Retrospectiva: “Sin límites”, fue un éxito en la gran pantalla

Sin límites (Limitless (Dark Fields), 2011), dirigida por Neil Burger y basada en la novela Los campos oscuros de Alan Glynn, estaba protagonizada por Bradley Cooper, Abbie Cornish y Robert De Niro y su historia giraba en torno a una premisa que por sí misma generaba debate.

La trama: En ella se cuenta la historia de Eddie Morr (Cooper), un acomplejado escritor en plena crisis de creatividad que descubre una droga que le permite explotar su cerebro al máximo de sus capacidades. De la mano de NZT Eddie no solo se convierte en uno de los mejores escritores de la ciudad, sino que también cambia como persona y eso le lleva a unirse con un poderoso hombre de negocios llamado Carl Van Loon (De Niro). Una asociación que acaba derivando en un asunto peligroso al tiempo que el protagonista pierde el control y empieza a experimentar efectos secundarios.

Destaca la película por sus cualidades hipnóticas, sobre todo en las escenas donde se recrean los efectos de NZT en los que las ingieren, el aumento de su percepción y de la actividad cerebral se muestra de modo muy visual, con el cambio de la iluminación, la presentación del personaje “multiplicado”, viéndose a sí mismo, y el efecto de rapidísimo viaje por las calles de Nueva York como si uno anduviera subido en un velocísimo vehículo y pudiera ver hasta el infinito y más allá. Disponible en Prime Video.

Harris Dickinson firma “Urchin”: “El tema del comportamiento destructivo me toca de cerca”

En Urchin (2025), su debut como director, interpreta a un drogadicto sin hogar. Una entrevista con un actor profundamente comprometido que interpretará a John Lennon en el cuadríptico de los Beatles de Sam Mendes.

Urchin (2025)

Con casi 1,90 metros de altura y ojos azules, Harris Dickinson encarna al galán hollywoodense por excelencia. Demostró su encanto en El triángulo de la tristeza (Triangle of Sadness, 2022), de Ruben Östlund, ganadora de la Palma de Oro en Cannes en 2022, y en Babygirl (2024) de Halina Reijn. En esos momentos, sus papeles como top model y sexy becario, respectivamente, cautivaron a muchos. A pesar de su floreciente carrera, el británico de 29 años ha demostrado ser igualmente hábil interpretando personajes oscuros y complejos.

Urchin (2025)

Encarna brillantemente a un atleta atormentado en El clan de hierro (The Iron Claw, 2024), de Sean Durkin y a un adolescente perdido en Beach Rats (2017) de Eliza Hittman, uno de sus primeros papeles cinematográficos. Lo descubriremos en abril de 2028 como John Lennon en la monumental película de cuatro partes de Sam Mendes, actualmente en producción. 

Urchin (2025)

En 2025, Harris Dickinson se puso tras la cámara para dirigir su primera película, Urchin, una crónica realista y a la vez poética de un drogadicto sin hogar, que recuerda a Ken Loach y Mike Leigh. Nos encontramos en las calles de Londres, Mike, un joven sin hogar, lucha por sobrevivir mientras enfrenta su pasado y busca una salida a su situación. Su vida transcurre entre la marginalidad y breves destellos de esperanza. A medida que se adentra en un camino de autodescubrimiento, surgen oportunidades inesperadas que podrían marcar un nuevo comienzo. Se estrenó en el Festival de Cine de Cannes, en la sección Un Certain Regard, donde Frank Dillane, su actor principal, ganó el premio a mejor actor. 

“Manhattan Sur”, espectacular y oscura película de acción y suspense

Manhattan Sur (1985), título con el que se estrenó en España Year of the Dragon, una de las películas más controvertidas y personales del director Michael Cimino. Ambientada en el barrio chino de Nueva York durante los años ochenta, la cinta combina el cine policíaco con una mirada oscura sobre el poder, la corrupción y el conflicto cultural, elementos recurrentes en la filmografía del director de El Cazador. La película con muchos retazos del guion de El precio del poder (Scarface, 1983), rodada apenas dos años antes y con el mismo guionista: nada menos que Oliver Stone.

En Manhattan Sur seguimos al capitán Stanley White, interpretado por Mickey Rourke, un veterano del Vietnam que, tras quince años en la policía, es destinado a Manhattan Sur, un distrito de Nueva York. Su cometido es acabar con las bandas juveniles que dominan la zona. Sus investigaciones lo conducen a la peligrosa mafia china, dirigida por Joey Tai (John Lone), cuyos métodos para controlar el tráfico de drogas son extraordinariamente violentos. Acabar con el crimen organizado se convierte para White en una obsesión, pero su traumático pasado y su situación presente lo arrastran más allá de las órdenes recibidas. 

Uno de los aspectos más llamativos de Manhattan Sur es su representación del choque cultural. Cimino retrata Chinatown como un espacio cerrado, regido por normas propias, tradiciones ancestrales y estructuras de poder invisibles para el mundo exterior. Esta representación fue duramente criticada en su momento por sectores de la comunidad asiático-estadounidense, que acusaron a la película de reforzar estereotipos raciales y presentar a los personajes chinos casi exclusivamente como criminales o figuras amenazantes. La polémica marcó el estreno de la cinta y afectó su recepción crítica.

