Mujeres de cine: Majel Barrett

El 23 de febrero de 1932 en Cleveland, Ohio, nace Majel Barrett o Majel Barrett Roddenberry, nació como Majel Leigh Hudec, fue una actriz y productora estadounidense. Estuvo casada con el creador de Star Trek, Gene Roddenberry. Como resultado de su matrimonio con Gene Roddenberry y su continua relación con Star Trek, participó en cada serie, como primer oficial en el episodio piloto, enfermera en Viaje a las Estrellas (la serie original). También como Lwaxana Troi, madre de Deanna Troi en La Nueva Generación y embajadora en Espacio Profundo 9, así como la voz de las computadoras de las distintas naves de la saga y en las películas, incluyendo Star Trek XI, completada dos semanas antes de su fallecimiento. Algunos se refieren a ella como "la primera dama de Star Trek". Falleció el 18 de diciembre de 2008, en Bel Air, California. 

Cine para niños: Kanna y los dioses de octubre: animación a lo Miyazaki, bonita pero sin genio

Kanna y los dioses de octubre (Kamiarizuki no Kodomo, 2021), de Takana Shirai y Kazuya Sakamoto, con su intrépida heroína y su historia iniciática con acentos sintoístas, esta película de animación japonesa dirige claramente su mirada al universo del autor de El viaje de Chihiro. Hermosa, rítmica, ordenada, pero lejos de igualar al maestro.

Es una morena despeinada, entrañable y de carácter fuerte, una de esas preadolescentes intrépidas que vuelven loco al cine de animación japonés, al menos desde El viaje de Chihiro. Kanna, la heroína de esta gran aventura, tiene otro punto en común con la de la célebre película de Hayao Miyazaki: pasa de la cotidianidad más prosaica al mundo de los dioses, esa multitud colorista, cómica o poética, que acecha el universo de la religión sintoísta.

O cómo una colegiala corriente, todavía muy perturbada por la muerte de su madre, descubre un día que ésta no era una madre corriente, sino la heredera de una larga estirpe de seres mágicos, encargados de una misión secreta y sagrada: cada año. recogiendo y llevando ofrendas a las criaturas sobrenaturales que, en octubre (el famoso "mes de Kamiari"), se reúnen en el santuario japonés de Izumo. Ahora le toca a Kanna tomar la antorcha, en una búsqueda sembrada de peligros, confrontaciones frenéticas y encuentros asombrosos, desde el divertido conejito blanco que le sirve de guía hasta todo tipo de apariciones fantásticas más espectaculares, como este gran dragón verde que tenemos la impresión de habernos conocido ya en otros cuentos, en otras películas.

La matanza de Texas original es una auténtica película de autor”

La llegada a Netflix de otra secuela bastante exitosa es una oportunidad para volver a sumergirse en el terror inolvidable de la película de 1974. 

Fondo oscuro y ruidos sombríos, e esos que sugieren escenas insoportables. ¿Un cuerpo siendo desmembrado? ¿Huesos rotos? Oímos claramente estertores de esfuerzo. ¿Cometido por el que se obsesionó con un cadáver? Bienvenidos a La matanza de Texas (The Texas Chainsaw Massacre, 1974), de Toby Hooper, una de las películas de terror más controvertidas, sensuales y desgarradoras de la historia del cine. Sigue igual de moderno, casi cincuenta años después. La prueba: Leatherface, el abominable hombre de la motosierra y la máscara de piel humana, regresa a Netflix, en la novena entrega de una franquicia cuyos sangrientos cimientos se asentaron con firmeza en la década de 1970.
La obra maestra de Tobe Hooper sigue siendo única, incomparable y, sobre todo… inigualable. Con la esperanza de que una nueva generación, que descubra Leatherface por primera vez, tenga la tentación de visitar la lúgubre granja de carnicería de Texas, donde todo comenzó...

Cine para niños: “Vanille”, una delicada historia iniciática, en el corazón de Guadalupe

Tras ser emitido por televisión, el mediometraje de Guillaume Lorin llega a las salas de cine acompañado de dos cortos estrenos. Una hermosa historia de aprendizaje que seducirá a niños desde los 6 años, para ver en el festival de cine infantil Télérama, que se llevará a cabo del 9 de febrero al 1 de marzo de 2022.
Ya transmitido por televisión (en France TV, desde octubre de 2020), la valentía de este programa animado tiene lugar en Guadalupe. Vanille está firmada por un equipo esencialmente extranjero, que incluye al cineasta Guillaume Lorin y la coguionista Aurore Auguste. Durante la proyección en salas, esta bonita historia de aprendizaje se presenta con, al principio, dos cortos políticos marcando la pauta: el antiespecista Kiko y los animales, luego el antirracista Ton français est parfait .

Las tres historias en dos palabras: En Kiko y los animales (2020), las criaturas de la granja son aterrorizadas por un niño. Luego, en Ton français est parfait, una joven ya no quiere interpretar para su madre, que es de origen camboyano. Finalmente, en Vanille, una pequeña mestiza, una parisina de fuerte carácter, se queda con su tía en el archipiélago de Guadalupe.

El argumento para hacerlos querer: Dando un lugar privilegiado a la cultura criolla (canciones, leyendas), Vanille es una película de aventuras basada en una técnica híbrida, que mezcla dibujos en 2D con trazos claros y tomas de escenarios reales. Cuanto más avanza la heroína en el corazón de la isla de las mariposas, a través del bosque tropical hasta la cima de Soufrière, más descubre sus orígenes.

Cumplió 25 años: La vida en obras

El 22 de febrero de 1997 se estrenó la película alemana La vida en obras (Das Leben ist eine Baustelle), dirigida por Wolfgang Becker e interpretada por Jürgen Vogel, Christiane Paul, Ricky Tomlinson, Armin Rohde, Martina Gedeck,Meret Becker, Christina Papamichou, Rebecca Hessing, Andrea Sawatzki, Peter Gavajda, Ingeborg Westphal. Productora: X Filme Creative Pool. Duración: 116 minutos. 

Sinopsis argumental: Narra la historia de un hombre que, camino del trabajo, se enfrenta con dos policías de paisano. Como consecuencia, tiene que huir hacia las afueras de la ciudad, y lo hace en compañía de Vera, una joven a la que no conoce y de la que se enamora.

