Delicioso
El día de la bandera
El espía honesto
¿Qué vemos cuando miramos al cielo?
I Never Cry (Yo nunca lloro)
Estado impuro
viernes, 7 de enero de 2022
Estrenos de la semana: 5 de enero
Las mejores películas inéditas en España de 2021 (II)
10.- Eight for Silver (2021), de Sean Ellis, Reino Unido
Con la vista clavada en los nombres fundamentales del pictorialismo, desde Julia Margaret Cameron y Gertrude Kasebier hasta Alvin Langdon Coburn y Edward Steichen, la cámara de Ellis se recrea en obtener una visión ligeramente desenfocada, o con efecto floue, de campos, eras, bosques y ríos. Las composiciones que juegan con el sol crepuscular, los cielos encapotados y las ramas de los árboles son particularmente hermosas. Imágenes de insólita belleza y a la vez frías, crueles, yermas, rescatadas de un tiempo pasado para hablar de nuestro presente pandémico. «Nadie vuelve como era», dice John McBride (Boyd Holbrook) tras abrirle el vientre a la primera bestia. En esta escena Ellis eviscera literalmente el subtexto de su filme, y de paso dialoga abiertamente con el folclore de Gévaudan, cuya popular historia de licantropía inspirara El pacto de los lobos (Le pacte des loups, 2001), de Christophe Gans, de la que Eight for Silver bien podría ser su versión autoconsciente.
La invocación formal del pictorialismo se acompaña de un fabuloso tratamiento cromático de la imagen que expresa de un modo alegórico la evolución dramática de la historia. Los tonos grises del principio, un gris plateado que señala al corazón mismo del mito, transitan de manera elegante hacia los sepias del tercio final, cuando el fuego sustituye al agua y la tierra como elementos a los que se anclan los personajes. Eight for Silver es una cinta elemental en el sentido estricto de la palabra; es húmeda, cenagosa, candente y borrascosa. Tiene el aura mística de las leyendas inmemoriales, y, como tal, desde un lejano Hades trata de enterrar al público en una atmósfera encantada. La imagen de Anne-Marie (Áine Rose Daily) hundiéndose en el agua de un lecho turbio, abrazada por las ramas de un bosque animado, sintetiza ejemplarmente las virtudes de una película estenopeica. No hay filtros entre la bestia y sus víctimas, solo agua, barro, madera y sangre. Y, al fondo, entre velos de desesperación, una luz marchita que grita: «búscame».
Las mejores películas estrenadas en España en 2021 (V)
07.- Titane (2021), de Julia Ducournau, Francia
Regada de la rica tradición del splatter (gore) francés, Titane se llena pronto de eccemas, sangre y vísceras, de forma que, para sensibilidades mínimamente delicadas, este se convierte en un visionado difícil, repulsivo desde lo más hondo de su propuesta estética. Si bien pudiéramos apelar al cambio de cuerpo de Alexia como una suerte de celebración de la individualidad, una liturgia con las vendas de crêpe del binder como sotana de lo queer, es innegable que nuestros ojos, educados en la tradición occidental, prefieren la versión femenina y sexy de la Alexia primera antes que los asideros macabros de su apariencia liberada. A la mirada occidental, chapada gracias a siglos de formación del gusto, la visión de la nueva carne sigue resultando esperpéntica, que no gozosa, en fin, deseable.
jueves, 6 de enero de 2022
Hace 100 años: Allá en el sur
En 1922 se estrenó la película argentina Allá en el sur, dirigida por Arnold Etchebehere e interpretada por Arauco Radal, Nelo Cosimi, Amelia Mirel, Raquel Garín.Producción: Federico Valle
Sinopsis argumental: El personaje Sandor, cuyos negocios no prosperaron, tiene una digna esposa a quien pretende Menton, el usurero del lugar, que le había prestado a escondidas del esposo una suma de dinero que ella empleó para que una hermana descarriada suya viajara hasta allí para hospedarse con el matrimonio. Inicialmente Sandor no la acepta en su casa pero finalmente, a ruegos de su esposa, accede a que se quede. Menton, que también había prestado dinero a Sandor, apremia a ambos cónyuges por lo que finalmente ella acepta sacrificar su honra y a la noche acude a su casa, pero allí ya se encuentra su hermana dispuesta a sustituirla. Cuando el lascivo Menton va a abrazarla, se escucha un disparo; era “el obrero ‘bueno’, el peón ‘regenerado’ de Sandor, ayer exigente por sus jornales y ahora, acaso por virtud de una mirada y de un agradecimiento, el salvador oportuno.
