lunes, 10 de diciembre de 2018

Cumplió 25 años: El club de la buena estrella



El 10 de diciembre de 1993 se estrenó la película estadounidense El El club de la buena estrella (The Joy Luck Club), dirigida por Wayne Wang e interpretada por Tsai Chin, Kieu Chinh, Lisa Lu, Victor Wong, Wen Ming-Na, Tamlyn Tomita, Rosalind Chao, France Nuyen. Productora: Buena Vista Pictures. Duración: 138 minutos. 

Sinopsis argumental: La cinta narra la historia del choque generacional de cuatro familias cuyas vidas y relaciones están marcadas por el amor, la tragedia, la magia y la intensidad. Desde que emigraron de China debido a los conflictos bélicos que sacudieron al país a principios de siglo hasta sus actuales y pacíficas vidas en las calles de San Francisco. Las esperanzas, ambiciones y sueños de las familias saldrán a la luz condicionados por los acontecimientos que definieron sus vidas.
Nominaciones y premios: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guión adaptado; Nominada Premios BAFTA: Mejor guión adaptado.
Comentario:Película sobre las relaciones entre las mujeres chino-americanas y sus madres Chinas. Adaptación de la popular novela homónima de Amy Tan. 

domingo, 9 de diciembre de 2018

Películas de la semana: 10 de diciembre

Bernini, el artista que inventó el barroco

Título original: Bernini. Dirección: Francesco Invernizzi. País: Italia. Año: 2018. Duración: 87 minutos. Género: Documental. Reparto: Documental, Andrea Bacchi, Anna Coliva, Luigi Ficacci. Guion: Stefano Paolo Giussani. Fotografía: Massimiliano Gatti. ProductoraMagnitudo Film. Estreno en España: 10 de diciembre de 2018. SinopsisNingún artista definió la Roma del siglo XVII mejor que Gian Lorenzo Bernini, trabajando bajo nueve papas y dejando una huella indeleble en la ciudad eterna. Probablemente no hay mejor lugar para apreciar su talento y genio que en la Galería Borghese en Roma, la Villa -ahora un museo- construido por su primer patrón, el Cardenal Scipione Borghese, donde Bernini reveló su talento para la captura de tensión y drama en piedra.

Efemérides de cine: The Birthday Party

El 9 de diciembre de 1968 se estrenó la película británica The Birthday Party, dirigida por William Friedkin e interpretada por Robert Shaw, Patrick Magee, Dandy Nichols, Sydney Tafler, Moultrie Kelsall, Helen Fraser. Productora: ABC/Palomar Pictures International. Duración: 123 minutos. 
Sinopsis argumentalStanley recibe la inesperada visita de dos misteriosos y amenazadores desconocidos que se ofrecen para ser los anfitriones de su fiesta de cumpleaños. Durante la celebración, lo obligan a contestar preguntas absurdas y a levantarse y sentarse continuamente. Finalmente, lo secuestran.
Comentario: Basada en la obra teatral de Harold Pinter y realizada por el futuro director de El exorcista (The Exorcist, 1973). Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Biografías de cine: Gloria Swanson (III)

(cont.)
Pero la mejor y más famosa de las seis películas que rodó seguidas para De Mille fue Macho y hembra (Male and Female, 1919), versión libre de la novela de J. M. Barrie, The Admirable Chrichton, que mostraba el principio de las intrigas de la alta sociedad, pasaba luego al drama con el naufragio, a la comedia en las escenas de la isla en la que la Swanson era sacrificada a los leones. Ese fue uno de los grandes hitos de su carrera. Desgraciadamente, los papeles que le ofrecieron después eran repetitivos, y se limitó a sufrir (suntuosamente vestida, eso sí) en ¿Por qué cambiar de esposa? (Why Change Your Wife?), La fuerza del querer (Something to Think about), ambas de 1920, y finalmente, El señorito primavera (The Affairs of Anatol, 1921). en la que lo único que tenía que hacer era esperar en casa, mientras que vampiresas como Bebe Daniels eran las que se lo pasaban mejor y mayores ocasiones de lucimiento.
Cecil B. DeMille, Agnes Ayres, Bebe Daniels, Shannon Day, Julia Faye, Wanda Hawley, Ruth Miller, Polly Moran, y Gloria Swanson en El señorito primavera (1921)