Premios y nominaciones: Festival de Berlín: Mención de honor; 3 Premios del Cine Alemán: incluyendo 2ª mejor película y actor.

Comentario: Comedia realista, casi podríamos decir que naturalista, que transcurre en el Berlín contemporáneo y en el que se dan cita un nutrido y variopinto grupo de personajes cotidianos y marginales. Con referencias a Fassbinder y Ken Loach, el joven director Wolfgang Becker narra el viaje a los suburbios de una pareja de jóvenes, mostrando aquello que no se ve de la Alemania actual. Bien recibida por parte de la crítica, La vida en obras recibió una mención especial en el Festival de Berlín y llegó a estrenarse en nuestras pantallas, algo muy poco habitual en el cine alemán, que llega a España en cuentagotas.

"Jean-Michel le caribou et les histoires d'amour interdites”, una película en sintonía con los tiempos

Un pueblo donde las historias de amor están prohibidas... Este mediometraje de animación, que hoy se puede ver en los cines, recomendada a partir de los 4 años, sorprende por su actualidad. Sin embargo, ésta fue imaginada mucho antes de la pandemia, explica su guionista, Régis Jaulin.

A lo largo de la historia, cuando un régimen político se endurece, la animación ha sido a menudo un salvavidas. Producida en imágenes generadas por ordenador,

Jean-Michel le caribou et les histoires d'amour interdites (que se puede traducir en español por Jean-Michel el caribú y las historias de amor prohibidas) se desarrolla en un pueblo de animales. Todo está en el título. Para poner fin a los corazones rotos en Vlalbonvent, el elefante Marcel, el alcalde, después de un referéndum a mano alzada, convoca a los habitantes a distanciarse unos de otros. A esto le sigue una multitud de restricciones (¿sanitarias?) más o menos absurdas: un puesto de comestibles medio cubierto, como ciertos estantes de supermercados durante el otoño de 2020.

Cuando se le señala que este mediometraje encuentra un eco particular en Francia bajo la campana de 2022, el guionista Régis Jaulin responde con humor: “¡No lo conviertas en una diatriba contra el pase! El guión fue escrito en 2017-2018, luego la producción terminó a principios de 2020, antes del primer confinamiento. Esto está claro: cualquier referencia a la situación actual es pura coincidencia.

Mujeres de cine: Margarethe von Trotta

El 21 de febrero de 1942 nace en Berlín Margarethe von Trotta, directora, actriz y guionista de cine alemana y miembro del movimiento de Nuevo cine alemán.

A partir de 1965, comienza a trabajar profesionalmente como actriz. En el cine colabora en películas de corte vanguardista con el controvertido Herbert Achternbusch y el conocido Rainer Werner Fassbinder.

Margarethe Von Trotta es emblemática directora de la corriente del Nuevo cine alemán​ de la década de 1970, desde la cual surgen importantes figuras como Fassbinder, Schlöndorff, Werner Herzog y Wim Wenders. Ha mostrado un cine consistente que posee una visión particular y crítica de la mujer alemana y de su compleja inserción en la historia del siglo XX.

Sus trabajos, en sus principios, fueron catalogados por los críticos como "feministas", pero en la actualidad ha realizado retratos acabados donde las mujeres exponen su diversidad social y los individuos son explicados desde un interesante sentido histórico desde el cual, el presente no se puede desvincular de su pasado.

Ha recibido distinciones internacionales como el León de Oro del Festival Internacional de Cine de Venecia por Las hermanas alemanas y recientemente el Premio David de Donatello de la Academia de Cine Italiano a la mejor película europea para La calle de las rosas.

Efemérides de cine: La cera virgen

El 21 de febrero de 1972 se estrenó la película española La cera virgen, dirigida por José María Forqué e interpretada por Carmen Sevilla, José Luis López Vázquez, Manuel Alexandre, Maribel Martín, Francisco Algora, Julia Caba Alba, Alfonso del Real, Eva León. Productora: Producciones Cinematográficas Orfeo. Duración: 102 minutos.

Sinopsis argumental: Unas jóvenes son acosadas sexualmente por el alcalde de su ciudad y deciden vengarse.
Comentario: Muestra la hipocresía moral de la España rural en la época del franquismo en decadencia. Pero su mensaje no sólo cumple este objetivo en dicho contexto, sino que trae una enseñanza válida para todos los seres humanos en cualquier época. La discriminación de la mujer en la sociedad es un aspecto esencial abordado por la película. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Hace 100 años: La mujer del Faraón

El 21 de febrero de 1922 se estrenó la película alemana La mujer del Faraón (Das Weib des Pharao), dirigida por Ernst Lubitsch e interpretada por Emil Jannings, Paul Biensfeldt, Friedrich Kühne, Albert Basserman, Harry Liedtke, Dagny Servaes, Tina Dietrich. Productora: Europäische Film-Allianz. Duración: 110 minutos.

Sinopsis argumental: La devoción por una bella esclava provoca una guerra entre el faraón Amenes y el rey de Etiopía. Pero ella ama a Ramphis. 

Comentario: Fue la película más espectacular que se había producido hasta entonces en Europa y utilizaba una impresionante reconstrucción de las pirámides, los templos, los desiertos e incluso el Nilo en los estudios alemanes Ufa.

Los “legacyquels”, o cómo Hollywood hace algo nuevo con lo viejo

De moda desde finales de la década de 2000, el “legacyquel” es una forma de secuela que abarca el tiempo transcurrido entre dos episodios de una saga de culto. Una forma de conectar generaciones de fans, pero también de reciclar franquicias, en un ciclo casi infinito.

Seguro que ya has visto alguno sin saber muy bien que lo estabas viendo, atrapado en recuerdos de infancia o adolescencia, cegado por el amor por una película, una historia y sus personajes. Esto es precisamente lo que espera Hollywood con sus “legacyquels”, un acrónimo que aúna “legado”, por legado, y “secuela”, por secuela. Así podemos etiquetar como legacyquel el último Indiana Jones, la nueva trilogía de Star Wars, el cuarto Matrix y el quinto Scream o incluso Creed, Tron y Cazafantasmas, que tienen la palabra "legado" de lleno en su nombre.