Comentario: Esta película continuaba la serie de producciones filmadas en la Patagonia por Federico Valle y que, en relación a la anterior, tenía menos paisajes y más acción.
Las mejores películas inéditas en España de 2021 (I)
El ecosistema cinematográfico actual, en el que la exhibición se bifurca con fuerza similar hacia lo presencial y lo virtual, invita a reformular, cuando no a eliminar, el concepto de «inédito». Las películas de cierto nivel cualitativo, o adscritas a una codificación concreta, que no tienen distribución en salas, tarde o temprano alcanzan su nicho en alguna de las plataformas que copan el mercado de streaming. Un vano abierto, este último, que no solo permite una segunda vida a trabajos que tuvieron un paso más o menos exitoso por la cartelera, sino que también rescata obras que, por diferentes motivos, bien por el alto precio inicial –en especial los filmes independientes provenientes de Estados Unidos—, bien por las características de su metraje –la duración, el tempo narrativo—, o bien porque pertenecen a un subgrupo cuyo interés entre los diferentes espectros de público ha menguado –el citado cine de bajo presupuesto facturado en Norteamérica—, no han encontrado cabida en el circuito de proyecciones de nuestro país.
20.- As in Heaven (Du som er i himlen, 2021), de Tea Lindeburg, Dinamarca
19.- Barcos. Doce cartas náuticas (2021), de Vicente Domínguez, España
18.- France (2021), de Bruno Dumont, Francia
16.- Jockey (2021), de Clint Bentley, Estados Unidos
15.- Nous (2021), de Alice Diop, Francia
14.- On the Count of Three (2021), de Jerrod Carlmichael, Estados Unidos
13.- Palestra (2021), de Juan Pablo Basovih y Sofía Jallinsky, Argentina
12.- El profesor Bachmann y su clase (Herr Bachmann und seine Klasse, 2021), de Maria Speth, Alemania
Las mejores películas estrenadas en España en 2021 (IV)
08.- El caballero verde (The Green Knight, 2021), de David Lowery, Estados Unidos
La partida de Gawain de Camelot, con la ciudad al fondo sobre una colina, desenfocada, como si se tratara de una ilusión, marca el tono decididamente fantástico de esta odisea tan bella como profunda en su comprensión del valor ritual de los mitos artúricos. Gawain se topa así con ladronzuelos, gigantes, espíritus, un zorro parlante, nobles señores y doncellas, hasta el cara a cara final con el temible Caballero Verde, símbolo de la última prueba que debe superar –la sinceridad– para ser armado caballero. Lowery filma cada una de estas secuencias con la sensibilidad de un mago que cree en su arte, dotando a personajes y paisajes de un gozoso halo de ensoñación. La aparición de los gigantes, por ejemplo, supone una de las cimas creativas del filme y de la carrera de un Lowery que nos tiene acostumbrados a sugerir la presencia de lo fantástico a partir del diálogo entre la dimensión humana de una ficción –en este caso el universo artúrico– y su proyección fantasmagórica, en la que juega un papel esencial la representación de la naturaleza y su relación con los protagonistas.
