Efemérides de cine: Tarde de perros

El 19 de septiembre de 1975 se estrenó la película estadounidense Tarde de perros (Dog Day Afternoon), dirigida por Sidney Lumet e interpretada por Al Pacino, John Cazale, Charles Durning, Carol Kane, Chris Sarandon, Penelope Allen, Sully Boyar, Susan Peretz, James Broderick, Lance Henriksen, Beulah Garrick, Sandra Kazan, Estelle Omens, Marcia Jean Kurtz, Amy Levitt, Gary Springer, John Marriott, Philip Charles MacKenzie, Dick Anthony Williams, Judith Malina, Dominic Chianese, Edwin Malave, Tom Towles, Tony Lip. Productora: Warner Bros., Artists Entertainment Complex. Duración: 120 minutos.

Sinopsis argumental: Verano de 1972, la canícula se abate sobre Nueva York. Es lo que allí se llama una "tarde de perros". Dos vecinos de Brooklyn, Sonny Wortzik y Salvatore Naturile, asaltan un banco con un plan absurdo. Se trata de dos ladrones sin experiencia cuyo fin es hacerse con un importante botín que permita a Sonny pagar la operación de cambio de sexo de su novio, Leon Shermer. El banco no tiene fondos, pues estos han sido retirados unas horas antes, sin que la pareja de atracadores lo supiera. Sonny y Salvatore se ven atrapados en un callejón sin salida. Cuando son cercados por la policía, no tienen más remedio que seguir adelante. Mantienen secuestrado a un grupo de rehenes y plantean sus exigencias. El suceso llama la atención de los medios de comunicación, que informan del atraco. Con este planteamiento se desarrolla una curiosa historia, basada en hechos reales.

Nominaciones y premios: Oscar: Mejor guion original. 6 nominaciones, incluyendo película, director y actor; Globos de Oro: 7 nominaciones, incluyendo mejor película - Drama; Premios BAFTA: Mejor actor (Al Pacino) y mejor montaje. 6 nominaciones; Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director; Sindicato de Guionistas (WGA): Mejor guion original drama; Festival de San Sebastián: Mejor actor (Al Pacino). 

Comentario: El guion fue escrito por Frank Pierson y está basado en el artículo de la revista Life "The Boys in the Bank" de P. F. Kluge y Thomas Moore. El artículo narraba el robo y la toma de rehenes llevado a cabo por John Wojtowicz y Salvatore Naturile en una sucursal del Chase Manhattan Bank en Brooklyn en 1972. Su título en inglés, traducido como "tarde sofocante" o "tarde agobiante", hace referencia al período canicular en verano durante el cual está ambientada la trama. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Asesinato en el Orient Express

El 21 de noviembre de 1974 se estrenó la película británica Asesinato en el Orient Express (Murder on the Orient Express), dirigida por Sidney Lumet e interpretada por Albert Finney, Lauren Bacall, Ingrid Bergman, Sean Connery, Jean-Pierre Cassel, Martin Balsam, George Colouris, Jacqueline Bisset, John Gielgud, Wendy Hiller, Anthony Perkins, Vanessa Redgrave, Rachel Roberts, Richard Widmark, Michael York, Denis Quilley, Colin Blakely. Productora: G.W. Films, EMI Films. Duración: 128 minutos.

Sinopsis argumental: Es el invierno de 1935. El detective belga Hércules Poirot (Albert Finney) ha resuelto un caso en Mesopotamia y regresa a casa en el Orient Express. En el viaje, Poirot se encuentra con su amigo Bianchi (Martin Balsam), que trabaja para la Compagnie Internationale des Wagons-Lits. Durante el trayecto entre Belgrado y Slavonski Brod, el tren atraviesa una tormenta de nieve en los Balcanes y finalmente queda detenido durante la noche. A la mañana siguiente es descubierto el cadáver del millonario estadounidense Samuel Edward Ratchett (Richard Widmark), que ha sido asesinado con varias puñaladas. Poirot, Bianchi, y el Dr. Constantine (George Coulouris), trabajan juntos para resolver el caso con la ayuda del francés Pierre Michel (Jean-Pierre Cassel), el encargado del coche.

Nominaciones y premios: Oscar: Mejor actriz secundaria (Ingrid Bergman). 6 nominaciones. Premios BAFTA: Mejor actor secundario (Gielgud), actriz secundaria (Bergman) y música. 10 nominaciones; Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director; Asociación de Críticos Norteamericanos (NBR): Nominada a mejores 10 películas  del año. 

Comentario: Adaptación de una de las novelas más conocidas de Agatha Christie, publicada en 1934. Inmejorable reparto para una película que consiguió un Oscar (mejor actriz secundaria: Ingrid Bergman) y seis nominaciones. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Cumplió 25 años: Gloria

El 22 de enero de 1999 se estrenó la película estadounidense Gloria, dirigida por Sidney Lumet e interpretada por Sharon Stone, Jeremy Northam, Cathy Moriarty, Jean-Luke Figueroa, George C. Scott, Mike Starr, Bonnie Bedelia, Barry McEvoy, Bobby Cannavale.Productora: Mandalay Entertainment. Duración: 103 minutos.

Sinopsis argumental: Gloria es una mujer fuerte y dura, que se ha movido siempre entre maleantes. Recién salida de la cárcel, vuelve con su banda de mafiosos, pero ciertas circunstancias la convierten en protectora de un niño al que sus colegas quieren matar. El padre del chico tenía en su poder información que podía llevar a la cárcel a todos los miembros de la banda. 

Nominaciones y premios: Nominada a los Premios Razzie: Peor actriz (Sharon Stone)

Comentario: Sharon Stone osa romper con su imagen "glamourosa", y encarna a una mujer vulgar, cuyos instintos maternales se despiertan al ver al indefenso chaval. Bien dirigida por Sidney Lumet, el resultado es una entretenido "remake" de una película de 1980, con dos personajes vigorosos (Gloria y Nicky, el crío). Además hay buenos momentos de acción, como el de la vibrante persecución automovilística.

Efemérides de cine: Serpico

El 5 de diciembre de 1973 se estrenó la película estadounidense Serpico, dirigida por Sidney Lumet e interpretada por Al Pacino, John Randolph, Jack Kehoe, Biff McGuire, Barbara Eda-Young, Cornelia Sharpe, Allan Rich, Tony Roberts, F. Murray Abraham. Productora:  Coproducción Estados Unidos-Italia; Artists Entertainment Complex, Produzioni De Laurentiis International Manufacturing Company. Duración: 129 minutos. 