Estas películas completan una saga generalmente antigua, juegan con la nostalgia que provoca para conectar al público joven y mayor y capitalizar grandes nombres cuyo éxito comercial y estima ya está bien establecido. Hollywood lleva diez años contando con esta tendencia para dar un lavado de cara a sus franquicias. Entonces, ¿otro ejemplo más de la falta de imaginación de la industria cinematográfica o el futuro de la cultura pop? Descifrando una tendencia que muestra algunos signos de fatiga, en compañía de Matt Singer, periodista del sitio ScreenCrush.com y el mismísimo inventor de la palabra legacyquel.

Cumplió 25 años: Madre e hijo

El 20 de febrero de 1997 se estrenó la película rusa Madre e hijo (Mat i syn),  dirigida por Aleksandr Sokúrov e interpretada por Gudrun Geyer, Aleksei Ananishnov. Coproducción Rusia-Alemania; Severny Fond, Zero Film GmbH, Lenfilm Studio, O-Film. Duración: 71 minutos.

Sinopsis argumental: En una vieja casa aislada, situada en un fantasmagórico paraje campestre de tonalidades pictóricas, un joven (Aleksei Ananichnov) dispensa amorosas atenciones y cuidados a su madre gravemente enferma (Gudrun Geyer). En el que quizá sea su último paseo juntos, él la lleva en brazos, y ambos evocan melancólicamente el pasado. 

Comentario: Otro de los poemas visuales del realizador ruso Aleksandr Sokurov, considerado para muchos como el sucesor de Andrei Tarkovsky, es esta cinta intimista que explora la naturaleza de los vínculos materno-filiales. De estructura simple, pero profunda en el contenido, Madre y hijo fue la primera cinta del autor internacionalmente aclamada por la crítica. No fue la primera incursión de Sokurov en el análisis de los vínculos familiares, puesto que rodó una especie de secuela siete años más tarde, Padre e hijo, que desconcertó al público por su homoerotismo, aunque él se desvinculó de esta interpretación.

Hace 100 años: Penrod

El 20 de febrero de 1922 se estrenó la película Penrod (20-2-922), dirigida por Marshall Neilan e interpretada por Wesley Barry, Tully Marshall, Claire McDowell, John Harron, Gordon Griffith, Newton Hall, Harry Griffith, Ernest Morrison, Florence Morrison, Marjorie Daw, Clara Horton, Baby Peggy, Eugenie Besserer, Virginia True Boardman, Hazel Keener, Muriel McCormac, Joseph Sterns. Productora: Marshall Neilan Productions. Duración: 80 minutos. 

Sinopsis argumental: El joven bribón Penrod Schofield causa una gran cantidad de problemas en su comunidad, todo ello en nombre de la protección de los niños de padres demasiado estrictos y vecinos desagradables. Dirige el ABPA (Asociación Protectora Americana de Chicos) y través de ella interrumpe una serie de eventos sociales locales. La gente del pueblo está bastante harta de Penrod y su banda, pero cuando una pareja de forajidos llega a la ciudad, Penrod muestra su hombría.

Comentario: Basada en la novela homónima de Booth Tarkington. Esta película se considera perdida. Fue el debut de la actriz Hazel Keener.

Eskil Vogt, director de “The Innocents”: “Los niños no son angelitos”

El cineasta aborda en su última película, en cines, la relación entre la infancia y el Mal. Una película de terror, tan emocionante como escalofriante, que cuestiona la complejidad del ser humano. 

Una pequeña niña noruega y su hermana mayor autista llegan un verano con sus padres a un suburbio residencial, al borde de un lago y un bosque. La niña conoce a otros niños, incluido un niño que tiene el poder de la telequinesis... Entre El pueblo de los malditos (The Village of the Damned, 1960), Scanners (1981) y Chronicle (2012), The Innocents (en cines) es una película de terror emocionante y escalofriante, ayudada por una elegante fotografía. Detrás de la cámara: Eskil Vogt , amigo y fiel guionista de Joachim Trier, ya es autor de un primer largometraje, Blind (2014). 

The Innocents (De uskyldige, 2021), con las excepcionales actuaciones de los niños y su atmósfera asombrosamente escalofriante y cruda distinguen a esta interesante película de terror.

“Vous ne désirez que moi”: la lección de dirección de Claire Simon

Partiendo de un material real, evocando a Marguerite Duras sin mostrarla, pero también una sexualidad tabú… Para su última película, actualmente en cartelera, la cineasta ha asumido muchos retos... 

En 1982, Yann Andréa, el último amante de Marguerite Duras, recibió a la periodista Michèle Manceaux en la casa del escritor en Neauphle-le-Château. Y le contó, durante largas horas, su relación simbiótica(y peligrosa) con la autora de Les Petits Chevaux de Tarquinia. 

De esta conversación, que permaneció inédita durante más de treinta años, nació un libro, Je voudrais parler de Duras, publicado en 2016 por Pauvert. Y, ahora, una conmovedora película de Claire Simon, Vous ne désirez que moi (en los cines tras haber sido presentada en preestreno en el Festival de Cine de Télérama en enero de 2022), con dos intérpretes en estado de gracia, Swann Arlaud y Emmanuelle Devos... Una ficción muy documentada que plantea grandes retos en la puesta en escena. ¿Cómo filmar hablando y escuchando? ¿Cómo hacer sentir la presencia de Marguerite Duras cuando nunca aparece en pantalla? ¿Cómo retratar la sexualidad de una casi septuagenaria con un hombre treinta y ocho años menor que ella?

Mujeres de cine: Florinda Chico

El 19 de febrero de 2011 fallece la actriz española Florinda Chico, con más de 100 películas a sus espaldas.Aunque debutó en el cine en 1953, con la película Pasaporte para un ángel, de Javier Setó, no fue hasta la segunda mitad de los años sesenta cuando alcanzó una enorme popularidad llegando a convertirse en una de las más habituales actrices secundarias del cine español.

No tardó en adoptar un estereotipo, muy determinado por su físico de matrona corpulenta, que reflejaba la mujer castiza y en muchos casos chabacana y que la encuadraba en papeles de "señora estupenda" o, sobre todo, ama de casa o chacha gruñona junto a Rafaela Aparicio. Los papeles que representó reiteraron, pues, un arquetipo que encontró encaje en películas cómicas muy del estilo de las que rueda Mariano Ozores, a cuyas órdenes llegó a trabajar en 22 títulos.

