“Entre ciel et terre”, delicadeza poética

Entre ciel et terre (2026), de Adrián Jaffé, Ruslan Synkevich, Su-a Cho, Nam Seung-min, Cheon Ye-rim, Ju Seo-eun, Park Saeyeon, Kim Manri, Maria Rumyantseva, Anya Solovyova, Mikhail Aldashin. Reparto: Animación. 

Sinopsis: Un polluelo alza el vuelo. Un cachorro descubre la materia. Un niño saborea la sopa cósmica. Un búho tiene un sueño intranquilo. Un ratón quiere ver el sol. Y otro devuelve las estrellas al firmamento. Siete historias vistas desde la Tierra y desde el Cielo.

En esta selección de siete cortometrajes para niños pequeños, a prtir de 3 años, tres películas surcoreanas destacan por la variedad de sus técnicas de animación: dibujo en 2D, animación stop-motion y marionetas.

1. Primer vuelo, de Adrián Jaffé: Tres ranas jóvenes, un gran desafío: ¡su primer vuelo! Pero, ¿qué hacen estas ranas uniéndose a la aventura y convirtiendo el cielo en un torbellino de improvisación? Este relato nos recuerda con humor que nadie triunfa al primer intento, sino que el placer reside siempre en el descubrimiento.

2. El búho que quería dormir, de Ruslan Synkevich: Amanece y es hora de que el pequeño búho se duerma plácidamente. Pero también es el momento en que el bosque y todos sus habitantes despiertan para comenzar su día. ¿Cómo podrán aprender a coexistir respetando los ritmos de los demás?

3. Sopa de estrellas, de Cho Su-a, Nam Seung-min, Cheon Ye-rim y Ju Seo-eun: Solo la fértil imaginación de un niño podría crear un vínculo entre una sopa humeante y el universo de los planetas...

4. Rainy Day de Park Saeyeon: Bajo la lluvia, otro mundo cobra vida con sus propios códigos, sus propios colores y sus propios sonidos.

5. El pequeño mundo de Tatarang, de Kim Manri: Tatarang es un perrito que vaga ingenuamente, llevado por el viento. A través de sus encuentros, crea vínculos con otros animales, descubre su forma de vida y las maravillas de la naturaleza.

6. Rescatadores de estrellas, de Maria Rumyantseva: Cuando las estrellas caen del cielo, una ratoncita se preocupa. Decide salvarlas y devolverlas para que iluminen el firmamento. Un encuentro con un gran oso le enseña cómo secar las estrellas sobre una hoguera para que vuelvan a brillar y puedan volar de regreso, restaurando así el esplendor del cielo estrellado.

7.. Alas para un amigo, de Mikhail Aldashin: El encuentro de un ratón con un murciélago les hace comprender que la percepción del mundo depende del punto de vista. El pequeño ratón está entonces dispuesto a hacer cualquier cosa para ganar altura y descubrir nuevas perspectivas.

Tom, un gato virtuoso del piano

Tom y Jerry: Un concierto gatuno (Tom y Jerry: a cat concert, 1947), dirigida por William Hanna y Joseph Barbera. Reparto: Animación. 

Tom y Jerry: Un concierto gatuno es un cortometraje animado de la serie Tom y Jerry, producido en Technicolor y estrenado el 22 de abril de 1947 por Metro-Goldwyn-Mayer. Fue producido por Fred Quimby, con la supervisión musical de Scott Bradley y animación de Kenneth Muse, Ed Barge y Irven Spence.

El corto ganó el Oscar al mejor cortometraje animado de 1946, siendo el cuarto de Tom y Jerry. En 1994 apareció en el puesto número 42 de la lista 50 Greatest Cartoons, la cual se basó en los votos de aproximadamente 1.000 personalidades de la industria de la animación. 

La historia transcurre durante un elegante recital de piano en el que Tom es el virtuoso solista. Interpreta magistralmente la Rapsodia húngara n.º 2 de Franz Liszt. Sin embargo, Jerry, que estaba durmiendo plácidamente dentro del piano, es despertado por la música y decide salir. El ratón interrumpe el concierto e intenta dirigir la orquesta, lo que desata una guerra de trucos, trampas y persecuciones sobre el escenario, todo ello perfectamente sincronizado con el ritmo de la famosa pieza. 

