Mujeres de cine: Juliette Binoche

El 9 de marzo de 1964 nace en París la actriz francesa Juliette Binoche. Ha aparecido en más de 40 películas, muchas de ellas aclamadas internacionalmente, ha realizado publicaciones como escritora y ha actuado en diversos escenarios alrededor del mundo.

Proviene de una familia de artistas, y empezó a tomar sus primeras lecciones de actuación en la adolescencia. Su intervención en la cinta de André Téchiné, Rendez-vous (1985), la catapultó a la fama, convirtiéndola en una de las actrices más reconocidas en su Francia natal. Debutó en el cine anglosajón con La insoportable levedad del ser (The Unbearable Lightness of Being) en 1988, lo que marcó el inicio de su relevante carrera en el ámbito internacional.

En 1993, llamó la atención del director Steven Spielberg, quien le ofreció un papel protagónico en la cinta Jurassic Park, pero lo rechazó para rodar Tres colores: Azul (Trois couleurs: Bleu), de Krzysztof Kieślowski, la primera película de una saga que le proporcionó galardones internacionales, como la Copa Volpi y el premio César. Un éxito todavía superior lo obtuvo en 1996 con El paciente inglés (The English Patient, 1996) un drama británico de Anthony Minghella por el que logró un BAFTA y el Óscar. Volvió a ser considerada para este último en 2000 por su papel protagonista en la cinta Chocolat.

Durante la década de 2000, logró mantener su carrera en términos de crítica, alternando sus interpretaciones entre el francés y el inglés. En 2010, después de obtener el premio a mejor actriz en el festival de cine de Cannes con Copia certificada (Copie conforme), de Abbas Kiarostami,  se convirtió en la primera actriz europea en lograr «la triple corona de mejor actriz», habiendo previamente ganado en Berlín con El paciente inglés y en Venecia con Tres colores: Azul. 

Algunos títulos notables de su filmografía son Mauvais Sang de 1986, Los amantes del Pont-Neuf de 1991, Herida de 1992, El húsar en el tejado de 1995, Código desconocido de 2000, Caché de 2005, Breaking and Entering de 2006, El vuelo del globo rojo de 2008 y Camille Claudel 1915 de 2013.

Cumplió 25 años: Doraemon y la fábrica de juguetes

El 8 de marzo de 1997 se estreno la película japonesa Doraemon y la fábrica de juguetes (Doraemon Nobita no neji maki toshi bouken ki AKA Nobita no Neji maki shitî Bôkenki), dirigida por Tsutomu Shibayama. Reparto: Animación. Productora: Shin-Ei Animation, Shogakukan-Shueisha Productions, TV Asahi. Duración: 97 minutos. 

Sinopsis argumental: Doraemon te invita a visitar una ciudad muy peculiar. Se trata de un mundo ideal, regido por el respeto al medio ambiente, que está habitado por los juguetes más divertidos que jamás hayas imaginado. Todo sería perfecto de no ser por la aparición de un malvado ladrón que junto a sus clones, pretende hacerse con el poder del mundo de los juguetes para su propio provecho. Doraemon, Nobita, Gigante, Tsuneo y Shizuka tiene ante sí un reto de lo más complicado: detener los planes del criminal y devolver la ciudad a sus propietarios. Los inventos más útiles y grandes dosis de ingenio les ayudarán en su emocionante misión...

Comentario: Largometraje basado en la serie de animación japonesa Doraemon, el gato cósmico.

“Belfast”, de Kenneth Branagh : “He hecho esta película para decir quien soy” (II)

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La brusca pérdida de la inocencia

La grandeza shakesperiana le acompañó incluso en la película de superhéroes que firmó en 2011, Thor. "Soy yo mismo en todo lo que filmo", dice. Pero con Belfast sentí la necesidad de hacer un cine más directo, escribí desde mi corazón. El guion se completó unos meses antes de cumplir 60 años, en un gesto de autoafirmación y liberación. Era el niño mimado de los británicos cuando formó una talentosa pareja con la actriz Emma Thompson; su divorcio, en 1995, le valió un desencanto mediático y empaña su imagen. Altibajos que hoy ya no sufre: “Cuando entras en los sesenta te preocupas menos por la imagen que de ti tienen los demás."

El camino está despejado para Buddy, como se renombró a sí mismo en Belfast. A través de los ojos de este chico, representó la realidad tumultuosa pero no directamente política de su verano de 1969. “Política, Buddy no sabe lo que es. Su mundo es el fútbol, ​​la colegiala de la que está enamorado, la religión y el cine. Vive como un perro joven, come, duerme y juega. Mi película relata ese momento en el que pasamos de la inocencia a la madurez acelerada. Comienza a convertirse en una especie de espía, se queda en las escaleras para escuchar lo que se dicen sus padres. La preocupación entra en su vida. “Nunca hablamos de eso en casa. ¡Los irlandeses no mastican su supuesto sufrimiento!”.

“El peligro está a las puertas de la casa familiar. A unas calles de distancia, el primer día de los disturbios, muere un niño. Él era católico. “Para mí la situación era difícil de entender, subraya el director, Belfast seguía siendo una ciudad llena de vida, con canciones, gente robusta que daba la cara. Quería mostrarlo en mi película, porque era lo que me hacía sentir, a pesar de todo, seguro y plenamente yo mismo."

Debido a que William Branagh, el padre, ya trabaja como carpintero en Gran Bretaña y no puede velar por su familia tanto como sea necesario, se toma la decisión de irse. Al filmar al pequeño Buddy gritando que no quiere irse de Belfast, Kenneth Branagh volvió a verse a sí mismo. "También podría haber gritado que no quería crecer. Nunca admití posteriormente que había sido tan violento. Tuve que reconocer que todavía sentía un dolor, una nostalgia, una culpa que venía de ahí. Por mi seguridad y la de mi hermano mayor, mis padres sacrificaron la vida que tenían donde estaban sus raíces. Quería contarlo en esta película, porque nunca hablamos de eso en casa. Los irlandeses no meditan sobre su presunto sufrimiento, ¡es un pecado capital! »

Deja el acento irlandés

Para olvidar la pérdida de Belfast, el pequeño Branagh se impone como un campeón de la resiliencia, del disimulo: un año después de su llegada a Reading, al oeste de Londres, ha perdido su acento irlandés. “La vida se convirtió entonces en un disfraz”, resume el adulto como experto. Al llegar a hacer de ella su profesión, el actor ha encontrado la felicidad, no tiene ninguna duda al respecto, pero otra certeza permanece anclada en él: no habría hecho este oficio si no se hubiera visto obligado a dejarlo todo. Sin embargo, al dedicar Belfast a los que se fueron y a los que se quedaron, optó por no dramatizar más la división. “Hay heridas, pero mi película trata sobre la compasión. Quería volver a abrazar a mis padres y al niño que fui, diciéndoles: “Hiciste todo lo que pudiste y todos dieron lo mejor de sí”.