En ocasiones, sin embargo, se apartó del género cómico, con incursiones en filmes de factura dramática como Gusanos de seda (1976) de Francisco Rodríguez, Cría cuervos (1976), de Carlos Saura o La casa de Bernarda Alba (1987), de Mario Camus.

'Uncharted', del videojuego al cine, una adaptación que no vale un oro

Si esta gran máquina adaptada del exitoso videojuego es capaz de seducir a un público familiar amante del buen entretenimiento y en especial a los jugadores, el conjunto, algo alborotado y grandilocuente, no convence.

Esperada por todos los jugadores que lograron el éxito del videojuego Uncharted , esta adaptación en forma de gran espectáculo cinematográfico parece más bien destinada a un público familiar necesitado de un buen entretenimiento. Los muchos fanáticos de Tom Holland como Spider-Man también son bienvenidos y no se sentirán decepcionados porque el actor es el único motor en esta gran máquina que realmente funciona.

Aquí está en el papel de un aprendiz de aventurero lanzado en una búsqueda del tesoro por un temerario experimentado interpretado por Mark Wahlberg. El actor, que cumplió 50 años hace unos meses, se supone por tanto el adulto de la historia, el que siempre ha cuidado su lado más joven, el eterno adolescente. Pero obviamente no quiere encontrarse en este lugar de veteranía con Tom Holland. La dinámica de su dúo se torna lenta, artificial, como una especie de tambaleante buddy movie en la que debería haberse encontrado una combinación Harrison Ford-Sean Connery en Indiana Jones.

El personaje de villano infrautilizado

Todo es un poco tosco en Uncharted. El villano interpretado por Antonio Banderas está infrautilizado, en favor de un asesino más radical que, sin embargo, nunca impresiona lo suficiente. El encanto de la película proviene de la historia y la geografía, que conducen la trama a través del viaje de Magallanes y los territorios ocultos, aunque inexplorados (traducción de Uncharted), que había atravesado y que debe encontrar para poner sus manos en su tesoro escondido.

Películas de la semana: 18 de febrero

Muerte en el Nilo

Título original: Death on the Nile. Dirección: Kenneth Branagh. País: Estados Unidos. Año: 2022. Duración:127 minutos. Género: Drama. Intriga. Crimen. Interpretación: Kenneth Branagh, Gal Gadot, Letitia Wright, Armie Hammer, Annette Bening, Ali Fazal, Sophie Okonedo, Tom Bateman, Emma Mackey, Dawn French, Rose Leslie, Jennifer Saunders, Russell Brand, Nikkita Chadha. Guion: Michael Green. Novela: Agatha Christie. Música: Patrick Doyle: Fotografía: Haris Zambarloukos. Productora: The Estate of Agatha Christie, 20th Century Studios. Distribuidora: 20th Century Studios. Estreno en España. 18 de febrero de 2022. Sinopsis: Basada en la novela de 1937 de Agatha Christie, Muerte en el Nilo es un fascinante thriller de misterio dirigido por Kenneth Branagh sobre el caos emocional y las consecuencias letales que provocan los amores obsesivos. Las vacaciones egipcias del detective belga Hércules Poirot a bordo de un glamuroso barco de vapor se convierten en la aterradora búsqueda de un asesino cuando la idílica luna de miel de una pareja perfecta se ve truncada de la forma más trágica. 

Cásate conmigo

Título original: Marry Me. Dirección: Kat Coiro. País: Estados Unidos. Año: 2022. Duración: 112 minutos. Género: Romance. Comedia. Comedia romántica. Interpretación: Jennifer Lopez, Owen Wilson, Maluma, Sarah Silverman, John Bradley, Chloe Coleman, Michelle Buteau, Stephen Wallem, Marko Caka, Bob Leszczak, Giuseppe Ardizzone, Daymien Valentino, Blaise Corrigan, Kathryn Grace, Andre Da Silva, Jessica VanOss. Guion: Harper Dill, John Rogers, Tami Sagher. Novela gráfica: Bobby Crosby. Música: John Debney. Fotografía: Florian Ballhaus. Productora: Universal Pictures, Nuyorican Productions, Perfect World Pictures, Kung Fu Monkey Productions. Distribuidora: Universal Pictures. Estreno en España: 18 de febrero de 2022. Sinopsis: Bastian (Maluma) y Kat Valdez (Jennifer López) son una exitosa pareja de artistas que está a punto de casarse. Pero, cuando llega el gran día, Bastian deja plantada en el altar del Madison Square Garden a su prometida delante de miles seguidores y tras haber lanzado una canción acerca de su enlace. Sin embargo, Kat se acaba de enterar de que su pareja le había estado engañando con su asistente y, de forma repentina, decide casarse con uno de sus seguidores (Owen Wilson), a quien no conoce de absolutamente nada. 