Este corto generó gran controversia en su época. La Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) acusó a los estudios rivales de la Warner Bros. de plagio, ya que estos últimos estrenaron el corto Rabbit Rhapsody del Pato Lucas, el cual utilizaba casi los mismos gags visuales y la misma pieza de Liszt.

Hace 100 años: Santa Claus

El 12 de diciembre de 1925 se estrenó la película estadounidense Santa Claus, dirigida por Frank E. Kleinschmidt. Duración: 29 minutos. 

Sinopsis argumental: La noche del 24 de diciembre, dos niños se escabullen de su habitación con la esperanza de ver a Papá Noel cuando los visite. Cuando aparece en su sala, le preguntan qué hace el resto del año. Papá Noel les cuenta todo sobre la Tierra del Invierno, dónde vive, las criaturas que la habitan y cómo él y sus ayudantes fabrican juguetes para niños de todo el mundo.

Comentario: Worldview Entertainment y Killiam Collection han lanzado un conjunto de nueve películas tempranas sobre la Navidad, llamadas A Christmas Past, con banda sonora original de Al Kryszak. Esta película es la séptima.

Fallecimiento del cineasta Peter Watkins,: Filmografía (II)

3. The Forgotten Faces (1961)

The Forgotten Faces, una reconstrucción en cine de la revolución húngara de 1956, sigue siendo considerada en Gran Bretaña “una de las mejores películas amateur que jamás se haya hecho”. The Forgotten Faces fue un avance de los métodos de reconstrucción realista que había presentado en Diario de un soldado desconocido. Watkins también encontró inspiración en Los 400 golpes de Truffaut, y en la obra de los directores neo-realistas italianos, que, si bien no intentaron conseguir el efecto de noticiario cinematográfico, al menos utilizaban con frecuencia actores no profesionales en localizaciones con luz natural. Las películas de Rossellini, de Sica, Olmi y el primer Visconti, sin embargo, no influyeron sobre el rechazo de Watkins hacia los artificios tradicionales del medio en su intento por recrear acontecimientos de un modo realista.”

4. Culloden (1964)

Un innovador docudrama que recrea la última batalla librada en suelo británico. La película utiliza técnicas de reportaje para presentar la batalla de Culloden en 1746, donde las tropas jacobitas escocesas fueron brutalmente derrotadas por las fuerzas del duque de Cumberland. Este enfoque único ofrece una visión cruda y realista de los eventos y sus devastadoras consecuencias para el pueblo escocés. Descrita en sus créditos iniciales como «un relato de una de las batallas más brutales y mal gestionadas jamás libradas en Gran Bretaña», Culloden fue aclamada como un hito por su presentación de un acontecimiento histórico al estilo de los reportajes de guerra televisivos modernos , así como por el uso de actores no profesionales. La película se basó en el estudio de la batalla realizado por John Prebble.

Grandes películas animadas para adultos sin niños (I)

Para celebrar el cine de animación, hemos seleccionado once joyas para ver en sus plataformas. Tesoros de poesía, tragedias, comedias, etc.

si escucha la palabra cine de animación, ¿qué le viene a la mente? ¿Pixar, Disney, Myazaki y películas infantiles? Sin embargo, esta forma de arte ha evolucionado a lo largo de las décadas para ya no dirigirse exclusivamente a ellos, sino también a los adultos. Al liberarse de los clichés, muchos directores se han aferrado a sus códigos para contar las historias vertiginosas del mundo adulto. Entre fábulas metafísicas, narrativas políticas y dramas íntimos, estas obras, a menudo conmovedoras, a veces perturbadoras, nos recuerdan que las imágenes dibujadas pueden impactar tan fuerte como las tomas de la vida real. Hemos seleccionado once películas de animación muy interesantes.

