Efemérides de cine: Vinieron de dentro de...

El 26 de septiembre de 1975 se estrenó la película canadiense Vinieron de dentro de... (Shivers AKA They Came from Within), dirigida por David Cronenberg e interpretada por Paul Hampton, Joe Silver, Lynn Lowry, Allan Kolman, Susan Petrie, Barbara Steele, Ronald Mlodzik, Barry Baldaro. Productora: CFDC, Cinépix Film Properties (CFP), DAL Productions. Duración: 87 minutos. 

Sinopsis argumental: Un científico que está realizando experimentos con una nueva forma de transplantes orgánicos mata a una mujer residente en un complejo de apartamentos e inmediatamente después se suicida. La investigación de ambas muertes conduce a un descubrimiento espeluznante: un parásito que originalmente había sido creado por el científico como parte de su experimento ha escapado del lugar y se encuentra recorriendo el edificio en busca de un huésped. Uno a uno, el resto de habitantes del bloque van cayendo víctimas del parásito y, como resultado, convirtiéndose en una agresiva horda de maníacos sexuales que no se detienen ante nada hasta saciar su indescriptible ansia, que también propicia el contagio de la enfermedad a través del contacto sexual. Cuando otro médico residente en el edificio descubre el origen de lo que está ocurriendo, es la única esperanza para la Humanidad que se interpone entre un grupo de zombies rabiosos y contagiosos y el mundo exterior.

Nominaciones y premios: Festival de Sitges: Mejor director; Festival de cine fantástico de Avoriaz: Nominada a Grand Prix (Mejor película).

Comentario: Debut en el largometraje del canadiense David Cronenberg, la película, hecho con escasos medios y producido por Ivan Reitman, anticipa los intereses que ocupan el resto de su obra cinematográfica. Se trata en el fondo de una variación del tema del zombi, a la que Cronenberg imbuye de insano sadomasoquismo, con escenas violentas de bichos, insistencia en la carnalidad y las incisiones, homosexualidad, incesto, etc. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Para recordar: El último de la lista

Hoy traemos una clásica comedia dramática negra firmada por John Huston, El último de la lista (The List of Adrian Messenger, 1963). Por razones que no aclara, un tipo llamado Adrian Messenger entrega a Anthony Gethryn, uno de sus mejores amigos, investigador para el gobierno ya retirado, una lista de nombres, para que averigüe su actual paradero. Poco después muere en un accidente de avión, que tiene toda la pinta de haber sido saboteado. Al mismo tiempo, el investigador descubre que varias personas de la lista han muerto de forma violenta.

Singular mezcla de thriller y drama, con algún leve toque de comedia, según un relato de Philip MacDonald. John Huston imprime a este divertimento su típico sentido del humor irónico. La única mención que el cineasta hace a esta película en sus memorias, es para hablar de la escena de la complicada secuencia de la cacería del zorro, el clímax de la película, donde su propio hijo Tony, entonces de doce años, hizo un peligroso salto con su caballo. Sin embargo funciona mejor la primera mitad, de investigación pura y dura, que la acción en torno a la caza, más convencional.

El pegadizo tema musical central corrió a cargo de Jerry Goldsmith. La pretendida gracia del film consiste en que, durante los créditos finales, vamos descubriendo a las estrellas que han ido apareciendo por las imágenes convenientemente disfrazados con máscaras al estilo Misión imposible, sobre todo Tony Curtis, Kirk Douglas (con una prominente calva), Burt Lancaster (¡vestido de mujer!), Robert Mitchum y Frank Sinatra. Parece ser que también estaba prevista la aparición de Elizabeth Taylor, que en este caso había estado maquillada como un marinero canoso, pero un problema de agenda le impidió participar en la película. Protagoniza, George C. Scott, de los pocos no disfrazados, a pesar de su bigote.

"Yes!", de Nadav Lapid: "¡Es una experiencia estética increíble y, sobre todo, política!"

Yes! (2025) sigue la trayectoria de Y, un músico en situación precaria, padre de un niño nacido el 8 de octubre de 2023. Acepta componer un nuevo himno nacional con tintes de venganza, en respuesta a la ofensiva de Hamás del 7 de octubre. En la nueva película de Nadav Lapid, los personajes parecen despojados de la capacidad de hablar (o simplemente no están dispuestos a hacerlo), tal vez sofocados por el horror que los rodea.  Bailan con una agresividad intimidante; las emociones que normalmente se verbalizan, como la rabia, la pasión o el amor, son cantadas o golpeadas en las teclas de un piano...