Sinopsis argumental: Años 1970. Relato biográfico sobre Frank Serpico, un policía íntegro de principios incorruptibles que, a diferencia de sus colegas, nunca se dejó sobornar, y precisamente por ello siempre tuvo problemas con sus compañeros de profesión y se vio expuesto a situaciones muy peligrosas.
Nominaciones y premios: Oscar: Nominada a Mejor actor (Al Pacino) y mejor guión adaptado; Globos de Oro: Mejor actor (Al Pacino). Nominada Mejor película - Drama; Premios BAFTA: Nominada mejor director, mejor actor (Pacino) y mejor música; Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a mejor actor (Al Pacino); National Board of Review (NBR): Una de las mejores 10 películas del año; Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director
Comentario: Sidney Lumet definió esta película como "Retrato de un auténtico rebelde con causa". Basada en hechos reales, retrata con verismo los niveles de corrupción de la policía neoyorquina, que Frank Serpico trata de sacar a la luz desde que es un novato recién licenciado de la Academia, hasta que es un poli completamente curtido en la calle. La película arranca con un Serpico que acaba de ser tiroteado, y luego sigue como un largo flash-back que explica cómo se ha llegado a esa situación. Con un estilo áspero y sin concesiones, se muestra su honradez y su disposición a colaborar con sus superiores, pero el nivel de trapicheos es tal en lo que se refiere a complicidad, tolerancia o "mirar a otro lado", que la tarea no es fácil. Y mientras sus compañeros, que aceptan los habituales sobornos, le hacen la vida poco menos que imposible. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: La ofensa

El 11 de enero de 1973 se estrenó la película británica La ofensa (The Offence), dirigida por Sidney Lumet e interpretada por Sean Connery, Trevor Howard, Vivien Merchant, Ian Bannen, Derek Newark,John Hallam, Peter Bowles, Ronald Radd, Richard Moore, Anthony Sagar, Maxine Gordon, Hilda Fenemore, Rhoda Lewis, Cynthia Lund, Howard Goorney. Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Tantallon. Duración: 112 minutos. 

Sinopsis argumental: Alterado psicológicamente por los atroces hechos que ha visto en su carrera y alejado moralmente de su esposa, un sargento de policía, mientras interroga brutalmente al supuesto violador de una muchacha, le causa la muerte. A continuación es sometido a un proceso en el que intenta justificar su conducta.

Nominaciones y premios: Premios BAFTA: Nominada a mejor actor secundario (Ian Bannen).

Comentario: Basada en una obra de teatro de John Hopkins, Sidney Lumet nos presenta un thriller con una fuerte carga psicológica protagonizado por un espléndido Sean Connery. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

De “Furia” a “Arthur Rambo”: un sinfín de películas donde la manada es implacable (II)

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Pánico (Panique, 1946), de Julien Duvivier

Para ser amado, tienes que ser amable. Monsieur Hire (Michel Simon) no lo es. Y así, todo su vecindario lo odia. Cuando lo acusan de asesinato (la única mujer que ha amado en su vida, lo engaña), la turba lo echa del hotel donde vive. Lo empuja. Le obliga a refugiarse en la azotea de un edificio del que acaba cayendo. 

Julien Duvivier transforma en un cuento expresionista la novela de Georges Simenon, Les fiançailles de monsieur Hire. Encontramos allí la soledad del alma humana en la oscuridad infinita, hilo conductor de toda su obra: La cabeza de un hombre, he aquí el tiempo de los asesinos.

Han matado a un hombre blanco (Intruder in the Dust, 1949), de Clarence Brown

Tras el asesinato de un hombre blanco, los vecinos del pueblo culpan de ello a un hombre negro, basándose únicamente en vagas hipótesis. Pero de entre la irracional masa que quiere linchar al sospechoso, surgen un abogado, una anciana y un muchacho que están dispuestos a aliarse y a arriesgar sus vidas para evitar el linchamiento.

Han matado a un hombre blanco” forma parte de aquellas producciones hollywoodienses del periodo de la posguerra que trataban el tema racial de forma tolerante. Este ciclo cinematográfico terminó bruscamente en la década de 1950 con la ‘caza de brujas’ del senador McCarthy. Esta película, basada en la novela de William Faulkner, fue filmada en una pequeña ciudad de Mississippi y Juano Hernández interpreta a Lucas Beauchamp, un afro-americano acusado injustamente de asesinato. Éste fue uno de los primeros papeles importantes para este actor, formado en el mundo del teatro, y su interpretación fue elogiada por los críticos que, a partir de ese momento, empezaron a considerarle un talento digno de tomarse en cuenta. La película, sin embargo, no tuvo el éxito comercial esperado.

El forajido (The Lawless, 1950), de Joseph Losey

Larry Wilder, un antiguo corresponsal de grandes periódicos norteamericanos, edita en el pueblo de Santa Marta su propio diario. En un baile que tiene lugar en el barrio chicano, Larry conoce a Sunny García, la hija del editor de un semanario dirigido a esta comunidad y editado en español, en el que Sunny trabaja como periodista. Cuando un grupo de jóvenes adinerados anglosajones hace irrupción en el baile, se origina un tumulto. Un joven recolector de fruta, Pablo Rodríguez, golpea a un policía y, asustado por las consecuencias, huye. A partir de entonces es víctima de una implacable persecución por parte de los habitantes del pueblo, que pretenden lincharle. Únicamente Larry le defiende, convencido de su inocencia.

Segundo largometraje de Joseph Losey que rodó íntegramente en escenarios naturales (por primera vez Losey utiliza el decorado como un personaje más, algo que sería una constante en su cine posterior) y que muestra el choque de la cultura dominante anglosajona con la chicana a través de una intriga con elementos melodramáticos. Se trata de una eficaz película de bajo presupuesto, costó 150.000 dólares, que consagró a Losey como un gran director.

The Sound of Fury (AKA Try and Get Me), de Cy Endfield

Un padre de familia en paro, acuciado por las necesidades económicas, conoce a un individuo que le propone ser su chófer en pequeños atracos. Todo se complica cuando se ve envuelto en un secuestro.

La película está basada en la novela de 1947 The Condemned de Jo Pagano, quien también escribió el guión. La novela Pagano se basó en hechos que ocurrieron en 1933 cuando dos hombres fueron arrestados en San José, California por el secuestro y asesinato de Brooke Hart. Los sospechosos confesaron y posteriormente fueron linchados por una turba de lugareños.