CODA: Los sonidos del silencio

Título original: CODA. Dirección: Sian Heder. País: Estados Unidos Año: 2021. Duración: 111 minutos. Género: Drama. Discapacidad auditiva. Familia. Música. Discapacidad. Remake. Interpretación: Emilia Jones, Troy Kotsur, Marlee Matlin, Daniel Durant, Eugenio Derbez, Ferdia Walsh-Peelo, Amy Forsyth, Kevin Chapman, John Fiore, Erica McDermott, Owen Burke, Rebecca Gibel, Molly Beth Thomas, Armen Garo, Melissa McMeekin, Elbert Kim, Jose Guns Alves, Lance Norris, Kiara Pichardo, Ayana Brown, Mark Pettograsso, Kayla Caulfield, Mary Ann Schaub, Lonnie Farmer, Garrett McKechnie, Gary Galone, Nikki Kim, Susan Halsey Singer, Emilia Faucher. Guion: Sian Heder. Música: Marius De Vries. Fotografía: Paula Huidobro. Productora: Coproducción Estados Unidos-Francia-Canadá; Vendome Pictures, Pathé Films, Picture Perfect Federation. Distribuidora: Apple, Apple TV+. Premios y nominaciones: Premios Oscar: Nominada a mejor película, guion adaptado y actor secundario (Kotsur); Globos de Oro: Nominada a mejor película - drama y actor de reparto (Kotsur); Premios BAFTA: 3 nominaciones, incluyendo mejor actriz (Jones). Festival de Sundance: 4 premios, incluido Gran Premio del Jurado - mejor película. National Board of Review (NBR): Mejores películas independientes del año. American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año. Critics Choice Awards: 4 nominaciones incluida mejor película y guion adaptado; Premios Independent Spirit: Nominada a mejor actor secundario (Kotsur); Sindicato de Productores (PGA): Nominada a mejor película; Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guion adaptado; Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor reparto y actor secundario (Kotsur); Asociación de Críticos de Chicago: 2 nominaciones incluyendo mejor dirección novel; Asociación de Críticos de Boston: Mejor actor secundario (Troy Kotsur); Premios Gotham: Mejor interpretación de reparto (Kotsur) y revelación (Jones); Satellite Awards: 4 nominaciones, incluyendo mejor película. Estreno en España: 18 de febrero de 2022. Sinopsis: Ruby (Emilia Jones) es el único miembro oyente de una familia de sordos. A sus 17 años, trabaja por la mañana con sus padres y su hermano en Gloucester, Massachusetts, antes de ir a clase, tratando de mantener a flote el negocio pesquero familiar. Ávida de encontrar nuevas aficiones, Ruby decide probar suerte en el coro de su instituto, donde no sólo descubre una latente pasión por el canto, sino también una fuerte atracción física por el chico con el que debe realizar un dueto. Su entusiasta profesor (Eugenio Derbez) ve algo especial en ella y la anima a que piense en la posibilidad de entrar en la escuela de música, algo que la obligaría a tener que tomar una decisión de cara a su futuro: o sus estudios, o su familia.

La hija oscura

Título original: The Lost Daughter. Dirección: Maggie Gyllenhaal. País: Estados Unidos. Año: 2021. Duración: 121 minutos. Género: Drama. Intriga. Thriller psicológico. Maternidad. Interpretación: Olivia Colman, Jessie Buckley, Ed Harris, Dakota Johnson, Peter Sarsgaard, Paul Mescal, Oliver Jackson-Cohen, Dagmara Dominczyk, Alba Rohrwacher. Guion: Maggie Gyllenhaal. Novela: Elena Ferrante. Música: Dickon Hinchliffe. Fotografía: Hélène Louvart. Productora: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido-Israel; Endeavor Content, Faliro House, Pie Films, Samuel Marshall Productions. Premios y nominaciones: Premios Oscar: Nominada a mejor guion adaptado, actriz (Colman) y actriz de reparto; Globos de Oro: Nominada a mejor dirección y actriz drama (Colman); Premios BAFTA: Nominada a mejor actriz secundaria (Buckley) y guion adaptado; Festival de Venecia: Mejor guion; Critics Choice Awards: Nominada a mejor guion adaptado y actriz (Colman); Premios Independent Spirit: 4 nominaciones, incluida mejor película y dirección; Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor ópera prima; Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor dirección novel: Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor actriz (Colman); Asociación de Críticos de Chicago: 4 nominaciones, incuida mejor dirección novel; Asociación de Críticos de Boston: Mejor dirección novel y actriz secundaria (Buckley); Premios Gotham: Mejor película, dirección, interpretación (Colman) y guion; Satellite Awards: 3 nominaciones, incluyendo mejor película y actriz (Colman). Estreno en España: 18 de febrero de 2022. Sinopsis: Sola en unas vacaciones junto al mar, Leda (Olivia Colman) se ve consumida por una joven madre y su hija mientras las observa en la playa. Intrigada por su atractiva relación (y por su estridente y amenazante familia), Leda se siente abrumada por sus propios recuerdos del terror, la confusión y la intensidad de la maternidad temprana. Un acto impulsivo lleva a Leda al extraño y ominoso mundo de su propia mente, donde se ve obligada a enfrentarse a las decisiones poco convencionales que tomó como madre joven y a sus consecuencias.

Primavera en Beechwood

Título original: Mothering Sunday. País: Reino Unido. Año: 2021. Duración: 110 minutos. Dirección: Eva Husson. Género: Romance. Drama. Años 1920. Drama romántico. Interpretación: Odessa Young, Josh O'Connor, Colin Firth, Olivia Colman, Glenda Jackson, Sope Dirisu, Alfredo Tavares, Caroline Harker, Forrest Bothwell, Deano Mitchison, Craig Crosbie, Nathan Chester Reeve, Charlie Oscar, Sarita Gabony, Georgina Frances Hart. Guion: Alice Birch. Novela: Graham Swift. Música: Rob Moose. Fotografía: Jamie Ramsay. Productora: Number 9 Films, British Film Institute, Film4 Productions, Lipsync Productions. Distribuidora: Lionsgate UK. Estreno en España: 18 de febrero de 2022. Sinopsis: 30 de marzo de 1924, Beechwood (Inglaterra). El matrimonio Niven (Olivia Colman & Colin Firth) perteneciente a la aristocracia inglesa y que ha perdido a sus hijos en la guerra, se prepara para celebrar el Día de la Madre y el compromiso de Paul (Josh O'Connor), el hijo de sus vecinos, con Emma Hobday (Caroline Harker). Los Niven han dado el día libre a su criada, Jane Fairchild (Odessa Young), huérfana de nacimiento y, durante siete años, amante de Paul. Con la casa vacía, Paul y Jane se encontrarán por primera vez en el dormitorio de Paul. La joven pareja dará rienda suelta a la pasión clandestina sabiendo que la aventura llega a su fin y que será su último día como amantes. 

