Recordando a Simone Signoret, "una referencia absoluta» para los actores actuales"

La inolvidable París, bajos fondos (Casque d'or, 19852), dirigida por Jacques Becker, con su incomparable potencia interpretativa, aceptó plenamente los desafíos de la vida y no dudó en imponerse en la arena política. Un modelo para la actual generación de artistas, que la elogian sin reservas.

Loleh Bellon, Serge Reggiani y Simone Signoret en París, bajos fondos (1952)

El 30 de septiembre de 1985, Simone Signoret (Wiesbaden, Alemania, 25 de marzo de 1921-Autheuil-Authouillet, Eure, 30 de septiembre de 1985) falleció. Cuarenta años sin "Simone", como la llamaban simplemente y cariñosamente, quienes, sin ser sus íntimos, la admiraban como actriz, pero también como mujer comprometida, activista de izquierdas y escritora fallecida, con, en primer lugar, un libro de recuerdos con un título sublime que muchos cineastas podrían haber envidiado: La nostalgie n’est plus ce qu’elle était (1976). En vísperas del estreno en cines de Moi qui t'aimais (2025), de Diane Kurys, sobre la pareja Signoret-Montand y el amor inquebrantable de Simone a pesar de la fidelidad vacilante de Yves.

Cuatro nuevas películas de la obra del japonés Kenji Misumi, maestro del cine de espadas

Kenji Misumi, un director de gran producción  (hasta seis películas al año), revolucionó el chambara, el cine japonés de samuráis. Cuatro de sus películas, para volver a ver.

"No hay técnica, solo hay una verdad: desenvainar, matar, envainar". La frase podría haber salido de una película de Sergio Leone. De hecho, es una frase clave de La espada del diablo, una de las películas más importantes de Kenji Misumi (1921-1975), quien, en la década de 1960, sometió a la chambara (la película japonesa de samuráis) a un tratamiento equivalente al que el cineasta italiano estaba sometiendo al mismo tiempo al western estadounidense: un fuerte gusto por la innovación, una relectura radical de los códigos narrativos y estéticos del género, una primacía de lo visual sobre el guion. Cuatro películas del prolífico director japonés (podía rodar hasta seis largometrajes al año) que recomendamos ver.

1. La historia de Zatoichi (Zatôichi monogatari, 1962)

Zatoichi, el masajista-espadachín ciego, es uno de los personajes más populares del cine japonés. Sus aventuras han sido el tema de veintisiete películas, seis de las cuales —las mejores— fueron dirigidas por Misumi, comenzando por el episodio inicial, rodado en blanco y negro. Las escenas de acción se reducen aquí, y las expectativas del espectador a menudo se ven frustradas, lo que conduce a un final bastante sangriento, como no podía ser de otra manera. Una película muy disfrutable, también recomendada por una magnífica secuencia de pesca que, inesperadamente, recuerda a la de Había un padre  (Chichi ariki, 1942) de Yasujirō Ozu.

2. Destiny's Son (Kiru, 1962)

Tras la ejecución de su madre por asesinato, Shingo es confiado a un samurái que le oculta sus orígenes y lo cría como a su propio hijo. Convertido él mismo en un formidable guerrero, el huérfano se verá envuelto en su pasado... Si solo hubiera que ver una película de esta retrospectiva, sería esta. Por sus increíbles elipses narrativos (Destiny's Son alcanza apenas setenta minutos, mientras que la riqueza de su trama podría haber merecido el doble). Y por su sucesión de impactos visuales: el sorprendente inicio, donde una persecución entre dos mujeres se convierte en una confrontación sexual; la ejecución de la asesina por su propio amante; Shingo abriendo frenéticamente las paredes corredizas de un palacio convertido en laberinto; y una increíble lucha a la luz de la luna donde, de un solo golpe de espada, un oponente es cortado en dos longitudinalmente.

3. La espada (Ken, 1964)

Esta es la película más elocuente... y la menos impresionante de las cuatro. Esta crónica de una rivalidad entre miembros de un club de kendo es una adaptación de una novela de Mishima, que rezuma las obsesiones del escritor nacionalista (aunque el propio director sea más crítico con el código de honor samurái): la idea de la juventud pura, la autorrealización a través de la actividad física hasta el dolor y el agotamiento, el conflicto entre la espiritualidad tradicional y el materialismo moderno, por no mencionar la fascinación por el cuerpo masculino. A las a veces torpes incursiones filosóficas de los personajes, preferimos la belleza del blanco y negro y la fuerza de las secuencias de combate con bastones, donde Misumi expresa la esencia de un arte marcial tradicional con los efectos del cine pop de los años 1960.

3. Sword Devil (Ken Ki, 1965)

Sin embargo, no hay diálogos innecesarios en esta historia de un jardinero que se convierte en un experto espadachín... y en un secuaz asesino. En Sword Devil, Musumi entusiasma con su uso del color, pero también con una curiosa mezcla de atmósfera fantástica, breves salidas burlescas y romanticismo oscuro. Un clásico emblemático de la chambara, el polo opuesto de las películas de capa y espada de Hollywood o Francia: aquí no hay largos duelos con espadachines, sino luchas salvajes donde el asalto, que rara vez dura más de dos segundos, importa menos que la anticipación y la tensión que lo preceden.

Robert Redford ha muerto: un repaso a las películas imprescindibles del legendario actor (V)

Habana (Havana, 1990), de Sydney Pollack

La película es emotiva, romántica y tiene una música preciosa de Dave Grusin que fue nominada al Oscar. Sydney Pollack dirige don mucho oficio a Robert Redford y Lena Olin en este drama donde destaca la fotografía suave y cálida. En su día se quiso ver un paralelismo con Casablanca, pero cualquier parecido no hace sino acentuar sus kilométricas diferencias.

