Las 100 mejores películas de terror del siglo XXI (X)

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Pero, ante todo, el siglo XXI nos está descubriendo a una serie de creadores que están renovando completamente el género con propuestas muy sugestivas y, sobre todo, únicas. 

A los ya citados Jordan Peele –también responsable de Nosotros (Us, 2019)–, 

- Rob Zombie –imprescindible desde que se estrenara con La casa de los 1000 cadáveres (House of 1000 Corpses, 2003).  

- Fede Álvarez –que nos regaló una agradable sorpresa como No respires (Don't Breathe, 2016).

- James Wan –que, con Expediente Warren: The Conjuring (2013), inauguró un universo alrededor de los casos investigados por el clarividente matrimonio Warren, que abarcaría, junto a sus dos secuelas, Expediente Warren: El caso Enfield (The Conjuring 2, 2016) y Expediente Warren: Obligado por el demonio (The Conjuring: The Devil Made Me Do It, 2020), de Michael Chaves.

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De Katryn Bigelow a Greta Gerwig, las 10 mujeres que sacuden Hollywood (X)

Greta Celeste Gerwig (Sacramento, California; 4 de agosto de 1983) es una actriz, directora y guionista estadounidense. Se hizo conocida por su participación en película de género mumblecore (un subgénero del cine independiente​ caracterizado por actuaciones y diálogos naturalistas (a veces improvisados), bajos presupuestos, énfasis en los diálogos más que en la trama, y foco en las relaciones personales de personas de entre 20 y 30 años de edad.

Ha escrito y dirigido: 

- Lady Bird (2017). Una suerte de semi-autobiografía ejecutada con una cautivadora y hermosa modestia. Se trata de la búsqueda y la construcción de la propia identidad.

- Mujercitas (Little Women, 2019). Es la séptima adaptación cinematográfica de la novela de 1868 del mismo nombre de Louisa May Alcott. Gerwig altera cronológicamente la trama de la obra y alterna pasajes de los primeros años de las niñas con su vida profesional, con la intención de hacer una nueva visión de la novela tras 150 años, haciendo hincapié en el subtexto feminista de la obra. En la nueva versión, además, se fusiona el texto original con la vida de Louisa May Alcott, de quien Jo era una especie de alter ego.

Retrospectiva de Roberto Rossellini: amor, miedo y exquisita humanidad (II)

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6.- Stromboli (Stromboli (Terra di Dio), 1950)

Con Ingrid Bergman como actriz principal. Es considerada como un ejemplo clásico del neorrealismo italiano. La película es el resultado de una famosa carta escrita a Rossellini por la actriz. En ella, le expresaba admiración por su trabajo y el deseo de trabajar con él. Es recordada, también, por la relación que se estableció entre Rossellini y Bergman a partir de su trabajo conjunto, así como por el hijo que tuvieron fuera de sus respectivos matrimonios. De hecho, la relación causó un gran escándalo en Estados Unidos, y Bergman fue reprendida por el senador Edwin C. Johnson. Además, su carrera en Hollywood se estancó durante algunos años, hasta que ganó el premio Óscar por la película Anastasia. La película tiene asimismo características de documental, como en la escena de pesca y de una verdadera evacuación del pueblo tras una erupción del volcán de Estrómboli. En su mayoría, quienes aparecen en la película como habitantes del pueblo de verdad habitaban allí. Emplear lugareños que no son actores para que representen personajes es un rasgo típico del neorrealismo.

7.- Francisco, juglar de Dios (Francesco, giullare di Dio, 1950)

Mediante la depuración plástica y el realismo ascético, Rossellini recrea algunos fragmentos de la vida del santo fundador de la Orden Franciscana antes del inicio de su predicación por el mundo. El relato, estructurado en episodios cuyos títulos anticipan lo que en ellos ha de acontecer, resulta diáfano en su sencilla narrativa salpicada de ironía y sentido del humor. 

8.- Europa ‘51 (1952)

Segunda colaboración entre Rossellini y Bergman que indaga en las obsesiones de la anterior: el drama de una mujer dominada por la soledad y situada en plena crisis existencial tras el suicidio de su hijo. Tras la muerte de este, esta decide marchar al extrarradio para ayudar a los más desfavorecidos. Allí ofrecerá apoyo a un delincuente que la pondrá bajo el radar policial. Otra obra mayúscula con un diseño de personajes primoroso.

9.- El general de la Rovere (Il generale Della Rovere, 1959)

El también actor Vittorio de Sica interpreta para Rossellini a este embaucador que se hace pasar por general para delatar a los miembros de la resistencia. Lógicamente, su humanidad y moral se va despertando poco a poco, haciendo que se tome su papel de héroe más en serio de lo que el enemigo esperaba. Está basada en la novela de Indro Montanelli basada así mismo en una historia real.

De Katryn Bigelow a Greta Gerwig, las 10 mujeres que sacuden Hollywood (IX)

Chloé Zhao nacida cómo Zhao Ting (Beijing, 31 de marzo de 1982) es una directora, productora y guionista china. Obtuvo un gran reconocimiento por su trabajo en la aclamada plícula Nomadland, por el cual recibió el premio a la mejor película y mejor dirección en la 93.ª entrega de los Premios Óscar, convirtiéndose en la segunda mujer en ganar dicho galardón tras la estadounidense Kathryn Bigelow. 

Ha dirigido:

- Songs My Brothers Taught Me (2015). Es el primer largometraje de Zhao y se desarrolló en los estudios del Instituto Sundance. Un drama de nativos americanos, ambientado en la reserva india de Pine Ridge en Dakota del Sur, la película indaga sobre el vínculo entre un hermano y su hermana menor de la tribu Lakota Sioux.