Azor

Dirección: Andreas Fontana. País: Argentina. Año: 2021. Duración: 100 minutos. Género: Thriller. Drama. Dictadura argentina. Interpretación: Fabrizio Rongione, Alexandre Trocki, Stéphanie Cléau, Elli Medeiros, Yvain Juillard, Gilles Privat, Juan Pablo Geretto, Carmen Iriondo, Pablo Torre Nilson, Juan Trench. Guion: Andreas Fontana. Música: Paul Courlet. Fotografía: Gabriel Sandru. Productora: Coproducción Argentina-Suiza-Francia; Alina Film, Local Films, Radio Télévision Suisse (RTS), Ruda Cine. Distribuidora: Be For Films. Premios: Premios Gotham: Nominada a mejor película internacional. Estreno en España: 18 de febrero de 2022. Sinopsis: Yvan De Wiel, un banquero privado de Ginebra, viaja a Argentina en plena dictadura para sustituir a su socio, objeto de los más inquietantes rumores, y desaparecido de la noche a la mañana. Los últimos años de la década de los años 1970 y los primeros de los 1980 fueron de oscuridad, de represión, con desapariciones consentidas por el Estado. El golpe militar del general Jorge Rafael Videla sería el principio de numerosos abusos, sobre todo contra aquellos que tuvieran ideas políticas diferentes: sindicalistas, políticos, artistas, intelectuales, poetas... Presentada en los últimos Festivales de Cine de Berlín y de San Sebastián.

La pasajera

Dirección: Raúl Cerezo, Fernando González Gómez. País: España. Año: 2021. Duración: 90 minutos. Género: Terror. Interpretación: Ramiro Blas, Cecilia Suárez, Paula Gallego, Cristina Alcázar, Yao Yao. Guion: Luis Sánchez-Polack. Historia: Raúl Cerezo. Guion original: Asier Guerricaechevarría, Javier Félix Echániz. Música: Alejandro Román. Fotografía: Ignacio Aguilar. Productora: Persons Films, La Dalia Films, S.G. Producciones Cinematograficas, Eye Slice Pictures. Estreno en España: 18 de febrero de 2022. Sinopsis: La película sigue a un grupo de personas en una furgoneta. Los pasajeros que conducen el automóvil atropellan a una excursionista que caminaba por una carretera secundaria de noche. Tras el desafortunado accidente, deciden socorrerla y llevarla al hospital más cercano. Sin embargo, rápidamente se dan cuenta que no es una mujer cualquiera. Distintas señales les harán mantener a raya una regla: no sentarse a su lado. Primer largometraje del cortometrajista Raúl Cerezo, conocido por trabajos como Lenguas (1997), Escarnio (2004) y 8 (2011), junto a Fernando González Gómez.

Bandido

Dirección: Luciano Juncos. País: Argentina. Año: 2021. Duración: 95 minutos. Género: Drama. Interpretación: Osvaldo Laport, Juanma Lara, Vicky Rios, Hernán Alvarellos. Guion: Renzo Orestes Felippa, Luciano Juncos. Música: Álvaro Fombellida. Fotografía: Nadir Medina. Productora: Coproducción Argentina-España; Amania Films, Dalmira, El Médano Producciones S.L, Hiperkinesis Films. Distribuidora:  Begin Again Films.  Estreno en España: 18 de febrero de 2022. Sinopsis: Roberto Benítez, un cantante de música popular conocido artísticamente como ?Bandido? que ya ha pasado la mediana edad y está entrando en una crisis estética que ha estancado su carrera.? Al ser víctima de una situación delictiva, unos vecinos acuden al lugar con la intención de ayudarlo y entre ellos se encuentra Rubén, un viejo amigo que lo acompañó en sus primeros años como músico.? Bandido verá entonces una nueva oportunidad de encontrarse no solo consigo mismo, también con su más anhelada pasión. ¿Qué haces con tus sueños cuando la insatisfacción se ha asentado en cada hueso?

Spiritwalker

Título original: Spiritwalker. Dirección: Yoon Jae-geun. País: Corea del Sur. Año: 2020. Duración: 108 minutos. Género: Thriller. Fantástico. Crimen.  Interpretación: Yoon Kye-sang, Lim Ji-yeon, Park Yong-woo, Sung-Wook Lee, Ji-hwan Park, Seung-mok Yoo, Gi-jun Hong. Guion: Yoon Jae-geun. Producción: Jang Won-seok, Lee So-young. Música: Kang Nene. Productora: B.A. Entertainment, BA Entertainment, Saram Entertainment. Distribuidora: Cinemaran. Estreno en España: 18 de febrero de 2022. Sinopsis: cada doce horas, el protagonista se despierta en el cuerpo de otra persona habiendo olvidado su vida en el cuerpo anterior. Tan solo breves momentos de lucidez, recuerdos de caras y lugares, le permiten intentar construir un pasado. Ian (Yoon Kye-sang) se despierta un día tras haber sufrido un accidente de tráfico. No sabe quién es ni dónde está, pero cuando lo llevan al hospital descubre que, además, tiene un disparo en el hombro. Tuvo su estreno en el 20º Festival de Cine Asiático de Nueva York el 22 de agosto de 2021 y se estrenó en cines el 24 de noviembre de 2021 en Corea del Sur. También ha pasado por  Panorama Fantàstic del Festival de Sitges. 

O gemer (El gemido)

Título original: O gemer. Dirección: Xabier Erkizia. País: España. Año: 2021. Duración: 61 minutos. Género: Documental. Cine experimental. Reparto: Documental. Guion: Xabier Erkizia. Música: Julia Eckhardt, Eliane Radigue, Maite Larburu, Xabier Erkizia. Fotografía: Tamara García Iglesias. Montaje: Xabier Erkizia, Tamara García Iglesias. Productora: Atekaleun Films. Estreno en España: 18 de febrero de 2022. Sinopsis: O gemer es una película experimental sobre el viaje geográfico e histórico del peculiar sonido de los conocidos como carros de bueyes vascos. Dicho sonido, que perduró hasta la década de 1960 en parte de la cornisa cantábrica, en la actualidad ha desaparecido prácticamente en toda la península ibérica. La película abarca un recorrido desde el silencio actual del sonido en nuestro territorio hasta su reaparición, tras una investigación de varios años, en la parte central de Brasil. Este particular sonido chirriante (pero afinado) producido por el carro cuando avanza cuestiona nuestros sentidos y nuestra experiencia sobre cómo suena el mundo que vemos. Estrenada en la 69.ª edición del Festival de Cine de San Sebastián (en la sección Zinemira), y presentada en el 63 Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao —ZINEBI— y en la novena edición del Festival Porto/Post/Doc.