En sus cinco películas, Nadav Lapid siempre ha mostrado una mirada lúcida e inflexible hacia Israel, su país. Esto ha sido así desde su primer largometraje, Policía en Israel (Ha-shoter), estrenado en 2011, que denunciaba la virilidad de la sociedad israelí. Yes! quizás marca un cambio en la relación del director con su país: "Sigue habiendo una ira muy fuerte y radical, pero también percibimos, en esta película, un amor decepcionado. Ama a su país, pero no puede vivir allí porque sigue siendo algo insoportable para él".

Robert Redford ha muerto: un repaso a las películas imprescindibles del legendario actor (II)

Dos hombres y un destino (Butch Cassidy and the Sundance Kid, 1969), de George Roy Hill

Aventuras basadas en dos auténticos ladrones del viejo Oeste, Butch Cassidy y The Sundance Kid. Redford y Newman, irresistibles, hacen tándem por primera vez (cuatro años después rodarían la magistral El golpe (The Sting, 1973), también a las órdenes de George Roy Hill) en un western formidable lleno de aventuras y con un ingenioso toque de humor en muchos de sus diálogos. Aventuras basadas en dos auténticos ladrones del viejo Oeste, Butch Cassidy y The Sundance Kid.

El candidato (The Candidate, 1972), de Michael Ritchie

La película muestra los entresijos políticos, las campañas, los discursos, las promesas, las estrategias..., y el protagonista hace uso del encanto que derrocha por su juventud e iniciativas para captar votantes. ¿Quién mejor que Robert Redford para el papel? Le acompañan Peter Boyle y Melvyn Douglas.

Las aventuras de Jeremiah Johnson (Jeremiah Johnson, 1972), de Sydney Pollack

Antes de que Kevin Costner bailara con lobos, Robert Redford, un hombre del lejano Oeste, hizo lo propio con osos en Las aventuras de Jeremiah Johnson. Sydney Pollack entregó una fabulosa película, en la que fue la segunda de las siete en que trabajó con su actor fetiche Robert Redford. La película, basada en una novela de Vardis Fisher, se inspira en un auténtico trampero llamado John Johnston, y que recibió apodos tan siniestros como los de “Matador de Cuervos” y “Comedor de Hígados Johnston”. La etiqueta le vino de la “peculiar” costumbre de matar indios Crows y comerse sus entrañas, como venganza por el asesinato de su esposa. Curiosamente, después de estrenarse la película el cuerpo de Johnston fue trasladado a Wyoming para recibir un nuevo enterramiento, y Robert Redford asistió al acto funerario.

Un diamante al rojo vivo (The Hot Rock, 1972), de Peter Yates

Entretenida cinta de cacos protagonizada por un Robert Redford tan atractivo como ágil ladronzuelo. La acción mezclada con buenos golpes de humor consigue hacer atractiva la historia, y destaca la música de Quincy Jones. Dirige Peter Yates y entre los secundarios se encuentran George Segal y Ron Leibman.

El golpe (The Sting, 1973), de George Roy Hill

Extraordinaria película que ganó siete Oscar y contó con la interpretación de la emblemática pareja de los actores y galanes Paul Newman y Robert Redford. La película no pierde ritmo en ningún momento y gracias al fabuloso y sorprendente guión, acompañado de un toque de humor y una notable ambientación, la historia resulta muy entretenida. Y la química entre los dos actores es inmejorable como ya demostraron en la también fascinante Dos hombres y un destino. Para la posteridad han quedado las saltarinas notas del piano de Scott Joplin, mítica estrella del estilo Ragtime.

Películas de culto de los años 1990 que debe (re)descubrir (I)

Spielberg, Klapisch, Cameron… Grandes nombres del cine han influido a toda una generación con sus películas. La elección es difícil, hemos decidido ofrecer nuestra lista de películas de culto de los años 1990 para volver a ver en las plataformas.

Violencia exacerbada, sangre a borbotones y humor demoledor… Los años 1990 vieron la llegada de las películas de Quentin Tarantino a la gran pantalla y algunos cinéfilos aún no lo han superado. Muchas películas que se han convertido en clásicos de culto apostaron por el humor sin olvidar pintar un retrato fiel de una nueva generación un poco perdida en sus valores. Y aún así, muchas frases de culto, diálogos que nos sabemos de memoria, secuelas con cierto éxito… Es difícil elegir entre las mejores películas de la década de 1990, pero hemos seleccionado las películas disponibles en plataformas que nos transportarán a una esta época.

1. Los chicos del barrio (Boyz N the Hood, 1991), de John Singleton

Una alabada película del comprometido director John Singleton, que anda en la línea de otro famoso cineasta de color: Spike Lee. Tiene un claro propósito realista de denuncia social. Un atractivo retrato del panorama vital de un grupo de jóvenes en una zona poco favorecida de Los Angeles. Diálogos mordaces y efectivos, y una acción constante que engancha desde el principio al espectador. Destaca la presencia de unos jovencitos Cuba Gooding Jr. y Ice Cube, antes de que sus carreras se dieran a conocer.