Piel de serpiente (The Fugitive Kind, 1960), de Sidney Lumet

Adaptación de La caída de Orfeo, drama de Tennessee Williams. Valentine 'Snakeskin' Xavier (Marlon Brando) es un músico de Nueva Orleáns que lleva una vida errante y muy irregular que le crea frecuentes problemas con la ley, razón por la cual se ve obligado a cambiar de ciudad continuamente. Durante un viaje, se detiene en Two Rivers, cerca del Mississippi. Allí consigue trabajo en la tienda de Lady Torrance (Anna Magnani), una mujer madura de origen italiano que se convierte en su amante. Al mismo tiempo, conoce a Carol Cutrere (Joanne Woodward), una joven alcohólica que se siente atraída hacia él.

Un drama humano en su más pura esencia. Claramente una joya necesaria de ver una y otra vez. Sorprendente y magnífico trabajo del gran Lumet, una película con gran fuerza visual y emocional que nos atrapa desde el principio hasta el final.

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Efemérides de cine: Supergolpe en Manhattan

El 17 de junio de 1971 se estrenó la película estadounidense Supergolpe en Manhattan (The Anderson Tapes), dirigida por Sidney Lumet e interpretada por Sean Connery, Dyan Cannon, Martin Balsam, Christopher Walken, Alan King, Stan Gottlieb, Val Avery, Ralph Meeker, Garrett Morris, Paul Benjamin, Margaret Hamilton, Judith Lowry. Productora: Columbia Pictures. Duración: 95 minutos. 

Sinopsis argumental: El convicto Duke Anderson (Sean Connery) es libertado luego de pasar diez años en prisión. Mientras visita a su antigua novia Ingrid (Dyan Cannon) en su lujoso departamento, idea su próximo golpe para conseguir dinero: robar a todos los departamentos del edificio. Es un plan complejo que involucra a numerosos ex-convictos y conocidos. Anderson pronto se da cuenta de que el mundo ha cambiado en los diez años que pasó en prisión, ya que los edificios ahora poseen cámaras de seguridad y debe tener en cuenta esta complicación. Lo que Duke no se imagina es que muchos de sus secuaces están vigilados electrónicamente por varias organizaciones. Algunas de estas intervenciones son legales y otras no. ¿Podrán las personas que hacen la vigilancia descubrir el plan, recibiendo sólo parte de la información?

Comentario: Thriller con grandes dosis de tensión y suspense dirigido por Sidney Lumet, a partir de la novela The Anderson Tapes de Lawrence Sanders. La película explota el filón de los atracos perfectos, calculados al milímetro, tan en boga en aquellos momentos, con un Sean Connery que ya a principios de los años 1970 intentaba alejarse del sambenito de James Bond. Supergolpe en Manhattan supuso la primera colaboración del cineasta con el guionista Frank Pierson. Ambos conseguirían el reconocimiento crítico y comercial años más tarde con la realización de Tarde de perros.

"El grupo”, “Georgia”, “Reencuentro”: tres películas en las que la amistad se codea con los caprichos de la vida (III)

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Reencuentro (The Big Chill, 1983), de Lawrence Kasdan (1983)

Se perdieron de vista. La culpa del amor, la familia, la profesión. A la vida, en definitiva. Y luego esta inesperada pero predecible llamada, que temían sin querer admitirse. Uno de ellos se suicidó. Repentinamente. Brutalmente. Sin una palabra y sin despedida… Este es el punto de partida de Reencuentro, de Lawrence Kasdan (1983). Título casi amable, pero que, en la versión original, es mucho más serio: The Big Chill (El gran escalofrío).

Esto es lo que sienten los amigos del fallecido, durante el período de un fin de semana que deciden pasar juntos. Ningún ajuste de cuentas virulento por parte del guionista, como lo concebirá, años más tarde, Thomas Vintenberg en Celebración (Festen, 1998). Toda una serie de escenas cortas, como flashes, a menudo cáusticas sobre aquellos que se han convertido en caricaturas (la estrella de una exitosa serie de televisión), pero emocionantes por lo que han ido dejando atrás (el tipo que regresó impotente de Vietnam). Lo más interesante sigue siendo, sin embargo, la jovencita novia de la muerta, a quien los demás miran con desconsolada condescendencia. Con sus reacciones incongruentes, es ella la que tiene razón, la que está a punto de vivir su vida frente a quienes temen haberla perdido ya...
Una pequeña y divertida anécdota: el hombre muerto, cuyo cuerpo vemos al principio, durante una escena sorprendente, es interpretado por una (futura) estrella, Kevin Costner. Estuvo involucrado en muchos flashbacks, todos eliminados durante la edición. Para ser perdonado, Lawrence Kasdan le ofreció al actor, dos años después, uno de los papeles principales de su Silverado (1985)...

"El grupo”, “Georgia”, “Reencuentro”: tres películas en las que la amistad se codea con los caprichos de la vida (II)

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Georgia (1981), de Arthur Penn 

Estuvimos y nos quedamos con los burgueses en Reencuentro. Los héroes de Georgia son hijos de trabajadores (como Steve Tesich, el guionista). Pero las palabras de Arthur Penn son similares a las de Lawrence Kasdan: para describir, a lo largo de una década, la evolución de Estados Unidos en la década de 1960. Debido a que proviene de una nación privada de libertad, Yugoslavia, el héroe persiste en ver en su país de adopción un Tierra prometida. Y el talento del cineasta consiste en hacer constantemente generosa y cálida la lenta desilusión de sus tres jóvenes, enamorados de una chica bastante excéntrica que se casará con uno, tendrá un hijo con el segundo y se irá, en definitiva, a vivir con el tercero, que ella nunca dejaré de amar...

Toda la película, una joya que no ha envejecido nada, es estimulante. Si este no es el episodio brutal, admirablemente escenificado, donde un hombre de negocios, odioso e incestuoso, masacra a su hija durante la recepción que sigue al matrimonio de esta última... Con humor, Arthur Penn confía el papel de bastardo a James Leo Herlihy, Figura de la contracultura, amigo de Tennessee Williams, militante contra la guerra de Vietnam y autor de la novela Cowboy de medianoche (Midnight Cowboy)  y, adaptada al cine por John Schlesinger en 1969. Impresionante.