Antes del reconocimiento, que hoy le llega de todas partes, tanto del público como de los Oscar, donde su película ha recibido siete nominaciones, el cineasta organizó la primera proyección en Belfast para su hermano y su hermana, nacidos en Gran Bretaña. Durante el almuerzo que los reunió después, el recuerdo de los padres, ya fallecidos, estuvo muy presente. Las lágrimas fluyeron, la moderación protestante e irlandesa no pudo hacer nada al respecto. "Mi hermana me comentó: 'Para un hombre que siempre ha protegido su privacidad, dices muchas cosas. Kenneth Branagh parece sorprenderse a sí mismo. Como si en el fondo no hubiera estado tan seguro de poder, esta vez, quitarse de verdad la máscara.

"Érase una vez en América”, o como Sergio Leone filma el robo de la infancia

La película de Sergio Leone relata los recuerdos de un ex mafioso inmerso en el tráfico de opio durante los años de la prohibición. Análisis de la secuencia del asesinato del jovencísimo Dominic, una escena crucial y conmovedora sobre un fondo de flautas de Pan.

Considerado durante mucho tiempo el inventor de un género entretenido pero menor (bautizado con un toque de desdén “spaghetti western”), Sergio Leone tuvo que esperar al estreno de Érase una vez en América (Once Upon a Time in America, 1984) para ser mirado con mejor ojo por cierto obstinados críticos  sólo veían en él a un desacreditador. Abarcada en su totalidad, la obra es, sin embargo, sólo símbolos y arquetipos, maravilloso y grotesco, incesante titilar entre pasado y presente, tragedia, fantasía y bufonería: el lenguaje mismo de los mitos.

Como las de Eisenstein, Welles o Kubrick, las películas de Leone transcurren al borde del sueño, lo bizarro y lo inverosímil mientras se acercan a verdades eternas. Por supuesto, esto no es sin alguna deconstrucción de lo falso ordinario, de la "realidad" masticada previamente; lo real en bruto sólo emergerá a costa de esta crueldad. La secuencia central de Érase una vez en América, en la que todo cambia, es la perfecta ilustración de ello.

Se abre con un plano general compuesto como un cuadro. Dos hileras de edificios de ladrillo enmarcan una calle casi desierta. El humo se eleva desde un suelo empapado. Al fondo, macizo, imponente, el puente de Manhattan hace una ruptura azul grisácea a través de las tonalidades marrones, ocres y rojo oscuro. No es un cañón del Oeste americano, pero este espacio no deja de ser mítico. Aquí, los hombres, viniendo del mar, han edificado en altura, creyendo tocar la eternidad. Y eso es lo que creen haber conseguido también los cinco chavales que cruzan el marco. El sueño americano, salir de la pobreza, manipular el dinero, dominar la Babel de cristal y metal, igualar a los dioses. Pero estos pequeños vestidos como los gánsteres de última moda se han puesto ropa que les queda grande. Y olvidaron que los dioses siempre exigen un sacrificio.

El más joven de ellos, Dominic, baila y hace piruetas, se escapa por la derecha, mientras Cockeye (literalmente, "Ojo de gallo") lo acompaña con su zampoña. Aparecen coches y más coches. El país aún se está construyendo, oscilando entre la vieja Europa y la modernidad resplandeciente. Dos policías a caballo observan al grupo, que se ralentiza un poco. No importa lo duro que caminemos por el pavimento, balanceándonos como los tipos duros, seguimos siendo niños que temen el golpe de un palo. La amenaza pasó, Dominic continúa su carrera y, separándose de los demás, se precipita en un túnel. De repente, se congela.

Silencio y flauta de Pan

Una silueta avanza hacia él, bloqueando la salida, cerrando su destino. A toda velocidad, el niño regresa junto a Maxie, Cockeye, Patsy y Noodles gritando: “¡Bugsy viene! ¡Correr! Al revés, los cuatro amigos se detienen, aturdidos. Bugsy, su rival, ya les había dado una paliza. Esta vez viene a matar. Breve silencio. Segundo interminable. Y de pronto reaparece la flauta de Pan con otro tema de Ennio Morricone, trágico, muy agudo. Crees oír un pájaro de la desgracia, ves el batir de las alas del terror.

El plano es uno de los más bellos de la historia del cine. En cámara lenta, los cinco niños huyen hacia la cámara e intentan esconderse. Tarde, Dominic se queda solo en medio de la calle cuando suena el primer disparo. Se derrumba, golpeado en la espalda. Noodles se precipita y lo arrastra a un lado, el puente monumental sigue en pie despreocupado en el fondo. Dominic abre un ojo, dice "Noodles, me resbalé" y muere.

Imagen de la piedad, ningún ángel fue enviado para detener la mano sacrificial puesta sobre el niño. Captura de pantalla del plano de Noodles que aún mantiene al niño pequeño sin vida.

Contrapicado de Noodles, aún sosteniendo al niño pequeño sin vida. Imagen de la Piedad. Ningún ángel fue enviado para detener la mano de sacrificio colocada sobre el niño. Todo ha sido cuestión de miradas, desde los policías hasta los niños, desde los niños descubriendo al asesino, desde éste apuntando al más débil de ellos, desde Dominic hasta Noodles que, sin saber dónde poner los ojos, se encuentra desposeído en un momento de su infancia y de su inocencia. Pronto él también matará. Antes del último plano de la película, ya no lo veremos riendo, disfrutando, viviendo a duras penas. Escalar a América significaba perder cuerpo y alma. El resto del viaje de Noodles no será más que destrucción, andanzas fantasmales y errores trágicos, soledad incurable. Sólo hay mitos inaccesibles. Pero al atestiguarlo, el cine de Sergio Leone ofrece el consuelo de la nostalgia y la piedad, la belleza de las imágenes, los sonidos, las expresiones. Y restaura un pedacito de este paraíso perdido: nuestra humanidad.

Mujeres de cine: Helena Cortesina

El 7 de marzo de 1985 fallece en Buenos Aires, la valenciana Helena Cortesina, bailarina, directora y actriz de cine y teatro. En 1923 rodó la película Flor de España o La historia de un torero convirtiéndose junto a Elena Jordi—que dirigió en 1918 Thais— en una de las pioneras del cine español.

Inició su carrera como bailarina muy precozmente: en 1916 ya viene anunciada en la prensa su actuación en un espectáculo de varietés. Era conocida con el apodo de la Venus valenciana. Un año después montó su propia productora (Cortesina Films) y en 1922 produjo y dirigió con guion del clérigo-dramaturgo José María Granada, la película de cine mudo Flor de España o La historia de un torero, considerada la primera película realizada por una cineasta española. Rodada en Madrid y Aranjuez, en ella actuó la propia Helena junto a sus hermanas Ofelia y Ángélica. 