2. Thelma y Louise (Thelma & Louise, 1991), de Ridley Scott

El director británico Ridley Scott recuperó su prestigio entre la crítica, tras la decepcionante Legend (1985), con esta "road movie" que explora las frustraciones de dos mujeres que deciden vivir la libertad sin límites. Impecables interpretaciones, ritmo inigualable y Oscar al mejor guión en 1992.

3. Delicatessen (1991), de Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro

Uno de los mayores éxitos del cine francés de los últimos años, lo que se debe a su renovador estilo visual y a la gran imaginación que destila cada uno de sus planos. Además, crea un mundo propio, con unos decorados y vestuarios muy originales, que pueden ser parte de cualquier lugar del mundo. Retrata a los habitantes de un edificio, en cuya planta baja se sitúa una charcutería. El origen de la carne que allí se vende es desconocido.C on este largometraje debutaron los realizadores Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro. Obtuvieron un gran número de premios internacionales, entre los que destacan los cuatro del festival de Cinema Fantastic de Sitges de 1991. La película tiene pasajes de una rara y bella poesía.

4. Europa (1991), de Lars von Trier

Una original mirada a la Alemania de postguerra, a cargo del danés Lars von Trier. Sigue la pista a un joven americano, descendiente de alemanes, que vuelve a su país de origen con idea de ayudar a su reconstrucción.Con sorprendente acabado visual, deudor del expresionismo, donde cautivan la mezcla de color y blanco y negro, o las sobreimpresiones, Von Trier pergeña una historia muy movida de aires kafkianos, que recuerda que en esta vida se hace obligatorio, en un momento u otro, tomar partido. Inolvidable resulta la voz en off inicial de Max von Sydow contando hasta diez para iniciar el viaje a Europa.  El director, con su característico estilo de comunicación afirmó que había diseñado la película "como una obra maestra. Eso lo decidí por adelantado, antes siquiera de empezar a escribirla."

5. La bella y la bestia (Beauty and the Beast, 1991), de Gary Trousdale y Kirk Wise

Adaptación bastante fiel del célebre cuento de Hans Christian Andersen, convertida ya en un clásico de Disney. Película que consolidó el renacer de Walt Disney, tras otros éxitos como La sirenita (The Little Mermaid, 1989).  

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Efemérides de cine: Los tres días del cóndor

El 24 de septiembre de 1975 se estrenó la película estadounidense Los tres días del cóndor (Three Days of the Condor), dirigida por Sydney Pollack e interpretada por Robert Redford, Faye Dunaway, Cliff Robertson, Max von Sydow, John Houseman, Russell Johnson, Addison Powell, Tina Chen, Walter McGinn, Michael Miller, Jess Osuna. Productora: Paramount Pictures. Duración: 118 minutos. 

Sinopsis argumental: Un modesto funcionario de la CIA (Robert Redford) trabaja leyendo libros con el fin de detectar mensajes cifrados que permitan desvelar operaciones secretas susceptibles de perturbar la estabilidad del país. Un día, cuando vuelve al trabajo, encuentra a todos sus compañeros muertos. Consciente de que sólo el azar lo ha salvado de una muerte segura, huye tratando de salvarse, pero también para encontrar una explicación a lo sucedido. En su fuga se verá obligado a secuestrar a una mujer (Faye Dunaway) con la que, además de compartir su aventura, vive una intensa historia de amor.

Nominaciones y premios: Nominada al Oscar: Mejor montaje; Nominada al Globo de Oro: Mejor actriz en drama (Faye Dunaway).

Comentario: Sydney Pollack dirige este thriller de espionaje, cuya acción no pierde interés en ningún momento. Buen guión y puesta en escena, a pesar de que la película acuse una estética muy marcada en los años 1970, lo que contribuye a que se vaya desfasando con los años. Por otro lado, destaca la presencia de la enigmática Faye Dunaway y de secundarios de la talla de Max Von Sydow o Cliff Robertson. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno

Efemérides de cine: El unicornio

El 24 de septiembre de 1975 se estrenó la película francesa El unicornio (Black Moon), dirigida por Louis Malle e interpretada por Cathryn Harrison, Therese Giehse, Alexandra Stewart, Joe Dallesandro. Productora: Coproducción Francia-Italia-Alemania; Nouvelles Éditions de Films (NEF), Bioskop Film. Duración: 100 minutos. 

Sinopsis argumental: Huyendo de una guerra mundial entre hombres y mujeres, la joven Lily persigue a un unicornio que la lleva a una casa donde viven una anciana que habla con las ratas, una joven que da de mamar a la anciana y el hermano mellizo y mudo de la joven, que tala árboles que sangran... 

Nominaciones y premios: Premios César: Mejor fotografía, mejor sonido.

