llama a Kauffman para que observe el descubrimiento, pero los cuerpos han desaparecido y el psiquiatra sospecha que Miles es víctima de la misma histeria que están sufriendo sus pacientes de forma progresiva. Sin embargo, el hallazgo de unas insólitas vainas gigantes de las que parecen brotar los cuerpos corrobora la existencia de un misterio sin resolver que le dará un toque de intriga a la película.
La anécdota: El final no fue el que Don Siegel había imaginado. En su versión original, el protagonista corría desesperado por una autopista, gritando que “¡ya están aquí!”, mientras los coches pasaban sin prestarle atención. Era un cierre seco, inquietante, sin redención. Pero los ejecutivos del estudio no estaban dispuestos a dejar al público con esa sensación de desamparo. Obligaron a añadir un epílogo con voz en off, sugiriendo que la amenaza podría ser contenida. En el sensacional remake del 1978, Philip Kaufman cerró con un final más dramático y desalentador que el propuesto por Siegel. Está basada en la novela de Jack Finney The Body Snatchers. Disponible Prime Video, Netflix, Filmin y MUBI.
miércoles, 3 de diciembre de 2025
Dos cuentos y no de hadas: “Lady Halcón” y “La princesa prometida”
Narraciones medievales de amores inmortales, fantasía épica, luchas de espadas, brujas y obispos malvados, conjuros y bellas princesas. Dos títulos inolvidables… Muy recomendables para estas próximas fiestas navideñas para niños, jóvenes y adultos.
Lady Halcón (Ladyhawke, 1985), de Richard Donner
Estamos en la Italia medieval. Año indeterminado. En las mazmorras de L’Aquila, un joven ladronzuelo, Phillipe Gaston, apodado «Ratón» escapa de una ejecución segura. En su huida se encuentra con el Capitán Marquet que intenta capturarlo, pero es interceptado justo a tiempo por Etienne Navarre, el antiguo capitán de la guardia que ha sido degradado por el Obispo de L’Aquila debido a un oscuro secreto… Navarre, montado a lomos de su intimidante corcel negro, Goliat y con un precioso halcón como compañero fiel, salva a Phillipe pero con la condición de que este le ayude en su plan para matar al Obispo. Por la noche, tras el ataque de un enorme lobo gris y viendo cómo el animal se vuelve dócil al reclamo de una dama misteriosa, Phillipe decide irse advirtiendo que a Navarre le envuelven oscuras fuerzas sobrenaturales. Al día siguiente, alardeando en una posada sobre sus hazañas, el joven Phillipe vuelve a ser sorprendido por el Capitán Marquet y sus hombres hasta que este es rescatado nuevamente por Navarre. Pero durante el combate, tanto Navarre como su halcón son heridos por dos flechas. Navarre pide ayuda desesperadamente al «Ratón» para que vaya al encuentro de un viejo llamado Imperius, una especie de druida que vive en un castillo en ruinas siendo el único que puede salvar al pájaro moribundo. Una vez allí, Phillipe descubre que el halcón se trata, en realidad, de la dama misteriosa que encontró la pasada noche, descubriendo así también que el lobo se trata de Navarre.
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| Michelle Pfeiffer y Rutger Hauer en Lady Halcón 1985) |
El excelente realizador Richard Donner consiguió uno de sus mejores títulos con este hermoso cuento lleno de fantasía, que recuerda los mejores relatos infantiles. Está realizado de una forma muy imaginativa y evocadora. El reparto es de excepción. El actor holandés Rutger Hauer triunfó en Estados Unidos en títulos como éste y la mítica Blade Runner. Michelle Pfeiffer se hallaba en el inicio de una carrera fulgurante que incluiría grandes éxitos como Las amistades peligrosas o Los fabulosos Baker Boys). Por su parte, el jovencísimo Matthew Broderick había obtenido un gran éxito por su interpretación en Juegos de guerra. La sugestiva fotografía es obra de todo un mito, Vittorio Storaro, uno de los mejores en su campo, autor de obras como Apocalypse Now. Disponible en MoviStar Plus y Prime Vídeo…
La princesa prometida (The Princess Bride, 1987), de Rob Reiner
Un niño se encuentra enfermo en su casa y su abuelo le cuenta un cuento. El cuento hermoso de una princesa, un caballero, un rey malo, un gigante... Después de buscar fortuna durante cinco años, Westley (Cary Elwes) retorna a su tierra para casarse con su amada, la bella Buttercup (Robin Wright Penn), a la que había jurado amor eterno. Sin embargo, para recuperarla habrá de enfrentarse a Vizzini (Wallace Shawn) y sus esbirros. Una vez derrotados éstos, tendrá que superar el peor de los obstáculos: el príncipe Humperdinck (Chris Sarandon) pretende desposar a la desdichada Buttercup, pese a que ella no lo ama, ya que sigue enamorada de Westley.