La película se estrenó primeramente en Barcelona (12 de diciembre de 1922) y, a continuación en Madrid6​ inaugurando así la exigua nómina de mujeres realizadoras en el cine español.

Cumplió 25 años: De jungla a jungla

El 7 de marzo de 1997 se estrenó la película estadounidense De jungla a jungla (Jungle 2 Jungle), dirigida por John Pasquin e interpretada por Tim Allen, Martin Short, Lolita Davidovich, David Ogden Stiers, JoBeth Williams, Sam Huntington, Joan Copeland, Leelee Sobieski. Productora: Walt Disney Pictures. Duración: 105 minutos.

Sinopsis argumental: Michael Cromwell es un hombre de negocios de éxito de Nueva York que, antes de casarse con la atractiva Charlotte, debe formalizar el divorcio con su ex-mujer, la doctora Patricia Cromwell. Para ello debe trasladarse al Amazonas, donde vive Patricia desde que le abandonó. Allí descubre que tiene un hijo de 13 años, Mimi-Siku, que se ha educado entre los indígenas. Michael decide invitar a su hijo a su casa de Nueva York. Una vez allí, Mimi-Siku, con su arco, sus flechas y su atuendo selvático, se meterá en toda clase de líos, arrastrando a su atribulado padre con él. 

Comentario: Remake de la película francesa Un indio en París (Un indien dans la ville, 1994), dirigida por Hervé Palud. 

Efemérides de cine: Neurosis asesina

El 7 de marzo de 1972 se estrenó la película estadounidense Neurosis asesina (Private parts), dirigida por Paul Bartel  e interpretada por Ayn Ruymen, Lucille Benson, John Ventantonio, Laurie Main, Stanley Livingston, Charles Woolf, Ann Gibbs, Len Travis. Productora: Penelope Productions Inc. Duración: 87 minutos. 

Sinopsis argumental: La joven Cheryl Stratton (Ayn Ruymen) decide probar suerte a vivir con su tía Martha (Lucille Benson), después de huir de casa y tener problemas con su amiga Judy (Ann Gibs). Tía Martha lleva un hotel lleno de peculiares personajes, los cuales fascinan a Cheryl, siendo George (John Ventantonio) el que más le llama la atención. Mientras unos extraños y brutales asesinatos tienen lugar en el hotel, Cheryl empieza a recibir notas y extraños mensajes.

Comentario: Debut en la dirección de Paul Bartel que luego sería conocido por películas como La carrera de la muerte del año 2000 (Death Race 2000, 1975) y ¿Y si nos comemos a Raúl? (Eating Raoul, 1982). Se conmemora el quincuagésimo aniversario dr su estreno. 

hace 100 años: Sherlock Holmes

El 7 de marzo de 1922 se estrenó la película estadounidense Sherlock Holmes (Moriarty), dirigida por Albert Parker con John Barrymore, Roland Young, Carol Dempster, Gustav von Seyffertitz, Louis Wolheim, Percy Knight, William Powell, Hedda Hopper, Reginald Denny, Lumsden Hare. Productora: Goldwyn Pictures Corporation. Duración: 109 minutos.

Sinopsis argumental: La película empieza con un robo en la casa de un importante joven, el príncipe Alexis. Su compañero de estudios, John Watson, es quién le comenta que conoce a una persona muy peculiar pero inteligente, obsesivo en resolver enigmas, llamado Sherlock Holmes. Al ser presentados, y en la casa de Alexis, Holmes deduce que el robo fue perpetrado por alguien con respaldo de una organización detrás. Durante su investigación es invitado al escondite de la mente maestra de aquél grupo, donde conoce a Moriarty. En la segunda parte, el príncipe ha viajado a su ciudad natal, Harlstein, dejando tras él a Rose Faulkner, su prometida. Holmes, ofendido por esa actitud, se niega a cualquier ayuda hacia el joven y pasa los días con la joven Alice, la hermana de Rose. A la vez, mientras conversa con Watson, le informa que está tejiendo una trama para hacer salir de su escondite a Moriarty. La tercera parte es el enfrentamiento entre Sherlock y Moriarty. 

Comentario: Película considerada perdida durante décadas y que se recuperó en los años 1970 desde diversas fuentes. John Barrymore es Sherlock Holmes en esta película que adapta la obra que William Gilette escribió para el teatro, basándose en la figura creada por Arthur Conan Doyle.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CC)

Supervixens (1975) de Russ Meyer

Clint trabaja en una gasolinera y tiene un irresistible atractivo para las mujeres. Está casado con la explosiva y celosa SuperAngel, con la que mantiene continuas discusiones y peleas. Tras el asesinato de Superángel, todas las sospechas recaen sobre él. Emprenderá entonces una loca huida por el desierto americano, durante la que se verá acosado por numerosas jóvenes deseosas de hacerle gozar de sus encantos. Un film de culto en el que el fanático de las mujeres con grandes pechos, Russ Meyer, escribe, fotografía, edita, produce y dirige. Película de Russ Meyer, fotógrafo de Playboy, en la que ensalza la comedia alocada y protagonizada por mujeres viciosas y alocadas de pechos voluminosos. (Las chicas protagonistas procedían de un club de striptease de Las Vegas). Criticada por asociaciones feministas y alabada por críticos especialistas en cine porno, la película no deja de ser un curioso producto lleno de sentido del humor y más cercano al erotismo que a la pornografía.

“Belfast”, de Kenneth Branagh : “He hecho esta película para decir quien soy” (I)

Tenía 8 años cuando estalló el conflicto de Irlanda del Norte. Pero la ciudad de la que fue arrancado sigue viviendo en él, explica el cineasta, que puso las tripas en Belfast, ya en los cines, nominada siete veces a los Oscar.

Se prepara el golpe de efecto. Todavía quedan unos meses de espera antes de descubrirlo en la piel de Boris Johnson. Más bien pelirrojo y más bien esbelto en este hotel parisino donde lo conoces, Kenneth Branagh se ha hecho una figura panzuda y una mata de pelo amarillo pajizo para interpretar al Primer Ministro del Reino Unido en This Sceptred Isle, una miniserie que narra la acción del gobierno británico al comienzo de la pandemia de Covid, en la primavera de 2020. Este período siguió siendo crucial para el propio actor, de una manera completamente diferente. En el silencio sin precedentes del primer encierro, su memoria encontró sonidos lejanos. Los de su infancia en Irlanda del Norte. Los de un motín que le cambió la vida, en agosto de 1969...