Comentario: Una película de corte fantástico, escrita y dirigida por el francés Louis Malle en inglés, una especie de "Alicia en el país de las maravillas" en clave retorcida. Se trata de una historia desasosegante y ensoñadora, con apenas diálogos, a la que no hay que buscar demasiado sentido, y que lo que busca es ofrecer un conjunto de escenas surrealistas, a cual más desconcertante, incluida una interpretación de un pasaje del Tristán e Isolda de Wagner, servidas con una hermosísima fotografía de Sven Nykvist. Protagoniza la película Cathryn Harrison, nieta de Rex Harrison, y también se puede ver a la veterana actriz alemana Therese Giehse. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Robert Redford ha muerto: un repaso a las películas imprescindibles del legendario actor (I)

El actor estadounidense falleció a los 89 años el martes 16 de septiembre. Un repaso a su carrera en diez películas en las que interpretó papeles protagonistas...

Niño búho, navegante, aventurero… Robert Redford se vistió de más de un traje a lo largo de su carrera, a menudo bajo la dirección de su amigo Sydney Pollack. El estadounidense falleció este martes 16 de septiembre de 2025 a los 89 años. Habían pasado seis años desde que se retiró de la actuación (su última aparición fue en Avengers: Endgame, de Anthony y Joe Russo en 2019): "He estado haciendo este trabajo desde los 21 años, bueno, ya es suficiente", dijo. Pero dejó su huella en el cine para siempre.

La rebelde (Inside Daisy Clover, 1965), de Robert Mulligan

En su casi debut cinematográfico, junto a Natalie Wood en su (casi) mismo papel de estrella adolescente de Hollywood, el joven Redford interpreta, como corresponde, a un príncipe. un drama agridulce sobre los entresijos del mundo del cine no al uso, con un aire burbujeante y chispeante, e incluso surrealista.

Propiedad condenada (This Property is Condemned, 1966), de Sydney Pollack

Con guion de Francis Ford Coppola y Fred Coe sobre una obra en un acto de Tennessee Williams, Propiedad condenada tiene todos los ingredientes de esas obras apasionadas ambientadas en el Sur que han pasado a la historia del cine como un subgénero de pleno derecho. Ésta fue la primera de las siete colaboraciones que haría con Pollack en un momento en que su carrera estaba a punto de despuntar. 

La jauría humana (The Chase, 1966), de Arthur Penn

La película, hija de su época, los turbulentos años 1960, se basa en una novela de Horton Foote, convertida en guión por la siempre eficaz Lillian Hellman. Es ésta uno de esas películas que podemos definir como ‘psicoviolentos’.

Descalzos por el parque (Barefoot in the Park, 1967), de Gene Saks

Una comedia muy aguda en la que se tratan con acidez los sentimientos de dos enamorados. Notables interpretaciones de Redford y Fonda, en una época en la que ambos estaban en plenitud de su atractivo. La esta película es una adaptación de la obra teatral de Neil Simon.

El valle del fugitivo (Tell Them Willie Boy is Here, 1969), de Abraham Polonsky

Western crepuscular y desencantado, basado en hechos reales, cuenta con una soberbia fotografía de Conrad L. Hall que realza la trama de "caza del hombre". La película incide en el tema del racismo, omnipresente a pesar de la llegada de cierta modernidad, simbolizada en la esperada visita del presidente Taft. Aunque con un argumento sencillo que destacó por reflejar el punto de vista de los indios.

"Teenage Apocalypse Trilogy", de Gregg Araki regresa a los cines: por qué su universo basura sigue siendo un clásico de culto

Figura del cine independiente estadounidense, Araki filmó los amores y las andanzas de la juventud en los años 1990. Combinando irreverencia, humor y lujuria, tres de sus largometrajes punk merecen ser (re)descubiertos en versiones restauradas.

Es un cineasta norteamericano queer que escribe, dirige y edita sus propias películas. Retrata a jóvenes amantes marginales, y lo que pasa por sus cabezas... ¿Xavier Dolan? No, Gregg Araki, treinta años mayor que él. Cada generación tiene su cineasta Zeitgeist: Araki, ahora de 65 años, dirigió la mitad de sus películas en la década de 1990. Tres de los largometrajes del californiano, que forman una falsa trilogía llamada Teenage Apocalypse, se están reestrenando en cines en versiones restauradas.

¿Cómo resumir estas tres historias de amor y consternación, de deseo y miedo? Una especie de grito extravagante de rabia y lujuria, arraigado en los años 1990, tan sucio y surrealista como puede serlo.