Sneakers (Los fisgones) (Sneakers, 1992), de Phil Alden Robinson

Un reparto de auténtico lujo protagoniza esta trepidante película sobre las nuevas tecnologías, aunque quizá ya esos avances hayan quedado desfasados. Robert Redford resulta el perfecto jefe del equipo, formado por nombres como Ben Kingsley o Dan Aykroyd, entre muchos otros.

Una proposición indecente (Indecent Proposal, 1993), de Adrian Lyne

Fiel a su estilo, el polémico director inglés Adrian Lyne plantea una historia morbosa en la que juega al escándalo y a la doble moralidad, a la vez que pone en entredicho algunos principios éticos básicos. A Robert Redford le va como anillo al dedo el papel de galán conquistador, mientras que Demi Moore está también convincente en su interpretación de enamorada pero asustada e insegura esposa.

Íntimo y personal (Up Close & Personal, 1996), de 

Dúo de estrellas: Robert Redford y Michelle Pfeiffer, en una de las películas de amor más recordadas. Jon Avnet, que se basa en la obra Golden Girl de Alanna Nash, sabe aprovechar a sus artistas. Entre ambos actores hay química y el espectador es testigo de un gran duelo interpretativo. La película cuenta con un excelente ritmo narrativo en el que se alterna la agitada vida de la profesión periodística con el tórrido romance entre los protagonistas. Inolvidable la canción Because you love me.

La última fortaleza (The Last Castle, 2001), de Rod Lurie

El director de Candidata al poder ofrece una entretenida película carcelaria con variante militar. El personaje de Robert Redford está cargado de dignidad, como el inocente recluso de Tim Robbins en Cadena perpetua: ayuda a sus hombres, les comunica ideales. El contrapunto lo da James Gandolfini, escogido quizá como el coronel por su composición en Los Soprano: en ambos casos, gángster o soldado, se revela como un tipo muy de nuestros tiempos.

Élodie Bouchez, protagonista de “The Party's Over!”

Madre conmovedora de una adolescente en Enzo (2025), dirigida por Robin Campillo, Élodie Bouchez se muestra sutilmente divertida en The Party's Over! (Classe moyenne, 2025), de Antony Cordier, confirmando el repunte de su filmografía marcada por la empatía y la sinceridad.

The Party's Over (2025)

Para muchos cinéfilos, Élodie Bouchez será recordada para siempre como la estudiante de instituto en Los juncos salvajes (Les roseaux sauvages, 1994), de André Téchiné, y la mochilera en La vida soñada de los ángeles (La vie rêvee des anges, 1998), de Érick Zonca. Pero ha recorrido un largo camino desde entonces, especialmente en Hollywood (papeles recurrentes en las series Alias (2001) ​​y The L Word) (2004) y en el teatro, uniéndose a la compañía del Théâtre de la Ville en 2010; su última producción, Sueño de una noche de verano de Shakespeare, de Emmanuel Demarcy-Mota, estará disponible en 2024. Y en los últimos años, se ha hecho un hueco en el cine de autor, como en Enzo, con guión de Laurent Cantet y Robin Campillo.

The Party's Over es una comedia negra que se centra en los conflictos cada vez más violentos entre los millonarios dueños de una finca de verano y la familia que cuida el lugar. Comedia áspera, negra, misantrópica, de la escuela de los argentinos Cohn-Duprat y de tantos otras películas que enfrentan a patrones y a empleados que conviven circunstancialmente en un mismo lugar.

Fallece Claudia Cardinale, el gran icono del cine italiano (II)

Roles complejos, feminismo absoluto

Se protege. Porque la humillaron mucho al principio. Como hablaba mal el italiano (nació en Túnez en 1938 en una familia franco-siciliana), se burlaban de ella. La ridiculizaban. Y la doblaban (¡hay que decir que casi todo el mundo era doblado en aquella época en Italia!). Fue en sus películas francesas -Los leones andan sueltos, ya mencionada, y  Cartouche (1962), de Philippe de Broca, con Jean-Paul Belmondo— donde descubrimos su verdadera voz: ligeramente ronca y muy sensual… Peor aún: su productor, su protector, quien se convirtió en su marido, Franco Cristaldi, la obligó a hacer pasar al hijo, fruto de una violación, que dio a luz en 1958 por su hermano menor. "Me vi obligada a asumir esta mentira", declaró  a Closer en 2021. Fue una época extraña, ya sabes, cuando los actores dependían totalmente del productor con el que tenían contrato, así que estaban atados de pies y manos"...

Claudia Cardinale en Cartouche (1962)

Toda su vida, luchó. Para apoyar a Sergio Leone contra los caprichos de las estrellas de Hasta que llegó su hora (C’era una volta il West), en 1968). Para financiar las películas políticas de su segundo marido, Pasquale Squitieri -Hermanos de sangre (I guappi, 1973), La fuerza del silencio (Il prefetto di ferro, 1977)-. Para defender a Jerzy Skolimowski, amenazado con el despido por el productor de Las aventuras de Gerard (The Adventures of Gerard, 1970). Para seguir los delirios de Werner Herzog en  Fitzcarraldo  (1982), obsesionado, como sabemos, con la idea de izar un barco de vapor de 320 toneladas a la cima de una colina amazónica... Aceptó todos los papeles complejos que le ofrecieron: hermana incestuosa Sandra (Vaghe Stelle dell'Orsa, 1965), de Visconti; una prostituta de altos vuelos que ayuda a un joven a obtener una entrevista con el Papa, La audiencia (L'udienza, 1972), de Marco Ferreri, 1971); una mujer judía violada por un alemán durante la guerra, La historia (La storia, 1986), de Luigi Comencini, basada en la novela de Elsa Morante. 