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| Robin Wright y Cary Elwes en La princesa prometida (1987) |
Humor y maravillosas y trepidantes aventuras ofrece el relato gracias al prodigioso guión de William Goldman. Destacan los divertidos personajes secundarios, como el español Íñigo Montoya o el gigante Fezzik. Dirige Rob Reiner, que había triunfado el año anterior con Cuenta conmigo. Fábula indispensable para niños y grande. Dibujando sonrisas en niños y adultos, su ingenioso guión regala además momentos memorables, como el conocido "Hello, my name is Inigo Montoya. You killed my father. Prepare to die!" ("Hola; mi nombre es Íñigo Montoya. Tu mataste a mi padre. Prepárate a morir."). Multitud de escenas llenas de ternura, comedia y drama que no hacen sino enriquecer una historia tan cautivadora como entretenida. Como curiosidad, no obtuvo demasiado éxito en su estreno en cines, pero consiguió pronto una creciente popularidad en los videoclubs hasta convertirse en un título de culto. Una película con muchísimo encanto. Disponible en Amazon Prime Vídeo, Apple TV, Google Play Películas….
Premios Goncourt adaptados al cine (III)
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7. La vida por delante (La vita davanti a sé, 2020) de Edoardo Ponti
Madame Rosa (Sophia Loren) es una anciana superviviente del Holocausto nazi que establece un fuerte vínculo con Momo (Ibrahima Gueye), un joven inmigrante senegalés de 12 años. Son dos personas solitarias se protegerán la una a la otra, y formarán una especie de familia fuera de todas las convenciones.
Basada en la novela homónima de Romain Gary, ya había sido llevada a la pantalla en 1977.
8. El acusado (Les choses humaines, 2021), de Yvan Attal
Los Farel son una pareja poderosa: Jean es un destacado periodista francés, y su esposa Claire una ensayista conocida por su feminismo radical. Juntos tienen un hijo ejemplar, Alexandre, que estudia en una prestigiosa universidad estadounidense. Durante una breve visita a París, Alexandre conoce a Mila, la hija de la nueva pareja de su madre, y la invita a una fiesta. Al día siguiente, Mila presenta una denuncia contra Alexandre por violación, que destruye la armonía familiar y pone en marcha una inextricable máquina judicial mediática que confronta versiones opuestas.
Basada en la novela homónima de la escritora francesa Karine Tuil, Premio Goncourt de 2019.
9. Sus hijos después de ellos (Leurs Enfants après eux, 2024), de los hermanos Boukherma.
Agosto de 1992. Una tarde sofocante en un valle perdido del este de Francia. Anthony, de 14 años, y su primo, matan el aburrimiento junto al lago, donde conocen a Steph y Clem. Para Anthony este será el verano de su primer amor, el que lo define todo. El momento agridulce de la vida que marca el fin de la infancia y el inicio de la adolescencia. Pero también está Hacine, un joven magrebí, el rebelde del barrio, que le roba la motocicleta a Anthony, lo cual será determinante en su vida. A lo largo de cuatro veranos cruciales, los destinos de Anthony, Steph y Hacine se cruzan, chocan y se entrelazan. Y en medio de todo este torbellino, el amor intentará encontrar su camino.
Adaptación con estilo la novela homónima de Nicolas Mathieu.
El cineasta inglés Derek Jarman, icono del punk y fenómeno queer (II)
Filmografía (continuación):
The Angelic Conversation (1985)
Evocativa y radical visualización, su tono se basa en la yuxtaposición de imágenes fotográficas a cámara lenta y sonetos de Shakespeare leídos por Judi Dench. Catorce sonetos emparejados con etéreas secuencias, figuras de mar, jardines coloridos y mágicas escenas con imágenes de paisajes que expresan perfectamente el amor explorado en los sonetos.