Cambio de rumbo

Había llegado el momento de que De Mille y la Swanson emprendieran caminos distintos; y, en El caballero sin tacha -posteriormente comercializada con el título de A los hombres-, (The Great Moment, 1921), trabajó bajo las órdenes de Sam Wood, director que habría de guíarla en una larga serie de diez películas. Para ésta, que se rodó de hecho antes que El señorito primavera, la Swanson exigió que su nombre apareciese antes que el título, y el guión fue escrito pensando especialmente en ella por Elynor Glyn, especializada en historias pasionales ambientadas en la alta sociedad. 
Fotograma de A los hombres (1921)
En sus posteriores películas con Sam Wood, la Swanson osciló entre la abnegación y el sufrimiento de Bajo el látigo (Under the Lash, 1921), los problemas de dificil solución de Estrategia femenina (Don't Tell Everything, 1921), una relación extramarital con Rodolfo Valentino en Más fuerte que su amor (Beyond the Rocks, 1922), y la comedia ligera a la francesa, ejemplificada por La octava esposa de Barbazul (Bluebeard's Eight Wife, 1923). 
Gloria Swanson en La octava esposa de Barbazul (1923)
Para entonces se había convertido en la máxima estrella de la Paramount; y, en 1923, su contrato fijó un precedente, en el sentido de que le daba derecho a elegir sus propias películas. Lo utilizó con habilidad para diversificarse como actriz e interpretar papeles de lo más variado: Zaza (1923), una historia "fuerte" ambientada en el mundo del cabaret parisino, se vio seguida por otras como Juguete del placer (Manhandled, 1924), dirigida por Allan Dwan, en la que realizaba una brillante interpretación como una modesta vendedora, que está mascando continuamente chicle, y que descubre que la alta sociedad no es como ella se la imaginaba. 
Juguete del placer (1924)
En La favorita de la legión (Wages of Virtue, 1924), la Swanson batió todas su marcas anteriores, luciendo un vestido de novia del que se dijo que había costado 100.000 dólares. 
Allan Dwan y Gloria Swanson en La favorita de la legión (1924)
(cont.)

sábado, 8 de diciembre de 2018

Cumplió 25 años: Seis grados de separación

El 8 de diciembre de 1993 se estrenó la película Seis grados de separación (Six Degrees of Separation AKA 6 Degrees of Separation), dirigida por Fred Schepisi e interpretada por Will Smith, Stockard Channing, Donald Sutherland, Ian McKellen, Bruce Davison, Heather Graham, Anthony Michael Hall, Eric Thal, Richard Masur, Anthony Rapp,Catherine Kellner, J.J. Abrams, Oz Perkins. Productora: Metro-Goldwin-Mayer. Duración: 11 minutos. 
Sinopsis argumental: Paul consigue introducirse hábilmente en el mundo de los marchantes de arte neoyorquinos Ouisa y Flan Kittredge, haciéndose pasar por el hijo de Sidney Poitier. Pero, antes de que empiece a desentrañarse el engaño de Paul, éste aporta a sus anfitriones mucho más que una simple anécdota para contar en sus fiestas: desencadena una serie de acontecimientos que alterará el curso de sus vidas para siempre. 
Nominaciones y premiosNominada al Oscar: Mejor actriz (Stockard Channing); Nominada al Globo de Oro: Mejor actriz-comedia o musical (Stockard Channing); Asociación de Críticos de Chicago: 2 nominaciones, incluida mejor actriz (Stockard Channing). 
ComentarioBasada en una obra de teatro de gran éxito en Broadway, se trata de una interesantísima comedia dramática, inteligente y cautivadora. 

Efemérides de cine: El hombre de Kiev

El 8 de diciembre de 1968 se estrenó la película estadounidense El hombre de Kiev (The Fixer), dirigida por John Frankenheimer con Alan Bates, Dirk Bogarde, Hugh Griffith, Ian Holm, Jack Gilford, Elizabeth Hartman, David Warner, Georgia Brown, Carol White, Murray Melvin, Peter Jeffrey, Michael Goodliffe. Productora: 
Metro-Goldwin-Mayer. Duración: 132 minutos.
Sinopsis argumentalEn la Rusia zarista, entre finales del XIX y principios del siglo XX, los judíos, acusados de terribles y sangrientos crimenes, fueron cruelmente perseguidos. Se trataba de una cortina de humo para desviar la atención del pueblo ruso de problemas más acuciantes, como el hambre y la miseria. En este contexto, un campesino judío trata de ocultar su origen para evitar la represión. Pese a todo, es acusado de crímenes que no ha cometido y, sin juicio previo, sufrirá todo clase de torturas físicas y psíquicas. 
Nominaciones y premios Nominada al Oscar: Mejor actor (Alan Bates); Globos de Oro: 4 nominaciones, incluyendo mejor película - Drama
ComentarioAdaptación de The Fixer (en español El hombre de Kiev), una novela del escritor estadounidense de origen judío Bernard Malamud, que ganó el premio Pulitzer en 1967. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Secretaría para un ladrón

