Efemérides de cine: Cría cuervos...

El 26 de enero de 1976 se estrenó la película española Cría cuervos..., dirigida por Carlos Saura e interpretada por Ana Torrent, Geraldine Chaplin, Mónica Randall, Mayte Sánchez, Florinda Chico, Héctor Alterio, Germán Cobos, Mirta Miller, Conchita Pérez, Josefina Díaz, Mayte Sánchez. Productora: Elías Querejeta Producciones Cinematográficas, Olympusat. Duración: 85 minutos. 

Sinopsis argumental: Ana, de 9 años, no pasa más la noche en la gran casa familiar situada en Madrid. Sus padres se murieron recientemente. Su madre se fue apagando por la pena que sentía y por el despecho amoroso, su padre sucumbió a una maestra vengadora. Testigo de estas dos muertes sin quererlo, Ana rechaza el mundo de los adultos y se inventa su universo. Se cuelga de sus sueños y sus recuerdos para hacer revivir a su madre y encontrar su amor. Llena su vida cotidiana de juegos que comparte con sus hermanas. Han pasado veinte años y Ana sigue recordando a sus padres. Con el paso del tiempo, ha sido capaz de desarrollar un poder. Ésta es capaz de sentir la presencia de su vida, de hablar con ella como cuando estaba viva. Una segunda oportunidad para madre e hija…

Nominaciones y premios: Globos de Oro: Nominada a mejor película extranjera; Festival de Cannes: Gran premio del Jurado y nominada a la Palma de Oro; Premios Cesar: Nominada a mejor película extranjera; Premio del Círculo Español de Escritores Cinematográficos: Mejor director; Sindicato Francés de Críticos Cinematográficos: Mejor película extranjera; Premios ACE: Mejor película, director, actriz y actor de reparto; National Board of Review: Mejor película extranjera; Premios Sant Jordi: Nominada a mejor película. 

Comentario: Poderoso drama de Carlos Saura que indaga en el mundo infantil, en sus traumas y en el impacto que los problemas de los adultos pueden ocasionar. La imaginación, la obsesión por la muerte y la vida cotidiana son una misma cosa en el personaje de Ana, una niña de un magnetismo especial, maravillosamente interpretada por Ana Torrent, en el que fue su segundo gran papel en el cine tras El espíritu de la colmena. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: La prima Angélica

El 29 de abril de 1974 se estrenó la película española La prima Angélica, dirigida por Carlos Saura e interpretada por José Luis López Vázquez, Antonio Canal, Lina Canalejas, Lola Cardona, Fernando Delgado, José Luis Heredia, Luis Peña, Julieta Serrano, Encarna Paso. Productora: Elías Querejeta P.C. Duración: 102 minutos.

Sinopsis argumental: Luis, un hombre soltero de mediana edad, vuelve a su tierra natal, Segovia, para enterrar los restos de su madre en el panteón familiar. Allí, rememora su infancia y adolescencia como Luisito, especialmente el amor que sentía por su prima Angélica. Los padres de Luisito lo dejan en casa de su abuela antes de las vacaciones de verano, donde comparte los días previos al inicio de la Guerra Civil junto a dos de sus tías: la tía Pilar, soltera después de que el padre de Luisito la dejase por su hermana Luisa; y otra tía casada con Miguel, padres de la prima Angélica. Finalmente, una tercera tía vive recluida en un convento como monja, sufriendo de dolorosos estigmas que parecen ser señal de su santidad. Estos recuerdos se entremezclan con la Segovia actual, donde una anciana tía Pilar reside en el mismo bloque que una Angélica adulta, casada en un matrimonio infeliz con Anselmo y madre de una niña, también de nombre Angélica. Luis vivirá a caballo entre los dos mundos temporales.

Nominaciones y premios: Cannes: Premio Especial del Jurado; Círculo de Escritores Cinematográficos; Mejor fotografía; Premios San Jorge: Mejor película española,

Comentario: Esta es la última de las partes de la trilogía sobre los mecanismos de poder de la burguesía española durante la dictadura, completada con El jardín de las delicias y Ana y los lobos. Cuenta, como en las otras dos, con el guion de Rafael Azcona y la producción de Elías Querejeta, y con la participación de Geraldine Chaplin, que se convirtió en musa de Saura. Gracias al Premio Especial del Jurado obtenido en el Festival de Cannes se estrenó sin cortes de la censura, pero impulsó a las fuerzas políticas más reaccionarias a organizar actos de sabotaje contra su exhibición, lo que la convirtió en un gran éxito de taquilla. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Veinte operas primas española a redescubrir (I)

¿Qué significa el término ópera prima? En cine se utiliza el término “opera prima” para referirse al primer largometraje de un director; un ejercicio fílmico que intentará consolidar su lenguaje cinematográfico. A continuación hacemos un recorrido por la filmografía española para destacar algunas de estas "primeras obras" que consagraron a sus autores.

1. Esa pareja feliz (1951), de Luis García Berlanga y Juan Antonio Bardem

El debut de dos de los mayores exponentes del cine español fue esta sencilla película protagonizada por Fernando Fernán Gómez. Una comedia acerca de una pareja madrileña que gana un concurso. Más tarde la carrera de ambos se dispararía. Tras Bienvenido Míster Marshall (1953) (con guion de Juan Antonio Bardem y Miguel Mihura) Berlanga se proclamó maestro de la sátira, expresando en cada uno de sus películas con mordaz ironía, una crítica acerca de la realidad política y social de la España de la época. El momento de mayor esplendor de Juan Antonio Bardem llegaría con Muerte de un ciclista (1955) y Calle Mayor (1956), que a diferencia de su compañero optó por el drama y el género negro. En los años 1950 el franquismo limitaba la libertad de expresión, sin embargo tanto Berlanga como Bardem despuntaron en su habilidad para burlar la censura de la época.

