Como "Extraños en un tren", de Alfred Hitchcock, trece películas que tienen una ventana a una pista (I)

Recordando el thriller tenístico de Alfred Hitchcock, repasamos de algunas escenas de culto sobre tierra, hierba o cemento...

Los aficionados al tenis están invitados a dejar temporalmente su raqueta para volver a ver, Extraños en un tren (Strangers on a Train, 1951), un clásico de Hitchcock donde un partido crea suspense. Guy (Farley Granger) debe ganar su final lo más rápido posible para evitar quedar atrapado por un chantajista. La parte (ficticia) incluye imágenes muy reales de un partido de Copa Davis filmadas por Alfred Hitchcock en el mítico estadio de Forest Hills.

Las películas en las que damos golpes a la bolita amarilla son más raras que las dedicadas al boxeo o incluso al golf. Y preocupan más a los jugadores aficionados que a los profesionales. El tenis, escriben Julien y Gérard Camy en su libro-resumen Sport & cinema, “requiere una técnica difícil de comprender por los actores si no son excelentes jugadores, al mismo tiempo que juegan al golf. La brevedad de las tomas hace que sea más fácil hacer trampa, utilizando ángulos de cámara y edición. Descubra aquí nuestro gran slam de películas sobre pistas de tenis, en orden cronológico de aparición en pantalla.

Las vacaciones del señor Hulot (Les vacances de Monsieur Hulot, 1953)

“El tenis, juego de habilidad, fuerza y ​​técnica, tiene […] un poder burlesco”, según Julien y Gérard Camy. Hulot el patoso (Jacques Tati) lo demuestra con su servicio en un estilo poco ortodoxo pero efectivo. Irresistible.

El apartamento (The Apartment, 1960)

Ninguna cancha de tenis, y mucho menos un partido de dos o tres sets en la obra maestra de Billy Wilder. Pero un uso inteligente de la raqueta, por decir lo mínimo, se transformó aquí en… un escurridor de espaguetis.

Blow-Up (Deseo de una mañana de verano) (Blow-up, 1966)

La película pop de Michelangelo Antonioni termina con un partido de tenis... sin raquetas ni pelotas. Pero cuando uno de los mimos finge golpear demasiado fuerte, la cámara sigue la pelota imaginaria mientras se aleja volando y luego rueda hacia la hierba. La magia del cine...

Dentro de cien años todos calvos (Nous irons tous au paradis, 1977)

El partido de dobles entre amigos que se va de las manos es un clásico del tenis en pantalla. Tras haber sido engañados por un agente inmobiliario, los héroes de la película de Yves Robert se convierten en propietarios de una casa con pista de tenis... ¡una prolongación de las pistas de Roissy! Para soportar el ruido de los aviones, los cuatro amigos tienen que jugar con protectores en las orejas. Obviamente, es molesto...

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Homenaje a Akira Kurosawa, en el vigésimo quinto aniversario de su fallecimiento (III)

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Rashomon (Rashômon, 1950)

Japón, siglo XII. En Kioto, bajo las puertas del derruido templo de Rashomon, se guarecen de la torrencial lluvia un leñador, un sacerdote budista y un peregrino. Los tres discuten sobre el juicio a un bandido, acusado de haber dado muerte a un señor feudal y violado a su esposa. Los detalles del crimen son narrados desde el punto de vista del bandido, de la mujer, del señor feudal -con la ayuda de un médium- y del leñador, único testigo de los hechos. León de Oro en Venecia, esta película dio a conocer a Akira Kurosawa en Occidente. La película, al hablar de lo arduo que es alcanzar la verdad, responde a lo que, según Kurosawa, es nexo común de su cine: “El único tema, en el que pienso puede resumirse, es en esta pregunta: ¿por qué los hombres no son capaces de ser más felices juntos?”. Obra maestra indiscutible del genial director japonés.

El idiota (Hakuchi, 1951)

Memorable traslación, a un escenario japonés, de la historia de amores turbulentos concebida por el escritor ruso Fiódor Dostoyevski, el autor favorito de Akira Kurosawa. El director nipón admiraba su sinceridad a la hora de describir la naturaleza humana, hasta el punto de que consideraba que lo que en él parecía subjetivo, era increíblemente objetivo. Y a pesar de que el estudio Shochiku le obligó a cortar la película, estaba muy satisfecho de él, aunque decía haberse sentido como un luchador de sumo a la hora de sacarlo adelante. Kurosawa demuestra, como haría con Shakespeare, su capacidad de asimilar historias de otras culturas. Y describe a la perfección el triángulo amoroso, que incluso alimenta ideas homicidas. El director recordaba cómo en una escena, siguiendo a Dostoyevski, pidió a Setsuko Hara que se riera cuando Masayuki Mori hace un comentario sobre ella, diciendo que es muy buena. Mori se quedó sorprendido, que era la reacción que Kurosawa buscaba.

Vivir (Ikiru, 1952)

Una de las obras maestras de Akira Kurosawa. Cuenta el replanteamiento vital que tiene un funcionario de vida gris, cuando descubre que le quedan pocos meses de vida, debido a una grave enfermedad. Tal situación le hace preguntarse acerca de la importancia de las cosas, y le conduce a tomarse en serio un proyecto que habían presentado al organismo en que trabaja, y al que no había prestado la menor atención, con su habitual actitud cansina. El maestro nipón plantea así una hermosa meditación sobre la muerte, acerca de la cual él mismo comentó: "A veces pienso en mi muerte... y pienso cómo podré resistir el respirar hasta el último aliento. Viviendo una vida así, ¿cómo podré abandonarla? Siento que me queda tanto por hacer... Siento que he vivido tan poco. Entonces me quedo pensativo, pero no triste. De este sentimiento nació Vivir.