1. Red Hot Riding Hood (1943), de Tex Avery

Asombrado, el narrador accede a cumplir sus demandas y comienza nuevamente la historia de una manera totalmente distinta. Ahora, la historia toma parte en un ambiente urbano contemporáneo donde Caperucita Roja trabaja en un club nocturno, el Lobo es un mujeriego y la abuela es una acosadora de hombres. La escena más conocida es cuando Caperucita Roja está en el club nocturno cantando y el Lobo reacciona salvajemente ante el acto que realiza. La reacción era tan enérgica que algunas partes fueron censuradas. El final del cortometraje fue borrado, ya que mostraba el matrimonio del Lobo con la abuela, debido a que esta quedaba embarazada. La secuencia actual no es menos escandalosa. Muestra a la abuela persiguiendo al Lobo, quien regresa al club nocturno. Harto de las mujeres promete que se mataría antes de desear otra. Inmediatamente, aparece Caperucita Roja y el Lobo cumple su promesa. Su espíritu se queda en el club nocturno y reacciona de manera similar a como lo había hecho originalmente.

Red Hot Riding Hood es un cortometraje animado, dirigido por Tex Avery y estrenado el 8 de mayo de 1943 por Metro-Goldwyn-Mayer. En 1994 apareció en el séptimo puesto de la lista 50 Greatest Cartoons, realizada gracias a los votos de 1000 especialistas en la animación. El trabajo fue tremendamente influyente en el campo de la comedia animada e incluso de imagen real, inspirando la escena de La máscara en la que Jim Carrey ve por primera vez a Cameron Díaz, así mismo, fue foco de la censura de la época. La historia comienza como una versión común de la Caperucita Roja, hasta que los personajes se rebelan ante los papeles que deben interpretar.

2. Rebelión en la granja (Animal Farm, 1954), de Joy Batchelor y John Halas

Estamos en la Granja Manor, en la Inglaterra de los años cincuenta. Hartos de los maltratos que les da el brutal granjero Jones, todos los animales se unen en una violenta rebelión que excluye a todos los humanos: ha nacido la Granja Animal. Pero el entusiasmo se torna en decepción cuando los cerdos, con el dictatorial Napoleón a la cabeza, asuman el control de la revolución y, amparados por un fanatizado ejército de perros asesinos, instauren la tiranía y el terror en la naciente mini-república. Algunos animales comprenden, demasiado tarde, que sus porcinos líderes son tan o más despóticos que el borracho Jones... 

Adaptación animada de la famosa novela de Orwell, una alegoría política sobre la revolución bolchevique y el posterior sistema comunista.

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Hace 100 años: Dr. Pyckle y Mr. Pryde

El 30 de agosto de 1925 la película estado Dr. Pyckle y Mr. Pryde (Dr. Pyckle and Mr. Pryde), dirigida por Scott Pembroke y Joe Rock e interpretada por Stan Laurel, Julie Leonard, Pete the Dog, Syd Crossley, Dot Farley. Productora: Standard Photoplay Company. Duración: 21 minutos. 

Sinopsis argumental: El Dr. Stanislaus Pyckle, (un juego con el nombre del actor, Stan Laurel), separa exitosamente la naturaleza buena y mala del hombre con el uso de un potente brebaje: "Dr. Pyckle 58.ª Variety", una parodia de "Heinz 57". Transformado en el Señor Pryde (otra vez Laurel), "aterroriza la ciudad" con actos que incluyen robar el helado a un niño, engañar jugando a las canicas, y reventar una bolsa detrás de una señora desprevenida. La turba de ciudadanos enfadados lo persigue hasta que se encierra en el laboratorio y se transforma de nuevo en el Dr. Pyckle, que trata de tranquilizarlos. Mientras habla, la poción utilizada para la transformación cae en el bol del perro del doctor. El Dr. Pyckle afronta al perro malvado cuando cierra la puerta. Pero una vez más, emerge Mr. Pride y vuelve a hacer de las suyas por la ciudad, y otra vez es perseguido. Entra al laboratorio, se transforma en Pyckle, y otra vez asegura a los presentes que no ha visto al "diablo". Su ayudante (Julie Leonard) suplica al doctor que la deje pasar, pero él se transforma. Abre la puerta a la ayudante y la cierra otra vez. Ella grita y la gente da media vuelta de regreso, mientras la chica golpea a Pride con un jarrón en la cabeza cuando este le guiña un ojo con picardía.

Comentario: El aspecto de Mr. Pride es una obvia parodia del presentado por John Barrymore como Señor Hyde en la famosa y taquillera versión de cinco años antes. También parodia las convulsiones de Barrymore como Jekyll durante la transformación, así como la confrontación de Hyde con Millicent, la prometida de Jekyll, cuando la deja entrar al interior de su laboratorio. Otras escenas muestran parodias obvias de otras versiones (p. ej. Dr. Jekyll y Mr. Hyde (1912) y la de Haydon también de 1920).