Elvira Quintilla y Fernando Fernán Gómez en Esa pareja feliz (1951)

2. Los golfos (1960) de Carlos Saura

Carlos Saura estrenó Los golfos en el Festival de Cannes en 1960, dónde fue nominada a la Palma de oro. La película es una de las precursoras del llamado cine quinqui, que narraba las peripecias de delincuentes callejeros de estrato social muy bajo, y que han alcanzado fama gracias a sus delitos. Seis jóvenes de la periferia madrileña ayudan a su amigo en su sueño de ser torero, cometiendo diversos atracos para pagar su debut. Los golfos abrió el cine español al camino del neorrealismo, que por entonces ya era un estilo muy extendido en Europa. Saura contó en su mayor parte con actores no profesionales. La película se estrenó años después en España sufriendo diversos recortes de metraje por parte de la censura. Después de Los golfos, Saura vería se vería reconocido en su país por La caza (1965), que ganó el Oso de plata en Berlín a mejor dirección, seguido de multitud de películas que han configurado una muy elogiable filmografía.

Los golfos (1960)

3. El buen amor (1963) dirigida por Francisco Regueiro

Una pareja de novios decide irse a Toledo para escapar de la monotonía. Al ser jóvenes deberán engañar a sus padres. La película, debut en la dirección de Francisco Regueiro (Madregilda), supone un buen ejemplo del cine costumbrista de la época, no tanto en cuanto a paisajes y ambientación, que también, sino en cuanto a las costumbres juveniles y la sensibilidad de la burguesía de entonces. En lo que respecta a la trama, no ocurre gran cosa, pero están muy bien mostrados los cambios de humor, los tiras y afloja emocionales, los silencios entre los novios, las conversaciones intrascendentes, normales, veraces.

Simon Andreu y Enriqueta Carballeira en El buen amor (1963)

4. La busca (1966), de Angelino Fons

En el año 1900, Manuel, un muchacho provinciano, llega a Madrid para hacer de chico de los recados en la pensión donde su madre trabaja como criada. Allí conoce a Justa, una modista con quien empieza una relación amorosa y también a sus primos, que le introducen en los bajos fondos de la ciudad. Tras el suicido de uno de ellos, Manuel empieza a trabajar como ayudante de un panadero hasta que la dureza del trabajo, la muerte de su madre y el abandono de Justa, le hacen dejarlo todo y unirse a una banda de delincuentes. Adaptación de la novela homónima de Pío Baroja, primera de la trilogía La lucha por la vida, que completan Mala hierba y Aurora Roja. La película, la más personal del director Angelino Fons, que debutaba con este título, consta de un breve prólogo compuesto de fotografías y una aséptica voz en off que describe la difícil situación de España a principios del siglo XX. En la película, que cuenta con una cuidada ambientación, destacan las interpretaciones del actor francés Jacques Perrin, Emma Penella y Hugo Blanco, en uno de sus papeles más brutales.

La busca (1966)

5. La residencia (1969), de Narciso Ibañez Serrador

Narciso “Chicho” Ibáñez Serrador fue pionero en el género del suspense en nuestro país. Siempre se sintió atraído por los relatos de ciencia-ficción y terror extranjeros. Tanto que en 1964 dirigió la serie Mañana puede ser verdad, para más tarde dirigir la célebre Historias para no dormir, que acercó el lenguaje cinematográfico a la televisión. Ésta última resultó un revulsivo en la España de la dictadura. Chicho dominaba el arte de sugerir sin mostrar y creó obras de enorme calidad a pesar de la censura impuesta por el régimen. La residencia supuso su debut en el cine, seguía los pasos de Historias para no dormir. Contenía un alto componente sexual no explícito, que incluía tintes de lesbianismo y sadomasoquismo. La atmósfera de servidumbre, oscura y lúgubre, iluminada a través de luces tenues creaba un ambiente terrorífico. La residencia cuenta una historia típicamente gótica tradicional, el giro final causó gran sorpresa entre los espectadores de la época.

La residencia (1969)

(cont.)

Fallece Carlos Saura, un día antes de recibir el Goya de Honor por toda su carrera (IV)

(cont.)

Comienza el nuevo siglo dirigiendo tres filmes musicales basados en idénticos presupuestos estéticos: Salomé (2002), puesta en escena de la conocida tragedia bíblica por la compañía de Aída Gómez; Iberia (2005), homenaje a la Suite homónima del compositor Isaac Albéniz; y Fados (2007), en coproducción con Portugal, sobre el fado, expresión musical portuguesa por excelencia. En estas películas Saura reitera las mismas convenciones de los musicales previos de los años 1990, empezando por el empleo de la luz como elemento dramático, así como la utilización de un mobiliario minimalista, obteniendo en consecuencia unos musicales de gran sobriedad y belleza visual, pero ya sin la frescura de aquellos.

Fados (2007)

Entre sus últimas películas destacan El séptimo día (2004), cinta inspirada en los macabros sucesos de Puerto Hurraco, el pueblo extremeño donde, en el verano de 1990, tuvo lugar un enfrentamiento entre dos familias que desembocó en una matanza que conmocionó a España entera por su carácter primitivo y brutal, con guion de Ray Loriga y, sobre todo, Io, Don Giovanni (2009), uno de sus más ambiciosos trabajos, superproducción en torno a la figura de Lorenzo da Ponte; entre medias, Saura realiza para la Exposición Internacional de Zaragoza 2008 el cortometraje documental Sinfonía de Aragón (2008),​ magistral ejercicio audiovisual en el que el protagonista es Aragón. 

Io, Don Giovani (2009)

En 2016 estrenó la película Jota, de Saura, un recorrido antropológico sobre la jota, con 19 cuadros de música y danza y la participación de Miguel Ángel Berna como coreógrafo y bailador, Sara Baras, Ara Malikian, Juan Manuel Cañizares, Nacho del Río y Carlos Núñez. Jota, de Saura ha sido producida por Movistar Plus+ y Tresmonstruos Media.