En St. Nick (2009) y En un lugar sin ley (Ain’t Them Bodies Saint, 2013) se traslada esta idea a un terreno realista, aunque no por ello exento de elementos que bordean lo maravilloso, mientras que Peter y el dragón (Pete’s Dragon, 2016), A Ghost Story (2017) y ahora El caballero verde se asientan del todo en los dominios de la ilusión inquietante. Lowery cuenta para ello con dos cómplices de excepción, el músico Daniel Hart y el director de fotografía Andrew Droz Palermo, premiados varias veces en Sundance por su trabajo a las órdenes del cineasta. Puede parecer una obviedad, pero se antoja necesario destacar su labor en esta película por cuanto la banda sonora y el tratamiento de la luz y el color representan las mejores virtudes de una puesta en escena arrolladora. No es casual en este sentido la caracterización de cada símbolo y cada estación –la acción se desarrolla durante un año– con su correspondiente color según la mitología celta. Como tampoco lo es que el tono del primer encuentro entre Gawain y el Caballero Verde reproduzca los matices que pueden apreciarse en las viejas imágenes medievales que hacen alusión a este momento de la historia. Detalles de gran cine para una película sobresaliente que devuelve al fantástico su sentido de puente entre dos mundos. Eso y no otra cosa es un decapitado que camina sobre la tierra.
miércoles, 5 de enero de 2022
Efemérides de cine: Juego de gatos
En 1972 se estrenó la película húngara Juego de gatos (Macskajáték), dirigida por Károly Makk e interpretada por Margit Dajka, Ildikó Piros, Elma Bulla, Éva Dombrádi, Mari Töröcsik, Margit Dajka, Samu Balázs, Gyöngyi Bürös, Attila Tyll, Sári Kürthy, Tibor Szilágyi, Erzsi Orsolya. Productora: Hunnia Játékfilmstúdió. Duración: 115 minutos.
Sinopsis argumental: Cuenta la historia de dos hermanas. Una de ellas es profesora de canto y vive en Hungría, la otra en Alemania.
Nominaciones y premios: Nominada al Oscar: Mejor película de habla no inglesa; Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película).
Comentario: Está basada en la novela de István Örkény. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.
Las mejores películas estrenadas en España en 2021 (III)
9.- Fue la mano de Dios (È stata la mano di Dio, 2021), de Paolo Sorrentino, Italia
La Gran Belleza era, como bien queda escrito por la propia película, una celebración del vacío. Esto no implica, por supuesto, que no fuera una obra capaz de hablar sobre Dios, el tiempo, la muerte, la esperanza, el sexo, el amor y cualquier otro gran tema robado de los amplios bolsillos de la literatura universal. Sin embargo, al final, todo se enhebraba en el dolce far niente, la languidez estética, la narcolepsia de un presente infectado de recuerdos al que, en fin, resultaba imposible sobrevivir. Gambardella era, a la vez, cualquier espectador y ninguno de ellos. Su máscara podía servirnos cómodamente porque sus experiencias —la desazón, la anhedonia, la búsqueda desganada de la belleza, la falta de expectativas y la cómoda asunción de los más desastrosos fracasos— eran indudablemente las nuestras. Y las de nuestro vecino. Y las de nuestro más afilado enemigo. Era, digámoslo claramente, una película universal que se nutría de localismos y de experiencias fantaseadas.
"Tromperie", de Arnaud Desplechin: una nueva cara del escritor en la gran pantalla (II)
Pierre Lachenay, el decepcionante artista de La piel suave (La Peau Douce, 1964)
Publica libros y dirige una revista titulada Ratures. En Lisboa, da una conferencia sobre Balzac. Sin duda no se da cuenta pero, con su sombrero y abrigo negros, con su buena conciencia, sobre todo, Pierre Lachenay (Jean Desailly) parece un personaje de su ídolo: uno de esos pequeños burgueses mediocres, aburridos, vagos que el novelista castigado. No es en Angoulême (como en Les illusions perdues de Balzac) sino en Reims donde nos damos cuenta de esto, cuando, por cobardía, por conveniencia y qué decir, humilla a su joven amante (Françoise Dorléac). Mientras abandona, en París, a su esposa (Nelly Benedetti).
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| Françoise Dorléac en La piel suave (1964) de François Truffaut |
Nos gustaría creer en un artista digno de la admiración que le tenemos. A veces nos decepcionamos. Y sin duda es la debilidad de este triste antihéroe la que habrá provocado, en su momento, el fracaso crítico y comercial de la película. El tiempo ha pasado factura: hoy, La piel dulce es visto como la mejor película de François Truffaut. Como una noticia que acaba en tragedia.