- The Rider (2017). Con espíritu de documental y apuntes ficcionales, The Rider dramatiza la historia real de Brady Jandreau, un joven que vio truncada su carrera como jinete de rodeo por culpa de una lesión cerebral.

- Nomadland (2020). Drama que adapta la novela de la periodista Jessica Bruder centrada en los "nuevos nómadas" que viajan de trabajo en trabajo en el Estados Unidos de la recesión económica. La ganadora del Oscar Frances McDormand se pone en la piel de Fern, una de estas nómadas que representa otro de los muchos lados oscuros del sueño americano.

Y, tiene en postproducción:

- Eternals (2021). La saga de los Eternos, una raza de seres inmortales que vivieron en la Tierra y dieron forma a su historia y civilizaciones (del Universo Cinematográfico de Marvel). 

Cumplió 25 años: Vaya par de idiotas

El 4 de julio de 1996 se estrenó la película estadounidense Vaya par de idiotas (Kingpin), dirigida por Peter Farrelly, Bobby Farrelly e interpretada por Woody Harrelson, Randy Quaid, Vanessa Angel, Bill Murray, Chris Elliott,William Jordan, Richard Tyson, Lin Shaye, Zen Gesner, Prudence Wright Holmes, Rob Moran, Daniel Greene, Will Rothhaar, Sayed Badreya, Danny Murphy, David Shackelford. Productora: Rysher Entertainment/Motion Picture Corporation of America/Metro-Goldwyn-Mayer (MGM).Duración: 114 minutos.

Sinopsis argumental: Roy Munson (Woody Harrelson) es el nuevo campeón de bolos de Iowa. Tras su primer torneo como profesional, intenta timar a unos incautos, pero las cosas salen mal y pierde una mano. Veinte años después, Roy sobrevive como puede vendiendo suministros en las boleras, pero, un día, conoce a Ismael Boorg (Randy Quaid), un jugador de bolos amish, y tratará de embaucarlo para ganar dinero. 

Comentario: La primera película de los hermanos Peter y Bobby Farrelly, en la línea de Dos tontos muy tontos (que dirigió Peter en solitario). Al igual que esta, la cinta volvió a apostar por el humor irreverente y grotesco que tan buenos resultados le ha dado a la pareja en los últimos años.

Retrospectiva de Roberto Rossellini: amor, miedo y exquisita humanidad (I)

Se editan nueve películas del gran cineasta italiano, todas restauradas. Clásicos neorrealistas como Paisà, Stromboli, Roma, ciudad abierta y otras, menos conocidas.

1.- Roma, ciudad abierta (Roma città aperta, 1945)

Junto con Ladrón de bicicletas (Ladri di biciclette, 1948), ​es considerada la obra maestra del neorrealismo italiano. La acción se desarrolla en Roma, en los últimos años de la ocupación nazi: 1943 y 1944. Se inspira en la historia verídica del sacerdote Luigi Morosini, torturado y muerto por los nazis por ayudar a la resistencia. En la Roma de 1943 y 1944, se entretejen las historias de varias personas relacionadas con la Resistencia. Durante la ocupación, el padre Pietro protege a los partisanos y, entre otros, da asilo a un ingeniero comunista: Manfredi. Pina, una mujer de pueblo, está de novia con un tipógrafo que lucha en la resistencia. Cuando la policía lo arresta, Pina corre desesperadamente tras el camión que se lo lleva, pero cae asesinada por una ráfaga de ametralladora ante los ojos de su hijo. Poco después, también el padre Pietro y el ingeniero -este traicionado por su examante drogadicta- son arrestados. Manfredi muere por las atroces torturas que le infligen los alemanes para que revele el nombre de sus compañeros de resistencia. El padre Pietro corre la misma suerte: lo fusilan en presencia de los niños de la parroquia, entre los cuales se encuentra el hijo huérfano de Pina.

2.- Paisà (Camarada)(Paisà, 1946)

La segunda de la trilogía de Rossellini formada por Roma, ciudad abierta, Paisà y Alemania, año cero.​ Se divide en seis episodios con el nexo común del avance de las tropas aliadas  en la campaña italiana durante la Segunda Guerra Mundial, cuando la Alemania nazi perdía la guerra contra los aliados. Un tema principal son los problemas de comunicación a causa de las barreras lingüísticas. Está protagonizada por actores no profesionales, lo que le infiere una realidad aún más palpable.

3.- Germania, anno zero (Alemania, año cero) (1948)

La tercera parte de la trilogía antes mencionada. La película explora la herida dejada por el nazismo, que afectó de forma terrible y profunda a una generación simbolizada por el protagonista, Edmund, un niño de doce años, intenta sobrevivir a las duras condiciones de la postguerra alemana, especialmente en Berlín, una ciudad que ha quedado completamente derruida tras la Segunda Guerra Mundial. Una película terrible, virulenta, amarga y a la par bellísima, reflexión de inaudita dureza sobre los horrores de la guerra.

4.- El amor (L'amore, 1948)

Hay dos películas en El amor. La primera es la adaptación de La Voix humaine, de Cocteau, este monólogo teatral en el que una mujer lastimada por una ruptura pretende, tras un intento de suicidio, mantener al teléfono a su amante fugitivo. Al ser este mediometraje demasiado corto para ser proyectado solo, Rossellini lo acompañó con El milagro, una fábula que su entonces asistente, un tal Federico Fellini, tuvo la idea: la historia, a la vez conmovedora e irónica, de una ingenua campesina, abusado por un pastor (el mismo Fellini) que se hizo pasar por San José. En ambas películas, Anna Magnani está prodigiosa.

