De “Furia” a “Arthur Rambo”: un sinfín de películas donde la manada es implacable (I)

Linchamientos, hordas furiosas, persecuciones… Como Fritz Lang, Julien Duvivier, Arthur Penn o hoy Laurent Cantet con Arthur Rambo, muchos cineastas han puesto en escena los peligros de las multitudes. Pequeño inventario del caos popular en el séptimo arte.
Tiene todo para triunfar. Él es agradable. carismático. El éxito está ahí, muy cerca, y la gloria, con este libro que todos los medios están acaparando... Pero de repente circula un rumor: Karim D. (Rabah Naït Oufella) habría enviado, tiempo antes, a la Red, bajo un apodo ridículo, Arthur Rambo, tweets sucios, racistas, misóginos, homófobos, antisemitas… En un abrir y cerrar de ojos, quienes lo alababan se alejan, incluidos sus amigos, sus cómplices que se reían con él de estos mensajes insolentes y provocadores.

Arthur Rambo (2021)

No juzgar a su héroe (inspirado en Mehdi Meklat, uno de los dos "Kids", los columnistas una vez celebrados, especialmente en France Inter) fue la principal preocupación de Laurent Cantet. En Arthur Rambo (estrenada el 2 de febrero), el personaje permanece irremediablemente opaco. “Sobre todo, no debería tratar de protegerlo borrando todo lo que es inadmisible sobre él. Tuvimos que oscilar continuamente entre el rechazo y la empatía. Un hijo de puta que escribe basura no me hubiera interesado. Por otro lado, que un joven con el que uno podría simpatizar sea capaz de escribir tales mensajes, es algo que dar que pensar. Es pues una trampa la que detalla, que se cierra sobre quien la había tramado.

Un breve recordatorio de películas donde de repente, una multitud se desata contra un ser al que juzga culpable. Bien o mal.

La madre (Mat, 1926), de Vsévolod Pudovkin

La madre de Pável Vlásov es empujada al conflicto revolucionario cuando su esposo e hijo se encuentran en lados opuestos durante una huelga de trabajadores. Después de que su esposo muera durante la fallida huelga, la madre traiciona la ideología de su hijo, para intentar, en vano, salvarlo. Pável es arrestado, procesado en una farsa judicial y sentenciado a trabajo forzado en un campo de concentración. Durante su encarcelamiento, su madre se alinea con él y su ideología y se une a los revolucionarios. En el clímax de la película, la madre y cientos de otros marchan a la prisión para liberar a los reclusos, quienes conocen el plan y han proyectado su escape. Las últimas escenas de la película muestran la muerte de la madre y el hijo por las tropas del Zar que desvelaron el levantamiento.

La película está basada en la novela homónima de Máximo Gorki, exponente del realismo socialista. Retrata la lucha de una mujer contra el régimen zarista durante la Revolución rusa de 1905.

Metropolis (1927), de Fritz Lang

Futuro, año 2000. En la megalópolis de Metrópolis la sociedad se divide en dos clases, los ricos que tienen el poder y los medios de producción, rodeados de lujos, espacios amplios y jardines, y los obreros, condenados a vivir en condiciones dramáticas recluidos en un gueto subterráneo, donde se encuentra el corazón industrial de la ciudad. Un día Freder (Alfred Abel), el hijo del todoperoso Joh Fredersen (Gustav Frohlich), el hombre que controla la ciudad, descubre los duros aspectos laborales de los obreros tras enamorarse de María (Brigitte Helm), una muchacha de origen humilde, venerada por las clases bajas y que predica los buenos sentimientos y al amor. El hijo entonces advierte a su padre que los trabajadores podrían rebelarse.

Metrópolis es uno de las pocas películas consideradas Memoria del Mundo por la Unesco. Fue la primera en poseer esta categoría, amparada en la vívida encarnación de toda la sociedad, y la profundidad de su contenido humano y social.

El doctor Frankenstein (Frankenstein, 1931), de James Whale

Henry Von Frankenstein es un doctor que decide llevar a cabo un experimento un tanto tenebroso: pretende crear un nuevo ser humano utilizando fragmentos de cadáveres. Su fiel criado Fritz será su aliado en el proyecto y, con su ayuda, se adentran en los cementerios cercanos para conseguir la materia prima. Lo que el doctor no sabe es que el cerebro que utilizado pertenecía a un criminal, condenando al monstruo al odio de la turba iracunda.

Es una adaptación de la obra de teatro de Peggy Webling, que a su vez está basada en la novela Frankenstein o el moderno Prometeo de Mary Shelley.

Furia (Fury, 1936), de Fritz Lang

Joe (Spencer Tracy) llega, tranquilo, a un pequeño pueblo que, al parecer, también lo es. Pero es sospechoso de secuestro. La policía chapotea en su investigación, los jueces se dejan influir, los políticos no quieren molestar a los ciudadanos. Partido por un linchamiento en buena y debida forma, la turba incendia la prisión donde está encerrado Joe. Ella cree que él está muerto. Pero no: con la complicidad de sus dos hermanos (los únicos a los que reveló su supervivencia), decide vengarse: escondido y encantado, observa, de lejos, el juicio de sus asesinos. A riesgo de convertirse también en verdugo.

Esto es lo que quiso demostrar Fritz Lang: el mal corre… En su primera película americana, está en lo más alto (lo que no siempre será así): ritmo sostenido, montaje frío… Su denuncia de la furia y la ceguera sigue siendo, aún hoy, estruendosa.

Incidente en Ob-Bow (The Ox-Bow Incident, 1943), de William Wellman

Nevada, 1885. Gil Carter (Henry Fonda) llega a una pequeña población del oeste en busca de su antigua novia, una mujer de dudosa reputación. Le acompaña su amigo Art (Harry Morgan). La inesperada noticia del asesinato de un conocido ranchero provoca que, ante la ausencia del sheriff, se forme un grupo de linchamiento del que tanto Gil como Art formarán parte.

La película adaptaba la novela homónima escrita por Walter Van Tilburg Clark en 1940. Síntesis, sobriedad, agilidad, seriedad y tratar al espectador como adulto. Eso es Incidente en Ox Bow, y una patada en la barriga.

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“Arthur Rambo”, de Laurent Cantet, revive el asunto Mehdi Meklat (II)

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Entonces, ¿por qué Mehdi Meklat arrojó tanto odio a la cara del mundo? ¿Y por qué nunca quiso borrar sus huellas antes de que fuera descubierto, a riesgo de alienar a quienes lo apoyaban? En la cohorte de sus justificaciones, declinando a su antojo el muy conveniente "es culpa del sistema", reconoció un elemento íntimo, sin duda más doloroso de admitir, y que está en el corazón de las palabras de Laurent Cantet: el malestar identitario que lo han atravesado, en estos años en que penetró, tan atronadoramente, en un mundo al que no estaba destinado a priori. El sentimiento de malestar propio de los desertores de clase, que se había convertido para él en un conflicto de pertenencia tal que habría alimentado el deseo de asumir, en paralelo a un éxito que se llevaba, la peor de las caricaturas; como una forma de mantener la mano, En definitiva, la fractura interna de un niño lleno de paradojas.