En la calle de Belfast donde vivía su familia se mezclaban protestantes y católicos, hasta el día en que la violencia los separó, encerrados en dos clanes enfrentados. Este fue el comienzo del conflicto de Irlanda del Norte, que iba a durar treinta años. Y el fin de una era para los Branagh, los protestantes. “Después de este motín, es como si nos hubieran quitado el suelo de debajo de los pies”, dice el que entonces era un niño de 8 años. Los adoquines de nuestra calle también habían sido arrancados y caminábamos sobre la arena. Literalmente, nada de lo que conocíamos quedo en pie. Este enfrentamiento con un mundo trastornado siguió siendo único, hasta el confinamiento de esta primavera de 2020 cuando, de repente, se interrumpió el orden cotidiano de las cosas. Una ruptura reavivó la otra y Kenneth Branagh se puso a escribir el guión de Belfast. "Quería entender al niño que había sido. ¿Qué hizo de Belfast el lugar donde fui más yo mismo por el resto de mi vida? Hice esta película para decir quién soy."

La cuestión de la identidad puede dar un giro laberíntico con este transformista. Su infantil gusto por el disfraz casi llevaría a pensar que nunca creció. Basta, estos días, entrar en un cine en donde se proyecta Muerte en el Nilo para comprobarlo: convertido en Hércules Poirot, Kenneth Branagh se entrega a la alegría del corazón, recompone al buen hombre héroe de Agatha Christie como un trágico viudo, tan acosado por la muerte que pueda rastrearla. Darle estilo a sus personajes siempre ha sido la indulgencia de este fenómeno escénico que tomó por asalto a la Royal Shakespeare Company en la década de 1980 y los terminó haciendo su debut cinematográfico con una adaptación de la obra que lo hizo famoso, Enrique V.

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“Down in Paris”, la gema indie de Antony Hickling por descubrir

Despues de una trilogía LGTBI, el cineasta estrena su quinto largometraje Down in Paris, filmado en las calles vacías de la capital durante el segundo confinamiento. Hitoen la trayectoria de un director underground muy talentoso.

Down in Paris (2021)

Entre los cinéfilos a la antigua, la rareza de una película determina su precio. El notable Down in Paris, quinto largometraje de Antony Hickling, se estrenó el miércoles 2 de marzo de 2022, después de una selección en el festival Chéries-Chéris, en noviembre de 2021. Están previstas otras proyecciones, en Lyon o Chambéry. La reciente obtención de una recomendación de cine de autor por parte de la Asociación Francesa de Cines de Autor (AFCAE), podría abrirle otras salas en los próximos días. Deambular nocturno de un cineasta falto de inspiración, Down in Paris tiene evidentes resonancias autobiográficas: el duelo familiar, una ruptura, el momento en que el director casi abandona el plató de Where Horses Go to Die (2016). Incluso si, originalmente, no quería desempeñar el papel principal.

Nacido en 1975 en Johannesburgo de padre indio y madre inglesa, Antony Hickling se formó por primera vez en arte dramático en Manchester. Dos revelaciones entonces: una compañía de teatro queer, luego el trabajo de Derek Jarman, del que descubre, por casualidad, una película con un compañero de cuarto de artistas, en un televisor encendido, sin espectador. En 2006 se trasladó a Francia, donde estudió teoría queer en París 8. Completó su currículum con una estancia en el Centro Europeo de Formación en Producción Cinematográfica (CEFPF). Tras actuaciones artísticas filmadas, continúa con una trilogía LGBT, confidencial pero inventiva, provocadora pero distante.

Zero Fucks Given, Emmanuel Marre, o la obsesión por un cine "dificil"

En Zero Fucks Given (Rien à foutre, 2021), dirigido por Julie Lecoustre y Emmanuel Marre, en cines desde el 2 de marzo. Como en toda su filmografía, a Emmanuel Marre le gusta filmar el desorden de lo íntimo en escenarios replicados e impersonales y dejando que la improvisación juegue su papel. 

Adèle Exarchopoulos, una inquietante azafata en Zero Fucks Given, de Julie Lecoustre y Emmanuel Marre.

Para Emmanuel Marre, el cortometraje “no es un peldaño” hacia el largo: “Pienso todas mis películas en la misma continuidad. Antes de dirigir Zero Fucks Given  junto a Julie Lecoustre, el cineasta desplegó su singular mirada en numerosos cortometrajes, Michel, Le Désarroi du cop sociale quechua o D’un château l’autre –el último cortometraje realizado con Julie Lecoustre antes de su paso al largometraje– ya contienen el ADN de Zero Fucks Given, retrato de Cassandre que es azafata de una aerolínea de bajo coste. Con base en Lanzarote, siempre está dispuesta a hacer horas extra y lleva a cabo sus tareas con eficiencia robótica. Además, se deja llevar por la corriente y flota entre Tinder, las fiestas y los días de pereza. Cuando de repente la despiden, se ve obligada a volver a casa, para enfrentarse a aquello de lo que estaba huyendo.

Películas de la semana: 4 de marzo

The Batman

Dirección: Matt Reeves. País: Estados Unidos. Año: 2022. Duración: 175 minutos. Género: Acción. Thriller. Intriga. Drama. Neo-noir. Superhéroes. Cómic. DC Comics. Interpretación: Robert Pattinson, Zöe Kravitz, Paul Dano, Andy Serkis, Colin Farrell, Jeffrey Wright, Peter Sarsgaard, John Turturro, Jayme Lawson, Con O'Neill, Barry Keoghan, Gil Perez-Abraham, Peter McDonald, Alex Ferns, Rupert Penry-Jones, Kosha Engler, Janine Harouni. Guion: Matt Reeves, Peter Craig. Personajes: Bob Kane, Bill Finger. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Greig Fraser. Productora: Warner Bros., DC Entertainment, 6th & Idaho Productions. Distribuidora: Warner Bros. Estreno en España: 4 de marzo de 2022. Sinopsis: Dos años acechando las calles como Batman, infundiendo el miedo en los corazones de los criminales, han llevado a Bruce Wayne a lo más profundo de las sombras de Gotham City. Con solo unos pocos aliados de confianza -Alfred Pennyworth y el teniente James Gordon- entre la corrupta red de funcionarios y personajes de alto nivel de la ciudad, el solitario justiciero se ha establecido como la única encarnación de la venganza entre sus conciudadanos. Cuando un asesino se dirige a la élite de Gotham con una serie de maquinaciones sádicas, un rastro de pistas crípticas envía al mejor detective del mundo a una investigación en los bajos fondos donde se encuentra con personajes como Selina Kyle/aka Catwoman, Oswald Cobblepot/aka el Pingüino, Carmine Falcone y Edward Nashton/aka Enigma. A medida que las pruebas comienzan a acercarse a su casa y se hace evidente la magnitud de los planes del autor, Batman debe forjar nuevas relaciones, desenmascarar al culpable y hacer justicia al abuso de poder y la corrupción que durante mucho tiempo han asolado Gotham City. 