Claudia Cardinale en Hasta que llegó su hora (1968)

Pero también hay muchos momentos malos en su carrera. ¿El peor? Su encuentro con Brigitte Bardot en Las petroleras (Les pétroleuses), de Christian-Jaque , en 1971. Un desastre...

Claudia Cardinale y Brigitte Bardot en Las petroleras (1971)

Fue una figura destacada en la lucha contra el sida. Una apasionada defensora de la causa gay. Y una feminista absoluta. Sin embargo, no hasta el punto de aprobar controversias estériles, como la que estalló en 2017 cuando el Festival de Cine de Cannes eligió para su cartel una foto —retocada— de ella dando vueltas en la playa. "Es un baile, un vuelo", dice.  "El retoque acentúa la ligereza y me transforma en un personaje onírico. Una sublimación… La preocupación por el realismo no tiene cabida aquí, y, como feminista convencida, no veo allí ningún ataque al cuerpo de la mujer". Claudia Cardinale era sensata. Lúcida. Clarividente.

Robert Redford ha muerto: un repaso a las películas imprescindibles del legendario actor (IV)

Un puente lejano (A Bridge Too Far, 1976), de Richard Attenborough

Recreación histórica de una famosa misión contra los alemanes en la II Guerra Mundial. Tras el desembarco de Normandía los aliados han de tomar el puente de Arnheim, un punto clave por su lugar estratégico. Adaptación de William Goldman del libro de Cornelius Ryan, basado en hechos reales. Inolvidable el “Dios te salve María” de Robert Redford en el río. Se trata de una de las mayores superproducciones sobre la II Guerra Mundial. Richard Attenborough contó además con un reparto que tiene más estrellas que todos los generales juntos de la película.

El jinete eléctrico (The Electric Horseman, 1979), de Sydney Pollack

Historia con sabor a western, aderezada con música country y con una pareja que derrocha química: Robert Redford y Jane Fonda, que ya habían coincidido en Descalzos por el parque. La película habla de ser uno mismo y de ir en busca de las raíces; y dentro de este halo emotivo también hay momentos para el humor y el amor. Dirige la cinta Sydney Pollack.

Brubaker (1980), de Stuart Rosenberg

Impactante drama carcelario, con Robert Redford en uno de sus papeles más recordados. Se trata de un sólido alegato a favor de los derechos humanos, basado en una escalofriante historia real de Tom Murtom, el director de prisiones que conmocionó el mundo político de Arkansas al destapar los escandalosos abusos y asesinatos que tuvieron lugar en la prisión estatal.

El mejor (The Natural, 1984), de Barry Levinson

Drama deportivo sublimadamente romántico –los golpes épicos con el bate, las carreras a cámara lenta entre chisporroteos, la emoción de los fans y de un crío–, y con algún punto de thriller, sigue a un honesto jugador de béisbol, que debe enfrentarse a los hombres envidiosos y llenos de poder que le rodean. Redford da el tipo de hombre misterioso, en cuya vida juegan un papel determinante tres mujeres: la fatal, que le dispara en un hotel (Barbara Hershey), el amor desde la más tierna infancia (Glenn Close), y la seductora que podría dar al traste nuevamente con su recobrada carrera (Kim Basinger).

Memorias de África (Out of Africa, 1985), de Sydney Pollack

Uno de los más memorables romances épicos del cine de los años 80, ganadora de siete Oscar en 1985: mejor película, director, guión, fotografía, música, dirección artística y sonido. Se trata de una de las mejores películas del tándem formado por el realizador Sydney Pollack y el actor Robert Redford. En esta ocasión, Pollack adapta varios libros de la escritora danesa Isak Dinesen, en los que narra sus recuerdos de su estancia en tierras africanas. La carga nostálgica es tremenda, los diálogos están soberbiamente escritos y la inolvidable música es obra del magistral compositor John Barry.

"Amber Alert” en HBO Max: Una persecución estresante

Cuando la pasajera Jaq (Hayden Panettiere) y el conductor Shane (Tyler James Williams) reciben una alerta de secuestro de una niña en sus teléfonos móviles, pronto se dan cuenta de que están detrás de un coche que coincide con la descripción del vehículo del secuestrador. Jaq y Shane deciden seguirle y comienzan a correr desesperadamente contra el tiempo para intentar salvar la vida de la niña, en un peligroso viaje que se convierte en un juego del gato y el ratón con el secuestrador. Un thriller apasionante, a pesar de un ligero bajón narrativo. Además, es una película con un valor informativo esencial.

Por una vez, empecemos por el final: "El sistema de Alerta Amber se creó en 1996 en memoria de Amber Hagerman, de 9 años […]. Para 2024, el sistema de Alerta Amber ha ayudado a encontrar a más de 1300 niños", dice un título precréditos, confirmando el doble valor informativo y ficticio del tercer largometraje de la estadounidense Kerry Bellessa, Ambert Alert (2024). Esta amalgama se percibe a lo largo de los aproximadamente noventa minutos que pasamos estremeciéndonos —a veces con anticipación, a veces con exasperación, hay que admitirlo— ante las peregrinaciones automovilísticas de Jacqueline (Hayden Panettiere) y Shane (Tyler James).

Fallece Claudia Cardinale, el gran icono del cine italiano (I)

Descubierta desde muy joven por su belleza felina, Claudia Cardinale se convirtió en actriz y luego en estrella sin proponérselo. Dejó huella en el cine con sus papeles en El Gatopardo, Ocho y medio y Hasta que llegó su hora. Falleció el martes 23 de septiembre de 2025, a los 87 años.