Hoy, una de las escenas más fuertes de la película de Laurent Cantet enfrenta a Karim D., lamentando sus acciones pasadas, con su hermano pequeño, como un reflejo descontrolado de sí mismo: el menor había tomado tuits del mayor en primer grado, y él no estaba el único, y estalla de ira en la cara del que acusa de ahora descarriarse y traicionar a todos los de la ciudad. La mirada del personaje central se pierde en una mezcla de pavor e interrogación: en el fondo, ¿no se adhirió un poco de todos modos a los horrores que niega? "No puedo pensar más", confiesa Karim D. al final de Arthur Rambo, mientras se va a buscar un respiro con un amigo en el fin del mundo. En la vida real, Mehdi Meklat también lo hizo.“Mi lado oscuro ha sido expulsado pero tengo que pensarlo. Llevará tiempo” , confió a la hora de la salida.

Fuerte potencial de pasión

Al encender su teléfono cuando acababa de aterrizar en Tokio, el joven dijo que encontró un mensaje, entre otros, de Virginie Despentes: “Si la literatura la hicieran almas claras, no tendría ningún interés. Mirando la historia en retrospectiva, uno se pregunta si el doble estatus adquirido por Mehdi Meklat, a la vez libre creador de sus invenciones, ya que novelista, pero también periodista, por lo tanto relevo de la realidad, no habrá acentuado aún la confusión que lo habitaba. Aún así, el asunto de Meklat dolió. A quienes ofendieron los tuits; a los medios de comunicación que habían elogiado al niño por el trabajo que estaba haciendo a plena luz del día; a todos los que lo han disfrutado; al propio interesado, y sin duda más allá.“Me digo a mí mismo que estaba loco por jugar con el fuego del antisemitismo que hoy irradia Francia […]. Mi cuerpo todavía está temblando, mis palmas sudorosas, estoy en pánico” (en Autopsie, ed. Grasset, 2018).

Desde entonces, el tumulto se ha calmado y ha reaparecido Meklat, todavía con Badrou, menos expuesto que ayer. A tres meses de las elecciones presidenciales, la película de Laurent Cantet corre el riesgo de devolver su figura al primer plano de las noticias, un tema todavía muy sensible, con un fuerte potencial pasional. Temblamos un poco por cómo Arthur Rambo podría ser instrumentalizado en una campaña a veces pestilente. Pero también es una oportunidad: abre caminos de reflexión en un intento de comprender cómo el odio y los malentendidos han podido arraigar en Francia. Huellas que, más allá de las trayectorias individuales de tal o cual otro, sólo pueden encontrar una respuesta duradera en la política.

Con el director Jiří Menzel, la Nueva Ola checa en todas sus formas

Trenes rigurosamente vigilados, Alondras en el alambre, Tijeretazos, que de nuevo pueden verse en los cines, tenemos la oportunidad de (re)descubrir los diferentes géneros cinematográficos con los que se codeo el cinestas checo, desde el satírico al erótico. Cómicas y trágicas, grotescas y románticas: las tres peículas de les trois films de Jiří Menzel que recomendamos. 

Trenes rigurosamente vigilados (Ostre sledované vlaky, 1966); Alondras en el alambre (Skrivánci na niti, 1969); Tijeretazos (Postriziny, 1981), mezcla los géneros a voluntad. Compañero de viaje de Milos Forman e Ivan Passer, Menzel marcó la Nueva Ola checa con sus comedias satíricas abiertamente contestatarias. Alondras en el alambre también será inmediatamente prohibido y no se estrenará hasta 1990... para ganar el Oso de Oro en la Berlinale.

Al sumergirse hoy en el universo bullicioso de Menzel, uno se sorprende por su lado carnal, subido de tono: hay que ver a la “rubia excitante” lamiéndose los dedos después de haber devorado salchichas de cerdo con ambas manos…

Desde su primera película, Trenes rigurosamente vigilados (que ganó el Oscar a la mejor película extranjera en 1967), todo está ahí: un joven tímido y vulnerable, una chica alegremente insolente, la protesta, la solidaridad, la estupidez de los poderosos y escenas de un erotismo siempre divertido. Una joven controladora debe mostrar sus nalgas ante el tribunal porque su amante le ha impreso el sello de la estación.

Alondras en el alambre, la más conmovedora de las tres películas, está ambientada casi exclusivamente en un enorme depósito de chatarra que sirve como campo de trabajo. Mujeres jóvenes que han intentado huir al extranjero y opositores al régimen conviven en pleno libertinaje. Las escenas eróticas se combinan con momentos sutilmente sensuales en los que las manos de los prisioneros se rozan sobre un brasero, el momento del descanso concedido por un guardia conciliador. La mirada de Jirí Menzel sobre sus personajes es agradablemente benévola... y excitante. 

Tijeretazos, comedia lírica rebosante de espuma de cerveza y buen humor basada en la novela autobiográfica de Bohumil Hrabal, estrenada en febrero de 1981, no ha perdido un ápice de su encanto en todo este tiempo. Los distintos episodios cómicos de sus protagonistas (la encantadora mujer del administrador, interpretada por M. Vášáryová; su querido marido Francin, que encarnó J. Schmitzer; y su hermano Pepin, el inolvidable cuñado imposible de callar que bordó J. Hanzlík), tienen como hilo conector los incesantes conflictos del incansable Francin con los accionistas de la fábrica, que son las personas más influyentes de la pequeña ciudad de provincias. Las salidas de tono del ruidoso Pepin, que se encuentra de visita, ponen en peligro la carrera de Francin, a quien salva, eso sí, el irresistible encanto de su bella esposa. Fue merecedora de la mención especial en Venecia "por su humor, gusto y vitalidad optimista"

“Arthur Rambo”, de Laurent Cantet, revive el asunto Mehdi Meklat (I)

Impulsado desde la ciudad de Seine-Saint-Denis a las altas esferas intelectuales y mediáticas de París, el escritor y periodista Mehdi Meklat se vio envuelto en una serie de tuits antisemitas y misóginos. El cineasta Laurent Cantet se inspira en su historia al dirigir Arthur Rambo (2021).

Casi habíamos olvidado, el asunto Mehdi Meklat, y ahora viene una película a recordarlo. Arthur Rambo, de Laurent Cantet, libremente inspirado en la historia de un joven de 25 años cuyo ascenso social y gloria mediáticos se había visto truncado en 2017 por la exhumación de viejos tuits racistas, antisemitas, misóginos, homofóbicos, groso fóbicos, entre otros, escritos primero bajo el seudónimo de Marcelin Deschamps, antes de que él los respaldara con su nombre verdadero.

El personaje de la película se llama Karim D., y no Mehdi M. Su apodo: Arthur Rambo, y no Marcelin Deschamps. Pero aparte de algunos otros detalles, los hechos que relata se ajustan a la realidad, al menos tal como la conocemos, tal como la hemos experimentado, y tal como la contó el propio Meklat. El director plantea los hechos, reproduce los considerables problemas que había causado el escándalo, esboza posibles explicaciones. Pero no toma partido. Dejando que el espectador lo haga por sí mismo. Y el deseo, quizás, de volver a sumergirse en él.

Además, ¿realmente se había olvidado del asunto Meklat? Por supuesto que no,  había molestado mucho. Ante un malentendido que no pudo resolverse ni con las explicaciones tajantes de quienes aman estigmatizar (sobre todo cuando su objetivo lleva un nombre de origen extranjero); ni contentarse con las disculpas e intentos de justificación del interesado, formuladas en particular en un libro, Autopsie, publicado en 2018: Mehdi Meklat reconoció su error… al descartar en gran medida su edad, la violencia de su tiempo, la de las redes sociales, su origen en los arrabales sin horizonte. Asegurando, prometiendo, jurando, que todo era provocación, ficción, que no quiso decir nada ello. 