Sara Baras en Jota, de Saura (2016)

En 2017, el realizador Félix Viscarret estrena el documental Saura(s), no el primero de los documentales dedicados al cineasta, pero sí el más ambicioso e incisivo de estos, donde queda patente la peculiar personalidad del cineasta, en cuanto antepone su obra artística a todo lo demás (asuntos familiares incluidos​). El documental sería nominado a los premios Goya del año en curso en la categoría de mejor filme documental.

Goya 3 de mayo (2021)

En 2021, ha rodado el cortometraje titulado Goya 3 de mayo, un innovador proyecto impulsado por Aragón TV, en el que recreará en lenguaje fílmico el lienzo de Francisco de Goya, Los fusilamientos del 3 de mayo. Ese mismo año esperaba rodar una serie sobre el poeta Federico García Lorca. Para 2022 tenía previsto rodar una película biográfica sobre Pablo Picasso. Sin embargo, estrena Las paredes hablan (2022), en el que se retrata la evolución y relación del arte con la pared como lienzo de creación desde las primeras revoluciones gráficas en las cuevas prehistóricas hasta las expresiones más vanguardistas del arte urbano.

Carlos Saura en Las paredes hablan (2022)

Fallece Carlos Saura, un día antes de recibir el Goya de Honor por toda su carrera (III)

(cont.)

Tras Dulces horas, la última colaboración con Elías Querejeta, Saura rueda en 1982 su primera película latinoamericana: Antonieta, la historia de una mujer durante la revolución mexicana. En 1984, Saura rueda con Piedra Los zancos, que nominada al León de Oro en el Festival de Cine de Venecia. En 1985 acude al productor Andrés Vicente Gómez para financiar un ambicioso filme sobre la expedición de Lope de Aguirre en busca de El Dorado. El rodaje se lleva a cabo en Costa Rica durante 1987, y la película se convierte en la más cara de la historia del cine español hasta ese momento.

Inés Sastre y Omero Antonutti en El Dorado (1988)

En 1989 estrena La noche oscura, una película intimista sobre el periodo de prisión que sufrió San Juan de la Cruz, el gran místico y poeta español del siglo XVI. En 1990 rueda ¡Ay, Carmela!, adaptación de la obra teatral de José Sanchis Sinisterra. Para esta película, que revisa de nuevo la Guerra Civil, vuelve a trabajar con el guionista Rafael Azcona, y en la V edición de los Premios Goya obtiene 13 estatuillas.

Gabino Diego, Carmen Maura y Andrés Pajares en ¡Ay, Carmela! (1990)

En 1991 se traslada a Buenos Aires para rodar El Sur, versión del cuento de Borges. Con Sevillanas (1991) hace un homenaje a lo más significativo del género, esta vez mediante una serie de cuadros independientes. Al año siguiente, se hace cargo de la película oficial de los Juegos Olímpicos de Barcelona, Maratón (1992).

Sevillanas (1991)

En 1993 rueda ¡Dispara!, una adaptación de un cuento del escritor italiano Scerbanenco. En enero de 1994, comienza el rodaje de Flamenco, que probablemente es el más importante documento audiovisual sobre este arte, a pesar de la desaparición de Camarón, que sí intervino en Sevillanas. Ya no se trata de una serie de cuadros inconexos, sino de un conjunto rodado con milimétrica precisión donde colaboraba como director de fotografía el mago de la luz Vittorio Storaro.

Flamenco (1995)

En junio de 1997, Saura se traslada a Argentina para rodar Tango; esta película, tras múltiples polémicas, concurre a los Oscar bajo bandera argentina: la cinta es la más galardonada del año en Argentina, y Saura recibe el Premio Cóndor de la Asociación de Críticos Argentinos como mejor director del año. Aparece su novela Pajarico solitario. En abril de 1998 se estrena en España la película Pajarico (1997).

Pajárico (1997)

En 1999 estrena Goya en Burdeos, aproximación a la figura del pintor aragonés Francisco de Goya, donde realiza, posiblemente, el mejor trabajo fotográfico de su obra, en estrecha colaboración con Vittorio Storaro. Publica su novela Esa luz. En 2000 Saura es distinguido con el Premio a la Mejor Contribución Artística y el Premio del Jurado del Festival de Montreal por Goya en Burdeos.

Francisco Rabal en Goya en Burdeos (1999)

En 2001 Buñuel y la mesa del rey Salomón supone un tributo a su maestro declarado, Luis Buñuel, y al ambiente de la Residencia de Estudiantes de la España de los años 1920. En el guion contó con la colaboración de Agustín Sánchez Vidal, quien ganara en 1988 el Premio Espejo de España de ensayo por su obra Buñuel, Lorca, Dalí: el enigma sin fin, y que tras esta experiencia como fabulador se dedicó con éxito a la novela de ficción.

Ernesto Alterio, Adrià Collado y Pere Arquillué en Buñuel y la mesa del rey Salomón (2001) 

(cont.)

Fallece Carlos Saura, un día antes de recibir el Goya de Honor por toda su carrera (II)

(cont.)

Elisa, vida mía (1977) fue probablemente su obra maestra. Partiendo de un concepto muy ambicioso de interrelación del cine y la literatura, la película dialoga constantemente con los elementos peculiares del cine: imágenes, sonido, música y textos. En cuanto a las imágenes, hay una profunda relación entre escritura de textos y escritura visual. El diario que escribe el personaje interpretado por Fernando Rey es la fuente, o punto de vista de la enunciación, de lo que vemos, pero todo se complica al ser su hija, interpretada por Geraldine Chaplin, quien lee ese diario a su muerte. Por tanto hay que estar muy avisados para conocer el origen de la narración visual, que podría ser producida por la lectura de la hija, la escritura del padre o la voz enunciadora de un narrador externo a las voces de los personajes, algo así como un Saura-narrador. Todo ello entretejido de referencias a El gran teatro del mundo de Calderón de la Barca, El Criticón de Baltasar Gracián y el mito de Pigmalión que oímos en la versión de la Ópera de Jean-Philippe Rameau (Pygmalion, 1748). Todo ello está pautado por la Gnosienne I de Erik Satie, que nos lleva a los espacios de la memoria.