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"El grupo”, “Georgia”, “Reencuentro”: tres películas en las que la amistad se codea con los caprichos de la vida (I)

¿Qué puede ser más elocuente que el destino de un montón de amigos de mediana edad para analizar los cambios de una época y contar su progresivo desencanto? Al realizar estas tres películas, los cineastas estadounidenses Lawrence Kasdan, Arthur Penn y Sidney Lumet, en cualquier caso, han abordado brillantemente el tema.

El grupo (The Group, 1966), de Sidney Lumet (1966)

El más cruel de los tres es Sidney Lumet en El grupo. La acción tiene lugar a principios de la década de 1930, cuando Estados Unidos se recupera de la larga crisis que siguió a la Gran Depresión. Entre las entusiastas que creen en un futuro mejor, ocho mujeres -todas jóvenes, licenciadas y ambiciosas- se enfrentarán a obstáculos obstinadamente imaginados por la novelista Mary McCarthy (gran éxito editorial a principios de la década de 1960) y que Sidney Lumet alineará con una especie de silenciosa desesperación. Así, la provinciana (Joan Hackett, formidable), humillada por un escritor dandy, acaba alcohólica con un hombre mayor que ella. La feminista demócrata (Elizabeth Hartman) se encuentra esclavizada por un marido testarudo y republicano, en nombre de su maternidad. Y la aparentemente obsesionada (Joanna Pettet) se extraña que su marido la encierre en la locura: ¡otra atracción!

Uno podría temer una película anticuada y retrógrada. Pero sus palabras podrían adaptarse de muchas maneras a los desafíos actuales. Al igual que Arthur Penn en Georgia y Lawrence Kasdan en Reencuentro, Lumet, de hecho, observa un desencanto progresivo: ¿inevitable? - de cada generación enfrentada a los caprichos de la vida. El tiempo que tarda una utopía en nacer, expandirse, extinguirse. Y reaparecer, aún más bella, siempre más deseable.

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Perversión en las aulas: un Sidney Lumet imperfecto, poco conocido, pero fascinante reflejo de su arte (II)

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El mal corre en esta institución: parece invadir las mentes, especialmente las de los más jóvenes... Durante una escena tanto más extraña cuanto que permanece inexplicable, el joven profesor - sin duda porque todavía está muy cerca de estos adolescentes a los que, hoy, es el responsable de educar - siente la necesidad de cortarse la mano, antes de asustarse, una vez liberado del apretón, ante el gesto que ha cometido. ¿Por qué haces esto? ¿Qué pasó con su libre albedrío?

Este es, obviamente, el objetivo de Sidney Lumet: hablar, una vez más, de la libertad individual, esta noción primordial y frágil, constantemente amenazada en América, y no solo. Utilice la maldad de Broadway para reflexionar sobre los peligros de la manipulación. Desmontar los engranajes que permiten a un hombre supuestamente providencial empujar a una generación -una nación- hacia el fascismo, con la misma complicidad de quienes luego serán sus víctimas...

Un duelo humanista

¿Cómo proceder? En primer lugar, eliminar la cultura, que permite reflexionar, calificar, debatir... Tiene sentido, en tanto, que el enemigo a matar sea el maestro encarnado por James Mason. Enseña lenguas muertas, por tanto inútiles. Y lo hace -un crimen contra la modernidad- al tratar a sus alumnos como adultos responsables, capaces, según él, de soportar lo peor para ser dignos de lo mejor. Un diplodocus, por tanto, irrisorio, pero engorroso, para ser eliminado urgentemente... Frente a él, su rival popular (Robert Preston) lo interpreta, los mentores, los amigos, los cómplices - lo que le permite infiltrarse en las conciencias y el inconsciente de aquellos a quienes busca seducir y reducir.

Es, por tanto, un duelo que filma Sidney Lumet. Un duelo humanista que se desarrolla entre dos mundos, dos filosofías, dos morales. Una fiesta implacable, cargada de dados, observada tanto por un testigo dulcemente indefenso como por las autoridades, por cobardes que puedan ser las mayorías silenciosas, protegidas de la lucidez por su insondable debilidad...

Por menor que sea, esta película poco conocida y poco querida de Sidney Lumet sigue siendo, por tanto, extrañamente personal. Y universal...

Perversión en las aulas: un Sidney Lumet imperfecto, poco conocido, pero fascinante reflejo de su arte (I)

Poco después de tomar posesión de su plaza como profesor de educación física en un internado religioso para chicos, Paul Resse observa algo que le inquieta: los alumnos muestran signos evidentes de complacencia en proporcionar y obtener dolor físico mediante cualquier método a su alcance, negándose después a revelar cómo se lesionaron... Una obra menor de Sidney Lumet, esta película, sin embargo, resuena con todas las obsesiones del director. De sus fortalezas y debilidades también.

Esta no es la mejor película de Sidney Lumet (1924-2011). Que le hemos dado un título en español que no le hace justicia: Perversión en las aulas (el original en inglés es Child's Play )...

Perversión en las aulas (1972), de Sidney Lumet, por menor que sea (si lo comparamos con otros títulos de su filmografía), esta película poco conocida y poco querida de Sidney Lumet sigue siendo, por tanto, extrañamente personal

En pleno rodaje, estamos en 1972, el cineasta tiene sus dudas. Se entusiasmó con un éxito de Broadway, escrito por Robert Maresco. Con la esperanza de mejorarlo. Pero, muy rápidamente, temió no ser el hombre adecuado para triunfar en lo que exigían sus productores: una diablura como la que había, en ese momento, en la línea de La semilla del diablo (19689, de Roman Polanski y El exorcista (1973), de William Friedkin, dos triunfos que sembraron el terror en las salas de cine (incluso apuntamos un gran número de desmayos, rayando en la pura histeria). Es más, el actor con el que soñaba interpretar a uno de los dos maestros -Marlon Brando- se retiró en el último momento, con el pretexto, no muy elegante (¡y falso!), de que su personaje era mucho menos interesante que el que James Mason iba a interpretar...

Pero es precisamente el trabajo - y el placer - de un cinéfilo detectar, especialmente si están bien escondidos, los hilos que conectan las películas de un director. Sabemos que Lumet siempre ha sido un apasionado de la corrupción, ya sea desenfrenada en las esferas del poder estadounidense -Punto límite (Fail-Safe (1964), la policía -Serpico (1973)- o la televisión -Network (1976)-. Es un cineasta comprometido que tuvo la necesidad del compromiso político -Tarde de perros (Dog Day Afternoon, 1975)-, pero también vio sus consecuencias negativas -Un lugar en ninguna parte (Running on Empty, 1988). Evidentemente, Child's Play (ese es el título original: "Juegos infantiles") pertenecerá a esta vena profética y contestaria...