Totally F***ed Up (Totally Fucked Up) (1993)

Narra la historia de un grupo de jóvenes homosexuales, gays y lesbianas, de Los Angeles. Sus padres les han echado de casa, están sin blanca y sus amantes les engañan. Están "totalmente jodidos", tanto que como solución a sus problemas algunos se llega a plantear el suicidio.... Araki describió su obra como una historia poco aconsejable sobre maricones y bolleras adolescentes. Es una especie de mezcla entre el cine experimental de vanguardia y una película gay de John Hughes.

Maldita generación (The Doom Generation, 1995) 

Amy Blue (Rose McGowan), Jordan White (James Duval), y Xavier Red (Johnathon Schaech) son un trío de jóvenes embarcados en una espiral de sexo y crímenes que acaba teniendo incluso cobertura televisiva. Una película independiente con semejanzas a Asesinos natos (Natural Born Killers, 1994), de  Oliver Stone, y autoproclamado por su director Araki como una "película criminal heterosexual". Dada sus profusas dosis de sexo y violencia, obtuvo una escasa distribución en todo el mundo. La película se exhibió en el Festival de Cine de San Sebastián de 1995. 

Nowhere (1997) 

Cerró la trilogía. Araki definió esta película como una versión lisérgica de un episodio de Sensación de vivir (Beverly Hills, 90210, 1990-2000). Transcurre durante un día y está centrada en un grupo de adolescentes que quieren salir de la rutina y dar emoción a sus vidas a través del consumo de drogas, la promiscuidad, el alcohol, etc. Dark Smith es un estudiante de 18 años obsesionado con el fin del mundo y desesperado por encontrar el amor verdadero. Está enamorado de Mel, una joven bisexual que mantiene una relación abierta con él y con su novia Lucifer. Mientras Dark fantasea con Montgomery, un misterioso compañero de clase, sus amigos navegan por un mundo de drogas, sexo y violencia en Los Ángeles.

"Nino”, de Pauline Loquès: una conmovedora oda a la vida

Un joven descubre que tiene cáncer. Luego deambula por París, viendo a su madre, a sus amigos... Un hermoso retrato acompañado de la sensible crónica de una enfermedad tan injusta como repentina.

Apenas entra en el hospital, Nino, con la mirada perdida, parece enfrentarse al Everest. Deambulaciones administrativas, ruidosas obras que perturban la recepción y el buen funcionamiento de la atención... El médico que lo atiende pronuncia las palabras "masa", "orofaringe", "carcinoma de células escamosas", "lesión ulcerosa en ciernes". Nino tiene cáncer. Incapaz de revelar a quienes lo rodean la enfermedad que padece y la angustia que lo carcome, el joven, interpretado por el amable actor quebequense Théodore Pellerin, deambula por París, de la plaza Stalingrado al centro de tratamiento, del café al metro, como Cléo, en la película de Agnès Varda -Cleo de 5 a 7 (Cléo de 5 à 7, 1962)-.

Películas de culto de los años 1980 que debe (re)descubrir (V)

(cont.)

21. Amanece que no es poco (1989), de José Luis Cuerda

Satírica broma o comedia paródica, como se prefiera, sobre un pueblo surrealista. La trama es lo de menos en esta película en que no hay escenas sin gags ni chistes o situaciones hilarantes. Además, José Luis Cuerda reunió a un buen elenco de actores españoles, entre los que destacan Antonio Resines, Luis Ciges, Rafael Alonso o María Isbert.

22. El club de los poetas muertos (Dead Poets Society, 1989), de Peter Weir

Existen pocas películas que hayan conseguido llegar hasta el público tanto como esta impresionante y profunda creación dirigida por el australiano Peter Weir. Película magníficamente rodada, que cuenta con un guión (Tom Schulman) realmente sobresaliente, que fue premiado con un Oscar. Robin Williams logró uno de los mejores papeles de su carrera y algunos de los alumnos se convirtieron en estrellas consagradas. La música de Maurice Jarre no tiene desperdicio. Una película sobre la educación, distinta, arriesgada e impresionante.

23. Indiana Jones y la última cruzada (Indiana Jones and the Last Crusade, 1989), de Steven Spielberg

Con su habitual capacidad para meterse dentro de la psicología infantil, Steven Spielberg intentó recuperar los viejos seriales de aventuras de los años 1930 y 1940. El resultado, como en las anteriores entregas, son dos horas de acción sin respiro, en las que se acumulan, una tras otra, situaciones disparatadas de las que Indiana Jones siempre sale triunfante.

24. Misery (1990), de Rob Reiner

Rob Reiner, con guión de William Goldman, hizo una adaptación modélica del terrorífico libro de Stephen King. Y Kathy Bates alzó su mano... con el Oscar.

25. Uno de los nuestros (Goodfellas, 1990), de Martin Scorsese

Una película de gánsters dirigida por Martin Scorsese, con un reparto impresionante. Implacable cuadro del tortuoso e inmoral mundo de la mafia, pasado por el tamiz cínico de Ray Liotta, un inolvidable narrador. “Que yo recuerde, siempre quise ser un gángster”. 