Fernando Vallejo, artista cómplice de La Virgen de los sicarios (2000)
Fernando Vallejo (Germán Jaramillo), autor colombiano de muchos libros traducidos en Francia, es un Flaubert. En sus libros fulmina contra Dios, la burguesía, la estupidez, la decadencia, la bajeza, incluida la suya propia. En La Virgen de los sicarios, relata su regreso a Medellín, su ciudad natal abrumada por la violencia y el odio. Se enamoró locamente de un adolescente, obligado, como todos, a matar para sobrevivir. Sus víctimas, a quienes llama "marionetas", le son tan indiferentes -se acumulan en su camino y, por amor, por perversidad también, Fernando Vallejo se convierte en su cómplice pasivo-...
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| German Jaramillo y Anderson Ballesteros en La Virgen de los sicarios (2000), de Barbet Schroeder |
Barbet Schroeder, a quien siempre sabemos que está obsesionado por el mal, convierte a este admirado novelista en un despiadado retrato. Eso lo suaviza, sin embargo, transformándolo en un héroe hitchcockiano, tratando, como James Stewart en Vértigo, de encontrar desesperadamente en otro el reflejo del amante desaparecido.
Harry Block, el artista perdonado de Desmontando a Harry (Deconstructing Harry, 1997)
Harry (Woody Allen) es un novelista al que no le importa el daño que hace a sus seres queridos. Su último libro, por ejemplo, le reveló a su exmujer que se había acostado con su cuñada… Su hermana, una judía ortodoxa a la que llama fanática, rebelde: “No crees en nada. Tu vida es nihilismo, cinismo, sarcasmo y orgasmo. - Con tal lema, en Francia, yo sería elegido presidente”, bramaba… Y entonces, Woody que siempre ha sido un fanático de la magia, se cruza con Larry un día, uno de sus héroes. De repente revela las penas ha causado toda su vida.
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| Woody Allen y Kirstie Alley en Desmontando a Harry (1997), de Woody Allen. |
martes, 4 de enero de 2022
Cumplió 25 años: Sopa de amor picante
En enero de 1997 se estrenó la película china Sopa de amor picante (Ài Qíng Má Là Tāng), dirigida por Zhang Yang e interpretada por Xuebing Wang, Chuan Chao, Emil Chau, Yuanyuan Gao, Cunzhuang Ge, Tao Guo, Tsung-Sheng Lee, Bin Li, Liping Lü, Cunxin Pu, Bing Shao, Xingyu Wen, Fan Xu, Jinglei Xu. Productora: Imar Film, Xi'an Film Studio. Duración: 109 minutos.
Sinopsis argumental: El hilo conductor de la película es la historia de una pareja joven que está inmersa en los preparativos de su boda. Su camino se entrecruza con otras cinco historias que transcurren en un entorno urbano y que nos muestran lo diferentes que son los sentimientos inspirados por el amor en personas de distintas edades. Dichas historias: Sonidos, Mahjong, Juguetes, Trece especias y Fotografías presentan un carácter cómico, sin perder nunca una perspectiva filosófica, que refleja los diversos aspectos de la naturaleza humana..
Comentario: Fue el segundo film más taquillero del año en el mercado chino, sólo después de la famosa Titanic. Pero muy pocos saben que esta película que refleja los sentimientos de los jóvenes en las ciudades de la China actual, en realidad fue “producido” por el americano Peter Loehr, quien estableció la compañía Imar Film Co. Ltd., la primera de su género con capital extranjero en China. Debido a que los inversores y el productor provinieron del exterior, la película fue calificada como “hija mestiza” del cine chino. En España se estrenó en el año 2001.
Hace 100 años: Historia de dos ciudades
En enero de 1922 se estrenó la película británica Historia de dos ciudades (A Tale of Two Cities), dirigida por e interpretada por Clive Brook, Ann Trevor, J. Fisher White. Productora: Master Films.