En Los leones andan sueltos (Les lions sont lachés, 1961), de Henri Verneuil, Lino Ventura, en uno de sus raros papeles de macho (¡lo odiaba!), define así al personaje interpretado por Claudia Cardinale: "Eres joven, eres hermosa, estás sana... ¡Ah, si supieras qué bonito es encontrar a alguien como tú: con buena salud!"... Esto es exactamente lo que la actriz, fallecida a los 87 años, encarnó al principio de su carrera, en comedias -Rufufú (I soliti ignoti, 1958), de Mario Monicelli-; Un maldito embrollo (Un maledetto imbroglio, 1959), de Pietro Germi- o dramas -La chica de la maleta (La ragazza con la valigia, 1951), de Valerio Zurlini-: la ragazza sabia o sensual que el destino arrebata de un futuro sin esperanzas.

Tras un papel secundario en Rocco y sus hermanos (Rocco e i suoi fratelli, 1960), Luchino Visconti transformó su brillantez en un acto político: en El gatopardo (Il gattopardo, 1963), es esta chica del pueblo, invencible y alegre, esta fuerza vital que, a través de su matrimonio con el apuesto Tancrède (Alain Delon), se introduce en la vibrante familia aristocrática del príncipe de Salina (Burt Lancaster). Fellini, por su parte, la ve más como una mediadora: en Fellini, ocho y medio (8½) [(8½ (Otto e mezzo)], frente a la locura de los demás personajes, encarna una ayuda y un recurso: la vida en sus aspectos más reconfortantes y hermosos.

Claudia Cardinale en Rufufú (1958)

Su solidez y sencillez resistieron a todo, incluido Hollywood. Al mismo tiempo que, Sophia Loren, Dos mujeres (La ciociara, 1960) de Vittorio De Sica, se convirtió, especialmente en Arabesco (Arabesque, 1966) de Stanley Donen, en una especie de diosa inaccesible, vestida y calzada por Christian Dior. Y Virna Lisi se transformó —por un tiempo, afortunadamente para ella— en Marilyn en Cómo matar a la propia esposa (How to Murder your Wife, 1965), de Richard Quine.  Ella, en sus escasas incursiones americanas: La pantera rosa (The Pink Panther, 1963), de Blake Edwards; Misión secreta (Blindfold, 1965), de Philip Dunne , con Rock Hudson,  mantuvo —incluso en la sofisticación que se le imponía en aquel momento— una naturalidad que le servía de brújula, de salvaguardia. Igual que la amabilidad, además: frente a periodistas a menudo desconcertados por lo que tomaban por sentimentalismo, la utilizó como arma defensiva. Sí, Luchino era maravilloso. Sí, Federico era magnífico. Y adorables eran Marcello (Mastroianni), Vittorio (Gassman) y Renato (Salvatori)…

Claudia Cardinale en La pantera rosa (1963)

(cont.)

Robert Redford ha muerto: un repaso a las películas imprescindibles del legendario actor (III)

Tal como éramos (The Way We Were, 1973), de Sydney Pollack

Un drama romántico en toda regla, que cuenta con una magnífica pareja protagonista en plenitud de facultades, Robert Redford y Barbra Streisand. Una incursión en los recovecos del enamoramiento, que Pollack desarrolla con agudeza. De este director es conocida su peculiar manera de trabajar: comienza sus películas sin un guión cerrado, y lo va elaborando durante el rodaje. La canción de Marvin Hamlisch obtuvo el Oscar.

El gran Gatsby (The Great Gatsby, 1974), de Jack Clayton

La quintaesencia del cine romántico. Francis Ford Coppola –antes lo había intentado Truman Capote– adapta para Jack Clayton la mejor novela de Francis Scott Fitzgerald. Clayton atrapa esa atmósfera dorada y decadente típica que rodea a los personajes encumbrados, en los que se cumple a la letra aquello de "más dura será la caída", y en que el lujo y el fasto no pueden ocultar que, al final, lo que todos buscamos es amor; y Gatsby lo que desea es llamar la atención de la mujer que ama. Cada fotograma de esta particular encarnación del "sueño americano" está impregnado de nostalgia, de anhelo de felicidad o del paraíso perdido. Robert Redford se revela como la elección ideal para encarnar al enigmático Gatsby.

Los tres días del cóndor (Three Days of the Condor, 1975), de Sydney Pollack

Sydney Pollack dirige a Robert Redford en este thriller de espionaje, cuya acción no pla película acuse una estética muy marcada en los setenta, lo que contribuye a que se vaya desfasando con los años. Por otro lado, destaca la presencia de la enigmática Faye Dunaway y de secundarios de la talla de Max Von Sydow o Cliff Robertson.

El carnaval de las águilas (The Great Waldo Pepper, 1975), de George Roy Hill

George Roy Hill dirige un título de aviación y muestra los sueños de unos hombres y su amor por volar. Robert Redford encarna perfectamente al ídolo del aire, que antaño fue un heroico aviador, y le acompaña en pantalla Bo Svenson y una joven Susan Sarandon.

Todos los hombres del presidente (All the President's Men, 1976), de Alan J. Pakula

El especialista en thrillers políticos Alan J. Pakula adapta el libro homónimo, en el que los propios Bernstein y Woodward exponen su investigación. Se trataba de una película muy difícil, porque Pakula corría el riesgo de que el espectador se perdiera en un mar de datos, pero el cineasta filma con fuerza, aprovecha el carisma de sus protagonistas y secundarios, y exprime el inteligente guión de William Goldman, que resume con maestría el asunto. Su visión idealizada de la prensa ganó cuatro Oscar.