E incluso, sin reírse, que esos tuits ordinarios y de odio formaban parte de una “ficción literaria, artística”… Señalando de paso a los periodistas de France Inter (con los que colaboró), que lo habrían entendido mal, considerados ilegítimos, y por lo que le hubiera gustado vengarse de alguna manera inventando un ficticio doble. Certificando también que dentro de los medios, generalmente de izquierda, que todavía lo elogiaban el día anterior al escándalo, "todo el mundo lo sabía". Estamos bien situados para saber que no. No todos lo sabían. Sabíamos que tenía un humor abrasivo, a veces vulgar ya menudo divertido (un poco como... Charlie Hebdo ). Pero nada que toque lo odioso.

Inquietud

La película de Laurent Cantet no se detiene en este punto, no es su principal preocupación. Y tal vez se conozca la historia, el asombro sigue corriendo cuando los tuits firmados por Arthur Rambo, del mismo tono que los que efectivamente se colgaron en la red, aparecen en letras gigantes en la pantalla. A nuestros ojos, Mehdi Meklat no era sospechoso de nada más que de su talento. Por lo tanto, lo escuchamos con deleite, él y su compañero Badroudine Saïd Abdallah, conocido como Badrou, en un programa de Pascale Clark en Inter: "los niños", como los llamó la presentadora, que se apoderó de temas más o menos actuales. restaurarlo en un collage subjetivo de sonidos y palabras que era más creación artística –e incluso, nos atreveríamos a decir, poética– que comentario de noticias.

Durante más tiempo, el dúo ofició en el Bondy Blog, un nuevo tipo de medio que, presenta las noticias a través del prisma dela diversidad étnica y los suburbios, sacudió la comodidad de las principales redacciones parisinas. Los Kids también habían colaborado en una exposición en el Palais de Tokyo, producido un documental emitido sobre Arte, lanzado una revista gruesa con el periodista Mouloud Achour, Téléramadan (sin ningún vínculo con Télérama ), que se suponía que se estrenaría una vez al año y, después la conmoción de los ataques de 2015, cuestionando la relación con el Islam en sus dimensiones religiosa, social y cultural – Mehdi Meklat, personalmente, siempre ha dejado claro que no era musulmán. En vísperas del "asunto", acababan de publicar su segunda novela. Dos años antes, para su primer libro, Burn Out, también publicado en Seuil, los dos chicos habían aparecido en la portada de Télérama.

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Atraco a las tres”: Retrato social camuflado entre risas

Disfrazada de comedia, la película de José María Forqué es una crítica certera y afilada de las condiciones laborales y los estragos económicos que se respiraban a comienzos de los sesenta en España.

Más española que la tortilla de patatas y las siestas en las cálidas tardes de verano. Más de aquí que las colas por las cosas gratis y los ChupaChups. Prima hermana de la canallesca quevedesca y la fantasía quijotesca, esa es nuestra picaresca. La figura del pícaro, de ese jeta con un puntillo de bondad, tontuna y una pizca de malicia, lleva arraigada en nuestra sociedad cual garrapata serrana desde el principio de los tiempos. Desde las peripecias relatadas en ese diario de un rebelde llamado Lazarillo de Tormes, pasando por el despelechado Lucas Trapaza de El pícaro (serie de televisión de 1974) o el primo Manolo de ¡Cómo está el servicio! (1968), ese estafador al que tan bien daba vida José Luis López Vázquez. Porque realmente pocos intérpretes han sabido encarnar tan certeramente esa figura del pícaro como el actor madrileño. Su porte achaparrado, sus dotes humorísticas y esas gafas tan representativas de la época, lo convirtieron en la perfecta efigie de ese español medio que con una fuerte carga genética de esa picaresca tan de aquí intenta sacarse unas pelas extra allá donde pueda. Hoy celebramos el retorno de uno sus pícaros más icónicos: ese admirador, esclavo, amigo, siervo al que dio vida en Atraco a las tres (1962) de José María Forqué.

López Vázquez es Fernando Galindo, el prototipo de ese empleadillo pringado que trabaja en banca, tan retratado en el cine de la época. Un don nadie que cansado de las malas condiciones laborales y el ninguneo al que se ve sometido por el sistema, decide pegar un pelotazo en toda regla: atracar su propia sucursal. Para llevar a cabo semejante misión suicida, contará con una banda de lúcidos atracadores que ni los mismísimos golfos apandadores, sus propios compañeros de trabajo. Un dream team de pícaros, bastante bonachones, todo hay que decirlo, formado por alguno de los pesos pesados de nuestra comedia y que no tienen nada que envidiar a la cuadrilla de los once. La banda está formada por Gracita Morales, Cassen, Alfredo Landa, Agustín González o Manuel Alexandre.

Pero no solo de la picaresca de sus protagonistas vive Atraco a las tres, sino que la propia obra de José María Forqué resulta toda una picardía en sí misma. Disfrazada de parodia alocada y más o menos ligera, Atraco a las tres es una crítica bastante certera y afilada de las condiciones laborales y los estragos económicos que se respiraban a comienzos de los sesenta en España. Una especie de disparate goyesco, una respuesta en clave patética y absurda a esa postal que fueron los años del desarrollismo. Vamos, todo un esperpento en el sentido académico de la palabra.

El padrino: Parte III, una obra menos exitosa pero que seduce enormemente

Con el reestreno en cines de El padrino (1972), con motivo de su quincuagésimo aniversario, realizamos un análisis de la tercera parte de la trilogía. 

Para los fanáticos de toda la vida, el nuevo comienzo, más abrupto, de El padrino: Parte III (The Godfather Part III, 1990) puede resultar confuso. Atrás quedó el travelling elegíaco y melancólico de la casa en ruinas de Lake Tahoe, el remanente de una familia en descomposición. Evaporado, el plan fantasmal sobre Fredo, el hermano de Michael, ejecutado en una barca al final del episodio II... Guardar los pañuelos. La última parte de la trilogía se abre ahora con una negociación comercial entre Michael Corleone (Al Pacino) y el banquero del Vaticano: "¡Necesito su ayuda, Don Corleone, y no se trata de encender una vela!" “Negocios en lugar de sentimientos. Eficiencia fría en lugar de emoción".

Al volver a reeditar El padrino: Parte III con motivo de su 30 cumpleaños, en 2020, Francis Ford Coppola parece obedecer a las obsesiones que siempre lo han guiado: borrar y volver a empezar. Nunca dejó, con el tiempo, de modificar sus obras, Apocalypse Now por supuesto (versión Redux luego Final Cut), The Outsiders, Cotton Club y, ya, desde los años 1970, las dos primeras partes de El padrino, recortadas cronológicamente para las necesidades de un serie de televisión (The Godfather Saga, 1977).

Con esta entrega, concluye la saga de la familia Corleone. Hasta ahora, en El padrino y El padrino II, Coppola había narrado con maestría las intrigas y los complejos avatares de la familia Corleone. A los nueve años, Vito Corleone, interpretado en las diferentes fases de su vida por Marlon Brando y Robert De Niro, presenció cómo el capo de una familia siciliana, asesinó a sangre fría a su padre, a su madre y a su hermano. Él se vio obligado a emigrar hacia Estados Unidos, jurando volver algún día para vengarse. Cuando muere, dejando a los Corleone en una situación privilegiada sobre el resto de las familias neoyorkinas, le sucede su hijo Michael (Al Pacino), que trata de legalizar sus negocios y convertirlos en una empresa respetable.