Geraldine Chaplin en Elisa, vida mía (1977)

Con la llegada de la democracia a España, Saura se convirtió en uno de los cineastas más destacados de la Transición. Los ojos vendados (1978) es un alegato contra la tortura y las injusticias en Latinoamérica. Al año siguiente abordó su primera comedia con su revisión de la familia de Ana y los lobos en clave cómica y con un aire de fin de franquismo en Mamá cumple cien años. Fue todo un éxito de crítica y público, premiada en varios festivales y seleccionada para el Óscar a la mejor película extranjera. Geraldine Chaplin, Rafaela Aparicio, Norman Brisky, Fernando Fernán Gómez y Amparo Muñoz, entre otros, son los protagonistas de la trama.

Rafaela Aparicio en Mamá cumple cien años (1979)

En 1980 cambió de registro y, abandonando el cariz intelectual, reflexivo y polisémico con el que trataba de diseccionar las consecuencias de la guerra civil y el franquismo, volvió al cine popular, al que trata problemas contemporáneos como la marginación juvenil, con Deprisa, deprisa (1981), al fuerte realismo, añadió otra novedad, la protagonista, Ángela, es un duro personaje interpretado por una desconocida Berta Socuéllamos, que al igual que el resto de compañeros, no volvió hacer más cine. De hecho, muchos de ellos, como los protagonistas de la trama, acabaron muriendo en trágicas circunstancias. Película  que obtuvo el Oso de Oro del Festival de Berlín.

Deprisa, deprisa (1981)

Ese mismo año comenzó la colaboración con Antonio Gades y con el productor Emiliano Piedra. Tras ver su ballet teatral Crónica del suceso de bodas de sangre (1974), a su vez basado en la tragedia homónima de Federico García Lorca, Saura le propuso llevarlo al cine, con lo que inició un género de musical genuino y alejado de los moldes anglosajones. El musical recabó un éxito inesperado internacional tras proyectarse en Cannes. Con la película Bodas de sangre (1981) inventa un nuevo género de película de danza y contribuye con ello a la extraordinaria divulgación que experimenta estos últimos años el baile español en el mundo. Es la primera parte de la trilogía sobre el flamenco de nuestro director. 

Bodas de sangre (1981)

De nuevo con Antonio Gades y Emiliano Piedra prepara una adaptación de la ópera de Bizet Carmen que se convierte en un éxito internacional en 1983, premiada en Cannes y seleccionada para el Óscar. Es la enésima adaptación al cine de la famosa historia de Prosper Mérimée, cuya novedad es que construye una historia de “cine dentro de cine” (o de teatro dentro del cine, para ser más exactos). Forma parte de la trilogía musical emprendida por su director, Carlos Saura, con “Bodas de sangre” y completada posteriormente con “El amor brujo”, y fue la película que lanzó al estrellato a la entonces desconocida Laura del Sol. Irónicamente, al igual que la actriz, la película tuvo mucho mayor repercusión a nivel internacional que español.

Laura del Sol y Antonio Gades en Carmen (1983)

Con El amor brujo (1986), inspirada en la obra homónima de Falla, su musical más ambicioso hasta ese momento, cerraría una trilogía dedicada al musical español contemporáneo. Técnicamente es la mejor de las tres, aunque quizás carezca de la pasión que destilan algunos de los mejores momentos de Carmen.

Antonio Gades y Cristina Hoyos en El amor brujo (1986)

(cont.)

Fallece Carlos Saura, un día antes de recibir el Goya de Honor por toda su carrera (I)

El 10 de febrero de 2023 falleció en Collado Mediano (Madrid), el cineasta español Carlos Saura, a los 91 años de edad. Había nacido en Huesca, el 4 de enero de 1932,​ fue un reconocido cineasta, fotógrafo y escritor español.

Recién finalizado el bachillerato, comenzó a aficionarse a la fotografía. Abandonó sus estudios de ingeniería industrial para ingresar en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas de Madrid, donde obtuvo el diploma de Dirección cinematográfica.

Tras realizar el cortometraje La tarde del domingo (1957), realizó el documental Cuenca (1958), premiado en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, al que siguió su primer largometraje, Los golfos (1960). Julián, Ramón, Juan, el Chato, Paco y Manolo son seis jóvenes que sobreviven como pueden en los arrabales de Madrid. Juan quiere ser torero, y sus amigos cometen pequeños atracos para poder pagar su debut. Se trata de una obra que se aleja del estilo moralizador del cine neorealista de su época. Rodado completamente en escenarios naturales, y con una visión amarga de la sociedad, fue el debut de un director que actuaría como bisagra entre dos generaciones de cineastas. La cinta sufrió la censura de la época, que la recortó y la declaró de nulo interés. Pese a todo, y viendo complicada su comercialización, consiguió abrirse camino hasta el festival de cine de Cannes. Allí participaría por la Palma de oro, siendo la única vez en que se proyectaría íntegramente.

Los golfos (1960)

A continuación dirigió Llanto por un bandido (1964), su primera película en color y fue coproducida con Francia e Italia, con Lea Massari y Lino Ventura. Gracias a su amistad con Saura, el director de cine, Luis Buñuel, apareció en un pequeño papel como El Verdugo. Se trata de una recreación sobre la figura histórica de José María "El Tempranillo", bandolero español del siglo XIX que, como muchos otros de la época, combate a las fuerzas realistas del absolutista Fernando VII, dando su apoyo a los liberales, atraca diligencias y desafía al propio monarca, ganándose un lugar en la leyenda del bandolerismo. Saura contó para el papel principal con un valor seguro: Francisco Rabal.