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La película se compone principalmente de imágenes homoeróticas y paisajes opacos a través de los cuales dos hombres emprenden un viaje hacia sus deseos. La película está rodada en Super-8 y luego transferida a película de 35 mm.
Caravaggio (1986)
El pintor Michelangelo Merisi, nacido en Caravaggio, se está muriendo lejos de su hogar. En el lecho de muerte recuerda los comienzos de su vida como pintor. El niño Michelangelo dejó su Caravaggio natal al quedar huérfano, y se traslada a Milán, donde se inicia como pintor en diferentes talleres, hasta que establece un taller propio, en la Roma de los Papas, ganándose el favor de la Iglesia, que le encarga numerosas obras. Llegan entonces la fama, el dinero, sus amores homosexuales, las intrigas políticas y religiosas, la envidia y el crimen...
La trama es una construcción sofisticada de eventos confirmados por fuentes fidedignas, detalles biográficos, conjeturas, leyendas y pura ficción. Jarman combina estos elementos en una historia plausible y atmosféricamente densa que no pretende ser una verdad histórica.
El fin de Inglaterra (The Last of England, 1987)
Un collage abigarrado y no siempre coherente que liga con el registro más presuntamente vanguardista de Jarman. Parte de una serie de imágenes rodadas en los años veinte y cuarenta por el abuelo y el padre del cineasta, ampliadas con escenas contemporáneas que proponen una reflexión un tanto incomprensible sobre la reciente historia de su país.
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Jarman reimagina Londres como un páramo en ruinas de desesperación y terror, donde los prisioneros son ejecutados a sangre fría y los soldados practican el sexo de una forma brutal. Hecha justo después de que le diagnosticaron el VIH y culminando en la revuelta extática de Tilda Swinton contra la injusticia, este es el apasionado y poético lamento de Derek Jarman sobre el surgimiento del thatcherismo y los tratos corporativos.
War Requiem (1989)
Drama bélico de Derek Jarman, con su actriz fetiche, Tilda Swinton, inspirado lejanamente en poemas de Wilfred Owen. El propio poeta es el protagonista, interpretado por Nathaniel Parker. Supuso la última aparición en pantalla del legendario Laurence Olivier, que interpreta a un veterano de guerra.
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Como en la mayoría de sus películas, Derek Jarman introduce en War Requiem elementos de diferentes artes: la música de War Requiem de Britten, la poesía de guerra de Wilfred Owen y las referencias pictóricas de cuadros de John Martin, William Blake y Piero della Francesca. Además, la película integra elementos de teatro, iconografía religiosa, alusiones del cine mudo y bélico, la poesía de John Keats y fragmentos de documentales y de telediarios.
martes, 2 de diciembre de 2025
Premios Goncourt adaptados al cine (II)
(cont.)
4. El ogro (Der Unhold 1996), de Volker Schlöndorff
Años 1930. Abel Tiffauges es un hombre ingenuo e introvertido que se identifica más con los niños que con los adultos. Aunque creció en un orfanato francés, siempre estuvo convencido de que le esperaba un gran destino. Trabaja como mecánico en las afueras de París y sólo se relaciona con niños, animales y marginados. Sospechoso de un intento de agresión sexual a una niña, el estallido de la II Guerra Mundial (1939-1945) lo salva de la cárcel. En el frente, es capturado por los nazis y conducido a Prusia. Seducido por el poder y la estética nazi, vive su condena como una liberación. El Mariscal de Campo Hermann Göring lo toma a su servicio para que lo acompañe en las cacerías, pero la batalla de Stalingrado pone fin a esta etapa de su vida. Va a parar entonces a la Ciudadela de Kaltenborn, donde 400 adolescentes son entrenados para formar parte de las élites del Reich.
El ogro esta basada en la novela The Erl King de Michel Tournier, Es una mirada muy peculiar a la Alemania nazi durante los años previos a la Segunda Guerra Mundial.