Michael se ha convertido justo en el tipo de persona que nunca deseó ser: un padrino hecho a la imagen y semejanza de su padre, frío, ambicioso, tradicional y sin escrúpulos. Esto le ha costado el abandono de su mujer, interpretada por Diane Keaton. A la vez que pretende apartar a su familia del mundo del crimen, desea encontrar a un sucesor que pueda mantener la dignidad y los negocios de los Corleone. Pone toda su confianza en el temperamental Vincent (Andy García), su sobrino. Pero abandonar el oscuro mundo de la mafia no le va a resultar nada fácil. Quizá ésta es la menos espectacular de las tres partes de El padrino, pero mantiene la integridad y el intenso tono narrativo de sus antecesoras.

Cine para niños:"King", una aventura muy de los años 1980 sin originalidad

Las aventuras de una niña y un cachorro de león en imágenes generadas por ordenador… Guiños a Spielberg, estética a lo Stranger Things: la película de David Moreau no revolucionará el género.

Los créditos iniciales, todos en animación dibujada a lápiz en las líneas de un cuaderno escolar, anuncian el color: ¡niños, será una aventura! De aventuras, la joven Inès está desesperadamente desprovista. Feliz coincidencia, pues, cuando el fugitivo más buscado de Francia, recién escapado del aeropuerto de Orly, encuentra refugio en su habitación de un suburbio. Feroz, peludo y carnívoro, el enemigo público número 1 enseña los dientes... pero, ¡sorpresa!, no es más que un cachorro de león.

Tras un primer encuentro muy referenciado, en homenaje a Steven Spielberg, maestro del cine de aventuras para niños, la carrera puede comenzar. Desde Val-de-Marne hasta el mar Mediterráneo, parte una procesión dispareja, formada por Inès, su hermano mayor Alex, a quien odia, y su abuelo no muy bonachón, encontrado por el camino (Gérard Darmon). Tenemos que salvar a King, la bola de pelo, todo digital. Con los funcionarios de aduanas pisándoles los talones, la única solución sería devolverlo a África.

Sin previo aviso, David Moreau paga un viaje terriblemente nostálgico, ochentero. Fotografía azulada, colores neón llamativos y ropa reglamentaria (zapatillas blancas, mochila, camiseta de rayas, etc.). Solo el uso abundante de los teléfonos móviles en la pantalla nos recuerda que la opinión pública ahora puede conmoverse por la condición animal gracias a los hashtags y las publicaciones de Instagram. Un afán de modernismo más torpe que efectivo, que no salva a la película de sus largos y mal escritos personajes adultos. A ver solo por la puesta en escena, que mira y copia a ET, el extraterrestre, Stranger Things y similares. También lamentamos que King sea un cachorro de león en lugar de una verdadera bestia extraña para atreverse con una película de género real.

Mujeres de cine: Elisabeth Taylor

El 27 de febrero de 1932 nació Hampstead, Londres, Elisabeth Taylor, también conocida como Liz Taylor, fue una actriz anglo-estadounidense de cine, teatro y televisión. Desarrolló en Estados Unidos una carrera artística que se extendió por más de sesenta años, en la que adquirió popularidad principalmente como actriz en películas de Hollywood.
Su primer papel en el cine fue en There's One Born Every Minute (1942) —para los estudios Universal Pictures—, junto a Hugh Herbert. Sin embargo, su período de mayor popularidad ocurriría a mediados de los años 1940, con largometrajes juveniles como National Velvet, de 1944. Desde la década de 1950, sus roles en cine fueron cada vez más importantes y fue reconocida por sus dotes interpretativas para el drama, consagrándose con películas como El padre de la novia (Father of the Bride, 1950), Un lugar en el sol (A Place in the Sun, 1951), Gigante (Giant, 1956),  La gata sobre el tejado de zinc (Cat on a Hot Tin Roof, 1958), De repente en el verano (Suddenly, Last Summer, 1959) y Una mujer marcada (Butterfield 8, 1960), por las cuales recibió una gran cantidad de premios y distinciones. Fue dirigida por prestigiosos directores como Vincente Minnelli o Richard Brooks, y actuó junto a actores como Spencer Tracy, Montgomery Clift, James Dean, Rock Hudson o Paul Newman.

Su papel como Cleopatra en la accidentada y polémica película homónima de 1963 fue muy elogiado, al igual que su actuación en ¿Quién teme a Virginia Wolf (Who's Afraid of Virginia Woolf?, 1966) de Mike Nichols.

Falleció en Los Ángeles, California, el 23 de marzo de 2011, a la edad de 79 años. 

Cumplió 25 años: Sexo sí... pero seguro

El 26 de febrero de 1997 se estrenó la película Sexo sí... pero seguro (Booty Call, 1997), dirigida por Jeff Pollack e interpretada por Jamie Foxx, Tommy Davidson, Amy Monique Waddell, Wiley Moore, Vivica A. Fox, Tamala Jones, Kam Ray Chan, Ric Young, Ammie Sin, Scott LaRose, Bernie Mac. Productora: Columbia Pictures. Duración: 79 minutos.

Sinopsis argumental: Rushon lleva saliendo con su novia Nikki más de siete semanas. Aunque sienten que la relación es inmejorable, nunca se han acostado juntos. Rushon quiere dar el siguiente paso, pero Nikki no está tan segura de ello. Rushon decide invitar a cenar a su novia, pero esta le insiste en que la cita sea doble, pues quiere encontrarle un novio a su amiga. Así, ella lleva a su obstinada y responsable amiga Lysterine "Lysti", y él va acompañado de su amigo Bunz, aparentemente un "chico malo". Aunque en un principio Lysti se niega a darle una oportunidad a Bunz, pronto acaba cayendo bajo sus redes. Por su parte, Nikki decide que es hora de llevar su relación al siguiente nivel. Sin embargo, hay un problema: no tienen preservativo. Rushon, con la ayuda de su amigo Bunz, se embarca en una aventura salvaje en busca del tan ansiado preservativo.

Comentario: Una comedia ligera para el simple entretenimiento con unos gags demasiado exagerados. 

“El padrino”, “Uno de los nuestros”, “Érase una vez en América”… primer plano sobre el clan de las películas de la mafia

Al reestrenarse en los cines el monumento a Coppola este 25 de febrero en versión restaurada, realizamos un pequeño estudio comparativo de las grandes películas sobre Cosa Nostra. Donde resulta que cada uno explora, a su manera, los horrores de los paraísos artificiales.

En el momento en que se destaca el monumento de Francis Ford Coppola, y su mitología de violencia y pasión, grandeza y decadencia, de la familia Corleone, restaurado, nos preguntamos en qué se diferenciaba, o no, de otras dos obras seminales del cine mafioso. o gánsteres, realizada por otros dos cineastas de sangre italiana, Martin Scorsese y Sergio Leone. ¿Qué son las médulas sustantivas (a menudo plagadas de agujeros de bala) de Uno de los nuestros y Érase una vez en América... en comparación con la de los tres Padrinos?

El padrino, la primera parte de una monumental trilogía, llega a los cines por su 50 aniversario

El padrino (The Goodfather, 1972), una tragedia familiar en tres actos

Si tuviéramos que quedarnos con una sola línea de la trilogía de Coppola, sería la que pronuncia Robert De Niro (el joven Vito) en El padrino 2, ella misma matriz de la primera: "Michael, tu papá está loco por ti.“ Este gran trabajo descansa, sobre todo, en la sombra del pasado o de cómo un hijo, el predilecto, y el que ha tardado en seguir los pasos de su padre, acaba regido por su fantasma: convertirse en padrino equivale a convertirse en ese padre, aunque signifique cegarse y tomar las imágenes sepia de los orígenes por las instrucciones de un mundo que, sin embargo, ha cambiado. Obedece la leyenda, hasta la pérdida de todos los seres queridos, y los suyos propios. Michael Corleone no deja de reivindicar su evolución (hacia la legalidad, ese paraíso donde, supuestamente, el dinero no rima con derramamiento de sangre) pero sigue siendo prisionero de un legado, y de sus raíces sicilianas. Corleone no es un nombre, es una tierra natal.