Sinopsis argumental: Durante los turbulentos días de la Revolución Francesa, la francesa Lucie Manette se enamora del inglés Charles Darnay, quien oculta su verdadera identidad y propósitos.
Comentario: Historia de dos ciudades es una adaptación cinematográfica de la celebérrima novela homónima de Charles Dickens en la que el escritor compara la racionalidad de su Inglaterra natal con la caótica Francia revolucionaria. No era la primera adaptación para la gran pantalla. Ya se habían realizado tres con anterioridad (1907, 1911 y 1917). Posteriormente, se realizó otra en el año 1935.
Efemérides de cine: Al-asfour
En 1972 se estrenó la película egipccia Al-asfour, dirigida por Youssef Chahine e interpretada por Salah Kabil, Ali El Scherif, Mahmoud El-Meliguy, Seif El Dine, Mariam Fakhr Eddine, Habiba, Mohsena Tewfik, Gamal Abdel Nasser. Productora: Coproducción Egipto-Argelia; MISR International Films, Al Ounisek. Duración: 105 minutos.
Sinopsis argumental: Junio de 1967, Egipto en vísperas de la Guerra de los Seis Días. La película sigue los pasos de un joven agente de policía destinado a un pueblecito del Alto Egipto, cuyos habitantes padecen las persecuciones de un hombre de negocios corrupto. El agente se encuentra con un periodista que investiga lo que parece ser un escándalo de robo de armas y maquinaria de guerra por parte de unos oficiales. Youssef Chahine nos ofrece el retrato de los “gorriones”, la gente sencilla de su país a quien unos cuantos usan para enriquecerse.
Comentario: Se la considera una película crítica con el nasserismo. A la película, que contó con colaboración argelina y que estuvo censurada en Egipto entre 1972 y 1975, en castellano se la ha conocido como El gorrión. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.
Las mejores películas estrenadas en España en 2021 (II)
A continuación, las diez mejores películas estrenadas en España durante 2021.
10.- West Side Story (2021), de Steven Spielberg, Estados Unidos
El torbellino de emociones a las que nos enfrenta la elegante realización de Spielberg está sujeto a una sabiduría actualmente fuera de toda duda, plenamente consumada, en donde la adecuación entre contenido y forma susurra, acaricia al espectador entregado a los brazos de un demiurgo poderoso. West Side Story, lejos de ser una reiteración o una película arrasada por la inercia de la herencia, troca en un ejercicio reconocible a los discursos del cineasta. Muchas de sus partes forman un todo genérico en perplejas resonancias con su cine. El halo fantasmagórico venido del espacio exterior en esas sombras alargadas que ocupan toda la pantalla como los extraterrestres de Encuentros en la tercera fase; la mirada triste en un vagón de tren (El puente de los espías); la efigie de un estado vampírico, ese Lincoln sumergiéndose en la oscuridad de su hogar. Spielberg abre y cierra el círculo de la melancolía del presente. Esas ruinas que abren y cierran son panorámicas de duelo, de luto por el tiempo perdido que se resiste a desaparecer. Mas cerca que nunca de Orson Welles, el director de Tiburón evoca a esas primeras imágenes de El Cuarto Mandamiento en donde los herrumbrosos edificios abandonados de Indianápolis tratan de recordar la otrora magnificencia de los Amberson, un espejismo de sus días de gloria. El progreso, animal salvaje, caníbal, no deja nada a su paso estableciendo contrastes entre lo viejo y lo nuevo. Distopía y ocaso del sueño americano. La bola gigante devora y aplasta todo lo que a su paso encuentra.