5.-  La macchina ammazzacattivi (1952)

Una de las raras incursiones de Rossellini en el registro de la comedia, y una auténtica curiosidad. En un pueblo de la costa de Amalfi, un fotógrafo se da cuenta de que un simple clic de su cámara es suficiente para hacer desaparecer a personas no deseadas... Como su héroe, el cineasta dispara a todos: el alcalde codicioso, el usurero venal, los amantes andrajosos y esos estadounidenses quien regresó al lugar de desembarco en Italia para construir un hotel allí. Su puesta en escena alerta compensa la delgadez del escenario pegándose a los lados de los personajes, que no dejan de subir y bajar las escaleras del pueblo, como en el cine mudo. Una fábula sobre la desconfianza en el poder de la cámara (o del cine) para reproducir la vida.

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De Katryn Bigelow a Greta Gerwig, las 10 mujeres que sacuden Hollywood (VIII)

Ava Marie DuVernay (Los Ángeles, California, 24 de agosto de 1972) es una directora, guionista, productora y actriz estadounidense. En 2012 ganó el Premio a la Mejor Dirección en el Festival de Cine de Sundance con su segunda película Middle of Nowhere, siendo la primera mujer afroamericana en obtener ese galardón.​ Con Selma, es también la primera directora de cine afroamericana en ser nominada al premio Óscar a la mejor película.

En 2008, DuVernay hizo su debut en la dirección de cine con el documental This is the Life, una historia sobre el movimiento artístico alrededor del Good Life Café de Los Ángeles.

Entre sus películas de ficción,destacan:

- I Will Follow (2010). Crónica de un día en la vida de una mujer afligida y los doce visitantes que la ayudan a seguir adelante.

- En mitad de la nada (Middle of Nowhere, 2012). Ruby emprende un viaje de autodescubrimiento cuando abandona la escuela de medicina para concentrarse en el bienestar de su esposo encarcelado.

- Selma (2014). Una crónica de la campaña del Dr. Martin Luther King, Jr. para asegurar la igualdad de derechos de voto a través de una marcha épica desde Selma a Montgomery, Alabama, en 1965.

Y, también produce, escribe y dirige para la televisión. 

Lee Isaac Chung, director de Minari. Historia de mi familia: "Pensé que nunca volvería a hacer películas"

Sus padres coreanos querían que se convirtiera en dentista. En cambio, el estadounidense Lee Isaac Chung optó por hacer películas y les dedicó una película sensible, divertida, dolorosa y poética, que se basa libremente en su infancia en una granja de Arkansas. 

Minari. Historia de mi familia (Minari, 2020), inspirada en su infancia en una granja en Arkansas con una familia de inmigrantes coreanos, esta película estrenada en los cines españoles el 12 de marzo de 2021 le ha servido al cineasta para cosechar una gran cantidad de premios. Y, sin embargo, estaba considerando cambiar de profesión cuando consiguió la financiación para llevar su guión a la gran pantalla...

De Katryn Bigelow a Greta Gerwig, las 10 mujeres que sacuden Hollywood (VII)

Jill Solloway (26 de septiembre de1965, Chicago, Illinois, Estados Unidos) es una directora, guionista y productora estadounidense. Conocida por 

- A dos metros bajo tierra (Six Feet Under, 2001-2005).  La crónica de la vida de una familia disfuncional que dirige una funeraria independiente en Los Ángeles.

- United States of Tara (2009-2011). Una mujer lucha por encontrar un equilibrio entre su trastorno de identidad disociativo y la crianza de una familia disfuncional.

- Afternoon Delight (2013), Rachel intenta darle vida a su matrimonio con un viaje a un club de striptease. Se hace amiga de McKenna, quien le dio un baile erótico. Se muda con la familia de Rachel y se convierte en niñera del hijo. Película con la que debutó en el Festival de Cine de Sundance.

- Transparent (2014-2019). Una familia de Los Ángeles con serios problemas de límites, tiene su pasado y su futuro desmoronándose cuando una admisión dramática hace que los secretos de todos se desvelen.

 

- Mothertrucker (2020), en post-producción. Narra la amistad entre Amy Butcher y Joy Mothertrucker, una celebridad de Instagram y camionera.

De "Fargo" a "Nomadland", la excéntrica Frances McDormand en diez películas (III)

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11.- Casi famosos (Almost Famous, 2000), de Cameron Crowe

Película que se apoya en la impresionante banda sonora y de un elenco extraordinario. La maravillosa Frances McDormand interpreta a la atormentada madre, en esta crónica nostálgica del mundo roquero de los años setenta. 

12.- Jóvenes prodigiosos (Wonder Boys, 2000), de Curtis Hanson

El director de L.A. Confidential recrea a la perfección el sistema universitario norteamericano y saca lo mejor de un reparto irrepetible, en la que Frances McDormand interpreta a la canciller de la universidad, que duerme con el profesor Grady Tripp (Michael Douglas) y además de ser la esposa del presidente de su departamentode Tripp. Basada en la novela homónima de 1995 escrita por Michael Chabon. 

13.- Madeline (1998), de Daisy von Scherler Mayer

Miss Clavel (Frances McDormand) es la directora de un internado de París en el que estudia la traviesa, impulsiva, divertida y rebelde Madeline. Comedia familiar inspirada en un clásico de la literatura infantil escrito en 1939 por Ludwig Bemelmans.