Érase una vez en América (Once Upon a Time in America, 1984), una trilogía sobre América

Fue la última película dirigida por Sergio Leone,​ y es la tercera parte de la trilogía conocida como Once upon a time Trilogy, precedida por las películas Hasta que llegó su hora (C'era una volta il West,1968) y ¡Agáchate, maldito! (Giù la testa, 1971). Ambicioso proyecto que proponía una lectura de la historia de la América moderna a partir del gangsterismo, basándose en una novela de Harry Grey. A diferencia de muchas películas, Érase una vez en América tiene un relato basado en flashbacks y que en algunos momentos es intencionadamente ambiguo. Pese a ser lanzada años después de las dos primeras entregas de El padrino, es una película que aplicó una lógica de autor a un tema que ya se sentía agotado. Hubo al menos dos claves en esa visión de autor: primero, la visión foránea sobre el tema, que daba una perspectiva distinta a la que tenía Coppola o Scorsese.

Uno de los nuestros (Goodfellas, 1990), el ascenso y caída de tres delincuentes

Está basada en el libro Wiseguy de Nicholas Pileggi, quien también coescribió el guion para la película con Scorsese. Una obra maestra en el subgénero del cine de mafia, una película basada en hechos reales. Scorsese fiel a sus señas de identidad, dota a la película de un ritmo frenético que deja sin aliento al espectador. Nos situamos en la segunda mitad del siglo XX, en la ciudad de Nueva York, donde está de moda juntarse con tipos duros y controlar todo tipo de negocios que haga que estés forrado de dinero y vivas a cuerpo rey. La historia sigue a lo largo de treinta años la vida de Henry Hill, narrada por él mismo, desde que es un adolescente y ayuda esporádicamente en trabajos pequeños a los mafiosos del capo Paul Cicero en los años 1950, hasta su caída por culpa de las drogas en los 1980. Treinta años en los que se nos cuenta de todo y donde conocemos a cantidad de personajes.

Efemérides de cine: La nueva tierra

El 26 de febrero de 1972 se estrenó la película sueca La nueva tierra (Nybyggarna), dirigida por Jan Troell e interpretada por Max von Sydow, Liv Ullmann, Eddie Axberg, Pierre Lindstedt, Allan Edwall, Monica Zetterlund, Hans Alfredson, Agneta Prytz, Halvar Björk. Productora: Svensk Filmindustri (SF). Duración: 204 minutos. 

Sinopsis argumental: A finales del siglo XIX, una familia sueca emigra a Minesota. Van en busca de una vida mejor y más libertad y aunque no pretenden convertirse en americanos, la cultura de su nuevo país va influenciando cada vez más sus vidas. La tierra en la que se establecen es mucho más fértil que la que poseían en Suecia, pero igualmente deben luchar contra los elementos.

Nominaciones y premios: Nominada al Oscar: Mejor película de habla no inglesa; Globos de oro: Mejor película extranjera; Premios Guldbagge (Suecia): Mejor actor (Eddie Axberg) y Actriz (Monica Zetterlund).

Comentario: Esta gran epopeya de una familia sueca emigrada a Estados Unidos a finales del siglo XIX obtuvo una nominación al Oscar a la mejor película extranjera en 1973. La cinta es la segunda entrega de la trilogía que el director sueco Jan Troell inició con Los emigrantes (Utvandrarna, 1971) y que finalizó con La esposa comprada (Zandy's Bride, 1974). Todas ellas tratan el tema de la emigración y en esta ocasión, Troell mezcló el intimismo con la acción. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Películas de la semana: 25 de febrero

Competencia oficial

Dirección: Gastón Duprat, Mariano Cohn. País: España. Año: 2021. Duración: 114 minutos. Género: Comedia. Drama. Cine dentro del cine. Interpretación: Antonio Banderas, Penélope Cruz, Oscar Martínez, Carlos Hipólito, Irene Escolar, Nagore Aranburu, Pilar Castro, José Luis Gómez, Juan Grandinetti, Koldo Olabarri, Melina Matthews, Manolo Solo, Ken Appledorn, Karina Kolokolchykova, Daniel Chamorro, Stephanie Figueira, Xana del Mar. Guion: Gastón Duprat, Mariano Cohn, Andrés Duprat. Fotografía: Arnau Valls Colomer. Productora: Coproducción España-Argentina; Mediapro. Estreno en España: 25  de febrero de 2022.  Sinopsis: En busca de trascendencia y prestigio social, un empresario multimillonario decide hacer una película que deje huella. Para ello, contrata a los mejores: un equipo estelar formado por la celebérrima cineasta Lola Cuevas (Penélope Cruz) y dos reconocidos actores, dueños de un talento enorme, pero con un ego aún más grande: el actor de Hollywood Félix Rivero (Antonio Banderas) y el actor radical de teatro Iván Torres (Oscar Martínez). Ambos son leyendas, pero no exactamente los mejores amigos. A través de una serie de pruebas cada vez más excéntricas establecidas por Lola, Félix e Iván deben enfrentarse no solo entre sí, sino también con sus propios legados. 

Super... ¿quién?

Título original: Super-héros malgré lui. Dirección: Philippe Lacheau. País: Francia. Año: 2022. Duración: 82 minutos.  Género: Comedia. Acción. Cine dentro del cine. Superhéroes. Parodia. Interpretación: Philippe Lacheau, Élodie Fontan, Jean-Hugues Anglade, Julien Arruti, Rayane Bensetti, Tarek Boudali, Georges Corraface, Michel Crémadès, Alice Dufour, Amin Harfouch, Philippe Katerine. Guion: Julien Arruti, Pierre Dudan, Philippe Lacheau, Pierre Lacheau. Música: Maxime Desprez, Michaël Tordjman. Fotografía: Vincent Richard. Productora: Cinéfrance Studios, Baf Prod, Studiocanal, TF1 Films Production, Panache Productions, La Compagnie Cinématographique, Proximus, VOO, BeTV, Ciné+. Estreno en España: 25 de febrero de 2022. Sinopsis: Cedric (Philippe Lacheau) intenta ganarse la vida como actor, pero parece destinado al fracaso. No tiene dinero y su novia le ha dejado. Su padre, su hermana y sus mejores amigos tampoco dan un duro por él. Hasta que por fin consigue un papel protagonista: el del superhéroe "Badman". Se le presenta la oportunidad de salir de un pozo de desgracias y ganarse de nuevo el respeto de su padre. ¡Pero el destino tiene otros planes! Un día Cedric se marcha del rodaje a toda prisa sin quitarse el traje de superhéroe y tiene un accidente de tráfico. Se despierta con amnesia, convencido de que es un superhéroe y cree que tiene una misión. ¿Tiene lo que hay que tener para plantarle cara al mal, defender a los débiles y acabar con los malos? Uno no se convierte en héroe, y mucho menos en superhéroe, de la noche a la mañana... ¡Sobre todo alguien como Cedric!