Un héroe

Título original: A Hero. Dirección: Asghar Farhadi. País: Irán. Año: 2021. Duración: 127 minutos. Género: Drama. Thriller. Drama carcelario. Interpretación: Amir Jadidi, Abolfazl Ebrahimi, Mohsen Tanabandeh, Sarina Farhadi, Fereshteh Sadrorafaei. Guion: Asghar Farhadi. Fotografía: Ali Ghazi, Arash Ramezani. Productora: Asghar Farhadi Productions, Memento Films International, Memento Films Production, arte France Cinéma. Distribuidora: Amazon Prime Video. Premios y nominaciones: Globos de Oro: Nominada a mejor película de habla no inglesa; Festival de Cannes: Gran Premio del Jurado (ex aequo); National Board of Review (NBR): Mejor película extranjera y guion original; Critics Choice Awards: Nominada a mejor película habla no inglesa; Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor película extranjera; Satellite Awards: 2 nominaciones, incluyendo mejor película habla no inglesa. Estreno en España: 4 de marzo de 2022. Sinopsis: Rahim (Amir Jadidi) está en la cárcel por una deuda que no ha podido devolver. Durante un permiso de dos días, trata de convencer a su acreedor (Mohsen Tanabandeh) para que retire su reclamación de desembolso de una parte del pago. Pero las cosas no irán como tenía previsto.

Los amores de Anaïs

Título original: Les amours d'Anaïs. Dirección: Charline Bourgeois-Tacquet. País: Francia. Año: 2021. Duración: 98 minutos. Género: Romance. Interpretación: Anaïs Demoustier, Valeria Bruni Tedeschi, Denis Podalydès, Jean-Charles Clichet, Xavier Guelfi, Christophe Montenez, Anne Canovas, Bruno Todeschini, Annie Mercier, Gregoire Oestermann. Guion: Charline Bourgeois-Tacquet. Música: Nicola Piovani. Fotografía: Noé Bach. Productora: Année Zéro, Les Films Pelléas, arte France Cinéma, Canal+, Ciné+, CNC, Région Bretagne, Région des Pays-de-la-Loire, Cinémage 15. Distribuidora: Adso Films. Estreno en España: 4 de marzo de 2022. Sinopsis: Anaïs es una joven treintañera parisina que es inestable tanto económica como sentimentalmete. Un día conoce a Daniel, quien desde el primer momento en el que la ve se enamora de ella. Pero Daniel vive con Emilie y esta rápidamente también se siente cautivada por Anaïs... En palabras de la directora y guionista, Charline Bourgeois-Tacquet, Los amores de Anaïs "es ante todo una película sobre la fuerza del deseo, la forma en que podemos ponernos en movimiento en la vida y servir de motor, y hablo de deseo en un sentido extenso, no solamente erótico y amoroso. Es el retrato de una chica que se busca, pero también la historia de un encuentro entre esta joven, Anaïs, y el personaje interpretado por Valeria Bruni Tedeschi, que es una mujer más consagrada, una mujer de 55 años, escritora, una mujer fuerte". Se trata de la ópera prima de Charline Bourgeois-Tacquet, que se estrenó mundialmente en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes 2021, donde fue nominada al Golden Camera y a la Queer Palm. También participó en el Melbourne Queer Film Festival, ganado el Premio a Mejor Dirección Novel.

Language Lessons

Dirección: Natalie Morales. País: Estados Unidos. Año: 2021. Duración: 91 minutos. Género: Drama. Interpretación: Natalie Morales, Mark Duplass, Desean Terry. Voz: Christine Quesada. Guion: Mark Duplass, Natalie Morales. Música: Gaby Moreno. Fotografía: Jeremy Mackie. Productora: Duplass Brothers Productions. Distribuidora: Festival Films. Premios y nominaciones: Premios Gotham: Nominada a mejor intérprete revelación (Natalie Morales); Festival de Cine de Berlín: Nominada a mejor película; Festival SXSW: Premio del Público; Festival de Cine de Provincetown: Premio del Público. Estreno en España: 4 de marzo de 2022. Sinopsis: Natalie Morales dirige y protagoniza Language Lessons, una tragicomedia que comparte con Mark Duplass, que escribe el guion con ella. La historia se centra en Adam (Duplass), un hombre que recibe clases de español como regalo de parte de su marido. La profesora, Cariño (Morales), le recibe al otro lado de la webcam. Una situación traumática les unirá más de lo que Adam esperaba. Language Lessons se grabó en pandemia y fue nominada a Me Mejor Película en el Festival de Berlín en 2021. Se llevó el premio del jor Película en el Festival de Berlín en 2021. Se llevó el premio del público en festivales como el SXSW o el Festival de Cine de Provincetown. La película es descrita como un estudio del amor platónico con sinceridad, mucha emoción y un toque de humor negro.

Hive (Colmena)

Título original: Hive. Dirección: Blerta Basholli. País: Kosovo. Año: 2021. Duración: 84 minutos. Género: Drama. Pobreza. Feminismo. Drama social. Basado en hechos reales. Interpretación: Yllka Gashi, Cun Lajci, Aurita Agushi, Kumrije Hoxha, Adriana Matoshi, Molikë Maxhuni, Blerta Ismaili, Kaona Sylejmani, Mal Noah SafQiu, Xhejlane Terbunja, Ilir Prapashtica, Bislim Muçaj, Blin Sylejmani, Shkelqim Islami, Adem Karaga, Zarije Jonuzi Çeliku, Astrit Kabashi, Luan Kryeziu, Valire Haxhijaj Zeneli, Arta Lahu, Semira Latifi, Valmir Krasniqi, Labinot Lajçi, Armend Smajli, Aulona Selmani, Njomza Tmava, Nexhat Xhokli. Guion: Blerta Basholli. Música: Julien Painot. Fotografía: Alex Bloom. Productora: Coproducción Kosovo-Suiza-Albania-Macedonia; AlbaSky Film, Alva Film, Black Cat Production, Ikone Studio, Industria Film. Premios y nominaciones: Festival de Sundance: 3 premios, incluido Premio del Jurado - Mejor película (World Cinema); Festival de Valladolid - Seminci: Mejor actriz (Yllka Gashi). Estreno en España: 4 de marzo de 2022. Sinopsis: En un pueblo muy unido de Kosovo, las familias luchan para llegar a final de mes, ansiosas por recibir noticias de los maridos, padres e hijos que fueron a la guerra. Cuando las abejas de Fahrije dejan de producir miel, decide sacarse el carnet de conducir y se aventura a la ciudad para vender ajvar casero en una tienda de comestibles local. Su ingenuidad y ambición ponen a prueba a los habitantes de un pueblo conservador por naturaleza en el que siguen vigentes las nociones patriarcales y tradicionales de la sociedad. Para poder sobrevivir tiene que superar los insultos y los ataques físicos que tratan de impedir por todos los medios que la mujer pueda valerse por sí misma. 