5. La confesión (La confession, en 2016), de Nicolas Boukhrief
Primavera de 1945, cuando la ocupación nazi vive su recta final, en un pueblo del suroeste francés llega un nuevo párroco, llamado Léon Morín. De forma inesperada, la apertura de mente de este joven sacerdote hará que trabe amistad con la joven Barny Debruycker, una empleada de correos, atea y comunista. La relación entre ambos tendrá por un lado la virtud de hacer que Barny dude de sus creencias personales y por otro sumirá a ambos en la tentación, pues su relación rebasará los límites de la amistad para colindar con los del amor.les, que serán mucho más numerosos y complejos de lo que ella hubiera imaginado.
A partir de la novela de Béatrix Beck, Léon Morin, prêtre, ganadora del premio en 1951.
6. Nos vemos allá arriba (Au revoir là-hau, 2017), de Albert Dupontel
En noviembre de 1919, Albert un gran ilustrador y Édouard un contable son dos de los supervivientes de las trincheras de la I Guerra Mundial. Tras el fin de la contienda, deciden unirse y llevar a cabo una estafa relacionada con la conmemoración y los monumentos dedicados a los fallecidos en la guerra. Un trabajo difícil pero increíble en aquellos años.
Adaptación de la novela homónima de Pierre Lemaitre, ganadora del prestigioso Premio Goncourt en 2013. Posteriormente fue adaptada al cómic, lo que puede haber influido en la soberbia concepción visual de la película, desde las escenas bélicas del arranque, con un perfecto diseño de las trincheras, al París de los años 1920, los dibujos y máscaras del protagonista, la cuidada concepción de los planos...
El cineasta inglés Derek Jarman, icono del punk y fenómeno queer (I)
Figura visionaria del cine británico de las décadas de 1970 y 1980, Derek Jarman falleció de sida en 1994 a los 52 años. Dejó tras de sí una obra prolífica y singular que permanece casi inclasificable, a la vez pop y punk, literaria, política y poética, experimental y profundamente comprometida con las convulsiones de su tiempo. Consideradas controvertidas en su momento por la identidad queer que también reivindicaban, sus imágenes siguen siendo incandescentes y capaces de iluminar nuestro presente.
Debutó en el cine con Sebastiane (1976), sobre el martirio de San Sebastian. Fue una de las primeras películas británicas en mostrar imágenes positivas de los gays. El diálogo se desarrollaba completamente en latin. Su última película, Blue (1993), consiste en una imagen fija de un fondo azul intenso, con una banda sonora muy elaborada. Ésta manifiesta la intención del director de continuar haciendo películas a pesar de estar perdiendo la vista a causa de su enfermedad.
Filmografía:
Sebastiane (1976)
Durante el reinado del emperador romano Diocleciano los cristianos gozaban de una cierta tranquilidad, hasta que unos disturbios hacen que la actitud del emperardor con respecto a ellos cambie.
Recrea desde el punto de vista histórico la vida y martirio de Sebastián, un soldado romano del siglo IV, canonizado en la Edad Media y que en el siglo XX se convirtió en icono y patrón de la cultura homosexual. La película se desarrolla dentro del género llamado cinéma vérité mostrando la vida cotidiana de los soldados del imperio romano en un lugar remoto dentro de los confines del imperio romano, dando una visión introspectiva del crecimiento emocional del hombre en contraposición con su fe y la experiencia de su propia naturaleza. La película da nombre al Premio Sebastiane, que se da a la película que mejor trata los valores de gays, lesbianas, transexuales y bisexuales en el Festival de Cine de San Sebastián.
Jubilee (1978)
Coincidiendo con el jubileo de la Reina Isabel II, Derek Jarman rueda esta película en la que la Reina Isabel I invoca con ayuda del ocultista John Dee (Richard O'Brien) a un espíritu guía llamado Ariel (David Brandon), que les transportará en el tiempo a la Inglaterra de los años 1970. En esta Inglaterra figurada tomada por el caos, la Reina Isabel II ha sido asesinada, y las pandillas, como la de Amyl Nitrate (Jordan Mooney), Bod (Jenny Runacre), Chaos (Hermine Demoriane), Crabs (Nell Campbell) y Mad (Toyah Willcox), hacen de las suyas por doquier.