Las ilusiones perdidas

Título original: Illusions perdues. Dirección: Xavier Giannoli. País: Francia. Año: 2021. Duración: 144 minutos. Género: Drama. Comedia. Siglo XIX. Interpretación: Benjamin Voisin, Cécile De France, Vincent Lacoste, Xavier Dolan, Salomé Dewaels, Jeanne Balibar, Gérard Depardieu, André Marcon, Louis-Do de Lencquesaing, Jean-François Stévenin, Alexis Barbosa, Arnaud de Montlivaut, Marie Cornillon, Saïd Amadis, Raphaël Magnabosco, Mathieu Cayrou, Morgane de Vargas, Michèle Clément, Aurélia Frachon. Guion: Xavier Giannoli, Jacques Fieschi. Novela: Honoré de Balzac. Fotografía: Christophe Beaucarne. Productora: Curiosa Films, Gaumont, Umedia, France 3 Cinéma, Ciné+, Canal+, uFund. Estreno en España: 25 de febrero de 2022. Sinopsis: Ambientada en el siglo XIX, la película narra la historia de Lucien de Rubempré, un joven poeta que está locamente enamorado de la baronesa Louise de Bargeton. El riesgo de escándalo los obliga a huir a París, donde esperan vivir y quererse en libertad. Lucien pronto encuentra el rechazo de la baronesa. Solo, sin dinero, hambriento y humillado busca venganza escribiendo artículos controvertidos, pero banales. Dentro de su París tan codiciado, encuentra un mundo cínico donde todo, y todos, se pueden comprar y vender.

Un pequeño mundo

Título original: Un monde. Dirección: Laura Wandel. País: Bélgica. Año: 2021. Duración: 72 minutos. Género: Drama. Acoso escolar. Bullying. Colegios. Infancia. Familia. Interpretación: Maya Vanderbeque, Günter Duret, Karim Leklou, Laura Verlinden, Léna Girard Voss, Thao Maerten, Laurent Capelluto. Guion: Laura Wandel. Fotografía: Frédéric Noirhomme. Productora: Dragon Films, Lunanime. Distribuidora: Avalon. Premios y nominaciones: Festival de Cannes: Premio FIPRESCI (Un Certain Regard); Nominada a los Premios del Cine Europeo. Estreno en España: 25 de febrero de 2022. Sinopsis: Nora acaba de empezar la primaria cuando descubre el acoso que sufre su hermano mayor, Abel. La niña se debate entre su padre, que la anima a actuar, y su hermano, que le pide que guarde silencio: un terrible conflicto de lealtad. Un relato seco, duro, agresivo pero elegante sobre la violencia colectiva que acecha a nuestros primeros pasos en sociedad. Una inmersión profunda en el universo escolar a través de los ojos de una niña. Sorprendente debut en el largometraje de la guionista y directora belga Laura Wandel, deudor sin duda del cine de sus compatriotas hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne. Se trata de una historia minimalista, muy cercana en su naturalidad al “cinéma verité”, que atrapa a la perfección la primera experiencia escolar de su pequeña protagonista.

Great Freedom (Gran libertad)

Título original: Große Freiheit. Dirección: Sebastian Meise. País: Austria. Año: 2021. Duración: 117 minutos. Género: Drama. Romance. Basado en hechos reales. Drama carcelario. Homosexualidad. Interpretación: Franz Rogowski, Georg Friedrich, Anton von Lucke, Joachim Schoenfeld, Thomas Prenn, Fabian Stumm, Ulrich Faßnacht. Guion: Sebastian Meise, Thomas Reider. Música: Nils Petter Molvaerr, Peter Brötzmann. Fotografía: Crystel Fournier. Productora: Coproducción Austria-Alemania; FreibeuterFilm, Rohfilm. Premios y nominaciones:  Festival de Cannes: Un Certain Regard - Premio del Jurado; Festival de Sevilla: Mejor película y mejor actor (Rogowski); Premios del Cine Europeo: Mejor fotografía y música. Estreno en España: 25 de febrero de 2022. Sinopsis: Es la historia (real) de Hans (Franz Rogowski, Ondina) en tres momentos (1945, 1957 y 1969) de su relación con Viktor, un asesino convicto: un amor carcelario, propiciado por las entradas y salidas de prisión de Hans a causa de la represión a la que fueron sometidas las personas homosexuales en la Alemania democrática de posguerra, por una ley (derogada en 1969) que penaba su orientación sexual. Una lealtad incorruptible ante las barreras impuestas a un deseo condenado a ser castigado y furtivo.

El triunfo

Título original: Un triomphe. Dirección: Emmanuel Courcol. País: Francia. Año: 2020. Duración: 100 minutos. Género: Comedia. Teatro. Drama carcelario. Interpretación: Kad Merad, Marina Hands, Laurent Stocker, Saïd Benchnafa, Lamine Cissokho, Sofian Khammes, Pierre Lottin, Wabinlé Nabié, Alexandre Medvedev, Mathilde Courcol-Rozès, Catherine Lascault, Yvon Martin, Vladimir Golicheff, Thierry de Carbonnières, Elise Berthelier, Olivier Foubert. Guion: Emmanuel Courcol, Thierry de Carbonnières. Música: Fred Avril. Fotografía: Yann Maritaud. Productora: Agat Films, Les Productions du Ch'Timi, Memento Films, MK2 Films. Premios y nominaciones: Premios del Cine Europeo: Mejor comedia europea. Estreno en España: 25 de febrero de 2022. Sinopsis: Aunque esté en el paro con frecuencia, Etienne (Kad Meran) es un entrañable actor que dirige un taller de teatro en un centro penitenciario. Allí reúne a un grupo insólito de internos para representar la famosa obra de Samuel Beckett 'Esperando a Godot'. Cuando consigue la autorización para realizar una gira fuera de la cárcel con su pintoresca troupe de actores, a Etienne se le presenta finalmente la ocasión de prosperar. 

Tros (Tierras)

Título original: Tros. Dirección: Pau Calpe. País: España. Año: 2021. Duración: 83 minutos. Género: Drama. Interpretación: Roger Casamajor, Pep Cruz, Annabel Castan, Ana Torguet, Eduard Muntada, Iván Caelles, Ramon Bonvehí, Belén Gallego, Xavi Iglesias, Montserrat Trepat. Guion: Marta Grau. Novela: Rafael Vallbona. Música: Bernat Vivancos. Fotografía: Gina Ferrer. Productora: CEPA, Galápagos Media, Institut Català de les Empreses Culturals. Premios y nominaciones:  Premios Gaudí: Nominada a mejor película. Estreno en España: 25 de febrero de 2021. Sinopsis: Alcastrer, Lleida. Un lugar en el secano, cuatro casas y apenas un centenar de almas. Joan es un viejo huraño, con la aspereza del campo. Su hijo Pepe ha vuelto al pueblo al morir su madre, después de intentar buscarse la vida en Barcelona y habérsela complicado en asuntos de drogas. Un día, después de trabajar en el campo, Joan ve que alguien ha roto el candado del cobertizo donde guarda las herramientas y el gasoil. De noche, decide sumarse a la patrulla que ronda las tierras para evitar más robos. Duard, el jefe de la patrulla no quiere que Joan los acompañe. Desde que su mujer murió, al viejo se le va la cabeza. A menudo habla solo. Duard acepta al ver que Pepe acompañará a su padre. Y durante la ronda, Joan y Pepe dan con un ladronzuelo. Un adolescente magrebí.