Efemérides de cine: Juego de amor prohibido

El 22 de septiembre de 1975 se estrenó la película española Juego de amor prohibido, dirigida por Eloy de la Iglesia e interpretada por Javier Escrivá, Inma de Santis, John Moulder-Brown, Simón Andreu. Productora: Arturo González P.C. Duración: 85 minutos. 

Sinopsis argumental: Mientras Luis está dando fin a su clase, dos alumnos, Julia y Miguel, sólo piensan en que, por fin, van a fugarse de casa; pero el profesor se da cuenta de todo. Este tiene un gran caserón a las afueras de la ciudad, que comparte con Jaime, un ex alumno. Esa tarde, Luis recoge a la joven pareja en la carretera y los invita a pasar la noche en su casa. 

Comentario: Fue la octava película del director vasco y la última de su filmografía rodada durante el franquismo y una de las que más sufrió la censura cinematográfica. Los cuarenta y dos cortes que tuvo dificultan la comprensión de la trama.​ No obstante Juego de amor prohibido destaca por presentar con claridad el estilo narrativo que predominará en los trabajos posteriores del realizador. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Hace 100 años: La eterna cuestión

El 22 de septiembre de 1925 se estrenó la película estadounidense La eterna cuestión (The Circle), dirigida por Frank Borzage e interpretada por Eleanor Boardman, Malcolm McGregor, Alec B. Francis, Eugenie Besserer, George Fawcett, Creighton Hale, Otto Hoffman, Eulalie Jensen, Buddy Smith, Joan Crawford, Derek Glynne, Frank Braidwood. Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Duración: 70 minutos. 

Sinopsis argumental: En la década de 1890, la joven Lady Catherine (Joan Crawford) decide abandonar a su esposo, Lord Clive Cheney (Derek Glynne), y a su hijo Arnold por su amante, "Hughie" Porteous (Frank Braidwood). Treinta años después, la joven Elizabeth Cheney (Eleanor Boardman) se enfrenta a la misma disyuntiva entre su esposo, el ya maduro Arnold (Creighton Hale), y su amante, Teddy Luton (Malcolm McGregor). Sin embargo, antes de irse con Teddy, Elizabeth quiere saber cómo ha ido el matrimonio entre Catherine y Hughie, así que los invita a su casa mientras el ya anciano padre de Arnold, Lord Clive (Alec B. Francis), está de caza. Se intercalan escenas de Catherine y Hughie conduciendo hacia la casa, con solo la nuca visible...

Comentario: Drama de salón que adapta la obra teatral homónima de Somerset Maugham. Una joven Joan Crawford (cuyo nombre Lucille LeSueur se cambió ese año gracias a un concurso organizado por el estudio) aparece en la escena inicial de la película y posteriormente en una fotografía que ven otros personajes. La obra fue filmada nuevamente por MGM como un lanzamiento sonoro temprano (también lanzado en una versión muda) en 1930 con el título Strictly Unconventional, dirigida por David Burton. 

Películas de culto de los años 1980 que debe (re)descubrir (IV)

(cont.)

16. Bitelchús (Beetlejuice, 1988), de Tim Burton

Bitelchús no es necesariamente para un público joven, que podría asustarse por el maquillaje horroroso de los personajes, pero sigue siendo un clásico atemporal de la época. Su humor absurdo ayudan a suavizar las escenas que podrían resultar algo aterradoras. La estética de la película influyó en toda una generación y catapultó la carrera de Tim Burton, que continuaría con su personal visión de los cómics de Batman.

17. La tumba de las luciérnagas (Hotaru no Haka, 1988), de Isao Takahata

Fue la primera película dirigida por Takahata con Studio Ghibli y el tercer largometraje del estudio. Está basada en la novela homónima del autor Akiyuki Nosaka publicada en 1967, la cual, a su vez, se basa en las propias experiencias de Nosaka vividas durante como una de las mejores y más poderosas películas sobre la II Guerra Mundial.

18. Cinema Paradiso (Nuovo Cinema Paradiso, 1988), de Giuseppe Tornatore

Con esta película, Giuseppe Tornatore rindió un sentido homenaje al cine y su memoria. Son inolvidables la música de Ennio Morricone y el personaje del pequeño Totó, interpretado con inaudita expresividad por Salvatore Cascio.

19. La vida es un largo río tranquilo (La vie est un long fleuve tranquille, 1989), de Étienne Chatiliez

Está narrada con total naturalidad aunque es rabiosamente transgresora e  implacable, utilizando además a un niño como elemento desestabilizador. El debut del director francés Etienne Chatiliez es una divertida comedia sobre las desigualdades sociales.