Hace 100 años: Balto's Race to Nome

El 17 de mayo de 1925 se estrenó la película estadounidense Balto's Race to Nome, dirigida por Colin Campbell. Reparto: Balto. Productora: Sol Lesser Productions. Duración: 20 minutos. 

Sinopsis argumental: En la década de 1920, en Alaska, una epidemia amenaza la ciudad de Nome. Balto, un perro lobo rechazado, ve la oportunidad de demostrar su valía. Comienza una carrera contrarreloj por paisajes nevados para conseguir la antitoxina. Balto tendrá que superar obstáculos y prejuicios para convertirse en un héroe.

Comentario: Basada en hechos reales. La película se conserva en la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos. 

“¿Qué hizo Jack?”: una sorpresa divina de David Lynch, para ver en Netflix

What Did Jack Do? es un cortometraje, muy raro, en blanco y negro de 17 minutos de duración, dirigido por David Lynch, estrenado el 8 de noviembre de 2017 en la Fondation Cartier pour l'Art Contemporain de París.​ Posteriormente se agregó al catálogo de Netflix, viendo su estreno el 20 de enero de 2020. En el corto, un detective (interpretado por el propio Lynch) interroga a un mono capuchino por el asesinato de un ave. Su sinopsis reza: "En una estación de tren cerrada, un detective de homicidios lleva a cabo una entrevista con un mono atormentado".

La textura de la voz nasal y arrastrada que sale de la boca de Jack (como se llama al mono), sus ojos de pánico, su nerviosismo, se combinan para crear confusión, una forma de identificación. El intercambio con Lynch (muy elegante, con un tupé blanco impecable, a juego con las columnas de humo de su cigarrillo) es tan críptico como absurdo, salpicado de juegos de palabras en torno al léxico animal (“volando en plumas ”, etc.). Se trata de un caballo, una gallina, un rival, un crimen pasional. Es divertidísimo, por supuesto, pero no sólo eso. Lynch se divierte tejiendo similitudes, convirtiendo a Jack en una especie de doble animal del detective. 

Hace 100 años: La profecía del lago

José María Velasco Maidana

La profecía del lago fue una película muda boliviana dirigida por José María Velasco Maidana completada en 1925, pero que no llegó a estrenarse.

Fue la primera película de Velasco Maidana y habría sido el segundo largometraje de ficción realizado en Bolivia, justo después de Corazón Aymara (1925) de Pedro Sambarino. Es la historia de un amor imposible, con una enorme carga de prejuicios de la sociedad de aquella época. Diego, un pongo de servicio en un latifundio, se apasiona por la hija del dueño. El escándalo provocado por semejante relación desbarata los planes de la incipiente pareja. Samina, la muchacha, es obligada a entablar un romance con un joven de su clase. La tragedia estalla.

Su estreno estaba previsto para el 28 de julio, pero fue censurado y cancelado por las autoridades, debido a su "crítica social" (destacando la condición de los indígenas bolivianos) y la controvertida idea de que una mujer blanca se enamore de un indígena. El gobierno ordenó a Velasco Maidana entregar la película para quemarla; En una entrevista de 1979, el director y su esposa recordaron que amenazó con quemarse junto con su obra.​ Logró esconderla en las paredes de su casa. 

La profecía del lago es una película perdida, ya que no existen copias conocidas de la misma

Diez recomendaciones para el Mes del Orgullo (I)

Compartimos diez películas que creemos muy interesantes para ver. 

1. Un chant d'amour (1950), de Jean Genet

Dos presos en celdas contiguas tratan de pasarse por las rejas de la ventana una guirnalda de flores, mientras un carcelero observa sus movimientos. No logran intercambiar el objeto, por lo que la frustración les lleva al onanismo retorcido, plagado de danzas, caricias, y gestos anhelantes. Una paja a través de un minúsculo agujero en el muro que separa sus celdas es utilizada en un sensual intercambio de humo, y junto a los golpes a puño cerrado en el muro se comunican, siempre observados por el carcelero, en el que acaban por surgir unos celos descarnados que le llevan a acosar a uno de ellos, incluso utilizando su arma reglamentaria en una dramática escena que roza el sadismo. 