Manhattan Sur puede verse como una obra imperfecta pero poderosa, que refleja tanto las obsesiones de su director como las tensiones sociales de su época. Aunque no alcanzó el prestigio de otros trabajos de Cimino, la película ha sido revalorizada con el tiempo como un retrato crudo, provocador y estilísticamente audaz del cine policíaco de los años 1980.

"Teenage Apocalypse Trilogy", de Gregg Araki regresa a los cines: por qué su universo basura sigue siendo un clásico de culto

Figura del cine independiente estadounidense, Araki filmó los amores y las andanzas de la juventud en los años 1990. Combinando irreverencia, humor y lujuria, tres de sus largometrajes punk merecen ser (re)descubiertos en versiones restauradas.

Es un cineasta norteamericano queer que escribe, dirige y edita sus propias películas. Retrata a jóvenes amantes marginales, y lo que pasa por sus cabezas... ¿Xavier Dolan? No, Gregg Araki, treinta años mayor que él. Cada generación tiene su cineasta Zeitgeist: Araki, ahora de 65 años, dirigió la mitad de sus películas en la década de 1990. Tres de los largometrajes del californiano, que forman una falsa trilogía llamada Teenage Apocalypse, se están reestrenando en cines en versiones restauradas.

¿Cómo resumir estas tres historias de amor y consternación, de deseo y miedo? Una especie de grito extravagante de rabia y lujuria, arraigado en los años 1990, tan sucio y surrealista como puede serlo.

Totally F***ed Up (Totally Fucked Up) (1993)

Narra la historia de un grupo de jóvenes homosexuales, gays y lesbianas, de Los Angeles. Sus padres les han echado de casa, están sin blanca y sus amantes les engañan. Están "totalmente jodidos", tanto que como solución a sus problemas algunos se llega a plantear el suicidio.... Araki describió su obra como una historia poco aconsejable sobre maricones y bolleras adolescentes. Es una especie de mezcla entre el cine experimental de vanguardia y una película gay de John Hughes.

Maldita generación (The Doom Generation, 1995) 

Amy Blue (Rose McGowan), Jordan White (James Duval), y Xavier Red (Johnathon Schaech) son un trío de jóvenes embarcados en una espiral de sexo y crímenes que acaba teniendo incluso cobertura televisiva. Una película independiente con semejanzas a Asesinos natos (Natural Born Killers, 1994), de  Oliver Stone, y autoproclamado por su director Araki como una "película criminal heterosexual". Dada sus profusas dosis de sexo y violencia, obtuvo una escasa distribución en todo el mundo. La película se exhibió en el Festival de Cine de San Sebastián de 1995. 

Nowhere (1997) 

Cerró la trilogía. Araki definió esta película como una versión lisérgica de un episodio de Sensación de vivir (Beverly Hills, 90210, 1990-2000). Transcurre durante un día y está centrada en un grupo de adolescentes que quieren salir de la rutina y dar emoción a sus vidas a través del consumo de drogas, la promiscuidad, el alcohol, etc. Dark Smith es un estudiante de 18 años obsesionado con el fin del mundo y desesperado por encontrar el amor verdadero. Está enamorado de Mel, una joven bisexual que mantiene una relación abierta con él y con su novia Lucifer. Mientras Dark fantasea con Montgomery, un misterioso compañero de clase, sus amigos navegan por un mundo de drogas, sexo y violencia en Los Ángeles.

“Deep Cover: Actores encubiertos (2025), de Tom Kingsley” en Prime Video: Una disparatada comedia de espías...

La policía londinense los contacta para infiltrarse en su servicio secreto. Tres comediantes de improvisación, desesperados por el éxito, aceptan interpretar el papel de sus vidas. Orlando Bloom, Bryce Dallas Howard y Nick Mohammed son divertidísimos como los falsos espías.

Cualquiera que entre en este lugar debería abandonar toda esperanza de verosimilitud. En Londres, un investigador experimentado y brusco (Sean Bean) elige (casi) al azar a tres personas de la trastienda de un club de improvisación, para alistarlas en una arriesgada misión encubierta con un peligroso narcotraficante, bajo el pretexto de que saben (más o menos) cómo actuar cuando se les ordena. ¿Imposible? La buena noticia es que no nos importa. En torno a esta idea, tan descabellada como original, el director británico Tom Kingsley y su dúo de guionistas hollywoodenses, Colin Trevorrow y Derek Connolly (a quienes también debemos, entre otras cosas, la muy cuestionable Jurassic World: Dominion), han bordado una deliciosa comedia policiaca.