Francisco Rabal en Llanto por un bandido (1964)

En La caza (1965), con un asunto de gran dureza donde hizo un análisis de las heridas provocadas por la guerra civil en la terrible historia de una partida de caza entre personajes que representaban distintas posturas vitales. La escenografía en exteriores, en un paisaje árido y la fotografía muy contrastada de Luis Cuadrado, hicieron de esta obra una referencia para el cine posterior y obtuvo grandes éxitos internacionales, consiguiendo el premio a la mejor dirección en el Festival Internacional de Cine de Berlín. Buenas interpretaciones de los desaparecidos Ismael Merlo, José María Prada y Alfredo Mayo, en una cinta que seguramente fue el mejor trabajo de sus carreras.

Emilio Gutiérrez Caba y José María Prada en La caza (1966)

Tras estos primeros trabajos, se consolidó en 1967 su colaboración con el productor Elías Querejeta, con el que había producido a medias La caza, con la película Peppermint frappé, dando inicio al periodo más destacado de su carrera. Peppermint frappé es de nuevo una indagación psicológica sobre los efectos de la represión franquista tras la guerra civil, las inhibiciones eróticas y otras carencias de su generación. El desenlace es tan violento como La caza, pero aparece ahora situado en el espacio de la memoria o los instintos más primarios de los personajes. Temas y formas, puliendo este estilo abstracto, desarrollado en colaboración con Querejeta, que pretendió radiografiar los males de la sociedad española burlando la censura, continuaron en Stress, es tres, tres (1968), La madriguera (1969), El jardín de las delicias (1970) y Ana y los lobos (1973).

José Luis López Vázquez en El jardín de las delicias (1970)

Ana y los lobos ofrece el mundo cerrado de una casona de una familia española aristocrática. Rafaela Aparicio, la matriarca de este mundo cerrado, retomará este personaje en Mamá cumple cien años (1979), una continuación de Ana y los lobos. A la casa solariega llega una institutriz extranjera para educar a las niñas de Juan, el varón de la casa. Las pulsiones sexuales frustradas de los tres hombres de la familia aparecen tras la llegada de esta bella joven cuyos modos más libres y su sinceridad provocan en el subconsciente de los varones deseos irreprimibles. Ana destapa la inquietud del ambiente cerrado y conservador de esta familia, revelando así los rasgos que tanto definen a la sociedad de su tiempo.

Fernando Fernán Gomez y Geraldine Chaplin en Ana y los lobos (1973)

La película que marca su consolidación internacional fue La prima Angélica (1974), que recibió el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes; en ella, el pasado (1936) y el presente (1973) se funden y esto se muestra mediante la confusión del tiempo histórico que se produce en los planos de la película, incluso dentro de una misma secuencia. Así se delata el tema de la presencia de las heridas del pasado en el presente, clásico asunto del psicoanálisis. La fusión del tiempo tiene también otras consecuencias frustrantes, como el contraste entre el amor infantil de Luis y Angélica, que ha sido acaso su único amor, y la relación adulta de un Luis con una Angélica ya casada en una situación que hace imposible la recuperación de aquella relación afectiva. No es este la primera película que explora el recuerdo y la intromisión del pasado en el presente, que estaba ya bien dibujado en obras anteriores, como El jardín de las delicias (1970). 

La prima Angélica (1974)

María Clara Fernández de Loaysa, en su papel de Angélica niña, establece una relación con la figura de José Luis López Vázquez, cuyo personaje seguía la estela del que interpretó en El jardín de las delicias, donde aparecía en una silla de ruedas, simbolizando con ello la parálisis psíquica de aquella generación. En esta caso representa la frustración amorosa por su prima, en el doble papel de niño y adulto, representado por el mismo actor.

Cría cuervos (1976), también premio del Jurado en el Festival de Cannes, vuelve a explotar el tema de la memoria, oponiendo en feroz contraste la mirada de la niña Ana Torrent a los personajes autoritarios. Ana recuerda todo lo ocurrido desde la muerte de su padre, veinte años antes. Su hija, de nueve años, cree tener poder sobre la vida y la muerte de quienes viven con ella. Hay otro poder que Ana cree poseer: el de invocar la presencia de su madre. Con ella, muerta hace años, revive una relación llena de ternura y, a veces, de dominio.

Geraldine Chaplin Ana Torrente en Cría cuervos (1975)

(cont.)

Cumplió 25 años: Pajarico

El 6 de febrero de 1997 se estrenó la película española Pajarico, dirigida por Carlos Saura e interpretada por Francisco Rabal, Manuel Bandera, Alejandro Martínez, Juan Luis Galiardo, María Luisa San José, Dafne Fernández, Borja Elgea, Eusebio Lázaro, Eulalia Ramón, Violeta Cela, Paulina Gálvez, Eva Marciel, Israel Rodríguez, Rafael Álvarez, Rebeca Fernández, Andrea Granero, Cristina Espinosa. Productora: Canal+ España, Filmart, Saura Films, TF1, RTVE. Duración: 100 minutos. 

Sinopsis argumental: Como sus padres están a punto de divorciarse, Manu va a Murcia para pasar el verano con sus abuelos paternos. Rodeado de huertas, mar, naturaleza y una exuberante y cálida familia, Manu descubre el amor y los primeros signos de vida adulta. 

Nominaciones y premios: Festival de Montreal: Mejor director (ex aequo).

Comentario: Después de casi diez años de trabajar sobre guiones ajenos, Carlos Saura se basó en un cuento escrito por él mismo, Pajarico solitario, para realizar una de sus películas más personales. Su estructura narrativa recuerda a la de La tía Angélica, pero sin referencias a la Guerra Civil ni su complejo juego de recuerdos.

Efemérides de cine: El jardín de las delicias

El 5 de noviembre de 1970 se estrenó la película española El jardín de las delicias, dirigida por Carlos Saura e interpretada por José Luis López Vázquez, Francisco Pierrá, Luchy Soto, Lina Canalejas, Julia Peña, Alberto Alonso, Mayrata O'Wisiedo, Charo Soriano, Geraldine Chaplin, Marisa Porcel. Productora: Elías Querejeta. Duración: 90 minutos.