Dos reclusos que comparten el humo de un cigarrillo a través de una pajita desde sus celdas contiguas es una imagen duradera del cortometraje de Jean Genet Un chant d'amour, la única película que el escritor hizo influenciado por sus numerosas estancias en prisión. Buscamos una copia doblada en VHS a principios de los años 1990 después de ver Veneno (Poison, 1991), de Todd Haynes, una película antológica experimental basada en la obra de Genet. Su relevancia política y social también sirve como recordatorio de cuando los cineastas, productores y distribuidores asumieron riesgos para llevar las películas a una audiencia. Si te intriga un poco, investiga qué se necesitó para hacer el cortometraje y qué tipo de sala de proyección se utilizó inicialmente.

2. Víctima (Victim, 1961), de Basil Dearden

Melville Farr (Dirk Bogarde) es un prestigioso abogado inglés felizmente casado con Laura (Sylvia Syms). Sin embargo, detrás de su apariencia conservadora se esconde un homosexual que busca escarceos con jovencitos, a pesar de que le había prometido a su mujer que esa etapa de su vida ya estaba clausurada. Ambientada en una época en la que la homosexualidad era todavía considerada un delito que podía implicar penas de cárcel.

El drama judicial de 1961 del director Basil Dearden es ampliamente reconocido por ayudar a cambiar las actitudes hacia la homosexualidad en la Gran Bretaña de los años 1960, con la ayuda del ídolo de las matinés Dirk Bogarde, quien dio un giro a su carrera en el papel protagónico de un abogado casado que acepta su orientación sexual mientras persigue a un chantajista que tiene como blanco a hombres homosexuales. Aunque mantuvo una relación de larga duración con su representante Anthony Forwood, Bogarde nunca se declaró gay, pero su conexión con el material era evidente, y Víctima influyó en sus decisiones profesionales cuando entró en la edad dorada de su célebre vida en la pantalla.

3. Portrait of Jason (1967), de Shirley Clarke

Retrato de Jason Hollyday, homosexual africano donde también se retrata por entero una sociedad amputada a la que nunca han dejado desarrollarse, la sociedad africana. El estudio sobre la personalidad de Jason es en realidad una aproximación a la excepcionalidad de un individuo diferente en una sociedad opresora. Pero sobre todas las cosas, es la representación exacta de la humanidad, intensamente viva pero constantemente atormentada. 

A lo largo de su carrera, la directora Shirley Clarke capturó momentos con personajes marginales que le dieron a la ciudad de Nueva York la crudeza y la textura que se han ido perdiendo con el tiempo. Portrait of Jason, que Clarke filmó durante un período de 12 horas en la habitación de Jason Holliday en el legendario Chelsea Hotel, es un documental confrontativo y aleccionador que sigue encontrando nuevos públicos. Con un cigarrillo en una mano y un cóctel en la otra, Holliday relata una historia de vida que sucedía en el centro de la ciudad mientras Truman Capote estaba acurrucado con sus Swans.

4. Teorema (1968), de Pier Paolo Pasolini

A una familia de clase alta italiana, compuesta por un matrimonio, un hijo y una hija, llega un misterioso joven que irá alterando el comportamiento de todos ellos. Polémica película -fue declarada inmoral por la Iglesia- del siempre controvertido Pier Paolo Pasolini.

Es posible que no vea al General Zod de la misma manera después de ver a Terence Stamp en el drama de Pier Paolo Pasolini sobre un ser divino (y altamente sexual) que desmantela la dinámica de una familia burguesa. Pasolini fue condenado por el Vaticano y presentado ante un tribunal italiano por cargos de obscenidad poco después del estreno de la película en el Festival de Cine de Venecia de 1968. El misterio tiene una disponibilidad limitada, pero la búsqueda vale la pena. Todo un escándalo en su día (la cinta fue secuestrada y las salas en las que se exhibía fueron desalojadas por la policía), a la vez que uno de los títulos más afamados del provocador Pier Paolo Pasolini. La película es una alegoría en dos actos sobre el amor, la homosexualidad y la religión, obsesiones habituales en la filmografía del director italiano. La película fue nominada al León de Oro de Venecia a mejor película, premio que finalmente no consiguió, aunque Betti si se llevó el destinado a la mejor actriz.