Mención especial, sobre todo, al trío de "Donnie Brasco", que provoca risas, perfectamente torpe y desparejado, tan bien dibujado como alegremente interpretado. Primero está Kat, la enérgica profesora de improvisación (Bryce Dallas Howard y su perfecto ritmo cómico), cuya carrera nunca ha despegado del todo; Marlon, que se cree Brando, con expresiones torturadas y delirios al estilo del Actor's Studio, acumula papeles cutres, incluyendo el de... un "elfo", un guiño travieso a su intérprete, Orlando Bloom, ex-Legolas en El Señor de los Anillos; y finalmente Hugh (el divertidísimo Nick Mohammed), un tímido informático, arrastrado a la aventura a su pesar. Desde malentendidos hasta la suerte del principiante (la muerte accidental de un delincuente), desde tácticas de presión hasta espectaculares meteduras de pata, este magnífico equipo de idiotas se adentra cada vez más "de incógnito", en el corazón de un ballet de caricaturas audaces, tanto del lado policial como del matón. Un bello desfile de actuaciones cómicas, en el "thriller" menos serio del año.

Tras el Camerún de “Indomptables”, cinco thrillers para una vuelta al mundo desde el sofá

Un thriller está hecho para emocionar. Pero también, a veces, para viajar, como demuestra la película de Thomas Ngijol, estrenada esta semana. Desde la Corea de Bong Joon-ho hasta Teherán de Saeed Roustaee, aquí tiene cinco pruebas.

Sangre seca sobre tierra roja. Al comienzo de Indomptables, el thriller de Thomas Ngijol en estrenada, hay, por supuesto, un crimen: el asesinato de un policía en Yaundé, y la investigación que lo sigue. El comisario Billong, interpretado con acento y convicción por el propio director, recorre la capital camerunesa en coche, de la comisaría a la morgue, del mercado al hospital, deteniendo a un ladrón allí, a un profanador de tumbas allá, a drogadictos en otros lugares. Cuando no está ocupado colgando a un sospechoso de los pies antes de azotarlo con un palo de ciruelo, conduce de noche escuchando su viejo CD de Marvin Gaye, un policía y padre anticuado, aferrado a sus principios autoritarios, desfasado de los tiempos. Entre dos apagones y un atasco, Ngijol toma el pulso a la ciudad y crea un thriller cuya originalidad reside menos en su trama que en su singular ambientación. Para continuar la gira mundial desde el sofá, aquí tiene cinco thrillers más.

1. Érase una vez en Corea con Memories of Murder (Crónica de un asesino en serie) (Salinui chueok, 2003) 

La obra maestra de Bong Joon-ho también presenta policías comunes y corrientes con métodos bastante rápidos; nada como una paliza para arrancar una confesión, incluso a una persona con discapacidad mental. Ambientada en un pequeño pueblo de Corea del Sur, esta segunda película, estrenada en 2004, está inspirada en hechos reales: entre 1986 y 1991, seis mujeres fueron violadas y asesinadas por un asesino en serie que no fue identificado hasta 2019. Entre la bufonería y el terror, el futuro director de Parásitos pinta un retrato increíble de un investigador torturado por su impotencia, mientras a lo lejos, en Seúl, se cuece la revuelta de una sociedad aplastada por el poder militar.

2. Rumbo a Egipto con El Cairo confidencial (The Nile Hilton Incident , 2017)

"Una trama que recuerda al primer Scorsese y a lo mejor del género negroc, se afirmó tras el estreno del largometraje de Tarik Saleh en 2017. El cineasta sueco de origen egipcio basa su emocionante trama en una noticia ocurrida en Dubái, que trasladó a El Cairo en 2011, justo cuando la Primavera Árabe estallaba en la plaza Tahrir. El inspector Noureddine, interpretado por su actor favorito, el brillante Fares Fares, investiga el asesinato de una joven ordenado por un hombre poderoso. Una película oscura y febril, entre el inventario de un país plagado de corrupción y el retrato de un delincuente cuya integridad se resiste.

3. Otro Irán en la La ley de Teherán (Metri Shesh Va Nim (Just 6.5), 2019)

Con su asombroso comienzo —perseguido por un policía, un narcotraficante muere envuelto en una obra en construcción—, la película reveló tanto a un cineasta formidable, Saeed Roustayi, como la magnitud de los estragos de las drogas en Irán. El guion, como un expediente infalible, rastrea los eslabones de la cadena uno a uno, desde los drogadictos, filmados en un escenario real de pobreza dantesca, hasta el cerebro de la red  condenado a muerte por una justicia despiadada: más allá de cinco gramos de droga, la horca está garantizada. De la calle a la prisión, un teatro sórdido y abarrotado, el viaje es inolvidable.

4. Viajamos a Mongolia con El huevo del dinosaurio (Öndög, 2019)

Una mujer asesinada, otra más, aparece en la estepa. Su cuerpo debe ser vigilado durante la noche para evitar que sea devorado por lobos, y la misión recae en un policía novato, asistido por una pastora armada con un rifle... Todo sorprende en esta película del director chino Wang Quan'an, rodada en Mongolia Exterior y estrenada en cines en 2020, comenzando con planos generales, verdaderamente XXL, que reducen a los personajes a diminutas siluetas recortadas contra la inmensidad. Al elegir a una pastora real para encarnar a su heroína, el cineasta ofrece una hermosa profundidad documental a una obra por lo demás inclasificable, tierna y perfectamente exótica.