Flee 

Dirección: Jonas Poher Rasmussen. País: Dinamarca. Año: 2021. Duración: 90 minutos. Género: Animación. Documental.  Inmigración. Reparto: Animación. Guion: Jonas Poher Rasmussen. Música: Uno Helmersson. Fotografía: Animación. Productora: Coproducción Dinamarca-Francia-Suecia-Noruega; Final Cut for Real, Most Film, RYOT Films, Sun Creature Studio, Vivement Lundi. Estreno en España: 18 de febrero de 2022. Sinopsis: Un refugiado afgano acepta contar su historia personal con la condición de que no se revele su identidad. Para lograr tal propósito, el director decide emplear un estilo de animación que no sólo protege al narrador, sino que potencia su historia, combinando el tiempo y la memoria de forma visceral y poética. 

Cine para niños : “La serpiente blanca”, un soberbio cuento fantástico en el corazón de la China medieval

En algún lugar en las montañas, un cazador de serpientes salva a una joven amnésica... Éxito en la taquilla china, la película animada de Amp Wong y Ji Zhao, estrenada en España el 20 de julio de 2020 a través de Internet. A partir de 8 años.

Coproducción chino-estadounidense a través de los estudios Light Chaser Animation con sede en Beijing, que busca competir con los largometrajes en 3D de Hollywood, La serpiente blanca (Bai She: Yuan Qi, 2019), cuenta una historia de amor imposible en el corazón de la China medieval. Éxito en la taquilla nacional en enero de 2019, generó una secuela, La serpiente verde (Bai She 2: Qing She Jie Qi, 2021), disponible en Netflix, desde noviembre de 2021. Lástima que esta primera entrega, con escenarios sublimes, pierda sobriedad visual cuando aparecen criaturas demoníacas: pájaro de tres cabezas o serpientes gigantes.

La historia resumida: Cuando un médico, cazador de serpientes, descubre en las montañas a una joven con amnesia -en realidad el espíritu de un reptil, en forma humana- es amor a primera vista. O bien una variación de La leyenda de la serpiente blanca, muy popular en China.

El argumento para que les guste: El poder del largometraje la fuerza del largometraje son las magníficas imágenes generadas por ordenador, especialmente el terreno kárstico. Se caracteriza aquí por una multitud de picos rocosos coronados por una vegetación resplandeciente. Un paisaje inspirado en los de Hunan, una provincia al sur de China.

Mujeres de cine:

El 18 de febrero de 1974 nace en Baabdat, la actriz y cineasta libanesa Nadine Labaki. Es una de las directoras más conocidas en la industria de los videoclips árabes.

En 2007, Labaki co-escribió, dirigió y protagonizó su debut cinematográfico, Caramel (Sukkar Banat), que fue distribuida en más de 40 países, convirtiéndose en la película libanesa más aclamada internacionalmente hasta la fecha. Además de dirigir la película, ella actuó en uno de los papeles principales. La película fue recibida con grandes elogios en el Líbano y en todo Oriente Medio. Caramel cuya producción tuvo un costo de 1,6 millón de dólares, recaudó más de 13 millones. Fue candidata al premio Caméra d'Or del Festival de Cannes.

José Sacristán: Goya de honor

Hay un hombre en España que lo ha hecho todo. Con motivo del reconocimiento que recibirá este año, repasamos tres gemas escondidas de su filmografía para que puedas unirse a la celebración.

A José Sacristán lo conocimos como secundario en alguna que otra comedia ligera de los sesenta como “La ciudad no es para mí” o “Sor Citroën”, pero tampoco se cortó ni un pelo protagonizando alguna de las cintas más polémicas y políticas de finales de los setenta, como “El diputado”, “Un hombre llamado Flor de Otoño” u “Operación Ogro”.

Durante sus casi sesenta años de carrera, ha trabajado con leyendas del cine como Luis García Berlanga (La vaquilla (1985), Todos a la cárcel (1993); Fernando Fernán-Gómez (El viaje a ninguna parte, 1986); Pilar Miró (El pájaro de la felicidad, 1983) o Adolfo Aristarain (Un lugar en el mundo, 1992)… así como con nombres que protagonizan el presente y el futuro de nuestro cine, como Carlos Vermut (Magical Girl, 2014) y Kike Maíllo (Toro, 2016).

Con motivo del Goya de Honor que recibirá este 2022, te traemos alguna que otra joyita escondida de su filmografía para que puedas unirse a la celebración con todas las de la ley.

¡Cómo está el servicio! (1968), de Mariano Ozores

En el imaginario colectivo ha quedado para siempre la voz aflautada de Gracita Morales y sus ‘señorito’ (una expresión que realmente no dice tantas veces como parece a lo largo de la película), pero lo que muchos no recuerdan es que el objeto de deseo de Vicenta Berruguillo era el timorato Doctor Cifuentes, pipiolo encarnado por José Sacristán. Aunque un poco rancio en sus maneras, Cifuentes personifica ese cambio (un poco) aperturista de (alguno) de los hombres españoles que a finales de los sesenta decidieron no ser tan cuñados y jetas, como sí lo sigue siendo el primo de Vicenta, un José Luis López-Vázquez que chulea a una docena de empleadas del hogar con la promesa de un piso en construcción.

Navajeros (1980), de Eloy de la Iglesia

Lo primero que nos viene a la cabeza al escuchar su nombre no es su ‘cara de acelga’ (para nada amarga), sino su voz. José Sacristán es poseedor de una de las voces más icónicas de nuestro cine, una de esas que reconoceríamos en cualquier situación. No sorprende a nadie entonces que Eloy de la Iglesia requiriese de la voz casi más que del cuerpo de Sacristán para dar vida a un periodista cuya máquina de escribir sirve como cronista de la realidad de la juventud española de barrio de finales de los setenta que aparece reflejada en Navajeros.

Madrid, 1987 (2011), de David Trueba

Este duelo generacional entre Sacristán y María Valverde  se ha quedado un poco en tierra de nadie, como bastantes de las últimas cintas arties de David Trueba, lo cual no debería ser impedimento para recuperarlo como es debido. Esta intensa charla sobre los cambios políticos y sociales tras la Transición entre un articulista paradigma del privilegio y una joven e idealista estudiante da para bastante. Además, si añadimos al peligroso cóctel de Madrid, 1987, que el debate entre ambos se realiza mientras están encerrados en un baño, mejor que mejor.