Sinopsis argumental: Antonio Cano, un exitoso constructor de mediana edad, sufre un accidente de tráfico, en compañía de su amante, que le provoca amnesia y lo deja postrado en una silla de ruedas. Sólo él conoce las claves del negocio, la combinación de la caja fuerte y el número de la cuenta corriente que posee en Suiza. Su familia intenta que recupere la memoria representando escenas de su vida.

Comentario: Al igual que otros títulos de Carlos Saura, como Ana y los lobos o La prima Angélica, El jardín de las delicias gira alrededor de los temas de la familia y la memoria, relacionándolos con la dictadura franquista. Además, la cinta reflexiona también sobre los mecanismos de poder de la burguesía española de la época, con un lenguaje tan críptico como el de la mayoría de las películas del director pertenecientes a ese período. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Cumplió 25 años: Flamenco

El 16 de junio de 1995 se estrenó la película española Flamenco, dirigida por Carlos Saura. Reparto: Documental, Paco De Lucía,  Enrique Morente,  Manolo Sanlúcar,  Joaquín Cortés, Tomatito,  José Mercé,  Mario Maya,  Manuel Moneo,  Agujeta. Productora: Juan Lebrón Producciones. Duración: 100 minutos. 

Sinopsis argumental: Recorrido por los distintos cantos, bailes y géneros del flamenco que toma como hilo narrativo la conjunción de la luz con los distintos toques de este arte. En la antigua estación ferroviaria de la Plaza de Armas, de Sevilla, y comenzando al atardecer y poniendo como punto final la llegada del nuevo día, un importante elenco de artistas recrean juntos la esencia del flamenco.

Nominaciones y premios: Premios Goya: Nominada a mejor fotografía.

Comentario: El director Carlos Saura prosigue su cine en torno al género musical, iniciado con el mediometraje Sevillanas y que continuará con Tango, con esta glamorosa y refinada producción. Un número de flamenco, sin diálogo alguno, de 100 minutos de duración, comienza con una actuación espontánea de un grupo de cantaores, bailaores y músicos que expresan sus sentimientos a través de la música y sus cuerpos. A partir de este principio, Saura captura unas maravillosas interpretaciones que abarcan las formas más ortodoxas del cante y el baile tradicional, con las nuevas tendencias actuales. Para ello, el realizador combina todos los recursos teatrales, musicales, cinematográficos y la fotografía del oscarizado Vittorio Storaro (El último emperador).

Historia del cine español: Estrellas de nuestro cine (IV)

¡Ay, Carmela! (1990). Dirección: Carlos Saura. Interpretación: Carmen Maura, Andrés Pajares, Gabino Diego, Maurizio De Razza, Miguel Rellán, Edward Zantara, José Sancho, Antonio Fuentes, Silvia Casanova, Manuel Millán, Rafael Checa, Mario de Candia, Mario Martín, Chema Mazo, Alfonso Guirao, Felipe Vélez. Guion: Rafael Azcona, Carlos Saura (Obra: José Sanchís Sinisterra). Música: Alejandro Massó. Fotografía: José Luis Alcaine. Productora: Coproducción España-Italia; Iberoamericana Films/Ellepi/TVE. Drama. Comedia. Comedia dramática. Teatro. Guerra Civil.  Televisión Española. Duración: 102 minutos. 13 premios Goya: incluyendo mejor película, director, actor y actriz. 15 nominaciones; Premios del Cine Europeo: Mejor actriz (Carmen Maura); Festival de Montreal: Mejor actor (Andrés Pajares). Carmela (valiente y espontánea), Paulino (pragmático y cobardón) y Gustavete (mudo) son trovadores que actúan para el ocio del bando republicano durante la guerra civil española. Son un grupo de cómicos que ameniza como puede a los soldados republicanos durante la Guerra Civil, pero están cansados ya de pasar penalidades en el frente. Carmela, Paulino y Gustavete se dirigen a Valencia pero, por error, van a parar a la zona nacional. Allí son hechos prisioneros, y la única manera de salvar sus vidas es ofreciendo un espectáculo para un grupo de militares nacionales que choca de lleno con la ideología de los cómicos.. Ganó el galardón de mejor película de la V edición de los Premios Goya. La base de la película es la obra teatral homónima de José Sanchis Sinisterra, escrita en 1986 y estrenada en noviembre de 1987 bajo la dirección de José Luis Gómez, quien también interpretó el papel de Paulino. El título del film hace referencia a una canción muy popular durante la guerra civil española, El paso del Ebro. Esta tragicomedia del gran Carlos Saura se convirtió no sólo en una revisión totalmente novedosa de la Guerra Civil Española sino en uno de las mejores colaboraciones del realizador aragonés con Rafael Azcona.

Historia del cine español: El cine de los ochenta (III)