Los siete samuráis (Shichinin no Samurai, 1954)

La más popular de las películas de Akira Kurosawa, y para muchos la mejor. Cuenta cómo una ciudad que sufre ataques constantes de los bandidos, contrata a siete valientes samuráis sin empleo, para que les defiendan. Uno de ellos, el veterano, es el que se encarga de reclutar a los otros, de personalides diferentes, e incluso en un caso, valía dudosa. La película describe los preparativos de defensa, y la convivencia con los paisanos a los que deben proteger. Todo confluirá en el momento climático del ataque definitivo de los forajidos. Como es bien sabido, la película fue tan popular que en Estados Unidos se rodó un remake con formato de western, Los siete magníficos de John Sturges. Se trató de un rodaje complicado, cerca de un año, y que produjo mucho metraje. El presupuesto fue sobrepasado, y el estudio Toho se planteó seriamente prescindir de los servicios del director. Da idea de los problemas también el hecho de que la película conoció varios montajes. Fue la primera película en que Kurosawa rodó escenas con varias cámaras, concretamente tres. La cosa tenía su lógica, pues las escenas de acción eran muy costosas y no se podía correr el riesgo de perder algún plano de interés; pero, a partir de entonces, tal modo de funcionar se convirtió en habitual en el director, incluso para escenas más íntimas. La película fue muy innovadora en lo concerniente al cine de acción, e introdujo algunos elementos novedosos, que luego serían copiados una y mil veces, como el clásico plano en que un grupo numerosos de jinetes asoma poco a poco en lo alto de una colina. Por su parte, Kurosawa era un rendido admirador de John Ford, algo que se puede apreciar en este cinta. Del cineasta estadounidense dijo que era alguien al que le gustaría parecerse, a medida que se hacía mayor.

Crónica de un ser vivo (Ikimono no Kiroku, 1955)

Lúcida mirada del maestro Akira Kurosawa a los miedos de la era atómica. Kiichi es un anciano obsesionado con el peligro nuclear, tras las bombas de Hiroshima y Nagasaki. Así que primero pretende construirse un refugio nuclear, y cuando falla el plan piensa en mudarse con su familia a Sudamérica. El director nipón se mueve en un delicado equilibrio entre la farsa con su punto de humor y la triste paranoia, dando al espectador el punto de vista de un voluntario que ayuda a estudiar el caso. Kurosawa volvería a dar vueltas al tema del pánico a la energía atómica, tan arraigado en su país, en Rapsodia en agosto.

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Clásicos de cine: Estambul

Estambul (Journey into Fear, 1943), de Norman Foster y Orson Welles

El ingeniero estadounidense Howard Graham (Joseph Cotten) es enviado por cuestiones de trabajo a Estambul, y en un club nocturno se ve atraído por la bailarina Josette Martel (Dolores del Río). Durante un número de magia, el mago es asesinado en su lugar. Cuando el coronel Haki (Orson Welles), de la policía de Ataturk, abre una investigación, informa a Graham de que su misión comercial es clave para la modernización de la marina de guerra turca y que los nazis han encargado a un asesino profesional, Peter Banat (Jack Moss), que le mate. Haki organiza para Graham un pasaje, supuestamente secreto, en un carguero por el mar Negro. Entre sus compañeros de viaje se encuentran Josette y su empresario-amante, Gogo Martel (Jack Durant), un agente turco con falsa identidad, un jefe nazi y Banat. Incapaz de convencer al capitán (que no habla inglés y está borracho) para dar la vuelta, Graham se encuentra atrapado a bordo de la nave, sin saber en quién confiar. Cuando el barco llega a Batumi (Georgia), Banat y sus compinches introducen a Graham en un coche para asesinarlo. Un pinchazo fortuito obliga a una parada en una calle llena de gente, circunstancia que Graham aprovecha para escapar. Bajo una tormenta llega hasta el hotel donde su esposa Stephanie (Ruth Warrick) le espera, pero también sus enemigos. Graham huye por la ventana y, en las cornisas del hotel, tiene lugar un tiroteo entre los nazis y el coronel Haki, que ha llegado para ayudar a Graham, con el resultado de que los villanos caen al vacío bajo la lluvia.

Basada en la novela homónima de Eric Ambler. Tras Ciudadano Kane y El cuarto mandamiento, Orson Welles sufre para controlar creativamente esta película ya que comenzó a dirigirla él pero fue, finalmente, Norman Foster, quien llevó la batuta de la película.

Esta cinta fue la última realizada de manera continua en Hollywood por la actriz mexicana Dolores del Río, antes de volver a su país a integrarse a su industria fílmica. Dolores volvió a Hollywood en 1947.

Películas de la semana: 9 de octubre

El coleccionista danés: De Delacroix a Gauguin

Título original: Exhibition On Screen: The Danish Collector - Delacroix To Gauguin.
Dirección: David Bickerstaff. País: Reino Unido. Año: 2021. Duración: 81 minutos. Género: Documental. Pintura: Reparto: Documental. Música: Asa Bennett. Distribuidora: A Contracorriente Films. Estreno en España: 9 de octubre de 2023. Sinopsis: El documental de David Bickerstaff, con música de Asa Bennett, muestra una serie de obras impresionistas en alta definición y con todo lujo de detalle a través de Willhelm Hansen, un empresario holandés con una enorme colección de arte. Una historia de un hombre visionario que a día de hoy cuenta con una valiosa colección de pinturas que en otra época no tenían valor alguno. La pareja adinerada holandesa formada por Willhelm y Henny Hansen coleccionaron una serie de pinturas impresionistas que se expusieron en el verano de 2020 en la Royal Academy Of Arts en Londres. Su colección se encuentra en su casa de verano Ordrupgaard, a las afueras de Copenhague. Este viaje por algunos de los mejores cuadros de arte francés del siglo XIX se encuentran bajo la posesión de los Hansen y, mediante este documental podremos acceder a ellos gracias a una mirada concreta que supo el valor que tenían cuando decidió comprarlos. Wilhelm vivió en Dinamarca durante el siglo XIX y fue uno de los pocos coleccionistas que se interesaron por las obras de estilo impresionista. En esos tiempos, los pintores de ese estilo eran denigrados y no se les daba ningún valor. En la casa Hansen podremos dar un tour completo a lo que Londres le otorgó una exhibición completa.