Pero no olvidemos que la película que nos ocupa es un musical y en esos registros el resultado es de sobresaliente. Los arreglos de David Newman y la dirección de Gustavo Dudamel amplifican y alzan la voz a las músicas y letras originales de Leonard Bernstein y Stephen Sondheim, probablemente una de las mejores y más perfectas partituras de la historia. El sentido del ritmo, la planificación, los cortes y elaboradas transiciones producen una elegiaca armonía donde todo late con intenso arrebato sentimental. Menciones aparte para la escritura de Tony Kushner, en un guion inteligente, que sabe adaptarse a las necesidades del presente limando las asperezas de adaptaciones previas. Mención especial para las dos Anitas, Rita Moreno, anclaje e ilusión que Spielberg emplea para destapar multiversos, las baldosas amarillas que iluminan y señalan el camino a casa. Un Somewhere distinto, atrevido, de aires mágicos, de bola de cristal o médium. Y la nueva Anita, una Ariana DeBose dejándose la piel en el papel, que además tuvo oportunidad de demostrar sus dotes como cantante en Schmigadoon, recomendable serie de Apple TV en donde el juego meta se mezcla con el debate alrededor de los clichés amables e inocentes de los musicales de Rodgers y Hammerstein. Ambas son el fuego y pasión del relato.
lunes, 3 de enero de 2022
"Tromperie", de Arnaud Desplechin: una nueva cara del escritor en la gran pantalla (I)
En su última película, en cines desde el 29 de diciembre, el director apela a la figura del escritor, ya tratado anteriormente por Truffaut, Wong Kar-wai o Barbet Schroeder. De vuelta en seis memorias sobre distintas variaciones del novelista en el cine.
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| Denis Podalydés en Tromperie (2021), de Arnaud Desplechin |
Apenas se le ve escribir. Una o dos veces, casi sin darme cuenta. Pero lo contemplamos, todo el tiempo, recibiendo a una mujer mal casada, evocando a su traductora durante una antigua estancia en Checoslovaquia, recordando a un joven estudiante fuera del centro y llamando a un ex que intenta luchar contra el cáncer que impera… Estas visitas, estas llamadas, estas reminiscencias son los elementos del “rompecabezas de Philip Roth” que Arnaud Desplechin reconstruye en Tromperie. Más allá de este novelista, esta espléndida película captura al escritor como puede ser y suele ser: un voyeur auditivo, un vampiro psiquiatra. Quien agarra en sus redes a anónimos o familiares, a veces frágiles y en el exilio de sí mismos, para seguir, él, para avanzar, con ellos o sin ellos, brutal y cómplice.“Mi intención”, dijo Philip Roth, “ es describir a mis personajes no como deberían ser, sino heridos como hombres.
"El cine ha filmado a menudo a novelistas, imaginarios o no. Los novelistas se han sentido tentados a menudo —por desgracia, a veces— por el cine. Hablamos del primero, hoy.
Chow Mo-wan, el artista perdido de 2046 (2004)
Sostiene su pluma sobre su hoja de papel. Una hora. Diez horas. Cien horas. Vacila: ¿le dará, como le aconseja un amigo, un final feliz a su novela? En el corazón de la década de 1960, en Hong Kong, Mr Chow (Tony Leung), ex periodista de perros aplastados, ex autor de pornografía, completa su Búsqueda del tiempo perdido.para él: una novela de ciencia ficción sobre personajes en busca de recuerdos borrados. Pero es sobre él que escribe, de hecho, el que observa, en la habitación 2046 del Hotel Oriental, la sucesión gozosa o triste de sus amores dispersos: Loulou, la eterna amante que puede haber sido asesinada, Bai, la tierna que no supo conservar, Su, la "tarántula" que no podía olvidar... En este fresco íntimo, los colores se funden, la música se enreda, la vida y la imaginación se entrelazan constantemente. Esto se debe a que, para Wong Kar-wai, el artista es un organizador del desorden. Nunca lo ha demostrado mejor que aquí.