Efemérides de cine: Grey Gardens

El 27 de septiembre de 1975 se estrenó la película estadounidense Grey Gardens, dirigida por Ellen Hovde, Albert Maysles, David Maysles, Muffie Meyer. Reparto: Documental. Productora: Portrait Films. Duración: 100 minutos. 

Sinopsis argumental: Grey Gardens es una mansión que fue comprada en 1923 por Phelan y Edith Bouvier Beale, tios de la famosa Jacqueline Kennedy Onassis. Tras una serie de circunstancias, Edith, convertida en una gran cantante, fue desheredada y abandonada por su marido. En el documental Edith madre tiene 80 años, y Edith hija ronda los 60. Después de vivir durante décadas en la más secreta reclusión, unos periódicos inician una investigación a principios de los años 1970 que muestran el estado decadente de la vida de estas dos mujeres casi pobres, que viven en una inmensa mansión destruída repleta de basura y orín de sus 300 gatos. En 1972, Jackie O crea un fondo para ayudar con la limpieza del lugar, que las dos mujeres aceptan a regañadientes y hasta ahí porque están convencidas de que la chica sólo quiere quedarse con la mansión. El documental muestra el estilo de vida de estas dos artistas incomprendidas que abandonaron todo y que ahora viven en la ruina absoluta mientras cantan, se gritan, pegan saltos en el tiempo a eventos que pasaron muchos años atrás y que muestran altos grados de arrepentimiento y de "qué hubiera pasado si..."

Comentario: Documental que en su momento fue duro e influyente para el género. En 2009, HBO produjo una película de ficción sobre el mismo tema, dirigida por el cineasta Michael Sucsy y protagonizada por las actrices Drew Barrymore y Jessica Lange. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Hace 100 años: Salvaje Oeste

El 27 de septiembre de 1925 se estrenó la serie de películas estadounidense Salvaje Oeste (Wild West), dirigida por Robert F. Hill e interpretada por Jack Mulhall, Helen Ferguson, Edward Burns, Eddie Phillips, Fred Burn, Larry Steers, George Burton, Milla Davenport, Virginia Warwick, Dan Dix, Gus Saville, Buck Lucas, Nowata Richardson, Inez Gomez. Productora: Pathé Exchange. 

Sinopsis argumental: Un joven que se cree, porque todos lo creen, un mestizo indio, conoce y se enamora de una mujer del circo, heredera de una fortuna, sin saberlo. El amor del hombre es correspondido, pero se ve limitado por la supuesta barrera de sangre. Su mayor enemigo es su propio medio hermano, quien también pretende la mano de la artista de circo. El héroe evita todas las trampas que le tiende su enemigo, y cuando se aclara su identidad y la de su novia, ambos se casan.

Comentario: La serie se componía de los siguientes capítulos: 1. La fiebre por la tierra; 2. En el show; 3. El elefante forajido; 4. Montarlos, vaquero; 5. La estampida del cuatrero; 6. La chica diamante; 7. El vaquero campeón; 8. Bajo el búfalo; 9. Evidencia robada; 10. La ley decide. En la actualidad la serie se considera perdida. 

Hace 100 años: El ángel de las tinieblas

El 27 de septiembre de 1925 se estrenó la película estadounidense El ángel de las tinieblas (The Dark Angel), dirigida por George Fitzmaurice e interpretada por  Ronald Colman, Vilma Bánky, Wyndham Standing, Frank Elliott, Charles Lane, Helen Jerome Eddy, Florence Turner. Productora: George Fitzmaurice Productions, Samuel Goldwyn Productions. Duración: 80 minutos.

Sinopsis argumental: Durante la Primera Guerra Mundial, el capitán Alan Trent, mientras estaba de permiso en Inglaterra con su prometida Kitty Vane, es llamado repentinamente al frente antes de poder obtener una licencia de matrimonio.

Comentario: Entretenido drama, en el que Ronald Colman nos ofrece una de sus fantásticas interpretaciones. Aquí se une a Vilma Bánky, en la que sería la primera de sus tres fantásticas historias de amor, siendo las otras Flor del desierto (1926) y Venganza gitana gitana (1927). Basada en la obra de teatro The Dark Angel, a Play of Yesterday and Today de Guy Bolton, diez años después se rodaría otra versión bajo el mismo título El ángel de las tinieblas (1935) con Merle Oberon, Fredric March y Herbert Marshall en los papeles protagonistas.

Películas de la semana: 26 de septiembre

Una batalla tras otra

Una batalla tras otra

Título original: One Battle After Another. Dirección: Paul Thomas Anderson. País: Estados Unidos. Año: 2025. Duración: 161 minutos. Género: Acción. Thriller. Drama. Comedia. Comedia negra. Sátira. Crimen. Interpretación: Leonardo DiCaprio, Benicio del Toro, Sean Penn, Wood Harris, Regina Hall, Teyana Taylor, Alana Haim, D.W. Moffett, Chase Infiniti, John Hoogenakker. Guion: Paul Thomas Anderson. Novela: Thomas Pynchon. Producción: Paul Thomas Anderson. Música: Jonny Greenwood. Fotografía: Paul Thomas Anderson, Michael Bauman. Productora: Warner Bros., Ghoulardi Film Company. Distribuidora: Warner Bros. Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Sinopsis: Bob Ferguson es un ex revolucionario cuya vida da un giro cuando su hija es secuestrada por un enemigo de su pasado. Desesperado por recuperarla, Bob se ve obligado a confrontar viejas heridas y a recurrir a un grupo de antiguos compañeros revolucionarios liderados por el experimentado Sensei Sergio. Juntos planean enfrentarse a fuerzas peligrosas, combinando astucia, estrategia y habilidades adquiridas en su pasado militante. La historia mezcla acción, suspenso y redención mientras Bob lucha por salvar a su hija y reconciliarse con su historia. Adaptación de la novela Vineland, de Thomas Pynchon, escrita en 1990, sobre los movimientos radicales de los años 1960.