Mujeres de cine: Barbara Mcnair

Barbara Mcnair, actriz y cantante estadounidense afrodescendiente. Nació el 4 de marzo de 1934 en Racine (Wisconsin). Debutó en el cine en 1966 en la película Novios y a lo loco (Unkissed Bride), de Jack Harris Enterprises; a la que siguió El pacto de los canallas (If He Hollwers, Let Him Go!), dirigida por Charles Martin, donde obtuvo su primer papel de importancia. Trabajó junto a Elvis Presley en Cambio de hábito (Change of habit, 1969) y Sydney Poitier (Ahora me llaman Mr. Tibbs (They Call Me Mister Tibbs!, 1970) dirigida por Gordon Douglas y El inspector Tibbs contra la organización (The Organization, 1971), dirigida por Don Medford (1971). Falleció el 4 de febrero en Los Ángeles a los 72 años de edad.

De “Furia” a “Arthur Rambo”: un sinfín de películas donde la manada es implacable (IV)

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Nadie está a salvo (Summer of Sam, 1999), de Spike Lee 

La ciudad de Nueva York se ve invadida por una gran ola de calor, mientras se ve sacudida por los crímenes de un asesino en serie al que la prensa amarilla ha bautizado como "El hijo de Sam". Cuando un jefe mafioso ofrece una recompensa por su captura, unos vecinos del Bronx que están convencidos de que el asesino es de su barrio, hacen una lista de los sospechosos.

La película aprovecha un hecho real, las actuaciones de un loco asesino, para contar las vicisitudes de unos tipos que llevan una vida de perros en uno de los barrios modestos de Nueva York. El cineasta Spike Lee cuenta con oficio no exento de crudeza esta historia de muertes y amores inconstantes.

Dogville (2003), de Lars von Trier 

Es una parábola que cuenta la historia de Grace Mulligan (Kidman), una mujer que se esconde de los gánsteres y que llega a una pequeña ciudad de montaña llamada Dogville, Colorado, en la que los vecinos le ofrecerán refugio a cambio de trabajos físicos. Ella tiene que ganarse la aceptación de cada habitante de la ciudad para que le permitan quedarse, cualquier intento de hacer las cosas a su manera o de poner límites a su servicio es un riesgo que la puede conducir de vuelta a las manos de los criminales que la persiguen. Aunque ella no tiene poder su estancia allí cambia las vidas de la gente local y la ciudad, pero todo cambia cuando se revela quién es realmente de quien escapaba Grace y Dogville podría arrepentirse de haberla tratado como lo hicieron.

Es la primera película de la trilogía Estados Unidos: tierra de oportunidades, compuesta por Manderlay de 2005 y Wasington, aún por realizar.

Efemérides de cine: Hermano sol, hermana Luna

El 3 de marzo de 1972 se estrenó la película italiana Hermano sol, hermana luna (Fratello sole, sorella luna), dirigida por Franco Zeffirelli e interpretada por Graham Faulkner, Judi Bowker, Leigh Lawson, Kenneth Cranham, Lee Montague, Valentina Cortese, Alec Guinness, Michael Feast, Nicholas Willatt, John Sharp, Adolfo Celi, Francesco Guerrieri. Productora: Coproducción Italia-Reino Unido; Euro International Films, Vic Films Productions. Duración: 121 minutos.

Sinopsis argumental: Se centra en los primeros años de Francisco de Asis, que busco la comunión con su entorno natural renunciando a las riquezas de su familia para encontrar así su propio destino, liberado de sus posesiones materiales. Francisco fue, de alguna forma, el primer rebelde de la historia: dejo una vida de confort para unirse espiritualmente con el mundo 

Nominaciones y premios: Nominada al Oscar: Mejor dirección artística; Premios BAFTA: Nominada a mejor diseño de vestuario; Premios David di Donatello: Mejor director (ex aequo). 

Comentario: Hermano Sol, hermana Luna supone una significativa, impresionante y poco habitual experiencia cinematográfica. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Hace 100 años: La tierra en llamas

El 3 de marzo de de 1922 se estrenó la película alemana La tierra en llamas (Der Brennende Acker), dirigida por F.W. Murnau e interpretada por Eugen Klöpfer, Vladimir Gajdarov, Werner Krauss, Eduard von Winterstein, Stella Arbenina, Lya De Putti, Alfred Abel, Grete Diercks, Elsa Wagner. Productora: Deulig-Film. Duración: 110 minutos. 

Sinopsis argumental: El viejo Rog tiene dos hijos: Peter y Johannes. El primero se ha adaptado a la tierra, bendice el pan que ésta les brinda, y actúa con tal sabiduría y sentido de la convivencia, que su calidad de vida es apreciada por todos en la comarca. Johannes, el más joven, ve las cosas de otra manera: se siente un hombre de mundo y subestima la vida campestre como si fuera una maldición. A cambio de esto, el poder y el dinero son sus únicas metas. Entre las hilanderas se cuentan historias acerca de un lugar conocido como El Campo del Diablo (Teufelsacker), y pronto sabremos que, ésta, es precisamente la tierra que heredará Helga, la esposa del conde Rudenberg, sólo que ella no sabe que allí hay un gran tesoro por descubrir. Josef von Rudenberg, como el anciano Rog, parecen precisar que sus días están contados, y el último desea que su hijo Johannes se organice con la doncella María, y el primero deja firmado su testamento donde beneficia a su hija Gerda con todas sus propiedades y cree que sólo una tierra árida le lega a su infiel esposa. Talvez, en su inconsciente, ambos ancianos presienten que es mejor irse que enterarse de los hechos lamentables que amagan con suceder.

Comentario: Drama rural de luchas familiares por la posesión de la tierra que escenifica la pasión y la codicia, las supersticiones y las leyendas, en una narración expresionista.

De “Furia” a “Arthur Rambo”: un sinfín de películas donde la manada es implacable (III)

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La jauría humana (The Chase, 1966), de Arthur Penn

Nada parece cambiar en Estados Unidos. Treinta años después de Furia de Fritz Lang, Arthur Penn retoma el tema. Consideremos a un falso culpable (Robert Redford), fugado de una penitenciaría, que se refugia en su ciudad natal, en Texas, donde, por muchas razones, todos quisieran verlo muerto. Casi estática al principio, la puesta en escena parece intensificarse, secuencia a secuencia, para desembocar en pura fantasmagoría, cuando el sheriff local (Marlon Brando) es atacado por sus desatados ciudadanos.