Jubilee es una sátira distópica, fuertemente influida por el movimiento punk inglés de la década de 1970, de estructura episódica y carente de argumento. Es quizás la película más emblemática del punk, apareciendo en ella iconos de este movimiento como Adam Ant, The Slits o Jayne County.
La tempestad (The Tempest, 1979)
Narra las viscisitudes de un mago llamado Próspero y su hija Miranda, exiliados en una isla desierta por Antonio, el hermano de él. La oportunidad de venganza llega al enamorarse Miranda y Fernando, el hijo de Antonio, que le usurpó a Próspero el título de Duque de Milán...
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Libre -y poco convencional- adaptación de La tempestad, de William Shakespeare. Obtuvo grandes elogios de la crítica. Básicamente, la obra es un estudio de juego de poderes politicos y sexuales de la época bajo el format de una fábula, a la que Derek Jarman le imprime su particular estilo.
"Riña de niños", "Épinal: les bords de la Moselle"... conmueven. Las películas de los hermanos Lumière
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| Auguste Marie Louis Nicolas Lumière y Louis Jean Lumière |
Los espectadores no sabían qué esperar, y no se decepcionaron... Y el milagro ha seguido obrando su magia durante ciento treinta años. "En las salas a oscuras, a los humanos todavía les encanta venir a molestarse, apiñados como pingüinos, con sus ronquidos, toses y cremalleras de anorak, sus perfumes, sus colores, sus molestias, su desprecio y su amor...". Esta declaración de amor por el cine proviene del actor y director Alex Lutz.
Las primeras películas de los hermanos Lumière incluían escenas de Auguste y su familia tomando el té, la llegada de un tren a la estación, de una forja, de una partida de de cartas a la puerta de un café, de una escena callejera parisinay de otra de gente bañándose en el Mediterráneo, les valieron una gran reputación c omo los primeros documentalista de la historia, sobre cuya obra no parecen haber pasado los años. Su máxiam era la de "captar la naturaleza en el acto".
lunes, 1 de diciembre de 2025
Efemérides de cine: Strip-tease a la inglesa
El 1 de septiembre de 1975 se estrenó la película española Strip-tease a la inglesa (Strip-tis a la inglesa) dirigida por José Luis Madrid e interpretada por Carmen Sevilla, Teresa Gimpera, Ágata Lys, Juanito Navarro, Antonio Ozores Puchol, José Sazatornil, Emilio Laguna, Jaime de Mora y Aragón. Productora: KFilms S.A. Duración: 91 minutos.
Sinopsis argumental: Manolo y Laurita, un matrimonio al servicio de Lord Belford, pasan un agitado fin de semana en la campiña inglesa.
Comentario: Comedia española sobre un lord inglés con servicio español, donde, eterno tema del cine español de los años 1970, las picardías del destape dominan la trama. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.
"Shelby Oaks”, un collage de terror carente de ideas
Una mujer investiga la misteriosa desaparición de su hermana, cuyos amigos fueron asesinados. Chris Stuckmann, un popular youtuber de cine y aficionado al terror, se aventura como director y mezcla referencias… pero la fórmula no funciona.
A Chris Stuckmann le encantan las películas de terror, así que las incluyó todas en la suya. Todas. Shelby Oaks, el primer largometraje del "crítico" estadounidense con más seguidores en YouTube (2 millones de suscriptores), se vuelve rápidamente tedioso, al igual que los trucos de terror recopilados aquí y allá y utilizados con entusiasmo.
Inicialmente, la película, que comienza con un extenso documental de metraje encontrado (que recuerda a El proyecto de la bruja de Blair), resulta intrigante. Su objetivo es resolver la desaparición de un grupo de youtubers que investigaban lo paranormal mediante la exploración urbana, un día cualquiera en la oficina. Más concretamente, se centra en la desaparición de Riley, una joven rubia, cuyos amigos de color son sacrificados de una forma insólita en un grupo.