Strangers: Capítulo 2

Título original: The Strangers: Chapter 2. Dirección: Renny Harlin. País: Estados Unidos. Año: 2025. Duración: 96 minutos. Género: Terror. Secuela. Home Invasion. Interpretación: Madelaine Petsch, Froy Gutiérrez, Rachel Shenton, Brooke Lena Johnson, Janis Ahern, Sara Freedland, Brian Law, Pablo Sandstrom, Gabriel Basso, Richard Brake, Ema Horvath, Florian Clare. Guion: Alan R. Cohen, Alan Freedland, Amber Loutfi. Producción: Courtney Solomon. Música: Justin Caine Burnett. Fotografía: José David Montero. Productora: Elipsis Capital, Filmframe S.R.O, Fifth Element Productions, Lionsgate, Sherborne Media, Vertigo Entertainment. Distribuidora: Diamond Films. Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Sinopsis: Vuelven los Extraños, más brutales e implacables que nunca. Cuando se enteran de que su última víctima, Maya (Madelaine Petsch), sigue viva, regresan para acabar lo que habían empezado. Sin ningún lugar al que huir, ni nadie en quien confiar, Maya debe sobrevivir a otro horrible capítulo de terror, mientras los tres enmascarados la persiguen, dispuestos a matar a cualquiera que se interponga en su camino.

Maspalomas

Dirección: José Mari Goenaga, Aitor Arregi. País: España. Año: 2025. Duración: 115 minutos. Género: Drama. Vejez. Madurez. Homosexualidad. Interpretación: José Ramón Soroiz, Nagore Aranburu, Kandido Uranga, Zorion Egileor, Kepa Errasti. Guion: José Mari Goenaga. Música: Aránzazu Calleja. Fotografía: Javier Agirre Erauso. Productora: Irusoin, Moriarti Produkzioak, Maspalomas pelikula, ETB, RTVE. Distribuidora: Bteam Pictures. Premios y nominaciones: Festival de San Sebastián: Nominada a Concha de Oro: Mejor Película. Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Sinopsis: Tras romper con su pareja, Vicente, de 76 años, lleva la vida que le gusta en Maspalomas: su día a día lo pasa tumbado al sol, de fiesta y buscando el placer. Un accidente inesperado le obliga a regresar a San Sebastián y a reencontrarse con su hija, a quien abandonó años atrás. Vicente tendrá que vivir en una residencia donde se verá empujado a volver al armario y a ocultar una parte de sí mismo que creía resuelta. En este nuevo entorno, Vicente deberá preguntarse si aún está a tiempo de reconciliarse con los demás… y consigo mismo.

Ya no quedan junglas

Dirección: Luis Gabriel Beristáin. País: España. Año: 2025. Duración: 89 minutos. Género: Thriller. Drama. Venganza. Interpretación:  Ron Perlman, Marco de la O, Damián Alcázar, Natti Natasha, Hovik Keuchkerian, Megan Montaner, Unax Ugalde, Karra Elejalde, Rubén Ochandiano, Lorena Bernal. Guion: Juma Fodde. Novela: Carlos Augusto Casas. Fotografía: Javier Salmones. Productora: Coproducción España-México; Esto También Pasará, Ya no quedan junglas AIE, SDB Films, Crea SGR, LKS Next Legal. Distribuidora; Universal Pictures. Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Sinopsis: Theo, conocido como "el Gentleman", es un ex soldado estadounidense cuya existencia solitaria y miserable transcurre entre sus recuerdos de un pasado mejor con su difunta esposa y su habitual cita de los jueves con Olga, una prostituta a la que paga por conversar, recordando quién fue una vez y soñando con lo que podría haber sido. Cuando Olga es asesinada, busca una venganza brutal. El rastro de sangre que deja es seguido por Iborra, una inspectora de policía alcohólica, y Herodes, un despiadado asesino a sueldo. El cruce de estos personajes al límite tendrá un abrupto desenlace cuando el presente venga a cobrarse las deudas del pasado.

Relay

Dirección: David Mackenzie. País: Estados Unidos. Año: 2024. Duración: 112 minutos. Género: Thriller. Intriga. Bolsa. Negocios. Interpretación: Riz Ahmed, Lily James, Sam Worthington, Willa Fitzgerald, Jared Abrahamson, Pun Bandhu, Eisa Davis, Matthew Maher, Seth Barrish, Victor Garber. Guion: Justin Piasecki. Música: Tony Doogan. Fotografía: Giles Nuttgens. Productora: Black Bear Pictures, Thunder Road Pictures, Sigma Films. Distribuidora: Youplanet. Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Sinopsis: Vibrante thriller firmado por David Mackenzie, el director de Comanchería. Sigue al lobo solitario Ash, que se encarga anónimamente de mediar entre empleados descontentos con información sensible de la mala praxis de sus poderosas empresas y los propietarios de las mismas. Contacta con él la residente en Nueva York Sarah, que se llevó un informe sobre los efectos secundarios de los nuevos cultivos de trigo en los que trabajaba, y cuya vida corre peligro, está permanentemente amenazada. Para garantizar su seguridad, Ash tiene un sofisticado sistema para conversar, a través de una compañía que transcribe audios a personas sordas. Y es que un grupo de espías contratado por la antigua empresa de Sarah monitoriza su relación con Ash, para recuperar el sensible informa gratis total.