14.-  Fargo (1996), de  Joel Coen

Frances McDormand, con su interpretación como la jefe de policía de Minnesota que investiga homicidios sucedidos después de que un endeudado vendedor de automóviles (William H. Macy) contrate a dos criminales (Steve Buscemi y Peter Stormare) para que secuestren a su esposa y de esta forma obtener el dinero del rescate de su suegro (Harve Presnell), consiguió su primer Oscar.

Libros: Planeta Hollywood

Planeta Hollywood

Sueño americano y cine espacial

Antonio Sánchez-Escalonilla

Encuentro

Madrid

2019

388 pa´gs.

«Mientras crecíamos nos prometieron mochilas-cohete, y a cambio tenemos Instagram. Creo que esto es un fraude. Por eso me aferré con optimismo a la oportunidad de reiniciar el viaje».

Esta frase de Jonathan Nolan, guionista de Interstellar, expresa la nostalgia por el sueño espacial de los años 1970, compartida hoy con su hermano Christopher y con otros directores actuales de cine espacial. Se trata de un sentimiento vinculado al espíritu de aventura propio del sueño americano, a la carrera espacial y al imaginario de Hollywood difundido durante varias generaciones.

Cuando se cumple medio siglo desde que Neil Armstrong pisara la Luna, se asiste a un renacimiento del cine de exploración espacial reflejado en recientes producciones de éxito: son títulos que han avivado el entusiasmo por la «conquista» del cosmos iniciada en los albores de la Guerra Fría y que, además, muestran el retrato actual del sueño americano.

En Planeta Hollywood, Antonio Sánchez-Escalonilla realiza un apasionante recorrido por la filmografía de exploración espacial para analizar grandes clásicos y estrenos más recientes, desde Con destino a la Luna, 2001: una odisea del espacio y Apolo 13, hasta Interstellar, Gravity, Marte o First Man, atendiendo al contexto histórico y social en que fueron creados.

Antonio Sánchez-Escalonilla García-Rico (Madrid, 1966) es catedrático de Estética y Teoría de las Artes en la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid, donde dirige el Máster en Guion Cinematográfico y Series de Televisión. Es autor de varios manuales como Estrategias de guion cinematográfico, Del guion a la pantalla. Lenguaje visual para guionistas y directores de cine, y Fantasía de aventuras. Claves creativas en novela y cine. Además, ha intervenido en el campo de la novela juvenil con Ana y la Sibila. En 2015 realizó una estancia investigadora en la NASA Headquarters Library de Washington.

Películas de la semana: 2 de julio

Fast & Furious 9

Título original: F9: The Fast Saga AKA Fast and Furious 9. 

Dirección: Justin Lin. País: Estados Unidos. Año: 2021. Duración: 145 minutos. Género: Acción. Coches. Automovilismo. Secuela. Interpretación: Vin Diesel, Michelle Rodriguez, Jordana Brewster, Tyrese Gibson, Ludacris, John Cena, Charlize Theron, Helen Mirren, Kurt Russell, Sung Kang, Lucas Black, Finn Cole, Vinnie Bennett, Nathalie Emmanuel, Alexander Wraith, Michael Rooker, Cardi B, Don Omar, Ozuna, JD Pardo, Thue Ersted Rasmussen, Anna Sawai, Bow Wow, Shea Whigham, Jim Parrack, Siena Agudong. Guion: Daniel Casey, Gary Scott Thompson. Personaje: Gary Scott Thompson. Música: Brian Tyler. Fotografía: Stephen F. Windon. Productora: Universal Pictures/Original Film/One Race Films,/Roth/Kirschenbaum Films/Perfect Storm Entertainment. Distribuidora: Universal Pictures. Estreno en España: 2 de julio de 2021. Sinopsis: Dom Toretto (Vin Diesel) lleva una vida tranquila con Letty y su hijo, el pequeño Brian, pero saben que el peligro siempre acecha. Esta vez, esa amenaza obligará a Dom a enfrentarse a los pecados de su pasado si quiere salvar a quienes más quiere. El equipo se vuelve a reunir para impedir un complot a escala mundial, liderado por uno de los asesinos más peligrosos y mejor conductor a los que se han enfrentado; un hombre que además es el hermano desaparecido de Dom, Jakob (John Cena). Novena entrega de la famosa franquicia. Estreno mundial (inicialmente previsto para mayo de 2020) retrasado a junio de 2021.

Hombre muerto no sabe vivir

Dirección: Ezekiel Montes. País: España. Año: 2021. Duración: 105 minutos. Género: Thriller. Interpretación: Antonio Dechent, Rubén Ochandiano, Elena Martínez, Jesús Castro, Paco Tous, Nancho Novo, Manolo Caro, Juan Fernández, Juanma Lara, Manuel de Blas, Frederic Guillaume, Paul Lapidus. Guion: Ezekiel Montes. Música: Luis Hernaiz. Fotografía: Nemkoff. Productora: 73140323 Producciones Cinematográficas. Estreno en España: 2 de julio de 2021. Sinopsis: Tano ha trabajado toda su vida para Manuel, un empresario de la construcción que en épocas mejores controló toda la ciudad. Ahora, ya en la vejez, Tano ve cómo Manuel no puede llevar la empresa, y toda la estructura se enfrenta a un cambio generacional, a nueva gente, nuevos negocios, nueva forma de llevar la empresa... pero la misma violencia de siempre. Opera prima del director Ezekiel Montes, presentada en el pasado 24 Festival de Cine Español de Málaga, dentro de su sección oficial. Nos adentramos en un relato oscuro, un viaje a las entrañas de la droga, en la esfera malagueña y en su ejercicio de transición desde el otro lado del Mediterráneo, con la banda de Tano como epicentro de la trama.