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| Toby Leung en 2046 (2004), de Wong Kar-way |
Virginia Wolf, la artista responsable de Las horas (2002)
En 1941, Virginia Woolf (Nicole Kidman) se suicidó. Diez años después, leyendo a La señora Dalloway, una joven (Julianne Moore) se da cuenta de la inutilidad de su vida. Años después, como la heroína de la novela, Clarissa (Meryl Streep) prepara una recepción social que sale mal… Lo que destaca (con un toque de ostentación) la película de Stephen Daldry es el poder de las palabras. El vínculo misterioso que tejen a lo largo de generaciones y a lo largo del tiempo. ¿Entienden los novelistas el control que tienen sobre quienes los leen, se sumergen en su mundo, se identifican con los seres que han imaginado? Y a veces una frase es suficiente. El primero, a menudo: "Durante mucho tiempo, me fui a la cama temprano",por ejemplo. O "La señora Dalloway dijo que ella misma compraría sus flores". » Y aquí estamos…
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| Julianne Moore en Las horas (2002), de Stephen Daldry |
X, el artista perdedor de El escritor (The Ghost Writer, 2010)
No tiene nombre. Bueno, sí, pero a nadie le importa. Tampoco tiene trabajo, ya que escribe para los que tienen menos talento que él. Es un fantasma, un "escritor fantasma". “Las palabras están ahí, pero no en orden”, dice cáusticamente - ¡X (Ewan McGregor) es inglés! -, al descubrir el manuscrito de un político al que se encarga de mejorar. Roman Polanski sabe poner puertas al campo, desde Le El cuchillo en el agua (Nóz w wodzie, 1962) y, sobre todo, Callejón sin salida (Cul-de-sac, 1966). Así, en un búnker aislado en una isla ventosa, y con el humor negro que lo caracteriza, ofrece a su aprendiz de escritor la trama ideal (antecesor asesinado, asesinos al acecho, ex primer ministro acusado de crímenes de lesa humanidad) para una deslumbrante primera novela. De ahí a lo que escribió…
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| Ewan McGregor en El escritor (2010), de Román Polanski |
Las mejores películas estrenadas en España en 2021 (I)
Aunque en este 2021 las aguas están volviendo más o menos a su cauce, el modelo de los festivales online accesibles para cualquier público interesado nos diluye un poco los conceptos. First Cow, una de las películas que figuran en la presente lista, tuvo su estreno en cines españoles el pasado mes de mayo. Pero muchos medios especializados ya la colocaron en sus tops de 2020, dado que pudo verse en varios festivales online. Si en este medio hemos renunciado a seguir esa tendencia es, primero, porque queremos aferrarnos hasta las últimas consecuencias al carácter de acontecimiento que tiene el hecho de estrenar una película en salas. Más en un año tan complicado como este, donde los cines siguen recuperándose del golpe de los cierres de 2020 y las restricciones de aforo vigentes hasta hace pocos meses.
Con todo, una nota para el optimismo sobre la vigencia de los cines radica en que diecinueve de los veinte filmes que listamos aquí han tenido su estreno en salas. Sin más dilación, les dejamos con la lista elaborada no si antes insistirles en la conclusión evidente: sigan soñando, sigan yendo al cine.
Menciones de honor
- 20.- Days (Rizi, 2020), de Tsai Ming-liang, Taiwán
- 19.- Mandíbulas (Mandibules, 2020), de Quentin, Francia
- 18.- Cry Macho (2021), de Clint Eastwood, Estados Unidos.
- 17.- El último duelo (The Last Duel, 2021), de Ridley Scott, Estados Unidos, 2021).
- 16.- Espíritu sagrado (2021), de Chema García Ibarra, España
- 15.- Spencer (2021), de Pablo Larraín, Reino Unido
- 14.- Tres pisos (Tre piani, 2021), de Nanni Moretti, Italia
- 13.- La mujer que escapó (Domangchin yeoja, 2020), de Hong Sang-soo, Corea del Sur
- 12.- Nomadland (2020), de Chloé Zhao, Estados Unidos
- 11.- Otra ronda (Druk, 2020), de Thomas Vinterberg, Dinamarca
Las mejores películas de culto de la historia del cine (CLXC)
Todos nos llamamos Alí (Angst essen Seele auf, 1974), de Rainer Werner Fassbinder
domingo, 2 de enero de 2022
Las mejores películas de culto de la historia del cine (CLXXXIX)
El jovencito Frankenstein (Young Frankenstein, 1974), de Mel Brooks
Las mejores películas de culto de la historia del cine (CLXXXVIII)
Quiero la cabeza de Alfredo García (Bring Me the Head of Alfredo Garcia, 1974), de Sam Peckinpah
sábado, 1 de enero de 2022
Hace 100 años: The Glorious Adventure
El 1 de enero de 1922 se estrenó la película británica The Glorious Adventure, dirigida por J. Stuart Blackton e interpretada por Diana Manners, Gerald Lawrence, Cecil Humphreys, Victor McLaglen, Alice Crawford, Lois Sturt, William Luff, Fred E. Wright, Flora le Breton, Lennox Pawle, Haidee Wright, Rudolph De Cordova, Lawford Davidson, Rosalie Heath, Gertrude Sterroll, Tom Coventry, Jeff Barlow, John Marlborough East, Lettice Fairfax, Hetta Bartlett. Productora: J. Stuart Blackton Productions. Duración: 70 minutos.