La degradación moral de la sociedad americana es magníficamente radiografiada a través de los personajes de un pequeño pueblo de Texas en plena fiebre del sábado noche. Lucha de clases, envidias, crisis matrimoniales, culto al dinero... todo va embruteciendo el sueño americano en esta interesante historia que gira en torno a un preso fugado -un primerizo Robert Redford- y al honrado sheriff -impresionante Marlon Brando- que lo persigue. Para acentuar esta sangrienta pesadilla, Penn decide filmar a cámara lenta los golpes en el rostro cada vez más hinchado de Brando, y luego proyectarlos a cámara rápida para aumentar su velocidad y brutalidad... Reparto de lujo para un film emblemático de los años 1960.

Cometieron dos errores (Hang 'Em High, 1968), de Ted Post

Oklahoma, 1889. Unos hombres acusan injustamente a Jed Cooper (Clint Eastwood) de haber robado ganado y no dudan en ahorcarlo. En el último instante, lo salva un comisario que trabaja a las órdenes del juez Fentom. Aclarados los hechos y demostrada su inocencia, el juez aconseja a Cooper que olvide lo ocurrido y le ofrece un puesto como comisario. Su misión será capturar vivos a los que intentaron lincharlo para que sean juzgados por el juez. 

Se trata de una historia de una venganza, de una implacable caza del hombre, pero también es una historia de amor, y una historia sobre la ambigüedad de la Justicia, y una historia sobre el perdón y el arrepentimiento.

Canoa: memoria de un hecho vergonzoso (1976), de Felipe Cazals

Basada en hechos reales sucedidos en México en septiembre de 1968, cinco jóvenes empleados de la Universidad Autónoma de Puebla intentan escalar el volcán La Malinche pero, debido al mal tiempo, no tienen éxito y tienen que refugiarse en un pueblo cercano llamado San Miguel Canoa. Debido a la paranoia religiosa vivida en el pueblo en gran medida incitada por el párroco local, el pueblo los confunde con radicales comunistas... 

Considerada como una de las películas que devolvió vida al cine mexicano, Canoa constituye uno de los títulos más señeros del directo Felipe Cazals. El mayor mérito del film consiste en el poder de su denuncia social a pocos años del suceso acaecido en 1968.

Haz lo que debas (Do the Right Thing, 1989), de Spike Lee

En Bedford Stuyvesant, uno de los barrios más humildes de Brooklyn, viven varias familias de raza negra, algunos hispanos, una pareja de comerciantes vietnamitas y una familia italoamericana que tiene una pizzería. Mookie, un chico que trabaja de repartidor de pizzas, conoce bien a los vecinos y es testigo privilegiado no sólo de la vida cotidiana del barrio, sino también de las tensiones y del racismo de algunos de sus habitantes.

Segunda película del siempre controvertido Spike Lee, con la que participó en la Sección Oficial de Cannes, y la que sigue siendo considerada como su mejor película hasta la fecha. Una intensa y feroz crítica social al racismo aún latente en los años 1980, y también hoy en día, en la cultura y vida norteamericana. El título de la película toma inspiración de una célebre frase de Malcolm X, "You've got to do the right thing".

El odio (La haine, 1995), de Mathieu Kassovitz 

Tras una noche de disturbios en un barrio marginal de las afueras de París, tres amigos adolescentes, Vinz, Saïd y Hubert (un judío, un árabe inmigrante y un boxeador amateur negro, respectivamente), son testigos de un hecho, en el que su amigo Abdel resulta herido por la policía. El deambular por la ciudad, la violencia entre bandas y los conflictos con la policía son las constantes en las 24 horas siguientes de la vida de estos jóvenes.

En esta película, Kassovitz, sabe retratar a la perfección esa marginalidad y los prejuicios sociales contra los que también tienen que combatir los habitantes de estas zonas como el racismo.

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Efemérides de cine: Marco Antonio y Cleopatra

El 2 de marzo de 1972 se estrenó la película británica Marco Antonio y Cleopatra (Anthony and Cleopatra), dirigida por Charlton Heston e interpretada por Charlton Heston, Hildegarde Neil, Eric Porter, John Castle, Fernando Rey, Juan Luis Galiardo, Carmen Sevilla, Freddie Jones, Peter Arne, Warren Clarke, Roger Delgado, Julian Glover, Sancho Gracia. Productora: Coproducción Reino Unido-Suiza-España; Folio Films, The Rank Organisation, Transac, Ízaro Films. Duración: 158 minutos. 

Sinopsis argumental: Durante una campaña militar en el norte de África, Marco Antonio conoce a Cleopatra, se enamora de ella y se olvida de sus responsabilidades políticas. En Alejandría recibe la noticia del destierro de su hermano Lucio y de la muerte de su esposa Fulvia, que estaban implicados en una sublevación. Entonces vuelve a Roma para unirse a Lépido y a César Octavio, que le han declarado la guerra a Pompeyo. 
Comentario: Tras haberse consagrado como una de las grandes estrellas de su tiempo con películas como Ben Hur o Los diez mandamientos, el actor Charlton Heston debutó en la dirección con esta adaptación de la obra homónima de Shakespeare. La película, que fue rodada en su mayor parte en España. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: La sonrisa de mamá

El 2 de marzo de 1972 se estrenó la película argentina La sonrisa de mamá,  dirigida por Enrique Carreras e interpretada por Palito Ortega, Libertad Lamarque, Emilio Comte, Tito Mendoza, Nelly Beltrán, Juan Carlos Copes, María de los Ángeles Medrano, Nelly Prince, Ángel Magaña, Jacques Arndt, Rodolfo Machado, Adriana Aguirre, Silvia Mores, Irma Córdoba, Aurora Del Mar, Miguel Jordán, Virginia Romay, Ricardo Passano. Productora: Argentina Sono Film S.A.C.I. Duración: 98 minutos.

Sinopsis argumental: La historia destaca la importancia del amor de la familia. Angélica (Lamarque) es una famosa cantante, cuyos hijos envueltos en sus preocupaciones cotidianas, no le prestan la atención que ella tanto añora. Hasta que un grave percance logra sacar a la luz los verdaderos sentimientos, y demostrar la indestructibilidad del cariño más genuino.

Comentario: Fue la penúltima participación en el cine de Lamarque, así como también su segunda película en el cine argentino desde su exilio en 1946 y la primera luego de doce años cuando había formado parte de Creo en ti. Ortega y Lamarque cantaron para el filme la canción homónima (también conocida como Se parece a mi mamá), la cual tuvo mucho éxito. SE conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Cine para niños: “Pas pareil… et pourtant !”, cuatro historias llenas de solidaridad

Esta bonita colección de cortometrajes de animales, que privilegia la ayuda mutua más allá de las diferencias de color o especie, se estrenará en cines el miércoles 23 de febrero. A partir de 4 años. Tanto si nuestro color no es el mismo, si somos más pequeños o más altos, cada uno puede aportar su granito de arenaal edificio y convivir de la mejor manera. Libérate de prejuicios, acepta la mirada ajena y date cuenta de lo que estamos hechos.