5. Las amargas lágrimas de Petra von Kant (Die bitteren Tränen der Petra von Kant, 1972), de Rainer Werner Fassbinder

Petra von Kant, una diseñadora de moda que acaba de separarse de su marido, vive con su secretaria-esclava Marlene (personaje simbólicamente mudo). Cuando su amiga y confidente Sidonie le presenta a Karin, una joven de origen humilde, se enamora locamente de ella y le promete que va a convertirla en una famosa modelo. Sin embargo, Karin la abandona poco tiempo después para irse con su marido que, después de un viaje, acaba de volver a Frankfurt. Petra cae entonces en una profunda depresión. 

No hay hombres en la película de Rainer Werner Fassbinder, que normalmente se sitúa justo detrás de Todos nos llamamos Alí en las listas de las 10 mejores películas de Fassbinder. Margit Carstensen, que se manifestó abiertamente contra el trato brutal que Fassbinder daba a sus actores e hizo cinco películas con él, controla literalmente todos los aspectos de su vida en el papel principal, hasta que una joven modelo amenaza con controlar su serena existencia. Se trata de un drama psicosexual; no se deje llevar por la idea de que verás representaciones sexualizadas de esta relación sadomasoquista.

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Hace 100 años: Fighting Blood

El 18 de febrero de 1923 se estrenó la película estadounidense Fighting Blood, dirigida por Malcolm St. Clair, Henry Lehrman e interpretada por George O'Hara, Clara Horton, Al Cooke, Kit Guard, Albert Cooke, Mabel Van Buren, M.C. Ryan, Arthur Rankin, William Courtright, Mary Beth Milford, Louise Lorraine, Leach Cross, Ad Wolgast, Joe Rivers, Larry McGrath, Bob Perry, George Lavigne, Charles ‘Kid’ McCoy, Frank Adams, Jim Dunning, George Houck, Ray Johnson, Phil Salvadore, Frank Dolan, Eric St. Clair, Gertrude Olmstead, William Bakewell, June Marlowe, Clark Gable. Productora: Robertson-Cole Pictures Corporation. 

Sinopsis argumental: Al encontrar que su amigo, a quien Galen busca en el pueblo, se ha ido, el recién llegado a la ciudad se asegura el antiguo puesto de su amigo como empleado de refrescos en una farmacia. Hay incidentes que conducen a que Galen se vea obligado a llevar helado a la casa de una bella dama del pueblo que está dando una fiesta y se ha negado a permitir que su novia le pida al empleado de refrescos que venga como invitado. Sucede, sin embargo, que justo cuando Galen se va, ve a su chica molesta por un forastero, conocido en el mundo deportivo como K. O. Kelly, campeón de peso welter. Un golpe de Galen y Kayo sale, lo que interesa al gerente de Kayo en la medida en que vigila a Galen, con un propósito.
Comentario: Fighting Blood es el primer capítulo de un serial con el mismo título, compuesto de 12 episodios de un rollo cada uno. La serie se basa en los relatos de H.C. Witwer. Otros capítulos conocidos son: [6] The Call of the Wild; [7] The Knight That Failed; [8] Christopher of Columbus; [11] When Gale and Hurricane Meet; [12] The Switching Hour.

Hace 100 años: Cinderella

El 6 de diciembre de 1922 se estrenó la película estadounidense Cinderella, dirigida por Walt Disney. Reparto: Animación. Productora: Laugh-O-Gram Films. Duración: 7 minutos. 

Sinopsis argumental: Cenicienta, la "chica de las cenizas", es mantenida en trabajos serviles por sus dos malvadas hermanastras. Mientras tanto, el apuesto príncipe del territorio está cazando osos. Su padre invita a todos en el país a un baile y aparece un hada madrina para ayudar a Cenicienta a asistir con elegancia. El príncipe se enamora de ella, pero ella huye cuando llega la medianoche según le había dicho su hada madrina. El príncipe encuentra su zapatilla perdida y busca en el territorio a su legítima dueña, con la esperanza de vivir feliz para siempre cuando la encuentre.