Mujeres de cine: Rene Russo

El 17 de febrero de 1954 nace en Burbank, California, la actriz estadounidense Rene Marie Russo, más conocida como Rene Russo. Asistió a la John Burroughs High School (Escuela Secundaria John Burroughs), donde fue compañera de clases de Ron Howard, pero finalmente abandonó sus estudios en el décimo grado. Debido a las necesidades económicas de su familia, Russo desempeñó varios trabajos a tiempo parcial, incluyendo un trabajo en una fábrica de gafas y cajera en un cine.

En 1972, Russo fue descubierta en un concierto de The Rolling Stones por el reclutador y representante John Crosby de International Creative Management, una agencia de talentos. En 1989, tuvo su debut cinematográfico en la película Major League. En 1992, interpretó a la detective Lorna Cole, el cual es considerado su papel más popular, en la película Arma letal 3 (Lethal Weapon 3). Russo repitió su papel en la secuela Arma letal 4 (Lethal Weapon 4). Durante los años 1990, Russo apareció en varios thrillers que fueron comercialmente exitosos, incluyendo En la línea de fuego (In the Line of Fire, 1993), Estallido (Outbreak, 1995), Rescate (Ransom, 1996) y El secreto de Thomas Crown (The Thomas Crown Affair, 1999) También actuó en varias películas de comedia como Get Shorty (1995), Tin Cup (1996) y Las aventuras de Rocky y Bullwinkle (The Adventures of Rocky and Bullwinkle, 2000).

Entre sus trabajos más recientes están Apostando al límite (Two for the Money, 2005), coprotagonizada por Al Pacino, Yours, Mine and Ours (20059, coprotagonizada por Dennis Quaid. Destaca por su papel como Frigga en Marvel Cinematic Universe: Thor (2011), Thor: el mundo oscuro (Thor: The Dark World,  2013) y Vengadores: Endgame (Avengers: Endgame, 2019).

Efemérides de cine: Mi querida señorita

El 17 de febrero de 1972 se estrenó la película española Mi querida señorita, dirigida por Jaime de Armiñán con José Luis López Vázquez, Julieta Serrano, Antonio Ferrandis, Enrique Avila, Lola Gaos, Chus Lampreave, Mónica Randall, Manolo Otero. Productora: El Imán, InCine S.A, Impala. Duración: 80 minutos. 

Sinopsis argumental: Adela Castro, una madura solterona que vive en una ciudad provinciana, sabe que no es una mujer normal: se afeita todos los días y se siente atraída por su criada Isabelita. Se ha pasado la vida creyendo que se ha quedado soltera por ser poco agraciada físicamente. Ciertos trastornos psicológicos la llevan a la consulta de un médico.

Comentario: Singular película española sobre la transexualidad. El guión de José Luis Borau y Jaime de Armiñán trata un tema escabroso con mayor delicadeza de la que cabría esperar, y José Luis López Vázquez brilla en su papel de doble personalidad. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Mujeres de cine: Lila Kédrova

El 16 de febrero de 2000 fallece en Sault Ste. Marie, Canadá, Lila Kédrova, (nacida en Petrogrado, Rusia soviética; 9 de octubre de 1918), Su verdadero nombre era Yelizaveta Nikoláyevna Kédrova. Fue una actriz francesa de orígenes rusos. Kédrova se hizo mundialmente reconocida por su papel de Madame Hortense en la película británico-griega Zorba el griego (Zorba the Greek, 1964), que le valió un Premio Óscar a la mejor actriz de reparto y, posteriormente, un Premio Tony a mejor actriz de reparto en un musical, por su reinterpretación en la versión musical de la película. 

Hace 100 años: Nosferatu-una sinfonía del horror

EL 16 de febrero de 1922 se estrenó la película alemana Nosferatu-una sinfonía del horror (Nosferatu-eine Symphonie des Grauens), dirigida por F.W. Murnau con Max Schreck, Alexander Granach, Gustav von Wangenheim, Greta Schröeder, GH Schnell, Ruth Landshoff, John Gottowt, Gustav Botz. Productora: Prana-Film GmbH. Duración: 91 minutos. 

Sinopsis argumental: Año 1838. En la ciudad de Wisborg viven felices el joven Hutter y su mujer Ellen, hasta que el oscuro agente inmobiliario Knock decide enviar a Hutter a Transilvania para cerrar un negocio con el conde Orlok. Se trata de la venta de una finca de Wisborg, que linda con la casa de Hutter. Durante el largo viaje, Hutter pernocta en una posada, donde ojea un viejo tratado sobre vampiros que encuentra en su habitación. Una vez en el castillo, es recibido por el siniestro conde. Al día siguiente, Hutter amanece con dos pequeñas marcas en el cuello, que interpreta como picaduras de mosquito. Una vez firmado el contrato, descubre que el conde es, en realidad, un vampiro. Al verle partir hacia su nuevo hogar, Hutter teme por Ellen.

Comentario: Se trata de la primera película relacionada con la novela de Bram Stoker Drácula. Inicialmente no aceptada por la viuda de Bram Stoker, que interpuso una demanda, pero pronto se convirtió en una película de culto.

Hace 100 años: Danse macabre

En 1922 se estrenó la película estadounidense Danse macabre, dirigida por Dudley Murphy e interpretada por Adolph Bolm, Olin Howland, Ruth Page. Productora: Visual Symphony Productions. Duración: 6 minutos. 

Sinopsis argumental: La Peste Negra asola España. Mientras "Danse Macabre" de Camille Saint-Saëns suena en la banda sonora, una mezcla de animación y escenas actuadas cuenta la historia de la juventud y el amor que se encuentran una noche. Bailan, se abrazan y se besan. A medida que avanza la noche, la exuberante Muerte, una figura esquelética con un violín, persigue a la pareja. Intentan eludirlo. Eventualmente, Love se desmaya. La juventud es impotente para protegerla. ¿Está condenada? 

Comentario: Aunque filmada durante la era del cine mudo, el acompañamiento previsto de la película fue Danse macabre, op. 40 (1874), de Camille Saint-Saëns. El director también prometió "un artilugio misterioso (aparentemente de su propia invención)" que sincronizaría la proyección de la película con cualquier acompañamiento en vivo que se usara: orquesta, órgano o piano.