Las cosas que decimos, las cosas que hacemos

Título original: Les choses qu'on dit, les choses qu'on fait. Dirección: Emmanuel Mouret. País: Francia. Año: 2020. Duración: 122 minutos. Género: Romance. Drama. Drama romántico. Interpretación: Camélia Jordana, Niels Schneider, Vincent Macaigne, Jenna Thiam, Émilie Dequenne, Guillaume Gouix, Julia Piaton, Jean-Baptiste Anoumon, Fanny Gatibelza, Claude Pommereau, Louis-Do de Lencquesaing, Milla Savarese, Lise Lomi. Guion: Emmanuel Mouret. Fotografía: Laurent Desmet. Productora: Moby Dick Films, Canal+/Ciné+. Nominaciones y premios: Premios César: Mejor actriz secundaria (Dequenne). 13 nominaciones. Estreno en España: 2 de julio de 2021. Sinopsis: Daphné, embarazada de tres meses y de vacaciones en el campo, acoge como huésped a Maxime, primo de su pareja, François, que ha tenido que volver a París para cubrir a un compañero hospitalizado. Durante cuatro días, esperando el regreso de François, Daphné y Maxime se van conociendo y desarrollando cierta amistad, contándose sus respectivas experiencias sentimentales. 

Mandíbulas

Título original: Mandibules. Dirección: Quentin Dupieux. País: Francia. Año: 2020. Duración: 77 minutos. Género: Fantástico. Comedia. Insectos. Interpretación: Grégoire Ludig, David Marsais, Adèle Exarchopoulos, India Hair, Roméo Elvis, Dave Chapman, Anaïs Demoustier, Coralie Russier, Bruno Lochet, Raphaël Quenard, Gaspard Augé, Thomas Blanchard, Philippe Dusseau, Olivier Blanc, Jean-Paul Solal, Jézabel Marques, Marie Narbonne. Guion: Quentin Dupieux. Producción: Vincent Mazel, Hugo Sélignac. Fotografía: Quentin Dupieux. Montaje: Quentin Dupieux. Diseño de producción: Joan Le Boru. Dirección artística: Joan Le Boru. Vestuario: Isabelle Pannetier. Productora: Coproducción Francia-Bélgica; Chi-Fou-Mi Productions. Nominaciones y premios: Razorreel: Nominada a mejor película; Festival Internacional de Cine de Sitges: Nominada a mejor película. Estreno en España: 2 de julio de 2021. Sinopsis: Cuando dos amigos no muy inteligentes encuentran una mosca gigante, viva y atrapada dentro de un coche, ambos deciden entrenarla para ganar dinero con ella.

El robo del siglo

Título internacional: The Heist of de Century. Dirección: Ariel Winograd. País: Argentina. Año: 2020. Duración: 114 minutos. Género: Thriller. Basado en hechos reales. Robos. Atracos. Interpretación. Guillermo Francella, Diego Peretti, Luis Luque, Pablo Rago, Rafael Ferro, Mariano Argento, Juan Alari, Johanna Francella, Iván Steinhardt, Magela Zanotta, Mario Alarcón, Pochi Ducasse, Paula Grinszpan, Juan Tupac Soler. Guion: Alex Zito, Fernando Araujo. Música: Darío Eskenazi. Fotografía: Félix Monti. Productora: AZ Films/MarVista Entertainment/Telefé. Nominaciones y premios: Festival de Mar del Plata: Mejor actriz (Liliana Juárez); Festival de Huelva de cine iberoamericano: Colón de Oro a la mejor película. Estreno en España: 2 de julio de 2021. Sinopsis: Llueve copiosamente y en la calle no hay un alma. Araujo está refugiado bajo el alero de un local cerrado. Delante está la fachada del Banco Río. Es viernes 13 de enero de 2006. Los francotiradores del Grupo Halcón están a la espera de una orden. Más de tres centenares de policías diseminados por el lugar aguardan la voz de su jefe. Miguel Sileo, el negociador, deja diluir las esperanzas de que Vitette, uno de los líderes de la banda de ladrones que entró a la sucursal del Banco Río de Acassuso de señales de vida. Las pizzas que había pedido como condición se habían enfriado. El grupo Halcón recibe la orden y entra: se encuentran con lo inesperado. Armas de juguete y una veintena de rehenes asustados los esperan dentro; no hay señales del grupo de ladrones.

La viajante

Dirección: Miguel Mejias. País: España. Año: 2020. Duración: 84 minutos. Género: Drama. Road Movie. Interpretación: Ángela Boix, Miquel Insúa, Franciska Ródenas, Niklas Schmich. Guion: Miguel Mejias, Amanda Lobo. Producción: Angharad Rojo. Música: Eduardo Paynter, Alberto Cobián. Fotografía: Pablo García Gallego. Montaje: Sergio Jiménez, Miguel A. Mejias, Óscar Santamaría. Vestuario: Astri Galván. Productora: Digital 104/Volcano Films. Distribuidora: Begin Again Films. Estreno en España: 2 de julio de 2021. Sinopsis: Ángela (Ángela Boix) es una treintañera que ha perdido recientemente a su madre (Franciska Ródenas) a causa de una enfermedad incurable. Esta era una entomóloga que inculcó en su hija una pasión, o más bien una obsesión, por las polillas y los escarabajos. La propia existencia de Ángela parece avanzar a la velocidad de un insecto al que le falta una ala. Su vida amorosa se reduce a encuentros fugaces con un joven trabajador de un parque de atracciones, con el que mantiene relaciones sexuales en el asiento del copiloto de su viejo coche, evitando cualquier contacto físico innecesario. Sin embargo, las mariposas también son un símbolo de libertad, por lo que la joven decide abandonar la ciudad para enterrar las cenizas de su madre en el desierto donde iban a recoger insectos cuando Ángela era solo una niña. Después, se dirige hacia el norte sin un destino particular en mente. La viajante, ópera prima de Miguel Mejias, propone un drama sobre la soledad protagonizado por Ángela Boix.