5. En las carreteras de Rumanía en Milagro (Miracol, 2021)

En un sotobosque hechizado por el murmullo de un río y la alegría de los pájaros, la cámara gira en torno al horror. A tres pasos, un camino, recorrido en una dirección, luego en la otra, primero por una joven en taxi, luego por policías que investigan su brutal ataque. De un monasterio rural a una comisaría común, la hábil Milagro (2021), del director rumano Bogdan George Apetri, se desplaza de un coche a otro, destilando en el camino sus desigualdades sociales, sus supersticiones, sus secretos, sus obsesiones, su soleada oscuridad. Hasta una resolución que roza lo fantástico, o quizás el milagro, en un único plano secuencia que inmediatamente te hace querer volver a verla para creerla.

Efemérides de cine: French Connection II

El 18 de mayo de 1975 se estrenó la película estadounidense French Connection II (The French Connection II), dirigida por John Frankenheimer e interpretada por Gene Hackman, Fernando Rey, Bernard Fresson, Philippe Léotard, Jean-Pierre Castaldi, Charles Millot, Cathleen Nesbitt, Ed Lauter, André Penvern, Samantha Llorens. Productora: 20th Century Fox. Duración: 119 minutos. 

Sinopsis argumental: Popeye Doyle, un rudo policía de Nueva York, llega a Marsella con la intención de capturar a Charnier, un peligroso y escurridizo traficante de heroína que opera desde Francia. Tiene el deber de colaborar con la policía local, pero su carácter impetuoso lo empuja a actuar por su cuenta.

Nominaciones y premios: Globos de Oro: Nominada Mejor actor - Drama (Gene Hackman); Premios BAFTA: Nominada a Mejor actor (Gene Hackman); Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión original drama

Comentario: Tras el éxito de French Connection (Contra el imperio de la droga), el carismático Gene Hackman volvió a interpretar al incansable policía ‘Popeye’ Doyle, que lucha contra el narcotráfico, cuyo máximo representante es el personaje que encarna Fernando Rey. Aunque no llega a la espectacularidad de la primera parte, dirigida por William Friedkin, su sustituto, John Frankenheimer (Siete días de mayo), dota de gran calidad a esta correcta secuela. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Veinte (muy) buenos thrillers para que los aficionados a las noches de detectives se animen a volar (V)

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17. El caso Sloane (Miss Sloane, 2016), de John Madden

Elizabeth Sloane (Jessica Chastain) es una implacable y ambiciosa lobbista que intenta que fructifique una legislación a favor del control de armas en Washington DC. Para ello intentará usar todos los recursos a su alcance. En las altas esferas del mundo político y empresarial Sloane tiene una reputación formidable. Conocida por su astucia y sus éxitos sin parangón, siempre ha hecho lo que fuera necesario para ganar. Pero cuando se enfrenta al oponente más poderoso de su carrera, se da cuenta de que la victoria puede tener un precio demasiado alto.

Este retrato perverso de una ambiciosa lobbyista de Washington revela una profesión sin escrúpulos que manipula a las masas. Jessica Chastain está impecable en este escalofriante y bien elaborado juego de engaño del director de Shakespeare in Love.

18. Ya no me siento a gusto en este mundo (I Don't Feel at Home in This World Anymore, 2017), de Macon Blair

Cuando una mujer deprimida sufre un robo en su casa, encuentra un nuevo sentido a su vida persiguiendo a los ladrones junto a su peculiar vecino.

Una película singularísima, con humor negro algo macabro, de corte existencialista, pues a la postre viene a proponer una reflexión acerca de la condición humana, el hartazgo ante la rutina y la falta de delicadeza de las personas. Ganó el Gran Premio del Jurado en Sundance.

19. Bowling Saturne (Saturn Bowling, 2022), de Patricia Mazuy

Cuando su padre fallece, el ambicioso oficial de policía Guillaume se ofrece para gestionar la bolera que dejó en herencia a su medio hermano Armand. La herencia está maldita y ambos hombres empiezan a introducirse en un mundo de violencia.

Una película a la vez maniquea e impresionante en su dirección, de Patricia Mazuy, la directora de Saint-Cyr.

20. South Sentinel (Sentinelle sud, 2021), de Mathieu Gérault

Después de una operación clandestina en Afganistán que diezmó su unidad, el soldado Christian Lafayette vuelve a Francia. Mientras intenta retomar una vida normal, Mounir, su compañero de armas, que resultó herido en la emboscada, lo involucra en el tráfico de opio. Pero la misión de la que son los únicos que han regresado quizás no era la que ellos creían.

Dos ex-soldados incapaces de adaptarse a la vida civil acaban involucrados en el narcotráfico de opio. Retratos conmovedores en una película construida como un thriller y dirigida con gran humanidad y talento.

Veinte (muy) buenos thrillers para que los aficionados a las noches de detectives se animen a volar (I)

Entre la manipulación psicológica, los crímenes perfectos y las persecuciones automovilísticas impresionantes, el thriller fascina. Hemos seleccionado para usted veinte películas escalofriantes, disponibles en varias plataformas.