Homenaje a Akira Kurosawa, en el vigésimo quinto aniversario de su fallecimiento (II)

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Un domingo maravilloso (Subarashiki nichiyôbi, 1947)

La película está situada en tiempo de posguerra, en Japón. Los personajes principales son Yuzo y Masako, un matrimonio que espera en la estación de tren para realizar un viaje en su día libre: lo que buscan que sea un domingo inolvidable. Con poco dinero pero mucho optimismo, la película viaja por las travesías de la pareja, que intenta vivir las mejores horas de su vida en el Tokio de la posguerra. Visitan distintas barrios de la ciudad, afectadas por la pobreza y la destrucción vigente en el Japón de su época, pero observadas con ojos de enamorados. El amor que se tienen entre ellos y con el que encaran su viaje, su pequeño descanso,  les permite soñar con un futuro próspero para sí mismos y para su ciudad. Kurosawa explota aquí su lado sensible y su capacidad de realizar obras maestras desde la sencillez. Es un relato en honor a la historia japonesa, vista con ojos del presente. Una mirada esperanzadora que refleja todas las consecuencias trágicas después de la guerra, pero vistas con ojos sabios y plantados en un presente mejor.  

El ángel borracho (Yoidore tenshi, 1948)

Sanada (Takashi Shimura) es un médico con un carácter muy peculiar, que vive atormentado por lo que pudo haber sido su vida y no fue ahogando sus penas en alcohol, aunque a pesar de todo, ejerce su labor con una dedicación casi absoluta en un barrio periférico del Tokio de postguerra, donde la mafia impone su ley en las calles. Un buen día, el doctor recibe a altas horas de la noche a un hombre (Toshirô Mifune) enfermo de tuberculosis que le pide que le cure una herida. A partir de este momento se iniciará una extraña relación entre ambos. La primera de las tres veces que Kurosawa abordó el género de cine negro.

El perro rabioso (Nora inu, 1949)

Ambientada en la posguerra japonesa tras la II Guerra Mundial (1939-1945). Con la estructura del thriller americano y los convencionalismos japoneses, narra la historia de un joven detective al que roban su pistola. Agobiado por un sentimiento de deshonor más que de pérdida, emprende con un veterano compañero una frenética e incansable búsqueda que les lleva a los bajos fondos de Tokio. Gran thriller policiaco segundo de sus realizaciones del género negro.

Duelo silencioso (Shizukanaru Kettô, 1949)

Kyoji Fujisaki (Mifune), un joven cirujano militar, contrae la sífilis mientras cura a un herido durante la guerra. Acabada la contienda, la enfermedad será motivo de discusión entre el médico y su prometida. Finalmente, él no tendrá más remedio que enfrentarse a un grave dilema: aceptar, en su estado, las responsabilidades de la vida familiar o dedicarse en cuerpo y alma a la medicina. Magistral melodrama de la primera etapa de Kurosawa de notable carga humanista y carácter reflexivo sobre la naturaleza del ser humano, en el que los silencios son tan importantes como las palabras y el nudo dramático resulta creíble y emotivo. 

Escándalo (Shubûn, 1950)

En 1950, Kurosawa escribe y dirige Escándalo, una comedia dramática que también contiene una crítica social pero, esta vez, dirigida hacia el periodismo y el rol de los paparazzis. Un artista plástico y una cantante, ambos muy famosos, se cruzan de casualidad en un viaje. Estos son descubiertos por los paparazzis de una revista, Amour, que los invade con fotografías y  les adjudica un romance. El artista se decide, entonces,  por demandar a la revista. Aparece aquí la figura de su abogado que necesita el dinero desesperadamente por lo que, en vez de defender a su cliente, acepta un soborno de la revista para perder el juicio. La trama de esta comedia gira en torno a los personajes y a sus conflictos, llevados a cabo con humor pero no sin realizar un análisis, característico de Kurosawa, frente a fenómenos sociales presentes por fuera del cine, como lo es, en el caso de Escándalo, el periodismo sensacionalista.

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Cumplió 25 años: Es... el gurú, una incontrolable tentación

El 9 de octubre de 1998 se estrenó la película estadounidense Es... el gurú, una incontrolable tentación (Holy Man), dirigida por Stephen Herek e interpretada por Eddie Murphy, Jeff Goldblum, Kelly Preston, Robert Loggia, Jon Cryer, Eric McCormack, Sam Kitchin. Productora: Touchstone Pictures, Caravan Pictures. Duración: 109 minutos. 

Sinopsis argumental: "G" es un presunto predicador que es contratado por un ejecutivo de una cadena de televisión para presentar un programa de teletienda. "G" es un gurú que renuncia en su vida diaria al materialismo de la sociedad, pero el ejecutivo de televisión ve algo especial en él, y es un gran poder de persuasión. Tal y como esperaba, el éxito que alcanza le permite hacerse con una cadena de compras y prácticamente con el país entero.