20. Cariño, he encogido a los niños (Honey, I Shrunk the Kids, 1989), de Joe Johnston

Divertida película familiar de la Walt Disney sobre un despistado científico que reduce a un tamaño casi microscópico a sus dos hijos y a los dos hijos del vecino. La factura técnica resulta correcta, el ritmo es ágil y el actor Rick Moranis lleva a cabo una divertida interpretación. Los efectos especiales fueron muy espectaculares en su época.

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Cómo Robert Redford se convirtió en el Señor de Sundance y una figura del cine independiente

Enamorado perdidamente de las montañas de Utah, el actor fue adquiriendo terrenos allí y convirtió el lugar en un punto de encuentro para sus luchas ambientales, y posteriormente para todo el cine independiente. Antes de fundar allí el famoso festival en 1979.
Se ha pasado página. En 2027, el Festival de Sundance dejará el hogar de Robert Redford en Utah para establecerse en las montañas de Colorado. Desde hacía un tiempo, debido a problemas de salud, el actor y director había sido un espectáculo poco común. Bajaba con menos frecuencia de su retiro en las laderas del Monte Timpanogos para saludar a los jóvenes cineastas que abarrotaban las calles de Park City. La historia continuará sin él, pero permanecerá ligada a él para siempre. Sundance es su creación más preciada, la que lo convirtió en el padrino más genial del cine independiente estadounidense. Y un señor sin igual, comparado con un héroe de Tolstoi contemplando su inmenso legado. 

El Festival de Cine de Sundance es un festival cinematográfico internacional que se celebra anualmente las últimas dos semanas de enero en el poblado de Park City, cerca de Salt Lake City, la capital del estado de Utah, en Estados Unidos. En marzo del 2025, se anunció que el Festival se mudaría a Boulder, Colorado, después de 40 años de organización en Salt Lake City, debido a la falta de cines necesarios y de residencias asequibles para albergar a sus asistentes. El nombre del festival, Sundance, proviene del personaje que Redford interpretó en 1969 en la película Dos hombres y un destino (Butch Cassidy and the Sundance Kid).

"Adam’s Sake” de Laura Wandel: una película social llena de tensión que nos lleva lejos

Adam's Sake (L'interêt d'Adam, 2025) es un largometraje donde la locura del amor maternal y el celo excesivo se encuentran en constante suspense psicológico.

No nos hemos olvidado de Un pequeño mundo (Un monde, 2021), el primer largometraje de Laura Wandel, impresionante por su densidad y su sufrimiento silencioso. En una hora y quince minutos, esta ficción se sumergió en el ruidoso mundo de un patio de escuela para describir un caso de acoso escolar. En Adam's Sake, una nueva inmersión, otro escenario. Nos encontramos con Adam, un niño de 4 años desnutrido, es ingresado en la sala pediátrica de un hospital por orden judicial. La enfermera jefe de pediatría, Lucy, permite a la madre de Adam, Rebecca, quedarse al lado de su hijo, a pesar del estricto horario de visitas establecido por el juez. Cuando Rebecca se niega a dejar a Adam, las cosas se complican. Por el bien del niño, Lucy hará cualquier cosa para ayudar a esta angustiada madre.

Películas de culto de los años 1980 que debe (re)descubrir (III)

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11. Regreso al futuro (Back to the Future, 1985), de Robert Zemeckis

Un clásico de la ciencia-ficción, una película que narra las aventuras de Marty Fly, un adolescente proyectado accidentalmente al pasado. Obra maestra del cine juvenil cuyo encanto no desaparece con el paso del tiempo. Divertida, original y muy entretenida. 

12. Los Goonies (The Goonies, 1985), de Richard Donner

Una aventura de misterio y amistad, donde un grupo de infantes parte a la búsqueda de un tesoro. Película de aventuras producida por Steven Spielberg y que apasionó a todos los jóvenes de una generación que siempre soñaron con tener un grupo de amigos como los protagonistas. 

13. Dirty Dancing (1987)

Una historia de amor y baile con una banda sonora inolvidable. Una película romántica que marcó a toda una generación y llevó a la fama a Patrick Swayze. Obtuvo un gran éxito de taquilla, gracias a la música ochentera y las estupendas coreografías. La canción The Time of My Life de su banda sonora ganó un Oscar y un Globo de Oro.

14. La chaqueta metálica (Full Metal Jacket, 1987), de Stanley Kubrick

Película comprometida de Stanley Kubrick sobre la guerra de Vietnam. Se trata de uno de esos filmes que con el paso de los años va adquiriendo la vitola de clásico (y no sólo por su contenido antibelicista). La planificación de Kubrik es perfecta y una multitud de escenas se han hecho memorables, como muchos de los brutales y descarnados diálogos del mítico Sargento Hartman (R. Lee Ermey), dirigidos al "recluta bufón" (Matthew Modine) o al "recluta patoso" (Vincent D'Onofrio).