Bodas de sangre (!981). Dirección: Carlos Saura Interpretación: Antonio Gades, Cristina Hoyos, Pepa Flores, Juan Antonio Jiménez, Pilar Cárdenas, Carmen Villena, Pepe Blanco, José Mercé. Guion: Carlos Saura (Obra: Federico García Lorca). Música: Emilio de Diego. Fotografía: Teodoro Escamilla. Productora: Emiliano Piedra P.C. Musical. Romance. Flamenco. Melodrama. Bodas. Duración: 72 minutos. Festival Internacional Karlovy Vary: Premio Especial del Jurado; Festival Internacional de Cine de Chicago: Mejor realización; Círculo Español de Escritores Cinematográficos: Mejor película; Festival Internacional de Cine de Montreal: Premio Especial del Jurado (Carlos Saura), por su trilogía Bodas de sangre (1981), Carmen (1983), El amor brujo (1986)), con ocasión de la presenación del El Amor Brujo; Premios ACE: mejor película. El cuerpo humano utiliza el lenguaje de la danza para contar la simple historia de un amor maldito. El ballet, lejos de ser una herramienta casual de comunicación, lleva consigo un montón de presunciones con respecto al amor y la muerte, al pecado y el castigo. La trama de la historia es sencilla: una novia escapa con su amante en el día de su boda. El novio sigue a los dos amantes y tiene lugar una pelea de navajas. Los rivales se apuñalan mutuamente y la única boda que se lleva a cabo es el enlace de sus destinos en la muerte. Una boda de sangre. Además de la belleza extraordinaria de la danza expresada por parte de los cuerpos de los bailarines al ritmo del flamenco, la película va más allá al explorar y analizar este tipo de pensamientos respecto a un tema tan controversial como lo es un amor pecaminoso. Es la primera parte de la trilogía sobre el flamenco de este director y es la adaptación cinematográfica del ballet Crónica del suceso de bodas de sangre (1974) de Antonio Gades, a su vez basado en la tragedia homónima de Federico García Lorca. La primera incursión de Carlos Saura en el género musical culminó siendo un gran éxito. Fue la primera colaboración entre dos de los mayores nombres de la cultura española, Saura y Gades.

Historia del cine español: Críticos y disidentes en el franquismo (II)

Peppermint frappé (1967). Dirección: Carlos Saura Interpretación: Geraldine Chaplin, José Luis López Vázquez, Alfredo Mayo, Emiliano  Redondo, Ana María Custodio, Fernando Sánchez Polack, Pedro Luis Lozano. Guion: Carlos Saura, Rafael Azcona, Angelino Fons (Argumento: Carlos Saura). Música: Luis de Pablo. Fotografía: Luis Cuadrado. Productora: Elías Querejeta P.C. Drama. Duración: 92 minutos. Festival de Berlín: Oso de Plata - Mejor director.  Julián es un médico radiólogo muy conservador y sin apenas ambiciones al que le gusta beber peppermint. Junto a él trabaja Ana, la tímida enfermera que le asiste en todas las visitas médicas. Un día su amigo Pablo invita al doctor a una pequeña fiesta que organiza en su casa para dar una noticia: en su último viaje a África ha conocido a una joven chica llamada Elena con la que ha contraído matrimonio. Julián cae prendido de ella al instante y se presta para llevarle de visita por el casco histórico de su ciudad. Nunca pierde una oportunidad para estar a su lado. Pronto se da cuenta de que su enfermera Ana guarda cierto parecido con la novia de su amigo y, ya que ésta se siente atraída por su superior, comienzan una extraña relación sentimental. Julián, cada vez más obsesionado por Elena, intenta transformar a su nueva novia de un modo enfermizo. Drama de Carlos Saura que, además de inaugurar su trilogía sobre las relaciones entre el hombre y la mujer (completada por Stress-es tres-tres (1968) y La madriguera (1969), reunió por primera vez a la actriz Geraldine Chaplin, al guionista Rafael Azcona y al productor Elías Querejeta, con los que realizaría nueve películas más. Presentada en el Festival de Cannes y ganadora del Oso de Plata en Berlín, fue una de las primeras películas en retratar el comportamiento de la burguesía española bajo la dictadura de Franco, a la vez que ofrecía la novedad de introducir la estética de la Escuela de Barcelona en una historia realista. La película, con una brillante fotografía de Luis Cuadrado, presenta ciertos paralelismos con la famosa Vértigo de Hitchcock, al mostrar la obsesión enfermiza de un hombre que transforma a una mujer en su objeto del deseo.

Historia del cine español: Conversaciones de Salamanca (IX)

La caza (1965). Dirección: Carlos Saura. Interpretación:  Ismael Merlo, Alfredo Mayo, José María Prada, Emilio Gutiérrez Caba,Violeta García, Fernando Sánchez Polack, Violeta García, María Sánchez Aroca. Guion: Angelino Fons, Carlos Saura. Música: Luis de Pablo. Fotografía: Luís Cuadrado. Productora: Elías Querejeta. Drama. Caza. Amistad. Blanco y negro. Duración: 93 minutos. Festival de Berlín: Oso de Plata - Mejor director; Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos8: Mejor película, mejor actor (Alfredo Mayo), mejor fotografía y Premio Antonio Barbero (Emilio Gutiérrez Caba); Premios San Jorge: Mejor película española. Tres amigos van de caza a un coto que fue escenario de una batalla durante la Guerra Civil. Todos ellos están pasando por momentos difíciles, separaciones, problemas con el alcohol, de modo que lo que iba a ser una tranquila jornada de caza se convierte en un enfrentamiento entre los tres. Parábola sobre la Guerra civil española, a través de las incidencias que se producen durante una cacería entre amigos. Un título emblemático del cine español de los sesenta, con el que se inició la colaboración entre Carlos Saura y Elías Querejeta. A partir de una situación límite llevada a los últimos extremos se intentan exorcisar los fantasmas de la historia reciente, en un lenguaje críptico pero reconocible. El tiempo ha puesto al descubierto parte de su artificio pero no ha invalidado sus propuestas. Tras esta película, Saura empezó a ser considerado como uno de los directores más importantes del cine español.

Efemerides de cine: Peppermint Frappé

El 9 de octubre de 1967 se estrenó la película española Peppermint Frappé, dirigida por Carlos Saura e interpretada por Geraldine Chaplin, José Luis López Vázquez, Alfredo Mayo, Emiliano Redondo, Ana María Custodio, Fernando Sánchez Polack, Pedro Luis Lozano. Productora: Elías Querejeta P.C. Duración: 92 minutos.

Sinopsis argumental: Pablo (Alfredo Mayo), un amigo de Julián (López Vázquez), acaba de casarse con Elena (Geraldine Chaplin), una sofisticada extranjera. Julián se obsesiona tanto con ella que empieza a cortejar y a tratar de cambiar el aspecto físico y los hábitos de la enfermera que atiende su consulta, ya que se parece bastante a Elena. 