4 chicos y "Esto"

Título original: Four Kids and It. Dirección: Andy De Emmony. País: Reino Unido. Año: 2020. Duración: 110 minutos. Género. Fantástico. Cine familiar. Interpretación: Teddie-Rose Malleson-Allen, Pippa Haywood, Matthew Goode, Ashley Aufderheide, Paula Patton, Billy Jenkins, Ellie-Mae Siame, Russell Brand, Caroline Sheen, Mariya Mizuno, Cheryl Cole, Finbarr Doyle, Ely Solan,  William Franklyn-Miller, Emily Highams, Paul Bazely, Lisa Tyrrell, Sean Treacy, Laura Kate Whyms, Alex O'Sullivan. Guion: Simon Lewis. Libro: Jacqueline Wilson. Producción: Julie Baines, Anne Brogan. Música: Anne Nikitin. Fotografía: John Pardue. Montaje: Alex Mackie. Diseño de producción: John Hand. Dirección artística: Owen Power. Vestuario: Tiziana Corvisieri. Productora: Dan Films/Deadpan Pictures/Kindle Entertainment. Estreno en España: 2 de julio de 2021. Sinopsis: Un grupo de niños que pasa unos días de vacaciones en la ciudad de Cornwall descubren en la playa a un ser mágico con el poder de hacer sus sueños realidad.

Planta permanente

Dirección: Ezequiel Radusky. País: Argentina. Año: 2019.

Duración: 89 minutos. Género: Comedia. Drama. Comedia dramática. Comedia negra. Trabajo. Empleo. Interpretación: Liliana Juarez, Rosario Bléfari, Verónica Perrota, Sol Lugo, Vera Nina Suárez. Guion: Ezequiel Radusky, Diego Lerman. Música: Maximiliano Silveira. Fotografía: Lucio Bonelli. Productora: Coproducción Argentina-Uruguay; Campo Cine/Salado Films. Nominaciones y premios: Festival de Mar del Plata: Mejor actriz (Liliana Juárez); Festival de Huelva de cine iberoamericano: Colón de Oro a la mejor película. Estreno en España: 2 de julio de 2021. Sinopsis: Lila y Marcela trabajan desde siempre como personal de limpieza en una dependencia estatal. Conocen sus recovecos como nadie y se han inventado una forma de subsistencia –y un sueño– gestionando un comedor absolutamente irregular en un rincón abandonado del edificio. Pero los tiempos cambian: llega una nueva directora –con sus discursos cínicos, plagados de lugares comunes– y con ella las promesas vacías, el cierre del comedor y una ola de despidos que destruyen el precario equilibrio de la vida en el Estado y transforma las tareas cotidianas en una lucha por la supervivencia.

Un blues para Teheran

Dirección: Javier Tolentino. País: España. Año: 2020. Duración: 80 minutos. Género: Documental. Documental sobre música. Reparto: Documental, intervenciones de: Golmehr Alami, Sina Derakhshan, Pezhman Dishad, Sina Ghamgosar, Mohammad Jahan, Meysam Kazazi, Amir Mohammadrezaee, Matin Rahmani, Erfan Shafeii. Guion: Javier Tolentino, Doriam Alonso. Producción: Lluís Miñarro, Alejandra Mora. Música: Tere Núñez, Walter Geromet. Fotografía: Juan López. Montaje: Sergi Dies. Diseño de producción: Lorena Martínez Cubells. Productora: Quatre Films/Eddie Saeta S.A. Estreno en España: 2 de julio de 2021. Sinopsis: Diferentes rostros nos muestran un Irán donde tradición y modernidad conviven y se confrontan. Erfan Shafei nos invita a descubrir un país tan misterioso como culto a través de la música y sus gentes. Él es un joven kurdo, divertido e irónico, que quiere convertirse en director de cine. Canta, escribe poesía, vive con sus padres y su loro, pero no sabe nada del amor…

Efemérides de cine: Círculo de fuego

El 2 de julio de 1971 se estrenó la película estadounidense Círculo de fuego, también conocida como A tiros (Shoot Out), dirigida por Henry Hathaway e interpretada por Gregory Peck, Patricia Quinn, Robert F. Lyons, Susan Tyrrell, Jeff Corey, James Gregory, Rita Gam, Dawn Lyn. Productora: Universal Pictures. Duración: 94 minutos.