Comentario: La película pretende ser una comedia crítica al consumismo y el fanatismo.

Cumplió 25 años: Cómplices

El 8 de octubre de 1998 se estrenó la película argentina Cómplices, dirigida por Néstor Montalbano e interpretada por Oscar Martínez, Jorge Marrale, Leticia Brédice, Mauricio García, José Luis Alfonzo, Dora Baret, Jorge Rivera López, Walter Balzarini, Catalina Speroni, Rafael Morales, Jorge Prado, Sonia Gajnaj, Eduardo Rojo, Miguel Ángel Paludi, Audry Gutiérrez Alea, Milagros Orellana, Martín Kahan, Arturo Goetz, Arnaldo Benzal. Productora: Raúl J. Naya Producciones S.A., Film Suez S.A. Duración: 104 minutos. 

Sinopsis argumental: Julio (Oscar Martínez) y El Polaco (Jorge Marrale), en años lejanos, fueron amigos inseparables en su pueblo natal, cercano a Necochea. La vida del primero estaba regida por la obediencia a su madre, el despotismo de su tío y un estilo de honradez. El Polaco, en cambio, estaba más cerca de la marginalidad y la violencia. Julio, convertido en un hombre de negocios, se radica en Estados Unidos. El Polaco siguió su rumbo en el lugar de aquellas travesuras a veces muy crueles..
Nominaciones y premios: Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina, Premios Cóndor de Plata: Jorge Marrale ganador del Premio al mejor actor y nominada al Premio a la mejor opera prima.
Comentario: Interesante thriller que atrapa, gracias al sólido trabajo de los actores.

Cumplió 25 años: Beloved

El 8 de octubre de 1998 se estrenó la película estadounidense Beloved, dirigida por Jonathan Demme e interpretada por Oprah Winfrey, Danny Glover, Thandiwe Newton, Kimberly Elise, Beah Richards, Lisa Gay Hamilton, Harry Northup. Productora: Touchstone Pictures. Duración: 172 minutos.

Sinopsis argumental: Ohio, 1873. Ocho años después de la Guerra Civil, Sethe, una esclava fugitiva que ha perdido a toda su familia, excepto a una hija, intenta rehacer su vida junto al comprensivo Paul D. La aparición de una misteriosa joven llamada Beloved le hace revivir el pasado, ya que posiblemente se trata del fantasma de una de sus hijas a la que asesinó para evitar que creciese como esclava. 
Nominaciones y premios: Nominada al Oscar: Mejor vestuario; Asociación de Críticos de Chicago: Mejor actriz revelación (Elise). 3 nominaciones; Premios Satellite Awards. 1 premio. 8 nominaciones.

Comentario: Basada en la novela homónima de Toni Morrison de 1987, quien había ganado el Premio Pulitzer al año siguiente de publicarla y el Premio Nobel de Literatura en 1993. Se trata de una película difícil, espesa como el chocolate, hermética como caja sin cerradura, pero en la que las piezas, aparentemente dispersas, van poco a poco encajando hasta dar una trama coherente. Son casi tres horas de metraje, de duro y descarnado drama de atmósfera malsana, donde se hacen presente con frecuencia elementos mágicos de una cultura diferente. Hechicería, casas embrujadas, extrañas visiones, pasiones abominables, conviven con la tragedia de tintes realistas a la que abocan los excesos de los negreros.

Cumplió 25 años: El pelador y el asesino

El 8 de octubre de 1998 se estrenó la película china El emperador y el asesino, también conocida como El primer emperador (Jing Ke ci Qin Wang), dirigida por Chen Kaige e interpretada por Gong Li, Zhang Fengyi, Li Xuejian, Zhou Sun, Hiu Wing, Gu Yongfei, Wang Zhiwen, Lü Xiaohe, Chen Kaige, Pan Changjiang, Zhou Xun, Cong Zhijun, Li Longyin, Li Qiang, Zhao Benshan, Ding Haifeng, Li Hongtao, Wei Chao. Productora: New Wave Co, Beijing Film Studio, Canal+, Nippon Film Development and Finance, China Film Group, Pricel. Duración: 163 minutos. 

Sinopsis argumental: En el siglo III antes de Cristo, el ambicioso rey de Quin, Ying Zheng, está obsesionado con la unificación de China y con convertirse en su primer emperador. Para lograr su sueño inicia un reinado de terror, guerras y brutalidad a fin de atemorizar al resto de los imperios vecinos. Tras él está la Dama de Zhao, su amante desde la infancia, que en su deseo de ayudarlo maquina una falsa conspiración de asesinato que sirva de justificación para la invasión del vecino reino de Yan, iniciando así el imperio con que sueña Ying Zheng.

Nominaciones y premios: British Independent Film Awards (BIFA): Nominada como mejor película lengua no inglesa; Festival de Cannes: Premio Técnico; Premios Satellite Awards. 4 nominaciones; Asociación de Críticos Norteamericanos (NBR). 1 nominación.

Comentario: El director Kaige Chen, responsable de la aclamada Adiós a mi concubina, dirigió esta cinta que reúne la estética clásica del género épico oriental con un tono dramático heredado del cine de Akira Kurosawa. Pese a la trascendencia histórica de las tramas y a la sobrecogedora ambientación, el realizador se centró sobre todo en el aspecto humano de la historia, en unos personajes que viven profundamente sus pasiones. Una fotografía cuidada y unos decorados mimados al detalle completan la labor de actores sobresalientes como Gong Li, Li Xuejian y Zhang Fengyi. Inspirada en el intento de asesinato de Jing Ke contra el emperador Qin Shi Huang en el año 227 a. C. 