Comentario: Esta animación muy básica ('Laugh-o-Matic') fue una de las primeras incursiones de Walt Disney en el mundo de la animación y en el cuento de hadas de Cenicienta, que finalmente lanzaría como película animada en 1950. 

Hace 100 años: Sueños imposibles

El 27 de noviembre de 1922 se estrenó la película estadounidense Sueños imposibles también conocida como Los sueños de Pamplinas (Daydreams), dirigida por Buster Keaton, Edward F. Cline e interpretada por Buster Keaton, Renée Adorée, Edward F. Cline, Joe Keaton, Joe Roberts. Productora: First National Picture. Duración: 18 minutos. 

Sinopsis argumental: Buster se marcha a la ciudad para demostrarle al padre de la chica que puede tener éxito. El escribe acerca de sus trabajos y ella le glorifica en su imaginación. Ella se lo imagina como cirujano, cuando sólo es ayudante de veterinario: ella le imagina como broker en Wall Street, cuando en realidad es el hombre de la limpieza.

Comentario: Este cortometraje producido en 1922 pertenece a la etapa en la que Keaton olvida los gags trasnochados y empieza a consolidarse como actor de cine, dibujando ya su personaje futuro. 

Hace 100 años: La pandilla

El 5 de noviembre de 1922 se estrenó la película estadounidense La pandilla (Our Gang, también conocida como The Little Rascals o Hal Roach's Rascals), dirigida por Robert F. McGowan y Fred C. Newmeyer e interpretada por Anna Mae Bilson, Jackie Condon, Mickey Daniels, John Hatton, Ernest Morrison, Buck Black, Peggy Cartwright, Billy Condon, Weston Doty, Winston Doty, Henry Hill, George Ward, Helen Gilmore, Wally Howe, Mark Jones, Fanny Kelly, Charley Young. Productora: Pathè, Metro Goldwyn Mayer. Duración: 20 minutos. 

Sinopsis argumental: Un comerciante poco ético se muda a la ciudad y le roba clientes a un viudo dueño de una tienda previamente establecida; la pandilla interviene para ayudar.

Comentario: Fue una serie de larga trayectoria en la historia de los cortometrajes estadounidenses; gira en torno a la vida de unos niños de clase baja y sus aventuras.

Hace 100 años: The Ropin' Fool

El 29 de octubre de 1922 se estrenó la película estadounidense The Ropin' Fool dirigida por Clarence G. Badger e interpretada por Will Rogers, Irene Rich, John Ince, Guinn 'Big Boy' Williams, Russ Powell, Bert Sprotte, Buck McKee, Buster Trow. Productora: Hal Roach Studios. Duración: 19 minutos. 

Sinopsis argumental: Will Rogers repite ante la cámara sus famosos trucos de cuerdas de Ziegfeld Follies. Con una cuerda pintada de blanco para mostrarse contra su caballo negro Dopey, Rogers demuestra como atrapa a los becerros al galope carrera, atándole las patas delanteras. Rogers también hace girar su lazo, saltando a través de él y saliendo, y exhibiendo la destreza que hizo de su cuerda una sensación nacional.

Comentario: Mucho antes de que Will Rogers se convirtiera en un ícono estadounidense, era un niño inadaptado que creció en el rancho de su padre en Oklahoma. Todo lo que quería hacer era ser un vaquero y sus padres se desesperaron de él. Al final, salió solo y encontró su vocación trabajando en Texas Jack's Wild West Show y recorrió el mundo. Tuvo un descanso cuando Florenz Ziegfeld decidió poner su acto de uso de cuerdas y cuando comenzó a hacer otros trabajos humorísticos, nació y creció una leyenda.

Hace 100 años: La casa eléctrica

El 16 de octubre de 1922 se estrenó la película La casa eléctrica (The Electric House), dirigida por Buster Keaton, Edward F. Cline e interpretada por Buster Keaton,Virginia Fox, Joe Keaton, Myra Keaton, Joe Roberts, Steve Murphy, Louise Keaton, Laura La Varnie. Productora: First National Picture. Duración: 19 minutos.

Sinopsis argumental: Por un error, Buster, un botánico, recibe un título profesional en Ingeniería electrónica y es contratado por los dueños de una casa para instalar la red eléctrica. Buster instala las últimas novedades que da la electricidad: escaleras móviles, biblioteca automatizada, servicio de mesa mecánico, etc. Aparece el verdadero ingeniero eléctrico y trata de sabotear la red eléctrica, por venganza, causando el caos.