Sinopsis argumental: Tras cumplir siete años de condena, Clay Lomax (Gregory Peck), un ladrón de bancos, sale de la cárcel con una sola idea: vengarse de la traición de su socio Sam Foley (James Gregory). Foley, ahora un rico ranchero, que imagina las intenciones de Lomax, contrata a tres pistoleros para que lo vigilen de cerca. Pero los planes de Lomax toman un giro inesperado, cuando tiene que hacerse cargo de una huérfana de seis años, hija de una amiga suya que ha muerto, y llevarla consigo.
Comentario: Círculo de fuego es la penúltima película de la dilatada filmografía de Henry Hathaway que, con la ayuda del productor y guionista de Valor de ley, confeccionó esta película que reúne de nuevo a un veterano 'cowboy' con una niña. Basada en la novela The Lone Cowboy, de Will James, la película presenta al típico héroe solitario de rostro impenetrable que espera echar cuentas con su propio pasado. Protagonizada por el veterano Gregory Peck y con su habitual puesta en escena artesanal, Hathaway reunió aquí a actores procedentes de otros de sus wésterns, como Jeff Corey o James Gregory. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

De "Fargo" a "Nomadland", la excéntrica Frances McDormand en diez películas (II)

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5.- Quemar después de leer (Burn After Reading, 2008), de Joel Coen, Ethan Coen

Ozzie Cox (John Malkovich) es un agente de la CIA que está escribiendo sus memorias en un CD, pero pierde y va a parar a manos de los empleados de un gimnasio (Brad Pitt y Frances McDormand), gente muy simplona que que intenta chantajear a Cox. La CIA acaba interviniendo y el asunto se complica cuando el chico del gimnasio se encuentra con el amante (George Clooney) de la mujer de Cox. Basada en la novela Burn Before Reading: Presidents, CIA Directors, and Secret Intelligence del ex jefe de la CIA Stansfield Turner.

6.- Un gran día para ellas (Miss Pettigrew Lives for a Day, 2008), de Bharat Nalluri

Basada en la novela Miss Pettigrew Lives for a Day de Winifred Watson (1907-2002). La película esté ambientada en 1939, en medio de la tensión previa a la Segunda Guerra Mundial, en la ciudad de Londres. Una gran interpretación de Frances McDormand (Miss Pettigrew), encarnando las esperanzas truncadas de cualquier persona cuya vida no haya resultado ser como se había imaginado.

7.- Amigos con dinero (Friends with Money, 2006), de Nicole Holofcener

Otra buena interpretación de Frances McDormand que da vida a Jane, una exitosa diseñadora de modas que se ha abandonado un poco y cuyo marido podría ser homosexual. Interpreta a la madura del grupo y cómo no, aporta ese grado que sólo los veteranos suelen aportar.

8.- En tierra de hombres (North Country, 2005), de Niki Caro

La actriz se transforma en una minera en una historia de contenido social mil veces vista y despachada sin mucha convicción, siguiendo el arco dramático habitual, desde el rechazo frontal de una sociedad tradicional hasta el reconocimiento del espíritu de superación y la consecución de los objetivos vitales.

9.- La calle de las tentaciones (Laurel Canyon, 2002), de Lisa Cholodenko

Laurel Canyon, una calle que atraviesa el corazón de Hollywood Hills, ha sido desde siempre el hogar de músicos, actores, artistas y otros bohemios. En ella vive Jane (Frances McDormand), una veterana productora de música que intenta conseguir el éxito para una banda británica cuyo cantante Ian (Alessandro Nivola) es su joven amante. Sam (Christian Bale), el hijo de Jane, y su novia Alex (Kate Beckinsale) se acaban de graduar en medicina en Harvard. Ambos, conservadores y serios, se trasladan a Los Ángeles con la intención de completar sus estudios y quedarse a vivir en casa de Jane. 

10.- El hombre que nunca estuvo allí (The Man Who Wasn't There, 2001), de Joel y Ethan Coen

Impresionante, Frances McDormand, una femme fatale, interpreta a Doris, una oficial contable con algunos problemas de alcoholismo y que al parecer mantiene una relación amorosa con su jefe. Todo un homenaje al cine negro clásico. 

(cont.)

Películas de la semana: 1 de julio

Zappa

Dirección: Alex Winter. País: Estados Unidos. Año: 2020. Duración: 129 minutos. Género: Documental. Biográfico. Documental sobre música. Reparto: Documental, intervenciones de: Frank Zappa, Gail Zappa, Mike Keneally, Ian Underwood, Steve Vai, Pamela Des Barres, Bunk Gardner, David Harrington, Scott Thunes, Ruth Underwood, Ray White, Alice Cooper. Guion: Alex Winter. Música: Canciones: Frank Zappa. Fotografía: Anghel Decca. Productora: Trouper Productions,/Zipper Bros Films. Estreno en España: 1 de julio de 2021. Sinopsis: Documental sobre el icónico músico Frank Zappa que sigue la vida del innovador artista y músico a través del acceso a la familia Zappa y otras imágenes de archivo. Winter entrevista a muchos de los colaboradores musicales de Zappa como Mike Keneally, Ian Underwood, Steve Vai, Pamela Des Barres, Bunk Gardner, David Harrington, Scott Thunes, Ruth Underwood, Ray White y otros. También incluye apariciones de la viuda de Zappa, Gail. Nuevo acercamiento a la vida y la obra de un artista siempre desprejuiciado y provocador en el que convivieron lo avant-garde con lo popular, lo experimental con lo absurdo. No es la primera vez que se hace un documental sobre ese músico fundamental que fue Frank Zappa (hace solo cuatro años, por ejemplo, se estrenó Eat that Question: Frank Zappa in His Own Words, de Thorsten Schütte), pero sí el primero que cuenta con el apoyo de la familia, que cedió una impresionante cantidad de material de archivo sobre él.