Homenaje a Akira Kurosawa, en el vigésimo quinto aniversario de su fallecimiento (I)

Akira Kurosawa es uno de los grandes directores que ha dado la historia del séptimo arte y un puente cinematográfico entre Oriente y Occidente. Una de sus películas más famosas, Los siete samuráis, fue reconvertida en un popular wéstern: Los siete magníficos de John Sturges; Rashomon dio pie a Cuatro confesiones de Martin Ritt y el director italiano Sergio Leone tomó prestada la trama de Yojimbo para transformarla en Por un puñado de dólares. Incluso George Lucas siempre ha reconocido que La fortaleza escondida tuvo una importantísima influencia en la génesis de La guerra de las galaxias. Al mismo tiempo, Kurosawa hizo suyas grandes obras de la literatura occidental. Llevó a la pantalla El idiota de Dostoievski, Bajos fondos de Gorki y algunas tragedias de Shakespeare. Macbeth se convirtió en Trono de sangre y El rey Lear en Ran.

El 6 de septiembre se cumplieron 25 años de la muerte de Akira Kurosawa, una fecha que en TCM no podíamos dejar pasar. Todos los miércoles del mes la programación de nuestro canal se llenará con las historias de este gigante de la cinematografía mundial emitiendo algunas de sus mejores películas, como Trono de sangre, Yojimbo, Los sueños de Akira Kurosawa, El infierno del odio,  Rashomon -por la que en 1951 ganó el León de oro de la Mostra de Venecia- o Los siete samuráis, que obtuvo el León de Plata en el mismo festival tres años después.

En el cine de Kurosawa encontramos historias de guerreros, ambientadas en el Japón tradicional, pero también pequeños relatos protagonizados por seres normales y corrientes. Es el caso de Vivir, en la que un funcionario encuentra sentido a su vida cuando le diagnostican un cáncer, o Dersu Uzala, uno de los cantos a la naturaleza más bellos que se filmado nunca en el cine, la relación entre un cazador y un militar en el marco de la estepa siberiana.

Akira Kurosawa murió a los 88 años, el 6 de septiembre de 1998, dejando un inmenso legado cinematográfico, del que destacamos las siguientes películas:

La leyenda del gran judo (Sugata Sanshirô, 1943)

1883, a principios de la era Meijii. Sanshiro Sugata es discípulo de Shogoro Yano, un maestro de judo. A lo largo de su aprendizaje y de sus combates aprenderá los principios y valores primordiales de una filosofía que le permitira guiar sus pasos en la vida. Ópera prima de Akira Kurosawa, que llevó a la gran pantalla su pasión por el judo con esta épica adaptación de la obra de Tsuneo Tomita, hijo de un legendario luchador de judo. 

La más bella (Ichiban utsukushiku, 1944)

Durante la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), varias mujeres trabajan en una empresa de instrumentos de óptica. Bajo el control paternalista del director de la fábrica, luchan para conseguir la máxima calidad en difíciles condiciones. A pesar de las enfermedades y los problemas con los que se enfrentan, viven entregadas a su trabajo y a la causa de su país. El jefe de equipo, cuya mujer se está muriendo, se esforzará por dar ejemplo a los demás mostrando una voluntad de acero. Es una historia de esfuerzo y superación colectiva que no puede escapar de esa vertiente propagandística, pero que tiene momentos que demuestran la gran maestría del realizador. Durante el proceso de rodaje las actrices protagonistas tuvieron que convivir en la fábrica real en la que transcurre la trama.

Los hombres que caminan sobre la cola del tigre (Tora no o wo fumu otokotachi, 1945)

Japón medieval. Un samurai huye de su hermano. Tanto él como sus guardaespaldas tienen que disfrazarse de sacerdotes para atravesar un bosque y eludir a los guardias de la frontera. Un titulo precioso para la única película del director que adapta el teatro Kabuki. En concreto está basada en Kanjincho, una de las más excelsas, que se trata a su vez de una adaptación que el escritor Namiki Gohei III realizó hacia el 1840 de otra famosa obra anónima de Noh titulada Ataka.

La nueva leyenda del gran judo (Zoku Sugata Sanshirô AKA Sanshiro Sugata II, 1945)

Sanshiro Sugata tiene que enfrentarse a nuevos retos y luchar contra adversarios cada vez más difíciles, pero no por ello dejará de aprender, a través de las artes marciales, una filosofía que le permitirá orientar su vida. Akira Kurosawa regresa al Yokohama de 1887, para hablarnos de respeto por las grandes tradiciones de su país, para hacer un sensible alegato contra los negocios sucios en el deporte y para mostrar a pesar de su escepticismo que, el cuidado de Dios es acción perfecta, siempre que el hombre actúa manteniendo su dignidad.

No añoro mi juventud (Waga seishun ni kuinashi, 1946)

Se permite una revisión ideológica, desde la actualidad, sobre la historia de Japón y  encierra en su trama una importante crítica social. La protagonista, Yukie, es hija de un profesor universitario. Su padre es echado de su trabajo por sus enseñanzas políticas a los jóvenes alumnos. La censura es un tema principal en este film de Kurosawa, dado que el novio de Yukie también es atacado por esta. El joven es arrestado y ejecutado por ser acusado de espionaje.

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Efemérides de cine: Times Have Changed

El 7 de octubre de 1923 se estrenó la película estadounidense Times Have Changed, dirigida por James Flood e interpretada por William Russell, Mabel Julienne Scott, Charles West, Martha Mattox, Edwin B. Tilton, George Atkinson, Allene Ray, Dick La Reno, Gus Leonard, Jack Curtis. Productora: Fox Film. Duración: 50 minutos. 