Un ideal maligno

Paul (Beau Bridges) es contratado como profesor de gimnasia en la institución católica donde estudió, no hace tanto tiempo. Dos de sus profesores todavía enseñan allí: a uno lo odiaba y admiraba al otro. ¿Es su rivalidad, ahora exacerbada, la que se refleja insidiosamente en lugares y pensamientos? El joven profesor descubre, entre un grupo de amigos, la presencia de alumnos acosados: víctimas expiatorias que aceptan su difícil situación como si obedecieran a una voluntad superior. Para obedecer un ideal maligno ... ¿Quién en las sombras está moviendo los hilos así?

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¿Conoce Vd. las adaptaciones de John le Carré al cine? (I)

Las historias de espías siempre han dado mucho juego en el cine y las de Le Carré se constataron desde el principio como un material prácticamente listo para ver en el cine. Las novelas de John le Carré son un material puramente cinematográfico, tanto que ha sido fácil mantener su esencia en el salto a la gran y pequeña pantalla, con excelentes adaptaciones, como El espía que surgió del frío, El jardinero fiel, El topo... Repasamos las adaptaciones llevadas al cine de sus obras, por orden cronológico.

El espía que surgió del frío (The Spy Who Came In from the Cold, 1965), de Martin Ritt

A pesar de que sus últimas misiones son bastante irrelevantes, el agente secreto británico Alec Leamas no desea abandonar la clandestinidad para ocupar un despacho oficial. Su nueva misión en la Alemania Oriental parece más interesante: consiste en hacerse pasar por un desertor y para que su deserción resulte verosímil se las ingenia para desacreditarse y desacreditar a sus jefes hasta conseguir que lo expulsen de la agencia de inteligencia británica. De este modo no le resulta díficil entrar en los círculos de espionaje comunistas. Sin embargo, el agente acaba descubriendo que su misión es una simple tapadera y él un instrumento al servicio de un complot secreto. El mundo está en plena Guerra Fría cuando se estrenó esta primera adaptación de John le Carré, apenas dos años después de la publicación de la novela. Revela los intentos paralelos de "intoxicación" de Occidente y la KGB para desacreditar al personal del servicio secreto de Alemania Oriental, con el fin de proteger a un agente doble dentro de ellos. La historia es diabólica, ya que la manipulación nunca está donde esperas que esté. La puesta en escena de Martin Ritt, en blanco y negro, más negro que blanco (claramente no estamos ante un James Bond) literalmente encierra a los personajes. Y Richard Burton es brillante como un antihéroe demasiado humano, aplastado por la malvada mecánica del espionaje.

Llamada para un muerto (The Deadly Affair, 1966), de Sidney Lumet

Adaptación de una novela de John Le Carré, donde el célebre espía George Smiley tuvo que ser rebautizado como Charles Dobbs, ya que Paramount, que había producido El espía que surgió del frío el año anterior, tenía los derechos del nombre del personaje. Detalle curioso que en nada afectaba la trama, adaptada además a la pantalla por Paul Dehn, el mismo guionista de la película citada. La cinta arranca con el supuesto suicidio de un funcionario británico, al que Charles Dobbs estaba investigando como posible espía comunista. En el Foreing Office quieren archivar el caso con esa versión, en que el hombre se habría quitado la vida al verse descubierto. Pero Dobbs va a seguir tirando por su cuenta del hilo de un par de pistas, con sorprendentes resultados. Dehn y Sidney Lumet saben atrapar bien el mundo triste y gris de los espías británicos descrito por Le Carré. Y construyen acertadamente la intriga sobre el juego de lealtades y deslealtades de distintos personajes, el querido tema del novelista de la traición. Como resumía muy acertadamente Lumet, el film "trata sobre las decepciones de la vida". Dobbs va sumando al dolor por las habituales infidelidades de su esposa nuevas "heridas", como la del "affaire" más serio con alguien al que hasta hace poco llamaba "amigo", o la de la poca atención que prestan a sus advertencias sus superiores. Los personajes son de una logradísima melancolía, de modo especial el Dobbs del gran James Mason, y la viuda que estuvo en un campo de concentración, magnífica Simone Signoret. El director sabe dar a la película un aire muy moderno. Rodada con encomiable clasicismo, no duda en recurrir hábilmente a la cámara en mano en la escena de la paliza. Y todo el pasaje en el teatro en que se está representando el "Eduardo II" de Marlowe, poderoso subtexto de lo que está sucediendo entre determinados espectadores del público, es excelente. Lumet pidió a su director de fotografía colores desaturados, para "atrapar esa atmósfera deprimente, como carente de vida, que Londres tiene en invierno". Freddie Young acudió entonces a un proceso de exposición previa de la película antes de filmar, lo que da a la imagen un aspecto único, que ayuda extraordinariamente a la historia.

El espejo de los espías (The Looking Glass War, 1969), de Frank Pierson

Años de la Guerra Fría. El servicio de inteligencia británico sospecha que los soviéticos están colocando misiles en la frontera alemana. El polaco Leiser se traslada detrás el Telón de acero para investigar, pero su vida corre peligro. Una joven alemana le ayudará a evitar a la policía secreta y a cumplir con su misión. Caracterizada por un tono gélido y lívido, que se materializa tanto en su tono fotográfico, en el elemento visual de sus imágenes –en las que incluso sus secuencias de acción aparecerán mitigadas-, y en el aporte de un fondo sonoro –obra de Angela Morley-, que se adhiere con presteza a la atmósfera de su relato, lo cierto es que su conjunto aporta una visión por momentos incómoda de contemplar, en torno a una galería de personajes a cual más mezquino. Desde esa pareja de Leiser, que no ha dudado en utilizarlo para su propio placer, y aborta para perder el vínculo de unión, hasta la carencia de personalidad que, en el fondo, manifiesta LeClerc, dominado por la tremenda influencia que sobre él ejerce una esposa a la que no ama, dedicándose a conquistas de secretarias, que conoce e incluso aprueba su propia esposa. Pero es que esa aura sombría aparecerá también en la figura de Avery, el hombre de una pareja caracterizada por sus constantes enfrentamientos, asqueado del respeto a las convenciones sociales que se empeña en mantener su esposa. En medio de un contexto dominado por la contención de sus respectivas personalidades, aparecen episodios tan caracterizados por esa tensión interna, como la pelea –en apariencia de entrenamiento, pero en el fondo como desahogo entre ambos-, que mantienen los citados Avery y el joven polaco-. Una secuencia que culminará con un matiz irónico, al aparecer unos agentes del orden en la puerta de la vivienda donde se ha producido, como detalle disolvente en ese enfrentamiento sutil entre el sometimiento al orden establecido y la subversión, que de manera metafórica, brinda el episodio. Película hija de su época, basado en una novela de espionaje del experto en estas lides John Le Carré. Entre el reparto destaca la presencia de Anthony Hopkins.