El 8 de diciembre de 2018 se estrenó la película británica Secretaria para un ladrón (The Fiction Makers), dirigida por Roy Ward Baker e interpretada por Roger Moore, Sylvia Syms, Justine Lord, Kenneth J. Warren, Philip Locke, Roy Boyd. Productora: Bamore/Incorporated Television Company (ITC). Duración: 100 minutos. 
Sinopsis argumentalSimon Templar, 'El Santo' es asignado para proteger de unos gángsters, al famoso novelista Amos Klein, una joven que usa un seudónimo masculino.
Comentario: La película, en un principio, se filmó para televisión y se emitiría en dos episodios. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

viernes, 7 de diciembre de 2018

Efemérides de cine: El gran silencio

El 7 de diciembre de 1968 se estrenó la película italiana El gran silencio (Il grande silenzio), dirigida por Sergio Corbucci e interpretada por Jean-Louis Trintignant, Klaus Kinski, Luigi Pistilli, Marisa Merlini, Frank Wolff, Mario Brega, Raf Baldassarre, Spartaco Coversi, Vonetta McGee. Productora: Coproducción Italia-Francia: Adelphia Compagnia Cinematografica/Les Films Corona. Duración: 102 minutos. 
Sinopsis argumentalEn la última década de 1800 (siglo XIX), en la frontera entre México y Estados Unidos, una gran nevada obliga a los criminales a dejar las montañas donde viven y bajar al valle. De esta situación se aprovechan los cazadores de recompensas sin escrúpulos, que matan por unos pocos dólares. "Silencio" (Jean-Louis Trintignant), un pistolero solitario y mudo, es contratado por Pauline (Vonetta McGee) para vengar la muerte de su marido a mano de los matones de Pollicut (Luigi Pistilli). A su vez, tratará de oponerse a la matanza que tiene lugar en la zona enfrentándose a "Loco" (Klaus Kinski), el más sanguinario de los cazadores de recompensas.
Comentario: Película que contiene muchos de los rasgos del género, como esa estética sucia, ese tono tan violento, esos villanos tan despiadadamente crueles hasta rozar la psicopatía y ese estilo tan libre que en ocasiones roza el delirio. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Noticias de libro: Star Wars

The Star Wars Archives: 1977–1983

Paul Duncan
Taschen
2018
604 págs.
Star Wars irrumpió en nuestras pantallas de cine en 1977, y el mundo no ha sido el mismo desde entonces. Después de pasarse la década de 1970 viendo películas cínicas y deprimentes, el público abrazó con entusiasmo la energía positiva del universo Star Wars mientras seguía los pasos del granjero Luke Skywalker en su viaje por las galaxias, conociendo personajes extraordinarios como el misterioso ermitaño Obi-Wan Kenobi, los piratas espaciales Han Solo y Chewbacca, los leales droides C-3PO y R2-D2, la audaz princesa Leia y el temible Darth Vader, al servicio del tenebroso y malvado emperador.
El escritor, director y productor George Lucas creó el monomito moderno de nuestro tiempo, que encuentra eco en el niño que todos llevamos dentro. Para lograrlo, fundó Industrial Light & Magic y desarrolló tecnologías de efectos especiales de vanguardia, que combinó con innovadoras técnicas de montaje y una inigualable atención al sonido para brindar al público una experiencia cinematográfica y sensorial única.
Realizado en estrecha colaboración con George Lucas y Lucasfilm, este primer volumen aborda la historia de la trilogía original: Episodio IV: Una nueva esperanza, Episodio V: El Imperio contraataca y el Episodio VI: El retorno del Jedi, y ofrece una entrevista en exclusiva con Lucas. El libro está ricamente ilustrado con páginas de guiones, documentos de producción, arte conceptual, guiones gráficos, fotografías de rodaje, fotogramas y carteles.
Sobre el autor
Paul Duncan es un historiador del cine cuyos títulos para TASCHEN incluyen The James Bond Archives, The Charlie Chaplin Archives, The Godfather Family Album, Taxi Driver, Film Noir y Horror Cinema, además de libros sobre directores de cine, géneros cinematográficos, estrellas de la gran pantalla y carteles de películas.