Sinopsis argumental: Mark O'Rell es enviado a Nueva York por la tía Cordelia de su esposa para recuperar una valiosa colcha. En la ciudad encuentra la colcha, descubre que esconde joyas robadas y, en consecuencia, es perseguido tanto por la policía como por los ladrones. La policía atrapa a los ladrones, Mark consigue la colcha y regresa sano y salvo a casa.

Comentario: Un moderado drama serio y refinado por un humor irresistible. 

Hace 100 años: La bailarina española

El 7 de octubre de 1923 se estrenó la película estadounidense La bailarina española (The Spanish Dancer), dirigida por Herbert Brenon e interpretada por Pola Negri, Antonio Moreno, Wallace Beery, Kathlyn Williams, Gareth Hughes, Adolphe Menjou, Edward Kipling, Anne Shirley, Charles A. Stevenson, Robert Agnew, James Wong Howe. Productora: Paramount Pictures. Duración: 105 minutos. 

Sinopsis argumental: César de Bazán, el héroe de la historia, es condenado a muerte por blandir su espada en un día festivo. Maritana, que ha salvado la vida del hijo de la Reina, suplica perdón para César.

Comentario: Adaptación de la obra de Victor Hugo. La película restaurada ha sobrevivido hasta nuestro días. 

Cumplió 25 años: Es... el gurú, una incontrolable tentación 9-10-1998

El 9 de octubre de 1998 se estrenó la película estadounidense Es... el gurú, una incontrolable tentación (Holy Man), dirigida por Stephen Herek e interpretada por Eddie Murphy, Jeff Goldblum, Kelly Preston, Robert Loggia, Jon Cryer, Eric McCormack, Sam Kitchin. Productora: Touchstone Pictures, Caravan Pictures. Duración: 109 minutos. 

Sinopsis argumental: "G" es un presunto predicador que es contratado por un ejecutivo de una cadena de televisión para presentar un programa de teletienda. "G" es un gurú que renuncia en su vida diaria al materialismo de la sociedad, pero el ejecutivo de televisión ve algo especial en él, y es un gran poder de persuasión. Tal y como esperaba, el éxito que alcanza le permite hacerse con una cadena de compras y prácticamente con el país entero.

Comentario:Lo nunca visto: el actor cómico Eddie Murphy sabe contenerse, con lo que gana mucho su vis humorística. Le ayuda un guión de Tom Schulman (8 cabezas..., El club de los poetas muertos) bastante inteligente, crítica certera al consumismo y a la adicción televisiva. Tras la cámara está Stephen Herek, que dirigió con cierta fortuna Los tres mosqueteros (1993) y, sobre todo, Profesor Holland (1995).

Películas de la semana: 6 de septiembre

El exorcista: Creyente

Título original: The Exorcist: Believer. Dirección: David Gordon Green. País: Estados Unidos. Año: 2023. Duración: 121 minutos. Género: Terror. Posesiones. Exorcismos. Secuela. Interpretación: Leslie Odom Jr., Ellen Burstyn, Jennifer Nettles, Ann Dowd, Lidya Jewett, Olivia O'Neill, Raphael Sbarge, Norbert Leo Butz, Antoni Corone, E.J. Bonilla, Linda Boston, Chandu Kanuri. Guion: David Gordon Green, Peter Sattler. Historia: Scott Teems. Personajes: William Peter Blatty. Música: Amman Abbasi, David Wingo. Fotografía: Michael Simmonds. Productora: Blumhouse Productions, Morgan Creek Productions. Distribuidora: Universal Pictures, Peacock. Estreno en España: 6 de octubre de 2023. Sinopsis: Desde la muerte de su esposa embarazada en un terremoto en Haití hace 12 años, Victor Fielding (Leslie Odom, Jr.) ha criado a su hija, Angela (Lidya Jewett) por su cuenta. Pero cuando Angela y su amiga Katherine (Olivia Marcum) desaparecen en el bosque, solo para regresar tres días después sin recordar lo que les sucedió, se desencadena una cadena de eventos que obligarán a Victor a confrontar el punto más bajo del mal y , en su terror y desesperación, busca a la única persona viva que ha presenciado algo así antes: Chris MacNeil (Ellen Burstyn). Secuela de la película de 1973.

Golpe a Wall Street

Título original: Dumb Money. Dirección: Craig Gillespie. País: Estados Unidos. Año: 2023. Duración: 104 minutos. Género: Comedia. Drama. Basado en hechos reales. Comedia dramática. Bolsa. Negocios. Interpretación: Paul Dano, Seth Rogen, Shailene Woodley, Sebastian Stan, Pete Davidson, Nick Offerman, Vincent D'Onofrio, Anthony Ramos, America Ferrera, Myha'la Herrold, Dane DeHaan. Guion: Rebecca Angelo, Lauren Schuker Blum, Ben Mezrich. Libro: Ben Mezrich. Música: Will Bates. Fotografía: Nicolas Karakatsanis. Productora: Black Bear Pictures, Ryder Picture Company, Columbia Pictures, Sony Pictures, Stage 6 Films. Distribuidora: Columbia Pictures. Estreno en España: 6 de octubre de 2023. Sinopsis: Nos descubre el disparatado caso real de gente corriente que consiguió jugársela a Wall Street y se hizo rica convirtiendo GameStop (una popular tienda de videojuegos y electrónica) en la empresa más candente del mundo. La historia definitiva de David contra Goliat. En medio de todo este embrollo se encuentra Keith Gill (Paul Dano), un tipo cualquiera que invirtió los ahorros de su vida en acciones y empezó a publicar sobre ello en redes sociales. Gracias a sus consejos bursátiles, su popularidad estalló, al igual que lo hizo su vida y la de todos sus seguidores, que empezaron a enriquecerse de la noche a la mañana. No obstante, los multimillonarios no tardaron en contratacar, desencadenando una de las batallas financieras más feroces vividas en Wall Street.