La chica del tambor (The Little Drummer Girl, 1984), de George Roy Hill

Martin Kurtz es un espía israelí que trabaja en una agencia clandestina para permitir una negativa plausible a sus superiores. Este recluta a Charlie, una actriz de izquierda radical de Inglaterra como parte de un elaborado esquema para descubrir el paradero de Khalil, un terrorista palestino. Joseph es el agente encargado de Charlie. El hermano menor de Khalil, Salim, es secuestrado, interrogado y muerto por la unidad de Kurtz. Joseph se hace pasar por Salim y viaja por Europa con Charlie, para Khalil crea que Charlie y Salim son amantes. Cuando Khalil descubre el caso y se pone en contacto con Charlie, los israelíes descubren su paradero. Charlie es llevada a unos campos de refugiados palestinos para recibir entrenamiento para que realice un atentado suicida. Ella comienza a simpatizar con la causa palestina, y sus lealtades divididas la llevan al borde del colapso. A Charlie la envían a que ponga una bomba en una conferencia dada por un israelí moderado cuyas propuestas de paz no son del gusto de Khalil. Ella ejecuta la misión bajo la supervisión de los israelíes. Como resultado, Joseph mata a Khalil. Charlie, posteriormente, sufre un colapso mental causado por la tensión de su misión y de sus propias contradicciones internas.. La penúltima película del responsable de éxitos como El golpe o Dos hombres y un destino fue esta adaptación de la novela homónima de John Le Carré que fue recibida con frialdad por la crítica y el público. El personaje principal del libro, una actriz inglesa de virulentas ideas políticas pro-palestinas (que todo el mundo coincidió en que estaba inspirado en la persona de la intérprete Vanessa Redgrave), cambió de nacionalidad en la película para que lo interpretase una Diane Keaton que por aquel entonces pasaba por un bajón de su carrera cinematográfica.

La casa Rusia (The Russia House, 1990), de Fred Schepisi

Adaptación de la novela homónima de John Le Carré, ambientada en la época de la Guerra Fría. Barley Scott Blair (Sean Connery), un editor británico que se encuentra en Lisboa, se dedica más a la bebida que a atender a los distribuidores rusos de sus libros. Un día lo aborda un agente de la CIA que le pide que sirva de enlace con una bella espía (Michelle Pfeiffer) que puede proporcionarle unos importantes manuscritos de un disidente ruso. La misión de Scott consistirá en intentar averiguar la veracidad y las claves de esas notas sobre el servicio de inteligencia ruso, pero se trata de una misión que puede poner en peligro sus vidas. El australiano establecido en Hollywood Fred Schepisi ha demostrado su buen oficio al trasladar a la pantalla con gran eficacia narrativa el siempre enrevesado relato del famoso novelista. En La casa Rusia se evidencia, por un lado, una aguda crítica a los intereses de los países que capitanearon la Guerra Fría. Y por otra parte, en vísperas del debacle de los países del Este y de la caída de la propia Unión Soviética, la película rompe una lanza en favor de la solidaridad humana y el entendimiento entre los pueblos antaño enemigos. La historia romántica de los protagonistas es el colofón de que antes deben estar las personas que las ideas políticas. La misma autorización del rodaje del film en la entonces URSS además, de cómo se trata el espionaje de las ayer intocables USA y Gran Bretaña es muy significativo. En este sentido, Le Carré-Schepisi intentan evitar el maniqueísmo fácil, aunque no siempre lo consiguen en su discurso de fondo.

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Por el estreno de Druk (Another Round)... (V)

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25.- La noche de la iguana (The Night of the Iguana, 1964), de John Huston

Lawrence Shannon es un guía turístico recientemente expulsado del sacerdocio que dirige una excursión de mujeres en México. Entre ellas, una viuda alcohólica obsesionada con el sexo; una pintora que viaja con su abuelo poeta; una chica casadera deseosa de nuevas experiencias sexuales; y una institutriz de tendencias lesbianas. Todas ellas compartirán vivencias y secretos. Basada en una obra de Tenesse Williams (uno de los dramaturgos más explotados en Hollywood), dicha película está dirigida por el estadounidense John Huston. El largometraje, en realidad, es un estudio psicológico sobre un grupo de gente lleno de temores y excentricidades que se mueven en un ambiente impregnado de sexualidad. El reparto está encabezado por: Richard Burton como Lawrence Shannon y Ava Gardner como Maxine Faulk. También participan Deborah Kerr y Sue Lyon, entre muchos otros. Como anécdota, se dice de esta película que hubo tanta tensión entre los protagonistas durante el rodaje que, cuando terminó, Huston, en tono de broma, les regaló una pistola con cinco balas para que acabaran los unos con los otros.

26.- La reconstrucción (Reconstituirea, 1968), de Lucian Pintille

Ripu y Vuica son dos jóvenes estudiantes que celebran su graduación con una gran borrachera. Atacan al propietario del bar, rompen una ventana y se pelean. Unos días después vuelven al lugar de los hechos con un agente de policía, un juez, un profesor y un equipo de grabación. El juez ha decidido que en vez de ir a la cárcel, reconstruyan los hechos para la grabación de un documental contra el alcoholismo. Fue una película prohibida en Rumanía y su director fue obligado al exilio durante 20 años.