Le Renard et l'Oisille,  de Fred y Sam Guillaume

Cuatro cortometrajes de animales componen esta preciosa colección en torno a la ayuda mutua, más allá de las diferencias de color o especie. Si las películas en 3D adolecen de sus gráficos por computadora, las demás se distinguen por su hermosa animación en 2D (Noir & Blanc (5' 30'') de Jesus Perez y Gerd Gockell, La Corneille blanche (9') de Miran Miošić). Y su guion contundente, lejanamente inspirado en el cuento de Andersen Le Vilain Petit Canard.

Las cuatro historias en dos palabras: La antología fomenta la solidaridad dentro de la misma especie, entre una oveja oscura y sus congéneres claros (Noir & Blanc), entre un cuervo blanco y sus congéneres negros (La Corneille blanche). También ofrece alianzas más sorprendentes, entre un pajarito y un origami (Le Moineau et l’avion de papier (11') de Christoph Englert), entre un zorro y una zancuda (Le Renard et l'Oisille (11' 57'') de Fred y Sam Guilaume).

El argumento para que les guste: De las cuatro películas, La Corneille blanche (2018) es sin duda la más actual. El croata Miran Miosic imagina un escenario que se asemeja a un paraíso para las aves. Luego, los colores suaves se vuelven matices desvaídos cuando describe las consecuencias del calentamiento global y la contaminación: pesticidas rociados por aviones. O bien un impactante paisaje apocalíptico.

De “Furia” a “Arthur Rambo”: un sinfín de películas donde la manada es implacable (II)

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Pánico (Panique, 1946), de Julien Duvivier

Para ser amado, tienes que ser amable. Monsieur Hire (Michel Simon) no lo es. Y así, todo su vecindario lo odia. Cuando lo acusan de asesinato (la única mujer que ha amado en su vida, lo engaña), la turba lo echa del hotel donde vive. Lo empuja. Le obliga a refugiarse en la azotea de un edificio del que acaba cayendo. 

Julien Duvivier transforma en un cuento expresionista la novela de Georges Simenon, Les fiançailles de monsieur Hire. Encontramos allí la soledad del alma humana en la oscuridad infinita, hilo conductor de toda su obra: La cabeza de un hombre, he aquí el tiempo de los asesinos.

Han matado a un hombre blanco (Intruder in the Dust, 1949), de Clarence Brown

Tras el asesinato de un hombre blanco, los vecinos del pueblo culpan de ello a un hombre negro, basándose únicamente en vagas hipótesis. Pero de entre la irracional masa que quiere linchar al sospechoso, surgen un abogado, una anciana y un muchacho que están dispuestos a aliarse y a arriesgar sus vidas para evitar el linchamiento.

Han matado a un hombre blanco” forma parte de aquellas producciones hollywoodienses del periodo de la posguerra que trataban el tema racial de forma tolerante. Este ciclo cinematográfico terminó bruscamente en la década de 1950 con la ‘caza de brujas’ del senador McCarthy. Esta película, basada en la novela de William Faulkner, fue filmada en una pequeña ciudad de Mississippi y Juano Hernández interpreta a Lucas Beauchamp, un afro-americano acusado injustamente de asesinato. Éste fue uno de los primeros papeles importantes para este actor, formado en el mundo del teatro, y su interpretación fue elogiada por los críticos que, a partir de ese momento, empezaron a considerarle un talento digno de tomarse en cuenta. La película, sin embargo, no tuvo el éxito comercial esperado.

El forajido (The Lawless, 1950), de Joseph Losey

Larry Wilder, un antiguo corresponsal de grandes periódicos norteamericanos, edita en el pueblo de Santa Marta su propio diario. En un baile que tiene lugar en el barrio chicano, Larry conoce a Sunny García, la hija del editor de un semanario dirigido a esta comunidad y editado en español, en el que Sunny trabaja como periodista. Cuando un grupo de jóvenes adinerados anglosajones hace irrupción en el baile, se origina un tumulto. Un joven recolector de fruta, Pablo Rodríguez, golpea a un policía y, asustado por las consecuencias, huye. A partir de entonces es víctima de una implacable persecución por parte de los habitantes del pueblo, que pretenden lincharle. Únicamente Larry le defiende, convencido de su inocencia.

Segundo largometraje de Joseph Losey que rodó íntegramente en escenarios naturales (por primera vez Losey utiliza el decorado como un personaje más, algo que sería una constante en su cine posterior) y que muestra el choque de la cultura dominante anglosajona con la chicana a través de una intriga con elementos melodramáticos. Se trata de una eficaz película de bajo presupuesto, costó 150.000 dólares, que consagró a Losey como un gran director.

The Sound of Fury (AKA Try and Get Me), de Cy Endfield

Un padre de familia en paro, acuciado por las necesidades económicas, conoce a un individuo que le propone ser su chófer en pequeños atracos. Todo se complica cuando se ve envuelto en un secuestro.

La película está basada en la novela de 1947 The Condemned de Jo Pagano, quien también escribió el guión. La novela Pagano se basó en hechos que ocurrieron en 1933 cuando dos hombres fueron arrestados en San José, California por el secuestro y asesinato de Brooke Hart. Los sospechosos confesaron y posteriormente fueron linchados por una turba de lugareños.

Piel de serpiente (The Fugitive Kind, 1960), de Sidney Lumet

Adaptación de La caída de Orfeo, drama de Tennessee Williams. Valentine 'Snakeskin' Xavier (Marlon Brando) es un músico de Nueva Orleáns que lleva una vida errante y muy irregular que le crea frecuentes problemas con la ley, razón por la cual se ve obligado a cambiar de ciudad continuamente. Durante un viaje, se detiene en Two Rivers, cerca del Mississippi. Allí consigue trabajo en la tienda de Lady Torrance (Anna Magnani), una mujer madura de origen italiano que se convierte en su amante. Al mismo tiempo, conoce a Carol Cutrere (Joanne Woodward), una joven alcohólica que se siente atraída hacia él.

Un drama humano en su más pura esencia. Claramente una joya necesaria de ver una y otra vez. Sorprendente y magnífico trabajo del gran Lumet, una película con gran fuerza visual y emocional que nos atrapa desde el principio hasta el final.

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Mujeres de cine: Mapy Cortés

El 1 de marzo de 1910 nace en Santurce (Puerto Rico), María del Pilar Cordero, conocida como Mapy Cortés, fue una actriz, cantante, bailarina y vedette puertorriqueña. Participó en muchas películas durante la Época de Oro del cine mexicano, donde se convirtió en una de las estrellas más taquilleras de la década de los 1940. Falleció en San Juan de Puerto Rico el 2 de agosto de 1998.