Sketch. Cuidado con lo que dibujas

Título original: Sketch. Dirección: Seth Worley. País: Estados Unidos. Año: 2024. Duración: 92 minutos. Género: Fantástico. Aventuras. Comedia. Familia. Infancia. Adolescencia. Interpretación: Tony Hale, D'Arcy Carden, Bianca Belle, Kue Lawrence, Kalon Cox, Jaxen Kenner, Genesis Rose Brown, Randa Newman, Allie McCulloch, Nadia Benavides, Dajanae Cole, Josh Inocalla. Guion: Seth Worley. Música: Cody Fry. Fotografía: Megan Stacey. Productora: Morphan Time Productions. Distribuidora: A Contracorriente Films.  Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Sinopsis: Tras la muerte de su mujer, Taylor cuida de sus hijos pequeños, Jack y Amber. Está preocupado con la callada Amber, pues la niña se dedica a pintar dibujos siniestros, plagados de monstruos, a los que incluso pone nombre. La psicóloga le da un cuaderno para reunirlos todos allí. Entretanto su hermano Jack descubre un estanque próximo a su casa que parece tener propiedades mágicas. Tanto es así que cuando el cuaderno de Amber cae al agua, todos los monstruos se liberan y empiezan a sembrar el caos entre la población.

La astronauta

Título original: The Astronaut. Dirección: Jess Varley. País: Estados Unidos. Año: 2025. Duración: 90 minutos. Género: Terror. Ciencia-ficción. Thriller. Extraterrestres. Interpretación: Kate Mara, Laurence Fishburne, Gabriel Luna, Reza Diako, Ivana Milicevic, Macy Gray, Scarlett Holmes. Guion: Jess Varley. Música: Jacques Brautbar. Fotografía: Dave Garbett. Productora: Fuller Media, The Wonder Company, Bee-Hive Productions, Fifth Season, Wild Atlantic Pictures. Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Sinopsis: Tras completar su primera misión espacial, la astronauta Sam Walker es confinada por la NASA en una casa de alta seguridad para su rehabilitación y evaluación médica. Lo que parece un protocolo rutinario se torna inquietante cuando comienzan a ocurrir sucesos extraños en la propiedad. A medida que las anomalías se intensifican, Sam empieza a sospechar que no regresó sola del espacio. Entre la paranoia y la realidad, deberá enfrentar la posibilidad de que algo desconocido y extraterrestre haya cruzado el umbral con ella, poniendo en peligro mucho más que su cordura.

El vengador tóxico

Título original: The Toxic Avenger. Dirección: Macon Blair. País: Estados Unidos. Año: 2023. Duración: 102 minutos. Género: Terror. Comedia. Comedia de terror. Remake. Interpretación: Peter Dinklage, Jacob Tremblay, Taylour Paige, Kevin Bacon, Sarah Niles, Julia Davis, Julian Kostov y Elijah Wood, Sarah Niles, Julia Davis, Julian Kostov, Jonny Coyne, David Yow, Jane Levy, Macon Blair. Guion: Macon Blair. Personaje: Lloyd Kaufman, Joe Ritter. Fotografía: Dana Gonzales. Productora: Legendary Pictures, Troma Films. Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Sinopsis: Ambientada en un mundo de fantasía que sigue a Winston, un estereotipado debilucho que trabaja como conserje en el gimnasio Garb-X y se le diagnostica una enfermedad terminal que sólo puede curarse con un tratamiento costoso que su codicioso y hambriento empleador se niega a pagar. Después de decidir tomar el asunto en sus propias manos y robar a su empresa, Winston cae en un pozo de desechos tóxicos y se transforma en un monstruo deforme que se propone hacer el bien y vengarse de todas las personas que le han hecho daño. Es la quinta entrega de la serie de películas El vengador tóxico (The Toxic Avenger).

Los lazos que nos unen

Título original: L'attachement. Dirección: Carine Tardieu.País: Francia. Año: 2024. Duración: 106 minutos. Género: Drama. Interpretación: Valeria Bruni Tedeschi, Pio Marmaï, Vimala Pons, Raphaël Quenard, César Botti, Catherine Mouchet, Marie-Christine Barrault, Mélissa Barbaud, Florence Muller, Eric Verdin, Lise Gervais, Nikita Faulon. Guion: Carine Tardieu, Raphaële Moussafir, Agnès Feuvre, Agnès de Sacy. Novela: La intimidad de Alice Ferney. Música: Eric Slabiak. Fotografía: Elin Kirschfink, Yann Maritaud. Productora: Coproducción Francia-Bélgica; Karé Productions, France 2 Cinema, UMédia, Sofica La Banque Postale Image 17, Cofimage 35, Indéfilms 12, Cinécap, Cinéaxe 5, SG Image 2022, uFund, Cofinova, Région Bretagne, CNC, Canal+, Ciné+OCS, Procirep, Société des Producteurs de L'Angoa, Le Tax Shelter du Gouvernem, Investisseurs Tax Shelter, Diaphana Distribution. Distribuidora: Karma Films , Syldavia Cinema. Premios y nominaciones: Festival de Venecia: Nominada a Mejor película (Orizzonti). Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Sinopsis: El inesperado viaje emocional de Sandra, una librera decididamente independiente cuya vida da un vuelco al implicarse sin buscarlo con la familia de su vecino Alex, un joven arquitecto viudo con dos hijos pequeños.