Tiene ansiedad, miedo, paranoia. No hay nada como una noche de suspense para emocionarse mientras se sumerge en los giros y vueltas de investigaciones apasionantes y crímenes perfectos. Desde relatos tensos e inmorales hasta alegres baños de sangre, aquí hay una selección de veinte thrillers disponibles en plataformas. Cuidadosamente seleccionadas, estas películas con sus historias implacables, giros inesperados y una atmósfera pegajosa satisfarán su apetito por el suspenso. Por una noche déjese absorber por estas historias donde el mal muchas veces se esconde donde menos lo espera.

1. Múltiple (Split, 2016), de M. Night Shyamalan

A pesar de que Kevin (James McAvoy) le ha demostrado a su psiquiatra de confianza, la Dra. Fletcher (Betty Buckley), que posee 23 personalidades diferentes, aún queda una por emerger, decidida a dominar a todas las demás. Obligado a raptar a tres chicas adolescentes encabezadas por la decidida y observadora Casey (Anya Taylor-Joy), Kevin lucha por sobrevivir contra todas sus personalidades y la gente que le rodea, a medida que las paredes de sus compartimentos mentales se derrumban.

A partir de una historia de secuestro de chicas adolescentes, M. Night Shyamalan crea una película de terror torcida y extraña, que nunca deja de sorprender a lo largo de un escenario a puerta cerrada con múltiples combinaciones, hasta el giro final. James McAvoy está genial en ella.

2. Eat the Night (2024), de Caroline Poggi y Jonathan Vinel

Pablo, un joven traficante de drogas, y su hermana Appoline se conocen a través de un juego en línea llamado Darknoon. Pablo se enamora de Night, descuidando a su hermana. Mientras Appoline termina el juego, Pablo y Night se ven envueltos en un peligroso conflicto entre bandas. 

Juego de rol, historia de mayoría de edad, romance queer y grandes coches: los directores nos llevan en un viaje a través de esta loca historia de una familia ensamblada ambientada en el contexto del fin (virtual) del mundo y el MDMA. Al diablo con la verosimilitud: es estimulante y tierno. 

3. La red fantasma (Les fantômes, 2024), de Jonathan Millet

Hamid, un profesor sirio en el exilio, forma parte de un grupo secreto que persigue a los dirigentes fugitivos del régimen. Su misión le lleva a Francia tras la pista de su antiguo torturador. La venganza con la que lleva años obsesionado está a un solo paso. Basada en hechos reales.

Un ex recluso torturado en una cárcel siria se ha unido a una célula secreta que busca a torturadores que se esconden en Europa. Un thriller físico y mental implacable, intensamente investigado y basado en hechos reales.

4. Las jaurías (Les meutes, 2023), de Kamal Lazraq

Hassan es un pequeño traficante de las afueras de Casablanca que trabaja para el jefe de un clan local. Cuando el perro favorito de su jefe muere en una pelea canina, Hassan recibe la orden de secuestrar a uno de los responsables. Para cumplir con la misión, Hassan involucra a su hijo Issam. Lo que comienza como una tarea sencilla se convierte rápidamente en una espiral de pesadilla, sumergiendo a padre e hijo en una larga y desesperada noche. 

En Casablanca, un padre y un hijo disponen de una noche para hacer desaparecer un cadáver... Un viaje único a un mundo de miseria donde el crimen y la solidaridad se encuentran. Una película dirigida con brillantez natural y tanta ferocidad como humanidad.

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Dos películas que no podemos perdernos

Sea testigo de lo imposible, ríase de lo absurdo y sobreviva a lo terrible esta semana en streaming.

Alexander y el viaje terrible, horrible, espantoso, horroroso (Alexander and the Terrible, Horrible, No Good, Very Bad Road Trip, 2025), de Marvin Lemus

Alexander García (Thom Nemer) siempre ha creído que tiene la peor suerte del mundo. Por eso, cuando su madre Val (Eva Longoria) organiza las vacaciones familiares a Ciudad de México a bordo de una caravana de lujo, Alexander está seguro de que acabará en desastre. A pesar de sus dudas, la familia formada por el padre Frank (Jesse García), la hermana adolescente Mia (Paulina Chávez), la abuela Lidia (Rose Portillo) y el abuelo Gil (Cheech Marin), emprende el viaje y pronto todo comienza a ir mal. Cuando la familia descubre que una antigua estatuilla maldita puede ser la culpable, debe unir fuerzas para devolverla a su lugar de origen. Estreno en Disney+, a partir del 28 de marzo de 2025.

Basada en un libro de Judith Viorst.

Queer (2024), de Luca Guadagnino

Años 1950, siglo XX. William Lee es un expatriado norteamericano que vive en una barriada mexicana, en donde abundan los bares de citas homosexuales y los lupanares. Siempre a la caza de jóvenes, William echa el ojo a Eugene, con quien se ve a menudo en un bar y con quien pronto establecerá una relación sexual. Pero el celoso William no ve con buenos ojos otras amistades de Eugene y entonces le propone marchar con él a América del Sur para ir en busca de una droga que otorga poderes telepáticos. Transmisión en Max a partir del 28 de marzo de 2025. 