La mancha negra

Dirección: Enrique García. País: España. Año: 2020. Duración: 89 minutos. Género: Thriller. Años 1970. Familia. Interpretación: Cuca Escribano, Pablo Puyol, María Alfonsa Rosso, Noemí Ruiz, Natalia Roig, Joaquín Núñez, Aníbal Soto, Juanma Lara, Sebastián Haro, Maria José Parra, Ignacio Nacho, Virginia de Morata, Manuel Salas, Miguel Guardiola, Steven Lance, Virginia Muñoz. Guion: Enrique García, Isa Sánchez. Historia: Enrique García. Música: Jesús Calderón. Fotografía: Jose Antonio Crespillo. Productora: Marila Films. Estreno en España: 25 de febrero de 2022. Sinopsis: Aljarria. Un pequeño pueblo del sur de España, 1971. La muerte de doña Matilde Cisneros, reúne durante su velatorio a sus tres hijas, Modesta, Manuela y Mercedes, y a su hijo mayor Eugenio que, necesitado de cobrar su parte de la herencia, se ve obligado a volver al pueblo del que tuvo que salir huyendo 15 años antes. El retorno de Eugenio despierta un dormido espíritu de reproches y venganza en don Andrés, el párroco del pueblo que instrumenta su rencor contra la familia Cisneros para poder manipular la debilitada intención de los vecinos. ¿Pero qué ocurre con la herencia de doña Matilde? Durante la noche del velatorio todo el odio, el rencor, la frustración y los secretos más oscuros de la familia Cisneros saldrán a relucir ante el cuerpo presente de su madre.

The Medium

Dirección: Banjong Pisanthanakun. País: Tailandia. Año: 2021. Duración: 131 minutos. Género: Terror. Falso documental. Posesiones. Exorcismos. Sobrenatural. Interpretación: Narilya Gulmongkolpech, Sawanee Utoomma, Sirani Yankittikan, Yasaka Chaisorn, Boonsong Nakphoo, Bella Boonsang. Guion: Na Hong-jin, Banjong Pisanthanakun. Fotografía: Naruphol Chokanapitak, Yossawat Sittiwong. Productora: Coproducción Tailandia-Corea del Sur; GDH 559, Showbox Entertainment, Northern Cross. Distribuidora: Selecta Visión. Estreno en España: 25 de febrero de 2022. Sinopsis: La trama se centra en la tradición ancestral de una familia tailandesa. Durante generaciones, las mujeres de la familia han sido mediums y han estado poseídas por Bayan, una deidad. Sin embargo, puede que la última miembro de la familia que ha heredado esta tradición chamánica no esté siendo poseída por la diosa a la que han estado venerando todos estos años, sino por una entidad mucho más macabra y tenebrosa. La película se ha presentado en la Sección Oficial del Festival de Cine de Sitges.

Parasceve, retrato de una Semana Santa

Dirección: Hilario Abad. País: España. Año: 2021. Duración: 70 minutos. Género: Documental. Religión. Reparto: Documental. Guion: Hilario Abad. Música: Francisco Javier Torres Simón. Fotografía: Daniel Valledor, Miguel Trujillo, Emilio Salas Ramos, María del Mar Nevado. Estreno en España: 25 de febrero de 2022. Sinopsis: Parasceve, retrato de una Semana Santa es un largometraje sobre la Semana Santa de Sevilla que cuenta el transcurso de la celebración en orden cronológico, con el foco puesto en lo que experimenta el público, transmitiendo los distintos ambientes y las sensaciones que se viven en la calle, con el objetivo de hacer un retrato evocador de la celebración, casi impresionista, evitando racionalizar lo intangible. Un retrato impresionista y sensorial de la Semana Santa sevillana que sigue el transcurso de la celebración en orden cronológico. Poniendo el foco en el punto de vista del público, Hilario Abad nos lleva por la emoción intangible y el calor del ambiente de la celebración en la calle, en una película-experiencia audiovisual inmersiva  con banda sonora original de Francisco Javier Torres Simón  interpretada por la Banda Sinfónica Municipal de Sevilla bajo la dirección de Francisco Javier Gutiérrez Juan, el Coro Dabar bajo la dirección de Jesús Irizo, y los solistas Manuel Cuevas (saeta), José Carlos Garrido ‘Garri’ (corneta), Pedro Luengo (órgano) y la cantante Gema Abad.

Ainbo: La guerrera del Amazonas

Título original: Ainbo: Spirit of the Amazon. Dirección: Jose Zelada, Richard Claus. País: Perú. Año: 2021. Duración: 90 minutos. Género: Animación. Aventuras. Comedia. Fantástico. Reparto: Animación. Guion: Richard Claus, Brian Cleveland, Jason Cleveland, Larry Wilson. Historia: Jose Zelada. Música: Vidjay Beerepoot. Fotografía: Animación. Productora: Coproducción Perú-Países Bajos (Holanda)-Estados Unidos; Cinema Management Group, Tunche Films. Distribuidora: BIM Distribuzione, First Run, Front Row Filmed Entertainment, Kino Swiat, Telepool. Estreno en España: 25 de febrero de 2022. Sinopsis: En la estela de Moana y Frozen, Ainbo es el viaje épico de una joven heroína y sus guías espirituales: Dillo un armadillo pequeño y divertido y Vaca un tapir de gran tamaño. Todos ellos se embarcan en una búsqueda para salvar su hogar, situado en la espectacular selva amazónica. La pequeña Ainbo vive en lo más profundo de la selva amazónica. Tras perder a su madre y pelearse con los adultos de su aldea, esta joven arquera emprende un viaje para salvar a su pueblo del poder destructor del hombre blanco. La acompañan sus dos guías espirituales, un avispado armadillo y un campechano tapir. 

Reestrenos de la semana: 25 de febrero

El padrino

Título original: The Godfather. Dirección: Francis Ford Coppola. País: Estados Unidos. Año: 1972. Duración: 175 minutos. Género: Drama. Mafia. Crimen. Años 1940. Años 1950. Familia. Película de culto. Interpretación: Marlon Brando, Al Pacino, James Caan, Robert Duvall, Diane Keaton, John Cazale, Talia Shire, Richard S. Castellano, Sterling Hayden, Gianni Russo, Rudy Bond, John Marley, Richard Conte, Al Lettieri, Abe Vigoda, Franco Citti, Lenny Montana, Al Martino, Joe Spinell, Simonetta Stefanelli, Morgana King, Alex Rocco, John Martino, Salvatore Corsitto, Richard Bright, Tony Giorgio, Vito Scotti, Jeannie Linero, Julie Gregg, Angelo Infanti, Corrado Gaipa, Saro Urzi. Guion: Francis Ford Coppola, Mario Puzo. Novela: Mario Puzo. Música: Nino Rota. Fotografía: Gordon Willis. Productora: Paramount Pictures, Alfran Productions. Premios y nominaciones: 3 Oscar: Mejor película, Actor (Marlon Brando), Guión adaptado. 11[10*] nominaciones; 5 Globos de Oro: Película (Drama), Director, Actor (Brando), Guión y bando sonora original; Premios BAFTA: Mejor música. 5 nominaciones, incluyendo Mejor actor (Brando); Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actor secundario (Duvall). 4 nominaciones; National Board of Review: Mejor actor secundario (Pacino) y Mejores 10 films del año; Sindicato de Directores (DGA): Mejor director; Sindicato de Guionistas (WGA): Mejor guión adaptado drama;  Premios David di Donatello: Mejor film extranjero y Premio Especial (Al Pacino). Reestreno en España: 25 de febrero de 2022, con motivo del quincuagésimo aniversario de su estreno. Sinopsis: América, años 1940. Don Vito Corleone (Marlon Brando) es el respetado y temido jefe de una de las cinco familias de la mafia de Nueva York. Tiene cuatro hijos: Connie (Talia Shire), el impulsivo Sonny (James Caan), el pusilánime Fredo (John Cazale) y Michael (Al Pacino), que no quiere saber nada de los negocios de su padre. Cuando Corleone, en contra de los consejos de 'Il consigliere' Tom Hagen (Robert Duvall), se niega a participar en el negocio de las drogas, el jefe de otra banda ordena su asesinato. Empieza entonces una violenta y cruenta guerra entre las familias mafiosas.