Sigue volando

Título original: Hotsureru. Título alternativo: Fly On. Dirección: Takuya Katô. País: Japón. Año: 2023. Duración: 83 minutos. Género: Drama. Romance. Interpretación: Mugi Kadowaki, Shota Sometani, Haru Kuroki, Kentaro Tamura, Kanji Furutachi. Guion: Takuya Katô. Música: Eiko Ishibashi. Fotografía: Shota Nakajima. Productora: Coproducción Francia-Japón; Film-makers. Distribuidora: Adso Films. Premios y nominaciones: Cinema Jove: Premio Luna de Valencia. Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Sinopsis: Tras la inesperada muerte de su amante, Watako regresa en silencio a su rutina como esposa, sin compartir con nadie el dolor del accidente. Encerrada en una aparente normalidad, intenta seguir adelante, pero los sentimientos reprimidos comienzan a aflorar, removiendo heridas que creía cerradas. A medida que la culpa, el deseo y la verdad la empujan al límite, Watako comprende que su vida no puede continuar como antes. Decidida a recuperar el control, emprende un valiente camino para enfrentar sus conflictos, sus decisiones y a sí misma. Una mirada íntima sobre el duelo y la incomunicación en la sociedad japonesa. 

Chica quinqui

Dirección: Alicia Bel. País: España. Año: 2025. Duración: 103 minutos. Género: Comedia. Drama. Romance. Interpretación: Luth Inat, Olga Navarro, Ana Serrano, María Sánchez, Ana López, Alicia Navarro, Alba Dunas. Guion: José Luis Pedrero. Música: José Manuel Moles, José Luis Pedrero, Pedro Velardiez. Fotografía: Miguel Campos. Productora: Asismaval. Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Sinopsis: Tras la devastadora e inesperada muerte de su padre, Isabel, una joven adolescente de 17 años, se ve obligada a mudarse con su madre a un barrio periférico de la ciudad de Valencia. Convencida a tener un nuevo comienzo desde cero, sus planes para adaptarse a este nuevo entorno se ven complicados cuando se convierte en víctima de bullying en su escuela, enfrentándose al rechazo de las personas y la humillación de un grupo de acosadores que le hacen su día a día imposible. Sin embargo, en medio de esta enorme soledad, conoce a Lola, una joven conflictiva y sumamente rebelde que vive bajo la presión de su familia, quienes la obligan a vender drogas y delinquir. A pesar de sus claras diferencias y los conflictos iniciales, ambas se alían para salir adelante. Pero a medida que pasan más tiempo juntas, comienzan a forjar una estrecha relación amistosa donde se apoyan mutuamente hasta descubrir el amor.

Hybris

Dirección: David Rubira. País: España. Año: 2025. Duración: 100 minutos. Género: Thriller. Interpretación: Miguel Hermoso Arnao, Sandra Arpa, Sergio Otegui, Tarik Saornil, Pedro Girón, Joel López, Mar Calvo, Raquel Farias, Jorge Turlán. Guion: David Rubira. Producción: Marco Leclere, Mónica Vicente. Música: Marco Werba. Fotografía: Mario Leclere. Montaje: David Rubira. Dirección artística: Carolina Muñoz. Vestuario: Cristina López, Aurora Peláez, Sara Sedeño. Productora: ARTetika, RubiraFilms. Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Sinopsis: Hybris es una anunciada cinta de drama y suspenso, escrita y dirigida por David Rubira (cortometraje Colmena), que sigue la historia de Román, un hombre que, cansado de los abusos y el desinterés de su hijo Hugo, decide denunciarlo con la policía luego de que Hugo robo las joyas de su madre. Sin embargo, tras varias semanas de búsqueda, las autoridades piensan que Hugo ha fallecido, lo que lleva a Román a buscar la ayuda de Sergio, un amigo intimo de la familia y policía para hacerse cargo de la investigación. Pero también Román acude a Axel, un joven conflictivo que también busca pistas para encontrar a Hugo o a su asesino, aunque también tiene sus propios planes para toda su familia.

Un barco en el jardín

Título original: Slocum et moi. Dirección: Jean-François Laguionie. País: Francia. Año: 2024. Duración: 75 minutos. Género: Animación. Drama. Familia. Años 1950. Reparto: Animación. Guion: Jean-François Laguionie, Anik Leray. Música: Pascal Le Pennec. Fotografía. Productora: Mélusine Productions, JPL Films, TVR, Pupps' Motion Studio, Studio 352, L'Incroyable Studio. Distribuidora: Pack Màgic. Premios y nominaciones:  Festival de Annecy: Nominada a Cristal al Mejor largometraje. Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Sinopsis: Entre sus sueños de aventuras y una mirada tierna hacia sus padres, el joven François pasa de la infancia a la edad adulta. A principios de los años 50, en el jardín familiar junto al río Marne, Pierre comienza la construcción de la réplica del Spray, barco legendario con el que Joshua Slocum completó la vuelta al mundo en solitario haciéndose famoso en 1895. Se embarcan en esta aventura su mujer Geneviève y su hijo François, que acaba de cumplir 11 años, y siente pasión por este proyecto y por la figura referente de Slocum, símbolo de libertad.

El tesoro de Barracuda

Dirección: Adrià García. País: España. Año: 2025. Duración: 87 minutos. Género: Animación. Aventuras. Infantil. Piratas. Reparto: Animación. Guion: Amèlia Mora. Novela: Llanos Campos. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Animación. Productora:Inicia Films, Hampa Studio, El tesoro de Barracuda AIE. Coproducción internacional con Belvision. Distribuidora: Filmax. Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Sinopsis: El capitán Barracuda sueña con encontrar el legendario tesoro de Phineas Crane, el más codiciado del Caribe. Para lograrlo, cuenta con la ayuda de Chispas, una valiente niña que se hace pasar por niño para sobrevivir entre su temida tripulación. Todo cambia cuando hallan un misterioso libro de memorias de Crane, que esconde pistas importantes. Chispas, la única que sabe leer a bordo, se convierte en pieza clave de la expedición. Entre peligros, secretos y aventuras, ambos se embarcan en una búsqueda épica donde el conocimiento y la valentía serán sus mayores tesoros. Libre versión inspirada en el libro El tesoro de Barracuda de Llanos Campos Martínez