El italiano Luca Guadagnino adapta la novela Queer de William S. Burroughs, a partir del guión de Justin Kuritzkes, con quien ya trabajó en su anterior película, Rivales. Se trata de un relato de tintes autobiográficos centrado en las andanzas homosexuales y en las experiencias con las drogas de este escritor estadounidense, icono de la contracultura y de la llamada generación beat. 

“Queer” de Luca Guadagnino: ¿iniciación romántica exitosa o estafa talentosa?

En la Ciudad de México de los años 1950, un expatriado (Daniel Craig) descubre la pasión que siente por un hombre apuesto e indeciso. El director de Call Me by Your Name (2017), adapta a William S. Burroughs y divide a la crítica. 

Después de James Bond, Daniel Craig se reinventa como un cincuentón gay

Ocho años después, el cineasta de Call Me by Your Name, que desde entonces ha dirigido tres largometrajes y una serie, nunca ha estado más cerca del espíritu de su gran éxito. La vibración conmovedora de esta nueva película proviene, una vez más, de una relación desequilibrada entre dos hombres, debida a la edad demasiado joven del amante angustiado interpretado por Timothée Chalamet en Call Me by Your Name. Por el contrario, el maltratado héroe de Queer, Lee (Daniel Craig), parece descubrir el ardor de los sentimientos un poco tarde, frente a la juventud deslumbrante de la que desea, Allerton (Drew Starkey), en este México de los años 1950, poblado de expatriados.

Daniel Craig y Drew Starkey en Queer (2024)

Visualmente cuidada, con ambientación esteticista en colores y planificación, y estructurada en varios capítulos, gran parte de la película es una repetición de charlas y encuentros gais en bares y camas, en donde asistimos a la preferencia del protagonista por el joven Eugene, al tiempo que éste juguetea un tanto a ser esquivo. La trama gira mínimamente cuando los amantes hacen su viaje al sur y nos traslada a la selva, en donde ambos vivirán su personal experiencia con la droga Yagé, llamada por los indios Ayahuasca. Es aquí cuando visualmente la cosa se dispara, con imágenes oníricas y surrealistas. La película se hace larga y por momentos se hace un tanto aburrida. Asombra desde luego ver a Daniel Craig como desgraciado protagonista, con una esforzadísima composición de drogadicto y alcohólico que va obsesivamente en busca de afecto por barras y aceras y que arrastra como una maldición autodestructiva su asumida condición de homosexual.

Celebrando la promoción del "99" (XIX)

Viviendo sin límites (Go), de Doug Liman

Por qué es importante: El director Doug Liman oscila entre proyectos de comedia y acción, pero los dos géneros a menudo se entrelazan con gran efecto. Viviendo sin límites está impregnada del tipo de energía maníaca que suele acompañar a un bajón espantoso al día siguiente, y es una fiesta sudorosa y llena de estrellas que está a punto de alcanzar la grandeza.

Por qué se mantiene: Es una película navideña subestimada e improbable, una película perfecta para después de una proyección anual de Duro de matar (Honfgan Qu, 1995), de Stanley Tong, con Jackie Chan. 

Qué ver a continuación: Busca una fiesta de Nochevieja igualmente repleta de estrellas en 200 cigarrillos (200 Cigarettes, 1999), de Risa Bramon Garcia, o echa un vistazo a Kneecap (2024), de Rich Peppiatt, para disfrutar de una juerga atrevida y llena de drogas que es más alegre que deprimente.

Efemérides de cine: Lenny

El 10 de noviembre de 1974 se estrenó la película estadounidense Lenny, dirigida por Bob Fosse e interpretada por Dustin Hoffman, Valerie Perrine, Jan Miner, Stanley Beck, Rashel Novikoff, Gary Morton, Guy Rennie. Productora: United Artists. Duración: 111 minutos. 

Sinopsis argumental: Lenny Bruce es un cáustico humorista que trabaja en locales nocturnos de poca categoría. Poco después de conocer a Honey, una exuberante bailarina de strip-tease, se casa con ella. Durante años mantienen una relación tumultuosa que incluye drogas y sexo poco convencional, pero acaban separándose. La fama de Lenny como showman va en aumento, pero también las denuncias y juicios que debe afrontar debido al carácter subversivo de su humor. 

Nominaciones y premios: 6 nominaciones al Oscar, incluyendo película, director, actor (Hoffman), actriz (Perrine);  3 nominaciones al Globos de Oro: Director, actriz (Perrine) y actor (Hoffman) - Drama. Premios BAFTA: Mejor actriz revelación (Valerie Perrine). 3 nominaciones; Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director; Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guión adaptado drama; Festival de Cannes: Mejor actriz (Valerie Perrine). 