15. El gran azul (Le grand bleu, 1988), de Luc Besson

Una poética película de aventuras que celebra la pasión del buceo. Esta sencilla fábula de amor, amistad y el mar permanece en la memoria mucho después de que finalicen los créditos. 

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Fallece Robert Redford, el querido actor estadounidense y gran defensor del cine independiente

Actor irresistible, fundador del Festival de Cine de Sundance, director comprometido y activista ambiental, Robert Redford encarnó una América particular, una de espacios abiertos y héroes. Esto no le impidió denunciar sus numerosos defectos. Falleció el martes, 16 de septiembre de 2025, a los 89 años.

Sexy, rubio, alto, musculoso, de mirada cautivadora y sonrisa devastadora, Robert Redford, fallecido el 16 de septiembre a los 89 años, fue el actor más sensual, más celebrado y más admirado de los años 70. Tan guapo como Paul Newman, en los años 1960 y 1970, de quien fue compañero, todavía vacilante como puede serlo un estudiante frente al maestro, en Dos hombres y un destino, de George Roy Hill, en 1969… Pero Newman, fuerte en su físico y su notoriedad, nunca dudó en aceptar papeles atormentados y ambiguos — El zurdo (1958), de Arthur Penn, La gata sobre el tejado de zinc (1958), de Richard Brooks, basada en Tennessee Williams (1958), o El buscavidas (1961), de Robert Rossen.

“The Plague”, Gran Premio del Festival de Deauville: una inmersión en el mundo atormentado de la preadolescencia masculina

Charlie Polinger, ganador de la 51 edición del Festival de Cine Americano, obtuvo el Gran Premio del Jurado y el Premio de los Periodistas por su retrato preciso y poderoso de un grupo de chicos, entre escenas cotidianas, juegos de poder y actos crueles.

Everett Blunck, protagoniza The Plague (2025)

Tienen 12 o 13 años, son habladores e inquietos, con deseos que crecen más rápido que sus cuerpos, aún prisioneros de la infancia... y una peligrosa aversión a todo lo que los desestabilice y perturbe. En su primer largometraje, presentado en el Festival de Cine de Cannes en la categoría Un Certain Regard, el estadounidense Charlie Polinger nos sumerge en el infierno cotidiano de la preadolescencia masculina. Allí, encerrados durante un campamento deportivo de verano, unos chicos se entregarán a una versión ligeramente menos feroz de El señor de las moscas, entre el waterpolo en la piscina, los dormitorios y los vestuarios.

La trama: En un campamento de waterpolo masculino, un preadolescente de doce años con ansiedad social se ve arrastrado a formar parte de una cruel tradición que ataca a un marginado con una enfermedad llamada 'La Plaga'. Pero a medida que se difuminan los límites entre el juego y la realidad, teme que la broma pueda estar ocultando algo real.

Películas de culto de los años 1980 que debe (re)descubrir (II)

6. El precio del poder (Scarface, 1983), de Brian de Palma

Una película extremadamente violenta con una trama complicada y cuidadísimas interpretaciones. Una banda sonora de Moroder maravillosa. Remake modernizado de  Scarface (1932), dirigida por Howard Hawks. 

7. Gremlins (1984), de Joe Dante

Una comedia de terror llena de humor negro y de efectos especiales innovadores. Una sucesión de homenajes cinéfilos y bromas de todo tipo, que incluso tiene detalles cínicos como el convertir el gran sueño americano en una excavadora asesina. 

8. Terminator (The Terminator, 1984), de James Cameron

Una película de acción icónica protagonizada por Arnold Schwarzenegger como un cyborg despiadado. Uno de los mayores éxitos del año de su producción, se situó en el octavo puesto de las películas más taquilleras y recaudó 80 millones de dólares en todo el mundo. Éste es y será siempre, sin duda, el papel de su vida.

9. La historia interminable (Die unendliche Geschichte, 1984), de Wolfgang Petersen

Un cuento fantástico que cautiva por su universo onírico. Un clásico del género fantástico del cine europeo. El alemán Wolfgang Petersen, que venía de impresionar a todos con su potente El submarino (Das Boot, 1981), fue el encargado de dirigir la ambiciosa propuesta de llevar a la gran pantalla el exitoso best-seller de Michael Ende. 

10. Karate Kid, el momento de la verdad (The Karate Kid, 1984), de John G. Avildsen

Karate Kid presentó el karate y su filosofía a toda una generación que siguió las aventuras de Daniel LaRusso y su maestro el Sr. Miyagi a través de tres películas estrenadas en la década de 1980. ¡La franquicia continúa hoy con la serie Cobra Kai, prueba de que Karate Kid ha resistido la prueba del tiempo!

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