Nominaciones y premios: Festival de Berlín: Oso de Plata - Mejor director.

Comentario: Historia de una obsesión y deseo de tres personajes en la ciudad de Cuenca. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: La caza

El 25 de junio de 1966 se estrenó la película española La caza, dirigida por Carlos Saura. Protagonizada por Ismael Merlo, Alfredo Mayo, José María Prada, Emilio Gutiérrez Caba, Violeta García, Fernando Sánchez Polack, Violeta García, María Sánchez Aroca. Productora: Elías Querejeta P.C. Duración: 93 minutos.

Sinopsis argumental: Tres amigos van de caza a un coto que fue escenario de una batalla durante la Guerra Civil (1936-1939). Todos ellos están pasando por momentos difíciles, separaciones, problemas con el alcohol, de modo que lo que iba a ser una tranquila jornada de caza se convierte en un enfrentamiento entre los tres.

Nominaciones y premios: Festival de Berlín: Oso de Plata - mejor director (Carlos Saura); El Círculo de Escritores Cinematográficos le concedió cuatro premios: la medalla a la mejor película, la de mejor actor a Alfredo Mayo, mejor fotografía a Luis Cuadrado, así como el Premio «Antonio Barbero» para noveles a Emilio Gutiérrez Caba por el conjunto de sus interpretaciones. Obtuvo también el Premio San Jorge a la mejor película española.

Comentario: Metáfora sobre la España de la época, además de una asombrosa alegoría sobre la violencia y la animalidad. Se cumple el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Efemérides de cine: ¡Dispara!

El 1 de octubre de 1993 se estrenó la película española ¡Dispara! dirigida por Carlos Saura. Con Francesca Neri, Antonio Banderas, Lali Ramón, Nieve de Medina. Coproducción España-Italia; Arco Films, SL/Metro Filmd SRI.

Sinopsis argumental: Ana y Marcos coinciden en un circo de Madrid. El trabajo de ella consiste en disparar con un rifle, montada a caballo, a blancos en movimiento Él es un periodista que escribe un reportaje para un dominical. Entre ellos surge el amor a primera vista y llegan incluso a imaginar una vida juntos recorriendo Europa. Pero, mientras Marcos está en Barcelona por motivos de trabajo, Ana es salvajemente violada por tres mecánicos que la dejan casi moribunda. Su obsesión será entonces la venganza. 

Comentario: Adaptación de un relato corto del buen escritor de novela negra Giorgio Scerbanenco.

Efemérides de cine: Los zancos

El 12 de septiembre de 1984 en el Festival Internacional de Cine de Toronto se estrenó la película española Los zancos, dirigida por Carlos Saura. Protagonizada por Fernando Fernán Gómez, Laura del Sol, Antonio Banderas, Francisco Rabal, Enrique Pérez, José Yepes, Adriana Ozores, Guillermo Montesinos, Jesús Sastre. Productora: Emiliano Piedra P.C.

Sinopsis argumental: Tras la muerte de su esposa, Ángel, un anciano profesor universitario, se traslada a vivir a un pueblo de las afueras de Madrid, buscando la paz que le ayude a sobrellevar su dolor. Sus vecinos Alberto y Teresa son los responsables de un grupo de teatro amateur: "Los zancos". Teresa evita que Ángel se suicide e intenta integrarlo en la comunidad. Ángel se enamora de ella y escribe una pequeña obra de teatro en la que le muestra su amor.

Comentario: Sobresaliente actuación de Fernando Fernán Gómez.

Efemérides de cine: Taxi

El 9 de septiembre de 1996 se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto la película española Taxi, dirigida por Carlos Saura. Protagonizada por Ingrid Rubio, Carlos Fuentes, Ágata Lys, Ángel de Andrés López, Maite Blasco, Eusebio Lázaro, Pilar Ordóñez, Francisco Maestre, Fran Boira, Rodolfo Sancho, Chus Castillo, Fernando Bauluz, Eulalia Ramón, Isabel Ampudia Producción y distribución: Filmart/TVE/ TF1.

Sinopsis argumental: Un grupo de taxistas, autodenominado “la familia”, se dedica a limpiar la ciudad de Madrid de negros ("mierda"), homosexuales, transexuales y travestis ("pescado") y toxicómanos ("carne"), durante sus patrullas nocturnas. Uno de ellos, Velasco, tiene una hija, Paz, que ha suspendido los parciales y ha decidido dejar de estudiar. Velasco, enfadado, la obliga a trabajar con él en el taxi: ella hace el servicio de día y él trabaja de noche.

Dani es el hijo de un miembro de la familia: Reme. No había vuelto a ver a Paz desde que eran unos niños, y ahora se enamoran y comienzan a salir juntos.

En una escena de la película, la familia, junto con Dani y Paz visitan al marido de Reme al hospital: un taxista retirado que se quedó paralítico por culpa de una pareja de toxicómanos que le dispararon a la médula, y que no murió gracias a uno de los miembros, Calero, un taxista ex-policía, que pasaba por allí en ese momento. Esa fue la razón por la que el grupo se decidió a librar su particular batalla, y Dani está casi convencido de que tiene que hacer lo mismo.

Poco a poco Paz se entera de las andanzas de su novio, su padre y sus amigos, cosa que desaprueba rotundamente. Es entonces cuando el ex-policía la considera un peligro, y temiendo que los denuncie decide matarla.

Nominaciones y premios: Festival de San Sebastian: Mención especial.

Comentario: Una inquietante película de uno de los directores más sobrios y personales del cine español. Con una cierta inspiración en Taxi Driver (1976), de Martin Scorsese, Saura narra una historia con un evidente fondo de denuncia social. Tiene espectaculares escenas de acción y una atractiva interpretación de sus dos jóvenes protagonistas. La magnífica fotografía es de Vittorio Storaro.