27.- Con los ojos cerrados (The Happy Ending, 1968), de Richard Brooks

Mary Wilson se refugia en los tranquilizantes y el alcohol para soportar las continuas infidelidades de su marido, Fred, un prestigioso abogado. Éste prepara una fiesta con motivo de su decimosexto aniversario de boda. La celebración, a la que asisten importantes clientes de Fred, pondrá de manifiesto la farsa que es el matrimonio Wilson. Un denso melodrama donde el director Richard Brooks, en uno de sus mejores momentos profesionales, volcó su fracaso matrimonial con la actriz protagonista, Jean Simmons. Con este filme, Brooks disecciona de arriba a abajo las mentiras y los prejuicios del matrimonio, en un ejercicio que sirve también como análisis de su propia experiencia emocional. Jean Simmons, en uno de sus mejores trabajos, fue nominada al Oscar en esta cinta que, pese a no ser tan conocida como otras películas de Brooks, como A sangre fría o Dulce pájaro de juventud, está muy bien considerada por la crítica.

28.- Dodes 'Ka-Den (Dodeskaden) (Dodes 'Ka-Den - Dodesukaden, 1970), de Akira Kurosawa

Es una dura parábola sobre la otra cara del desarrollo económico, aunque que se trata de una gran película, el fracaso comercial propició que el famoso realizador no encontrara productores para sus siguientes proyectos, hecho que lo sumergió en una profunda depresión y lo llevó a quererse suicidar y no regresaría al cine hasta pasado cinco años. Gracias al apoyo de la entonces Unión Soviética, consiguió financiamiento para rodar Dersu Uzala. La película fue muy criticada en Japón a pesar de ganar un premio de la academia para la mejor película extranjera.

29.- Despertar en el infierno (Wake in Fright (Outback), 1971), de Ted Kotcheff

Tras una mala apuesta en una partida, un profesor es abandonado en un pueblo lleno de hombres locos, borrachos y violentos que amenazan con volverle igual de loco, borracho y violento. El cineasta canadiense Ted Kotcheff  es el encargado de dirigir esta película en la que el protagonista, John Grant, está a punto de caer al precipicio del alcoholismo y la autodestrucción. Gary Bond protagoniza la cinta dando vida al torturado profesor. Le acompañan en el elenco principal Donald Pleasence, Chips Rafferty, Sylvia Kay, Jack Thompson.

30.- Fat City, ciudad dorada (Fat City, 1972), de John Huston

Ernie, un joven boxeador amateur que empieza a destacar llama la atención de Tully, un púgil en el ocaso de su carrera que lo toma bajo su protección para intentar convertirlo en un campeón. Así, ambos empiezan un viaje por el circuitopugilístico de segunda categoría, intentando ganar algo de dinero a la vez que adquirir experiencia. Una historia de perdedores, absolutamente desencantada, que se beneficia del tremendo trabajo de sus actores, la asombrosa fotografía de Conrad Hall y uno de los desenlaces más memorables del cine de su director. No es extraño que la película fuese una de las que contribuyeron a restablecer la reputación de John Huston como uno de los grandes directores americanos de todos los tiempos, tras unos años de trabajos mediocres.

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Efemérides de cine: Una cita

En mayo de 1969 se estrenó la película estadounidense Una cita (The Appointment), dirigida por Sidney Lumet e interpretada por Omar Sharif, Anouk Aimée, Didi Perego, Fausto Tozzi, Gigi Proietti, Paola Barbara. Productora: Martin Poll Productions/Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Duración: 115 minutos. 

Sinopsis argumental: El abogado Federico Fendi tiene sospechas de que su recién nueva esposa Carla trabaja por las noches como prostituta siendo, incluso, la mejor pagada de toda Roma. Esta mera idea provoca una obsesión en Fendi que, finalmente, decide pillar a Carla trabajando y, para ello, se hace pasar por cliente con el fin de concertar una cita. Sin embargo, toda la trama tiene consecuencias nefastas para la pareja.

Comentario: Una deprimente película al estilo de los Godard y Antonioni. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de sus estreno. 

Películas que nos hacen sentir bien: Ocho películas que infunde optimismo (I)

Con I Feel Good, estrenada el 25 de septiembre de 2018, Gustave Kervern y Benoît Delépine entregan una fábula política que da alas. La última de una serie de películas que denuncian el estado del mundo sin caer en la desesperación.

Esta semana, con I Feel Good (como una película que hacerse sentirse bien, o simplemente, traduciendo su título Me siento bien). Gustave Kervern y Benoît Delépine nos hacen reflexionar sobre un mundo mejor con la historia de un pobre hombre atraído por las sirenas del éxito económico que podrá conseguir  gracias a una comunidad Emaús. Esta comedia humanista en la que prevalece la ternura sobre la crítica, da alas. ¿Qué otras películas políticas o sociales utilizan una forma real y alegre de transmitir un mensaje alternativo y eufórico? Lista pequeña (no electoral).

Doce hombres sin piedad (Twelve Angry Men, 1957), de Sidney Lumet

Los doce miembros de un jurado deben juzgar a un adolescente acusado de haber matado a su padre. Todos menos uno están convencidos de la culpabilidad del acusado. El que disiente intenta con sus razonamientos introducir en el debate una duda razonable que haga recapacitar a sus compañeros para que cambien el sentido de su voto. 

Una sola persona puede inclinar la balanza de la justicia. Henry Fonda, noble representante de la democracia, lucha paso a paso, argumento tras argumento, contra once ciudadanos americanos de clases sociales y prejuicios diferentes, dispuestos a condenar a un joven por el simple delito de su raza y origen. Es hermoso, un ciudadano. 

Ciudadano Bob Roberts (Bob Roberts, 1992), de Tim Robbins

Bob Roberts, un cantante folk, anuncia su candidatura al Senado de los Estados Unidos por el estado de Pennsylvania. La campaña electoral resulta ser una trama con fines económicos, racistas y militares. Un humilde periodista revela la verdadera personalidad e ideas del candidato y de sus colaboradores

Sigue siendo una película directamente política. Entonces, sería este verdadero falso documental (y la primera película del actor Tim Robbins detrás de la cámara) sobre la campaña senatorial de un cantante ultra reaccionario, interpretado por el mismo Robbins. La parodia es mordiente, y la película, sobre todo, muestra cómo la imagen puede convertirse en una revelación (no intencional) de la verdad. Mirar para no desanimarse después del dñécimo tweet de Trump.

Reprise (1997), de Hervé Le Roux

«Al principio había una foto, en una revista de cine. Un fotograma. La imagen de una mujer gritando. Y un título, "La reprise du travail aux usines Wonder". La película había sido rodada por unos estudiantes de cine el 10 de junio de 1968. Vemos a las obreras que reanudan el trabajo después de tres semanas en huelga. Y está esa chica que dice que no volverá, que no pondrá sus pies en aquel lugar. Los años pasan. La fábrica ha cerrado. Pero yo no olvido el rostro de esa chica. Decido reencontrarla porque sólo tuvo derecho a una toma. Y yo le debo la segunda.» (Hervé Le Roux). Maravilloso documental de tres horas, realizado a partir de un cortometraje legendario y anónimo. Le Roux, un gran cineasta excepcional que murió el año pasado, visitó la memoria de la obrera y sindicalista. Doloroso, nostálgico, pero vigorizante.