Comentario: Biopic del auge y caída del comediante y showman Lenny Bruce, un vividor de los tugurios de la droga y el sexo, y cuya lengua viperina acabó por convertirse en un arma de doble filo. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Cumplió 25 años: Sueños rotos

El 13 de agosto de 1999 se estrenó la película estadounidense Sueños rotos (Brokedown Palace), dirigida por Jonathan Kaplan e interpretada por Claire Danes, Bill Pullman, Kate Beckinsale, Lou Diamond Phillips, Jacqueline Kim, Daniel Lapaine, Tom Amandes, Aimee Graham, John Doe. Productora: Fox 2000 Pictures. Duración: 100 minutos. 

Sinopsis argumental: Para celebrar el fin de sus estudios secundarios, Alice (Claire Danes) y Darlene, su mejor amiga, (Kate Beckinsale), deciden hacer un exótico viaje. A sus padres les han dicho que se van a Hawaii, pero, en realidad, se van a Bangkok. Bajo el mágico y dorado sol de Tailandia, las dos amigas se divierten a lo grande. Pero tan idílica situación se complica cuando conocen a Nick (Daniel Lapaine), un guapo y seductor chico australiano del que se encaprichan las dos. Cuando Nick le pide a Darlene que pase la noche con él, la extrovertida Alice se siente celosa y resentida contra su amiga.

Comentario: Las prometedoras Claire Danes y Kate Beckinsale protagonizan un film que, si bien resulta previsible, permite desarrollar la evolución de la amistad de las dos chicas. De “genial” pero superficial, se pasa luego al distanciamiento, hasta que se llega a una mejor comprensión mutua.

Cumplió 25 años: Viviendo sin límites

El 20 de febrero de 1999 se estrenó la película estadounidense Viviendo sin límites (Go), dirigida por Doug Liman e interpretada por Katie Holmes, Sarah Polley, Suzanne Krull, Desmond Askew, Nathan Bexton, Robert Peters, Scott Wolf, Jay Mohr, Timothy Olyphant, Jodi Bianca Wise. Productora: Columbia Pictures, Banner Entertainment, Saratoga Entertainment. Duración: 98 minutos. 

Sinopsis argumental: La película narra tres historias distintas pero que tienen un factor en común: todas ellas surgen en un supermercado en una Nochebuena, ya sea comprando productos o trabajando en el supermercado. La primera historia narra las desventuras de la cajera del supermercado, Ronna (Sarah Polley), una joven que para poder pagar el alquiler del apartamento le hace el turno a Simon (Desmond Askew) y a la que le ofrecerán en la caja del supermercado otro trabajo más rentable. La segunda la protagoniza Simon, que trabaja junto a Ronna, quien se va a ir con sus amigos a Las Vegas para correrse la gran juerga de su vida, pero allí tendrán una noche muy loca. Y la tercera y última historia tiene como protagonistas a dos actores de una serie de policías de éxito (Jay Mohr y Scott Wolf) que por problemas con la policía (posesión de drogas) tienen que trabajar como informantes junto con un extraño policía (William Fichtner).

Nominaciones y premios: Premios Independent Spirit: 2 nominaciones incluyendo mejor director; National Board of Review: Premio Mención especial. 

Comentario: Una curiosa mezcla entre comedia y thriller, narrada desde tres perspectivas diferentes, que fue la tercera película de su director, Doug Liman, cuyo siguiente trabajo sería la taquillera El caso Bourne.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCCI)

El precio del poder (Scarface, 1983), de Brian De Palma

Tony Montana es un emigrante cubano frío e implacable que se instala en Miami con el propósito de convertirse en un gángster importante, y poder así ganar dinero y posición. Con la colaboración de su amigo Manny Rivera inicia una fulgurante carrera delictiva, como traficante de cocaína, con el objetivo de acceder a la cúpula de una organización de narcos. Remake modernizado, aunque muy diferente, de Scarface, dirigida por Howard Hawks en 1932, y basado en la novela de Armitage Trail. Tras su Michael Corleone en El padrino, Al Pacino da vida a un gángster distinto, paranoico y exaltado. Brian De Palma dirige un guión de Oliver Stone, que muestra con sordidez a un tipo que llegó a EE.UU. sin blanca, y se deslizó sin remedio por la senda del crimen. Fue considerada por muchos críticos como excesivamente grandilocuente, casi operística. Para otros, sin embargo, es un claro reflejo de la época que narra, la década de 1980, con el auge de la cocaína, los 'yuppies', el exceso y el materialismo. En cualquier caso, es el retrato de un hombre que se autodestruye y cuya caída es tan espectacular como su ascenso. La película, que dura casi tres horas, está protagonizado por un Al Pacino más histriónico que nunca, secundado por secundarios de la talla de Robert Loggia, F. Murray Abraham y Harris Yulin y unas entonces casi desconocidas Michelle Pfeiffer y Mary Elizabeth Mastrantonio.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCLXXXVI)