Muerte de Udo Kier, impresionante villano y audaz metamorfo del cine
Ejerció su oficio como actor y doble de acción, asumiendo todo lo que podía, a veces incluso cualquier cosa, durante más de cincuenta años. El fenomenal Udo Kier Ha fallecido dejando tras de sí una filmografía única que abarca desde papeles secundarios hasta papeles principales con una gran sensación de libertad. Reflexionando sobre esta maratoniana carrera de papeles secundarios, declaró a Variety en 2024: "Hay 100 películas malas, 50 que puedes ver con una copa de vino y 50 buenas".
Con un rostro modesto pero una mirada inquietantemente felina y un carácter temperamental y caótico, este actor alemán, nacido en Colonia en 1944, interpretó a menudo personajes amenazantes, villanos o incluso sádicos, aceptando con gusto el papel de Hitler en varias ocasiones, sobre todo en la serie Hunters . También fue capaz de transformarse, como en Swan Song (2021), de Todd Stephens: Pat Pitsenbarger es un excéntrico peluquero gay ya retirado que se escapa del asilo en el que está ingresado para cumplir con un último encargo: peinar y maquillar a una antigua celebridad, amiga y clienta que ha fallecido, para que esté perfecta en su velatorio.
Marginalidad y cine de género
Estrella por derecho propio, Udo Kier convirtió su excentricidad en una fortaleza, una forma de afirmarse no solo como gay, sino como completamente atípico. Su audacia fue recompensada desde el principio: cuando se unió al director Paul Morrissey en la barroca aventura de sus películas de terror producidas por Andy Warhol, Carne para Frankenstein (Flesh for Frankenstein, 1973) y Sangre para Drácula (Dracula cerca sangue di vergine... e morì di sete!!!, 1974), se convirtió en una figura de culto. Compañero de viaje de la modernidad artística, de los márgenes y del cine de género, desde películas de serie B hasta películas comerciales -como Blade (1998), de Stephen Norrington, su aura era considerable. Incluso impresionó a la propia Madonna, quien, a principios de los años 1990, lo llamó para Sex, su libro de fotografías publicado con el álbum Erotica, y lo invitó a aparecer en el videoclip de la canción Deeper and Deeper.
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| Udo Kier y Dalila Di Lazzaro en Carne para Frankenstein (1973) |
Una energía creativa une esta carrera a veces oscura pero abierta, marcada por películas sumamente originales, a menudo rebosantes de ideas. Por ejemplo, La sombra del vampiro (Shadow of the Vampire, 2000), de E. Elias Merhige , recreó el rodaje de Nosferatu (Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens, 1922) de F. W. Murnau, dándole a Udo Kier el papel de Albert Grau, el famoso escenógrafo y productor de esta obra maestra del cine mudo. El actor también destacó en la fábula futurista Johnny Mnemonic (1995), de Robert Longo, donde se reencontró con Keanu Reeves, su coprotagonista en Mi Idaho privado (My Own Private Idaho, 1991) de Gus Van Sant. Más recientemente, el rostro de Udo Kier apareció en el tráiler del misterioso OD, un videojuego dirigido por Hideo Kojima a partir de un guion de Jordan Peele. Y lo esperamos en diciembre en El agente secreto (O Agente Secreto, 2025), del brasileño Kleber Mendonça Filho, quien ya lo había elegido para Bacurau (2019).
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| Udo Kier en Sangre para Drácula (1974) |
Dos cineastas marcaron especialmente la vida de este actor de espíritu libre internacional. Primero, Rainer Werner Fassbinder, quien nació un año después de Udo Kier y lo conoció a temprana edad. Lo dirigió en La mujer del ferroviario (Bolwieser, 1977), La tercera generación (Die dritte Generation, 1979) y Lili Marleen (Una canción... Lilí Marlen) (Lili Marleen, 1981). Luego, Lars von Trier, quien convirtió al alemán (quien se había establecido en Palm Springs y se había convertido en una especie de californiano) en un rostro familiar en su universo a partir de Epidemic (1987), contratándolo nuevamente para Europa (1991), Rompiendo las olas (Breaking the Waves, 1996), Bailar en la oscuridad (Dancer in the Dark, 2000), Melancolía (Melancholia, 2011) y Nymphomaniac. Volumen 1 (2013). Estos dos grandes directores encontraron en Udo Kier un conducto para sus visiones de una humanidad atormentada, la encarnación de una violencia oculta bajo apariencias aparentemente mundanas, un hombre capaz de explorar cuestiones del bien y del mal, y los excesos ideológicos o morales. Acostumbrado a traspasar los límites, Udo Kier supo explorarlos en todas sus dimensiones.