Comentario: Fascinante cortometraje cómico codirigido e protagonizado por Buster Keaton. 

Cine para niños: Supergusano, un fantástico héroe elástico

En un universo al estilo de Microcosmos (1996), una lombriz de tierra se enfrenta a un lagarto mágico y su secuaz cuervo. La película nos permite apreciar, una vez más, el saber hacer del estudio de animación Magic Light Pictures (El caracol y la ballena (La baleine et l'escargot (2019)). A partir de 3 años.

Como cada año, el mediometraje navideño de la BBC llega con unos meses de retraso al resto de Europa. Emparejado, para su estreno en salas, con cortometrajes más modestos. Destacan aquí los dos más melódicos. Inspirada en la mitología guaraní, Tierra sin mal (Land without Evil, 20179, de Katalin Egely,  una especie de comedia musical que ofrece una sucesión de metamorfosis –hombre, serpiente, pez– para mostrar la armonía entre los seres vivos en el corazón de la selva amazónica. Todo gracias a la animación, fotograma a fotograma, de elementos recortables. Bémol (2021), de Oana Lacroix, es, por su parte, una bonita caricatura de trazo claro, donde el buen humor de los animales de un bosque se debe al canto de un ruiseñor que no puede volar. con Supergusano (Superworm), de Jac Hamman y Sarah Scrimgeour, cosecha navideña de 2021, Magic Light Pictures continúa con su adaptación de los álbumes de Julia Donaldson y Axel Scheffler, autores famosos al otro lado del Canal, nueve de cuyos libros ahora se han traladado a la pantalla. 

Hace 100 años: One Terrible Day

El 10 de septiembre de 1922 se estrenó la película One Terrible Day, dirigido por Robert F. McGowan y Tom McNamara e interpretado por Jackie Condon, Mickey Daniels, Jack Davis, Allen 'Farina' Hoskins, Ernest Morrison, Weston Doty, Peggy Cartwright, Ed Brandenburg, William Gillespie, Helen Gilmore, Clara Guiol, Wally Howe, Charles Stevenson. Productora: Hal Roach Studios. Duración: 20 minutos.

Sinopsis argumental: Cuando comienza la historia, la presumida Sra. Pennington Van Renssalaer decide organizar un picnic para los niños del lugar... no por la bondad de su corazón, sino como un truco publicitario. Ella espera impresionar a todos sus amigos presumidos demostrando (con muchas fotos y publicidad) su amor por los niños. Desafortunadamente, ella elige a los niños de Our Gang ... quienes traen consigo a su perro y mono y prácticamente se convierten en una problema.

Comentario: Esta es la cuarta película realizada en la serie "Our Gang", pero la primera en ser estrenada.

Hace 100 años: Jack y las judías mágicas

El 4 de septiembre de 1922 se estrenó la película estadounidense Jack y las judías mágicas (Jack and the Beanstalk), dirigida por Walt Disney. Reparto: Animación. Productora: Laugh-O-Gram Studio. Duración: 7 minutos.

Sinopsis argumental: La película estaba basada en el cuento de hadas británico. 

Comentario: On the Up and Up es el título de la versión sonora de esta caricatura, originalmente realizada como un cortometraje mudo. Esa versión sonora se estrenó unos años después de su homóloga de cine mudo y fue realizada por Sound Film Distributing Corp.

Hace 100 años: El Polo Norte

El 28 de agosto de 1922 se estrenó la película estadounidense El Polo Norte (The Frozen North), dirigida por Buster Keaton, Edward F. Cline e interpretada por Buster Keaton, Joe Roberts, Sybil Seely, Bonnie Hill, Freeman Wood, Edward F. Cline. Productora: First National Picture. Duración: 17 minutos.

Sinopsis argumental: La última estación de metro de Nueva York está en el Polo Norte. Pamplinas se apea allí. Al llegar a casa se encontrará con una desagradable sorpresa, su mujer besando a otro hombre. La tragedia está servida.

Comentario: En esta parodia de las producciones cinematográficas melodramáticas de esos tiempos, el personaje de Buster Keaton se empeña en hacer el mal a todos (aunque no sea muy bueno en eso).