Erin Brockovich (2000), de Steven Soderbergh

Erin Brockovich es una madre soltera que consigue un puesto de trabajo en un pequeño despacho de abogados. Su personalidad poco convencional hará que sus comienzos no sean demasiado alentadores, pero todo cambiará cuando decida investigar el extraño caso de unos clientes que padecen una sospechosa enfermedad.

Entonces, de verdad, una mujer sin estudios y sin recursos, pero resuelta y terca como una mula, puede destapar un escándalo ecológico de gran envergadura y someter a una gran distribuidora de energía. Julia Roberts haría sonreír a un cactus. Soderbergh disfruta haciendo películas que denuncian los prejuicios sociales y sexistas. 

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Efemérides de cine: El grupo

El 4 de marzo de 1966 se estrenó la película estadounidense El grupo (The Group), dirigida por Sidney Lumet con Candice Bergen, Joan Hackett, Elizabeth Hartman, Shirley Knight, Joanna Pettet, Mary-Robin Redd, Jessica Walter, Kathleen Widdoes, James Broderick, James Congdon, Larry Hagman, George Gaynes. Productora: Famartists Productions S.A. Duración 150 minutos. 

Sinopsis argumental: Corre el año 1933. Un grupo de ocho mujeres jóvenes son miembros de un club de clase alta en un colegio privado. Todas están a punto de graduarse y de emprender sus propias vidas fuera de las paredes del centro. En la película podemos ver cómo transcurren los años entre su graduación y el comienzo de la II Guerra Mundial en Europa. A modo de serial, somos partícipes de sus matrimonios y aventuras, la búsqueda de su lugar en el mundo y del significado de sus vidas. Todas pasan múltiples altibajos hasta conseguirlo.

Nominaciones y premios:  Premios BAFTA: Nominada a mejor actriz extranjera (Hackett).

Comentario: La idea es dibujar una época en que se apunta a la emancipación femenina. De modo que junto a los matrimonios de algunas de las protagonistas, con sus crisis conyugales y la vivencia de la maternidad, somos testigos de su acceso a la vida profesional -en el mundo editorial, en un hospital, en unos grandes almacenes...-, o cómo una puede mirar con cierto aire de superioridad a un hombre que se escuda en el psicoanálisis para no dar estabilidad a su relación; también en un caso se apunta a una relación lésbica.

Efemérides de cine: Bye Bye Braverman

El 21 de febrero de 1968 se estrenó la película estadounidense Bye Bye Braverman, dirigida por Sidney Lumet e interpretada por George Segal, Jack Warden, Joseph Wiseman, Sorrell Booke, Jessica Walter, Phyllis Newman, Zohra Lampert, Godfrey Cambridge, Alan King, Anthony Holland. Productora: Warner Brothers/Seven Arts. Duración: 94 minutos. 

Sinopsis argumental: Unos amigos se reúnen para el funeral de un amigo. Sub-tramas se desarrollan a medida que el grupo intenta ponerse en marcha para asistir al funeral de su amigo, Braverman.

Comentario: Adaptación de la novela de 1964 To an Early Grave de Wallace Markfield. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Llamada para un muerto

El 26 de enero de 1967 se estrenó la película británica Llamada para un muerto (The Deadly Affair), dirigida por Sidney Lumet e interpretada por James Mason, Simone Signoret, Maximilian Schell, Harriet Andersson, Harry Andrews, Roy Kinnear, Kenneth Haigh, Lynn Redgrave, Max Adrian. Productora: Columbia Pictures/Sidney Lumet Film Productions. Duración: 107 minutos. 

Sinopsis argumental: Un agente secreto inglés debe averiguar todo lo concerniente al aparente suicidio de un compañero. Las investigaciones apuntan a que la viuda es la principal sospechosa de la extraña muerte de su marido...

Nominaciones y premios: Premios BAFTA: 5 nominaciones incluyendo a mejor película británica. 
Comentario: interesante adaptación de la primera novela de John LeCarré, Call for the Dead. Se cumple el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Efemérides de cine: El prestamista

En junio de 1964 se estrenó la película estadounidense El prestamista (The Pawnbroker), dirigida por Sidney Lumet. Protagonizada por Rod Steiger, Geraldine Fitzgerald, Brock Peters, Jaime Sánchez, Thelma Oliver, Marketa Kimbrell, Baruch Lumet, Juano Hernandez, Linda Geiser, Nancy R. Pollock, Raymond St. Jacques. Productora: Landau Company/Allied Artists Pictures. Duración: 115 minutos. 

Sinopsis argumental: Un superviviente del exterminio judío regenta una tienda de préstamos en el neoyorquino barrio de Harlem. Los espeluznantes y dolorosos recuerdos del campo de exterminio dominan completamente su vida.

Nominaciones y premios: Premios BAFTA: mejor actor extranjero (Rod Steiger); Nominada al Oscar: mejor actor (Rod Steiger); Globos de Oro: nominada a mejor actor-drama (Rod Steiger); Círculo de críticos de Nueva York: 2 nominaciones; Sindicato de Directores (DGA): nominada a mejor director; Berlínale: Oso de Plata - mejor actor (Rod Steiger), FIPRESCI (mención de honor).

Comentario: Está basada en la novela homónima de Edward Lewis Wallant. El prestamista fue la primera película estadounidense en tratar el Holocausto desde el punto de vista de un superviviente. Fue también una de las primeras películas americanas en mostrar escenas de desnudo durante la vigencia del Código Hays; y concretamente la primera que obtuvo la aprobación del Código pese a aparecer en ella pechos femeninos desnudos, lo que se presentó públicamente como una excepción singular, pero resultó ser en realidad el primero de una serie de desafíos similares al Código, que condujeron a su abandono pocos años después. Pese a esa aprobación, los distribuidores de la película suprimieron el plano de los pechos desnudos para su exhibición en EE.UU. fuera de las grandes ciudades, obteniendo así una rebaja de la calificación moral condenatoria que había adjudicado a la película la Iglesia católica.