Chinas

Dirección: Arantxa Echevarría. País: España. Año: 2023. Duración: 118 minutos. Género: Drama. Infancia. Adopción. Interpretación: Shiman Yang, Ella Qiu, Xinyi Ye, Leonor Watling, Pablo Molinero, Carolina Yuste. Guión: Arantxa Echevarría. Producción: Gonzalo Salazar-Simpson. Música: Marina Herlop. Fotografía: Pilar Sánchez Díaz. Productora: Hojalata Films, Lazona Producciones, Movistar Plus+, RTVE, Tvtec servicios audiovisuales. Distribuidora: Filmax. Estreno en España: 6 de octubre de 2023. Sinopsis: En un colegio coinciden al comienzo de curso dos niñas chinas de 9 años. Todo el mundo da por hecho que se harán amigas, pero absolutamente nada las une. Lucía, es segunda generación de inmigrantes. Se siente absolutamente española y solo piensa en integrarse con el resto de sus amigas del colegio. Desearía tener unos padres “normales” como el resto de sus amigas, pero los suyos le avergüenzan constantemente porque no hablan español, trabajan más de 14 horas en el bazar y ni siquiera le permiten celebrar su cumpleaños en el Burger King. La otra niña es Xiang. Es adoptada y con su rostro delata allá donde va que no es hija de sus padres. Xiang se pregunta por su familia biológica; ni se siente china ni se siente aceptada ante los demás niños en el colegio. Las dos niñas se cruzarán, separarán y acabarán siendo vitales la una para la otra en la búsqueda de su identidad.

Ashkal, los crímenes de Túnez

Título original: Ashkal. Dirección: Youssef Chebbi. País: Túnez. Año: 2022. Género: Thriller. Intriga. Drama. Crimen. Policíaco. África. Interpretación: Fatma Oussaifi, Mohamed Hassine Graya, Aymen Ben Hmida, Rami Harrabi, Oumayma Meherzi, Ghalia Jebali, Adel Monam Khemis, Hichem Riahi, Nabil Trabelsi, Barrie Marleen, Bahri Rahali, Daniel Guikpa, Céline Yaho Amenan, Fatma Felhi, Imen Badarjah, Youssef Oueslati. Guión: Youssef Chebbi, François-Michel Allegrini. Música: Thomas Kuratli. Fotografía: Hazem Berrabah. Productora: Coproducción Francia, Qatar, Túnez; Supernova Films, Poetik Films, Blast! Films, Perfo Production, Fonds Images de la Francophonie, The Doha Film Institute. Distribuidora: Flamingo Films. Premios y nominaciones:  Namur International Festival of French-Speaking Film: Nominada a mejor película y Mención especial; Neuchâtel International Fantastic Film Festival: Nominada a mejor película y Premio de la Crítica Internacional; Thessaloniki Film Festival: 1 nominación; Tokyo International Film Festival: 1 nominación; Warsaw International Film Festival: 1 nominación. Estreno en España: 6 de octubre de 2023. Sinopsis: En los Jardines de Cartago, un barrio de Túnez creado por el antiguo Régimen y cuya construcción se detuvo al comienzo de la Revolución, dos policías encuentran un cuerpo calcinado en uno de los solares. A medida que la construcción de la zona se reanuda lentamente, comienzan también a investigar este misterioso caso. Cuando el evento se repite, el caso da un giro desconcertante.

El castillo

Dirección: Martín Benchimol. País: Argentina. Año: 2023. Duración: 78 minutos. Género: Documental. Reparto: Documental. Intervenciones de: Alexa Olivo, Justina Olivo. Guion: Martín Benchimol. Producción: Mayra Bottero. Fotografía: Nicolás Miranda. Productora: Coproducción Argentina-Francia-España; Gema Films, Sister Productions. Premios y nominaciones: Festival de San Sebastián: Premio Horizontes Latinos. Estreno en España: 6 de octubre de 2023. Sinopsis: Justina y su hija Alexia intentan mantener la enorme casa que la antigua ama de llaves ha heredado de su jefe. Pero las dos mujeres indígenas no tienen medios para pagar el mantenimiento de la decadente propiedad. El dinero que obtienen de la venta por internet del contenido de la casa y de su ganado es sólo una gota en el océano. Además, la familia del antiguo propietario las visita regularmente e insiste en seguir tratando a Justina y Alexia como sirvientas. Alexia se niega a seguir aceptando este papel; pretende volver a la ciudad para trabajar como mecánica de coches y empezar a conquistar el mundo como piloto de carreras. La mezcla de imágenes documentales y escenas dramatizadas teñidas de horror convierte la casa en un castillo encantado que se niega a abandonar a sus habitantes. La deficiente recepción del teléfono móvil se convierte en una metáfora de la marginación de la pareja, que lucha contra sus circunstancias. Las insalvables barreras de clase que existen en Argentina sirven para mantener a Justina cautiva en su clase social, incluso después de que ella misma se convierta en propietaria de una casa y un terreno. Un oscuro cuento de hadas.