Reestrenos de la semana: 1 de julio

Amelie

Título original: Le fabuleux destin d'Amélie Poulain. Dirección: Jean-Pierre Jeunet. País: Francia. Año: 2001. Duración: 120 minutos. Género: Comedia. Drama. Comedia dramática. Realismo mágico. Película de culto. Interpretación: Audrey Tautou, Mathieu Kassovitz, Rufus Magloire, Lorella Cravotta, Serge Merlin, Jamel Debbouze, Claire Maurier, Clotilde Mollet, Isabelle Nanty, Dominique pinon, Artus de Penguern, Yolande Moreau, Cancelier urbano, Maurice Bénichou. Guion: Guillaume Laurant , Jean-Pierre Jeunet. Música: Yann Tiersen. Fotografía: Bruno Delbonnel. Productora: Claudie Ossard/Imágenes UGC. Nominaciones y premios:  5 nominaciones al Oscar, incl. película de habla no inglesa, guion y fotografía;  Nominada al Globo de Oro: Mejor película de habla no inglesa; 2 premios BAFTA: Mejor guion original y diseño de producción. 9 nominaciones;  4 premios Cesar: Película, director, música, diseño de producción. 13 nominaciones;  Festival de Toronto: Mejor película (Premio del Público);  Premios del Cine Europeo: 4 premios incluyendo mejor película y director; Critics' Choice Awards: Mejor película de habla no inglesa; Premios Independent Spirit: Mejor película extranjera; Premios Goya: Mejor película europea; Premios David di Donatello: Nominada a mejor film extranjero; Asociación de Críticos de Chicago: Mejor película extranjera; Festival Internacional Karlovy Vary: Mejor película. Reestreno en España: 1 de julio de 2021. Sinopsis: Amelie no es una chica como las demás. Ha visto a su pez de colores deslizarse hacia las alcantarillas municipales, a su madre morir en la plaza de Nôtre-Dame y a su padre dedicar todo su afecto a un gnomo de jardín. De repente, a los veintidós años, descubre su objetivo en la vida: arreglar la vida de los demás. A partir de entonces, inventa toda clase de estrategias para intervenir en los asuntos de los demás: su portera, que se pasa los días bebiendo vino de Oporto; Georgette, una estanquera hipocondríaca, o "el hombre de cristal", un vecino que sólo ve el mundo a través de la reproducción de un cuadro de Renoir. 

Efemérides de cine: Domingo, maldito domingo

El 1 de julio de 1971 se estrenó la película británica Domingo, maldito domingo (Sunday, Bloody Sunday), dirigida por John Schlesinger e interpretada por Glenda Jackson, Peter Finch, Murray Head, Peggy Ashcroft, Maurice Denham, Vivian Pickles, Tony Britton, Thomas Baptiste, Frank Windsor. Productora: United Artists. Duración: 110 minutos.

Sinopsis argumental: Alex Greville (Glenda Jackson), una mujer de mediana edad, y el doctor Daniel Hirsh (Peter Finch) mantienen un affaire por separado con la misma persona, el joven científico Elkin (Murray Head). Ambos lucharán por su amor. 

Nominaciones y premios: 4 nominaciones al Oscar: Director, actor (Finch), actriz (Jackson), guion adaptado; Globo de Oro: Mejor película extranjera (Samuel Goldwyn Award). 2 nominaciones; Premios BAFTA: 5 premios incluyendo mejor película y director. 8 nominaciones; Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor guion. 2 nominaciones; Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director; Sindicato de Guionistas (WGA): Mejor guion original drama; Premios David di Donatello: Mejor director extranjero.

Comentario: Por su contenido, Domingo, maldito domingo fue considerada una película escandalosa en el momento de su estreno, no en vano, se trata de una de las primeras en las que se muestra un beso homosexual. Su director, el británico John Schlesinger, había iniciado su carrera americana firmando películas como Cowboy de medianoche o Marathon Man, pero seguía rodando en el Reino Unido, como es el caso de la película que comentamos. La cinta estuvo nominada a cuatro Oscar: mejor actor, actriz, director y guión; pero no ganó ninguna estatuilla. Como curiosidad, hay que destacar que la película supuso el debut del actor Daniel Day-Lewis, que aparece en una escena interpretando a un joven vándalo. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Efemérides de cine: ¿Qué le pasa a Helen?

El 30 de junio de 1971 se estrenó la película estadounidense ¿Qué le pasa a Helen? (What's the Matter with Helen?), dirigida por Curtis Harrington e interpretada por Debbie Reynolds, Shelley Winters, Dennis Weaver, Agnes Moorehead, Micheál MacLiammóir, Helene Winston, Timothy Carey, Samee Lee Jones, Roxanne 'Rocky' Meyers, Keri Shuttleton, Sian Winship, Peggy Walton-Walker. Productora: Filmways Pictures. Duración: 101 minutos. 

Sinopsis argumental: Las fotografías del asesinato de Ellie Banner están en todos los periódicos. Helen y Adele, madres de los sospechosos, tras recibir la notificación de que sus hijos han sido condenados a muerte, abandonan la ciudad para empezar una nueva vida.

Nominaciones y premios: Nominada al Oscar: Mejor vestuario.

Comentario: Una de las películas más valoradas de su director, Curtis Harrington, donde éste pudo llevar a la pantalla la hipocresía y la maldad del Hollywood de los años 1930. Partiendo de un guión de Henry Farell, famoso por haber escrito a principios de los años 1960 la novela ¿Qué fue de baby Jane?, Harrington fue capaz de mostrar la persecución y el acoso de dos mujeres traumatizadas por su pasado. Una de las cosas que más fue valorada de la película en su momento fue la interpretación de Shelley Winters, encarnando a una personalidad patológico-criminal, además de un diseño artístico decadentista, muy propio del estilo de Harrington. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.