Cielo líquido (Liquid Sky, 1982), de Slava Tsukerman

Unos aliens invisibles llegan a la Tierra en una pequeña nave espacial en busca de heroína. Los extraterrestres aterrizan en la azotea de un apartamento de Nueva York habitado por una traficante de drogas y su amante, una modelo andrógina, bisexual y ninfómana.  El mundo que Slava Tsukerman crea para contar esta historia está lleno de detalles que entroncan directamente con la idiosincrasia de estas culturas y con toda una generación de jóvenes neoyoquinos en los años 1980. Las drogas, el sexo que "mata" (no olvidemos que recientemente se había descubierto del virus del SIDA) la incipiente música electrónica, el movimiento del post-punk y el inicio de la new wave, que poco tardaría en triunfar, el estilismo, los maquillajes, forman un todo de lo más interesante. A nivel de referencias, puesto que es una película aislada de un director que no volvió a hacer cine, al menos que se haya podido ver, nos centramos en la estética, las referencias a las icónicas películas de Warhol sobre New York y las referencias a la producción audiovisual de Jack Smith y todo el movimiento cinematográfico de los años 1960, el llamado cine pornográfico de culto.

Cumplió 25 años: The Faculty

El 12 de noviembre de 1998 se estrenó la película The Faculty, dirigida por Robert Rodriguez e interpretada por Elijah Wood, Jordana Brewster, Josh Hartnett, Laura Harris, Clea Duvall, Shawn Hatosy, Robert Patrick, Bebe Neuwirth, Piper Laurie, Famke Janssen, Usher Raymond, Salma Hayek, Jon Stewart, Daniel von Bargen, Christopher McDonald. Productora: Los Hooligans Productions. Duración: 104 minutos. 

Sinopsis argumental: Harrington High es una escuela de mugrientas paredes, anticuados libros de texto y profesores quemados. No hay dinero para excursiones ni para ordenadores nuevos ni para el departamento de Música. Los alumnos son de lo más heterogéneo: solitarios, líderes, pandilleros y cerebritos. Como todos los adolescentes del mundo, han de vérselas con unos padres que no los entienden, con unos profesores que los subestiman y, además, con sus activas hormonas. Lo que ignoran es que están a punto de enfrentarse con algo que nunca podrían haber imaginado.

Comentario: Otra película protagonizada por adolescentes de instituto. La novedad es que, en vez de historia nostálgica o de simple terror, aparece la ciencia ficción. Para pergeñar su historia, el guionista Kevin Williamson (responsable de los libretos de Scream) se ha inspirado en una película pionera, clásica del terror y de la ciencia-ficción, dirigido en 1956 por Don Siegel: La invasión de los ladrones de cuerpos.

Cumplió 25 años: Hurlyburl

El 11 de septiembre de 1998 se estrenó la película estadounidense Hurlyburly (Descontrol) (Hurlyburly), dirigida por Anthony Drazan e interpretada por Sean Penn, Kevin Spacey, Chazz Palminteri, Robin Wright, Meg Ryan, Anna Paquin, Garry Shandling, Gianna Renaudo, David Fabrizio, Kenny Vance, Michaline Babich, Elaine Corral Kendall, Frank Somerville, Sharon Tay. Productora: FilmColony, Storm Entertainment. Duración: 125 minutos. 

Sinopsis argumental: Cuatro amigos que trabajan en la industria del cine comparten apartamento: Eddie (Sean Penn) y Mickey (Kevin Spacey) son directores de reparto, Phil (Chazz Palminteri) es un actor en paro, y Artie (Garry Shandling) se dedica a la producción. Trabajar cuesta: la presión es enorme y las oportunidades no tan buenas como uno quisiera. Además las lenguas pueden herir y hacer decir más cosas de las que uno quisiera; y las relaciones con las mujeres –Darlene (Robin Wright Penn), la bailarina Bonnie (Meg Ryan), la lolita aspirante a actriz Donna (Anna Paquin)– no son fáciles.

Nominaciones y premios: Festival de Venecia: Mejor actor (Sean Penn); Premios Independent Spirit: Nominada a mejor actor (Sean Penn).

Comentario: "Hurlyburly" es una palabra que significa algo así como "tumulto" o "follón". Y es que los personajes de esta película viven una acelerada existencia, autodestructiva y un tanto amargada. La película, dura y desgarrada, de humor muy vitriólico, se basa en una obra de teatro de estudiados diálogos; y presenta momentos muy intensos, en que los actores pueden lucirse a gusto. El reparto es para quedarse sin respiración; uno de los intérpretes, Sean Penn, se llevó un premio en el Festival de Venecia por su actuación.

Hace 100 años: Drifting

El 20 de agosto de 1923 se estrenó la película estadounidense Drifting, dirigida por Tod Browning e interpretada por Priscilla Dean, Matt Moore, Wallace Beery, J. Farrell MacDonald, Rose Dione, Edna Tichenor, William V. Mong, Anna May Wong, Bruce Guerin, Frank Lanning. Productora: Universal Pictures. Duración: 70 minutos.

Sinopsis argumental: En Shanghái, un agente estadounidense disfrazado de ingeniero de minas vigila a una joven estadounidense que trafica con opio. Los dos se enamoran, y ella decide dejarlo, pero teme como reaccionará el jefe del negocio.

Comentario: Basada en la obra de Broadway Drifting, de John Colton y Daisy H. Andrews. La obra había sido protagonizada por Robert Warwick y Alice Brady.