Stewart

Dirección: Patrick Mark. País: Reino Unido. Año: 2022. Duración: 90 minutos. Género: Documental. Biográfico. Coches. Automovilismo. Reparto: Documental. Jackie Stewart. Helen Stewart. François Cébert. Joche Rindt. Guion: Patrick Mark. Música: Chris Roe. Fotografía: Simon Niblett. Productora: Mark Stewart Productions. Distribuidora: Noah Media Group. Estreno en España: 6 de octubre de 2023. Sinopsis: Ambientada a finales de los años 1960 y principios de los años 1970, Stewart sigue al piloto de carreras escocés Jackie Stewart en un viaje envolvente, colorista y emotivo que trasciende el deporte del motor y explora temas universales como el amor, la pérdida y la vulnerabilidad humana. El 7 de octubre se cumplen 50 años de su última carrera y de su tercer título mundial de automovilismo. Stewart ofrece la oportunidad de revivir los días de gloria de un piloto increíble que luchó para mejorar las condiciones para todos los corredores. La película tuvo su presentación en Montecarlo (Mónaco) en un pase benéfico cuyo objetivo era recaudar fondos para la organización benéfica Race Against Dementia, y donde acudieron personalidades como el Príncipe Alberto II.

Dispararon al pianista

Título original: They Shot the Piano Player. Dirección: Fernando Trueba, Javier Mariscal. País: España. Año: 2023. Duración: 103 minutos. Género: Animación. Thriller. Drama. Música. Años 1960. Años 1970. Dictadura argentina. Reparto: Animación. Guion: Fernando Trueba, Javier Mariscal. Música: Joao Gilberto, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Vinicius de Moraes, Paulo Moura. Fotografía: Animación. Productora: Fernando Trueba P.C., Film Constellation. Estreno en España: 6 de octubre de 2023. Sinopsis: Un periodista musical de Nueva York comienza una trepidante investigación detrás de la misteriosa desaparición del pianista brasileño, Tenorio Jr, habitual de Vinicius de Moraes, entre otros. Este thriller de animación al ritmo de jazz y bossa-nova supone un punto de inflexión justo antes de que el continente latinoamericano fuera envuelto por regímenes totalitarios. Dispararon al pianista, es un emotivo homenaje a Tenório Junior, un pianista cuya prometedora carrera se vio truncada por los injustos azares del destino en uno de los capítulos más oscuros de la historia latinoamericana. 

Victor Sjöström, el pionero del cine escandinavo venerado por Ingmar Bergman (II)

(cont.)

- El monasterio de Sendomir (Klostret i Sendomir, 1920), sobre una historia de infidelidad de enorme eficacia dramática. Es un relato de temática social con el protagonismo del conde Starschensky, un hombre obsesionado con mantener sus posesiones a cualquier precio. Dentro de su castillo mantiene una habitación cerrada en la que tienen lugar sus numerosas infidelidades, algo que acaba siendo descubierto por su esposa. Atención especial merece su protagonista, Tore Svennberg (1858-1941), actor de teatro de gran prestigio en Suecia, y cuyo paso por el cine fue efímero tanto en la época muda como en la sonora.

El monasterio de Sendomir (1920)

- La prueba del fuego (Vem dömer, 1922), ambientada en la Florencia renacentista, explica la historia de una mujer casada con un hombre contra su voluntad que, cuando se enamora de otro, decide envenenarlo.

La prueba de fuego (1922)

- La mujer marcada (The Scarlet Letter, 1926), primera adaptación de la célebre La letra escarlata de Nathaniel Hawthorne con Lillian Gish casi superando sus mejores interpretaciones para Griffith.  La obra de Hawthorne ha sido llevada al cine en numerosas ocasiones. Además de esta versión, en el cine mudo también fue convertida en película en los años 1910, 1911, 1913, 1917 y 1920; y después en el sonoro, y siempre con el mismo título, se realizarían las versiones de 1934, dirigida en Estados Unidos por Robert G. Vignola; la alemana de Win Wenders en 1973; y la risible adaptación de Roland Joffé en 1995.

Lillian Gish en La mujer marcada (1926)

- El viento (The Wind, 1928), de nuevo con Gish en un drama rural de extraordinaria belleza y desgarrador aliento lírico, que supone junto a El beso (1929) de Jacques Feyder la última obra maestra del cine mudo norteamericano.

Lillian Gish en El viento (1928)

- La mujer divina (The Divine Woman, 1928), donde Sjöstrom trabaja por fin en Hollywood con su compatriota Greta Garbo, en una película que evoca la vida de Sarah Bernhardt.

Greta Garbo en La mujer divina (1928)

- Bajo el manto escarlata (Under the Red Robe, 1937), con Conrad Veidt y Annabella enmarcados en exóticos paisajes. Nueva adaptación de la novela de Stanley J. Weyman, centrada en las intrigas palaciegas basadas en hechos verídicos de la vida del siempre recurrente Cardenal Richelieu. Sin embargo, en otras versiones cinematográficas del cine mudo había variado su guión: de hecho, en la producida en 1915 Under the Red Robe, su argumento se centraba especialmente en las costumbres y maquinaciones de la corte; mientras que en la siguiente adaptación, Under the Red Robe dirigida en 1923 por Alan Crosland, cobraban mucha más presencia las escenas de acción. En esta ocasión, Sjöström, en su última película como director, se acercó más a la versión de 1923 en un espectáculo aventurero que tiene como protagonista a Gil de Berault, un espadachín condenado a muerte que puede revocar su sentencia si cumple las órdenes de Richelieu: encontrar y matar a un Duque acusado de apoyar la revolución antimonárquica.

Annabella, Raymond Massey, Victor Sjöström y Conrad Veidt en Bajo el manto escarlata (1937)

Junto con Mauritz Stiller se le considera como la figura más importante del cine mudo de Suecia. En 1957 protagonizó Fresas salvajes (Smultronstället), una de las obras más importantes de Ingmar Bergman. Murió en Estocolmo, poco después, en 1960.