Cumplió 25 años: ¿De qué se ríen las mujeres?

El 25 de febrero de 1997 se estrenó la película española ¿De qué se ríen las mujeres? dirigida por Joaquín Oristrell e interpretada por Verónica Forqué, Candela Peña, Adriana Ozores, Juanjo Menéndez, Jorge Sanz, Jordi Bosch, Ángel de Andrés López, Daniel Pérez Prada, François-Eric Gendron, Yolanda Ventura, Carmen Balagué, Jesús Castejón. Productora: Bocaboca Producciones, Sogetel. Duración: 114 minutos. 

Sinopsis argumental: Luci (Verónica Forqué), Graci (Candela Peña) y Mar­ (Adriana Ozores), tres hermanas que forman un trío cómico, asisten a la boda de su padre con una mujer 45 años más joven que él. Durante el banquete, el marido de Luci muere en un accidente. A pesar de la tragedia, el trío debe cumplir su compromiso de actuar el mes de agosto en una sala de Benidorm. En pleno duelo, la viuda descubre, gracias a una agenda, que su marido la engañaba. Entonces, para vengarse, decide lanzarse a ligar a lo loco. Sus hermanas la apoyan, pero, poco a poco, las tres van llegando a la conclusión de que los hombres no valen gran cosa y sólo producen risa.

Comentario: Se trata de la primera película como director del guionista Joaquín Oristrell. Una comedia divertida, que se adentra en el universo femenino a través de los ojos de un niño. 

Cumplió 25 años: Donnie Brasco

El 24 de febrero de 1997 se estrenó la película estadounidense Donnie Brasco, dirigida por Mike Newell e interpretada por Al Pacino, Johnny Depp, Michael Madsen, James Russo, Bruno Kirby,  Anne Heche, Gretchen Mol, Zeljko Ivanek, Gerry Becker, Zach Grenier, Brian Tarantina, Tim Blake Nelson, Larry Romano, Paul Giamatti, Robert Miano, Rocco Sisto, Walt MacPherson, Ronnie Farer, Terry Serpico, Tony Lip, George Angelica, Val Avery, Madison Arnold, Delanie Fitzpatrick, Katie Sagona, Sara Gold, James McCauley, James Bulleit, Andrew Parks, Keenan Shimizu, Rocco Musacchia, Joe Francis, Sal Jenco, Billy Capucilli, Laura Cahill, Doreen Murphy, Denise Faye, Elaine del Valle, John Horton, Dan Brennan, LaJuan Carter, Sandy Barber, Joyce Stovall, Frank Pesce, Randy Jurgenson, John Di Bendetto, Richard Zavaglia, Tony Ray Rossi, Edward Black, Gaetano LoGiudice, Carmelo Musacchia, Pat Vecchio. Productora: Mandalay Entertainment, Baltimore Pictures, Mark Johnson Productions. Duración: 122 minutos. 

Sinopsis argumental: El agente del FBI Joe Pistone debe abandonar temporalmente a su familia y hacerse pasar por un gángster: el joyero Donnie Brasco. Sin embargo, para ser aceptado por los mafiosos debe probar su lealtad y su capacidad para cometer crímenes. Su objetivo es investigar las actividades del clan de los Bonnano y, para ello, se gana la confianza de Lefty Ruggiero, un pistolero en decadencia que nunca consiguió acceder a las altas esferas del poder...

Nominaciones y premios: Nominada al Oscar: Mejor guion adaptado; National Board of Review: Mejor actriz de reparto (Anne Heche); Critics' Choice Awards: Nominada a mejor película; Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guion adaptado; Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor actor (Al Pacino);  Asociación de Críticos de Boston: Mejor actor (Al Pacino). 3 nominaciones.

Comentario: Las memorias del propio Joseph Pistone, publicadas a mediados de la década de 1980, sirvieron como base para que Paul Attanasio escribiera el guion de Donnie Brasco. la película debía ser dirigido por Barry Levinson, pero finalmente este se limitó a la producción, cediendo la dirección al ecléctico cineasta británico Mike Newell. Newell se esforzó por retratar de manera muy realista el funcionamiento de los negocios del hampa, aunque el principal interés del filme no es la trama criminal, sino la relación de amistad que se establece entre los dos protagonistas, encarnados por Johnny Deep, que por una vez abandona sus personajes excéntricos, y Al Pacino, experto en mafiosos desde la saga de El padrino.

Efemérides de cine: Cuando las mujeres perdieron la cola

El 24 de febrero de 1972 se estrenó la película italiana Cuando las mujeres perdieron la cola (Quando le donne persero la coda), dirigida por Pasquale Festa Campanile e interpretada por Senta Berger, Frank Wolff, Mario Adorf, Fiammetta Baralla, Lando Buzzanca, Renzo Montagnani, Francesco Mulé, Aldo Puglisi, Lino Toffolo. Productora: Coproducción Italia-Alemania; Clesi Cinematografica, Terra Film, Duración: 102 minutos. 

Sinopsis argumental: Filli y su pequeña comunidad de cavernícolas siempren han vivido ignorando de qué se trata el comercio. Un día llega Ham, un hombre de una civilización superior que enseguida se percata de la ingenuidad de sus compañeros, y decide aprovecharse de ellos. Una vez que ha introducido el concepto del dinero, Ham pone una tienda. A partir de este momento empieza a enriquecerse revendiendo de manera exagerada los alimentos que ellos mismos le han proporcionado. Los cavernícolas se ven obligados a trabajar duro para ganar una miseria. A cambio de un poco de comida, Ham consigue apropiarse de la bella Filli. Pero Ham ya tenía su mujer, la grandota Katorcia, así que al poco tiempo decide cederla por dinero para satisfacer a los cavernícolas. 

Comentario: Tras el éxito previo de Cuando las mujeres tenían cola (Quando le donne avevano la coda, 1970), Lina Wertmüller idea un nuevo argumento para esta segunda parte. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Mujeres de cine: Inma de Santis

El 24 de febrero de q959 nace en Madrid Inmaculada Santiago del Pino, más conocida como Inma de Santis, actriz de cine, teatro, presentadora y directora de varios programas en Televisión Española, así como directora de tres cortometrajes. También participó a veces como guionista. Su nombre artístico, Inma de Santis, a menudo se veía cambiado en películas y revistas, como Inma de Santi, Inma de Santy, Inma de Santys...

Debutó en el cine en el 1964, a sus cinco años, en la producción hispano-mexicana El niño y el muro. Posteriormente, tras estudiar la carrera de Ciencias de la Información en la rama de Imagen, dirigió varios cortometrajes. Uno de ellos, Eulalia, fue premiado en varios certámenes y otro posterior, Seis mujeres, seis, tuvo buenas críticas.

En diciembre de 1989, durante unas vacaciones en el desierto del Sahara, en el territorio del Sahara Occidental, Inma de Santis falleció al volcar el todoterreno que conducía. Fue enterrada en el cementerio de La Almudena (Madrid) y posteriormente incinerada, tal y como Inma habría deseado.