Sinopsis argumental: Hugh Argyle, un muchacho de unos 14 años, sale de casa y se despide de su novia, Lady Beatrice Fair, y promete atesorar el relicario que ella le ha regalado. Años más tarde regresa tras ser notificado de que es heredero de vastas propiedades y un título. Envía la noticia de su llegada a Lady Beatrice, ahora una mujer joven. En el barco, Walter Roderick planea matar a Hugh y ocupar su lugar él mismo. Su secuaz Bulfinch apuñala a Hugh y lo arroja por la borda. Roderick luego traiciona a su asalariado y Bulfinch es llevado a Inglaterra encadenado, prometiendo vengarse de Roderick. Lady Beatrice se ve obligada a entretener al rey Carlos II de Inglaterra, que se enamora de ella. Nell Gwyn, que es una de las invitadas, es un poco tosca y hace bromas groseras siempre que se presenta la ocasión. Roderick, creyendo que Hugh ha muerto, reclama sus propiedades, siendo ayudado por un abogado sinvergüenza. Se inclina ante Lady Beatrice, quien no puede creer que este hombre sea realmente Hugh. Obligada a viajar a Londres, Lady Beatrice se detiene en una posada donde se aloja Roderick. Hugh aparece y no solo da una excelente pelea con Roderick, sino con media docena de espadas. Lady Beatrice se enamora de él, pero, por alguna razón desconocida, Hugh no da a conocer su identidad. Después de muchas conspiraciones y contra conspiraciones, Hugh está en Londres para casarse con Lady Beatrice cuando se encuentra con Roderick y lo hacen prisionero. Ella, temiendo el encarcelamiento por su deuda, se casa con Bulfinch, quien está condenado a morir en la médula. El Gran Incendio de Londres (1666) estalla y Bulfinch escapa y busca a Lady Beatrice. La lleva por todo Londres, a través de las llamas y los escombros, en busca de un lugar seguro. Hugh aparece y quedan atrapados hasta que Bulfinch los salva, reclamando a Lady Beatrice como novia. Así como parece ser el más oscuro para los dos amantes, aparecen la Sra. Bullfinch y varios niños, y él se va con su familia.
Comentario: La película se hizo íntegramente en Prizmacolor. Ni esta película, ni la película de 1918 del mismo nombre producida por Samuel Goldwyn , están relacionadas con el famoso libro The Glorious Adventure (1927) de Richard Halliburton.
Hace 100 años: The Sawmill
El 1 de enero de 1922 se estrenó la película The Sawmill, dirigida por Larry Semon, Norman Taurog e interpretada por Larry Semon, Oliver Hardy, Frank Alexander, Kathleen O'Connor, Ann Hasting, Al Thompson, Rosa Gore, William Hauber, Peter Ormonds. Productora: Larry Semon, Vitagraph Company of America. Duración: 21 minutos.
Comentario: Tiene como record ser la comedia de cine mudo y comedia más cara jamás producida. Para muy aficionados de Oliver Hardy...
Las mejores películas de culto de la historia del cine (CLXXXVII)
El fantasma del paraíso (Phantom of the Paradise, 1974), de Brian De Palma
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