domingo, 30 de noviembre de 2025
Hace 100 años: Cobra
El 30 de noviembre de 1925 se estrenó la película estadounidense Cobra, dirigida por Joseph Henabery e interpretada por Rodolfo Valentino, Nita Naldi, Casson Ferguson, Gertrude Olmstead, Héctor V. Sarno, Claire De Lorez, Eileen Percy, Lillian Langdon, Henry Barrows, Rosa Rosanova, Natasha Rambova. Productora: Ritz-Carlton Pictures. Duración: 70 minutos.
Sinopsis argumental: El conde Rodrigo Torriani es un noble italiano y un libertino encantador. Su debilidad son las mujeres, que lo hipnotizan y fascinan, como el mito de que las cobras hipnotizan a sus presas. Roridgo acepta la invitación de su amigo Jack Dorning para ir a Nueva York a trabajar como experto en antigüedades. Si bien el trabajo es gratificante, a Rodrigo le resulta difícil la tentación de las mujeres que lo rodean, incluyendo a la secretaria de Dorning, Mary Drake, y a su esposa, Elise. Cuando Jack no está, Elise le dice a Rodrigo que está enamorada de él. Ambos se abrazan y quedan en un hotel. Sin embargo, tras encontrarse en una habitación, Rodrigo decide que no puede traicionar a su amigo y se marcha. Resulta ser una decisión afortunada; el hotel se incendia en plena noche, matando a Elise. Rodrigo anhela desesperadamente una relación con Mary. Sin embargo, tras la muerte de Elise, centra la atención de Mary en Jack y decide irse de Nueva York. La película termina con Rodrigo contemplando el mar y la Estatua de la Libertad mientras zarpa de regreso a Europa.
Comentario: Es la adaptación cinematográfica de la obra Cobra, escrita por Martin Brown, que se representó en el Teatro Hudson de Broadway en 1924. Cobra ha sobrevivido y se ha puesto a disposición del público tanto en VHS como en DVD gracias a distribuidores de películas independientes y grandes distribuidores de películas.
Comentario: Es la adaptación cinematográfica de la obra Cobra, escrita por Martin Brown, que se representó en el Teatro Hudson de Broadway en 1924. Cobra ha sobrevivido y se ha puesto a disposición del público tanto en VHS como en DVD gracias a distribuidores de películas independientes y grandes distribuidores de películas.
Recordando a Richard Widmark (II)
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En la década de 1960 protagonizaría algunos de sus títulos más conocidos, como El Álamo (The Alamo, 1960), dirigido y protagonizado por John Wayne; Vencedores o vencidos (El juicio de Nuremberg) (Judgment at Nuremberg, 1961), de Stanley Kramer; Dos cabalgan juntos (Two Rode Together, 1961), de John Ford, junto a James Stewart, Shirley Jones y Linda Cristal. Está basado en la novela Comanche Captives, de Will Cook.
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| Maximilian Schell y Richard Widmark en ¿Vencedores o vencidos? (El juicio de Nuremberg) (1961) |
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| Richard Widmark y Sidney Poitier en Estado de alarma (1965) |
Clasificamos las películas de Kathryn Bigelow desde la más decepcionante hasta la más incendiaria (IV)
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En 2017, dirige Detroit, un drama, de nuevo, basado en hechos reales, en unos hechos poco conocidos de la historia estadounidense, y con el racismo de fondo. En julio de 1967, graves disturbios raciales sacudieron la ciudad de Detroit, en el estado de Michigan. Todo comenzó con una redada de la policía en un bar nocturno sin licencia, que acabó convirtiéndose en una de las revueltas civiles más violentas de los Estados Unidos. Los incidentes más graves ocurrieron en el motel Algiers, cuando miembros de la policía yKathryn Bigelow retoma la violencia policial de tintes racistas, tema que sus más fervientes seguidores recordarán que tocó en el film de ciencia ficción Días extraños (1995), donde dos policías blancos matan a un rapero politizado, pero la Guardia Nacional acudieron ante unos disparos de un arma de fogueo.
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