Cinco películas con la bada sonora compuesta por Ennio Morricone

Desde Pánico en la ciudad (Peur sur la ville, 1975) a Lolita de Adrian Lyne (Lolita, 1997), cinco temas poco conocidos compuestos por Ennio Morricone. ¡Ver una película por su banda sonora! En esta ocasión, hemos seleccionado cinco obras, westerns excluidos, para ilustrar una retrospectiva dedicada al compositor italiano. 

1.- Cinema Paradiso (1989), de Giuseppe Tornatore

Cinema Paradiso se destaca como la colaboración fundacional entre Tornatore y Morricone. Al final de la película, en una sala de proyección, Jacques Perrin descubre, en trozos de celuloide, de escenas de abrazos y besos, una vez cortadas por el proyeccionista de su infancia (Philippe Noiret), por razones de censura. El tema lírico de la música, coescrito por Morricone y su hijo Andrea, simboliza la transición entre el viejo proyeccionista y este pequeño niño que se convirtió en cineasta. Dos generaciones, como Morricone y Tornatore, el segundo que entró en la vida del primero, cuando Sergio Leone (1929-1989) desapareció.

2.- Pura formalidad (Una pura formalità, 1993), de Giuseppe Tornatore

La partitura de esta película es muy tensa, aguda, con un agitato para violinista solista y orquesta de una modernidad frontal, muy virtuosamente rítmica. Pero también hay un título interpretado por Gérard Depardieu, en conclusión de la película: Ricordare. Después de una hora y cuarenta minutos de alta tensión, esta canción trae una sensación de calma, de elevación. Dramáticamente, ella dice lo que no vemos en la imagen: el paraíso simbólico de Onoff, el personaje de Depardieu.

3.- Pánico en la ciudad (Peur sur la ville, 1975), de Henri Verneuil

Entre las partituras francesas de Morricone, Pánico en la ciudad es un "monumento" de gran audacia estética para una película de sábado por la noche: un ostinato en el piano en el grave, una melodía silbada, golpes agudos, una parte central disonante a la armónica, que refleja el caos mental del asesino psicopático cazado por Belmondo. Este tema ha impresionado tanto a Alexandre Desplat que ha escrito un arreglo original para el Traffic Quintet

4.- El trío infernal (Le trio infernal, 1974), de Francis Girod

El trío del título se deshace de un cadáver (Andrea Ferreol en un papel de descomposición) disolviéndolo en una bañera llena de ácido sulfúrico, y luego descuartizándolo. Para esta secuencia, Morricone toma el partido por la bufonada, con una canción titulada Requiem al ácido sulfúrico, en contrapunto total a la situación en la pantalla. Estéticamente, es una mezcla de Rossini y Mozart, imbuida de gran ironía, con un pequeño grupo vocal femenino. Sin música, el hiperrealismo macabro produce náuseas. Con la música, sonríes. Aficionado al humor negro, Morricone ha aceptado trabajar con Girod especialmente por esta escena alucinógena.

5.- Lolita de Adrian Lyne (Lolita, 1998), de Adrian Lyne

Entre las partituras menos conocidas de Morricone, está esta colaboración fugaz con el cineasta de Flashdance. Para traducir la sensualidad y el conflicto, Morricone firma un tema de una impresionante belleza armónica, que le da un sentido del tiempo suspendido, con un instrumento que rara vez usa, la armónica de cristal, cuyas vibraciones de vidrio han seducido a Nino Rota en el Casanova de Fellini. Michel Legrand siempre dice: "Cuando el punto de vista del compositor es correcto, es imposible imaginar la película con otra música". Ese es exactamente el caso, y mucho más, con Lolita.

jueves, 6 de diciembre de 2018

Películas de la semana: 7 de diciembre

Galveston

DirecciónMélanie Laurent. PaísEstados Unidos. Año: 2018. Duración94 minutos. GéneroThriller. Venganza. Crimen. InterpretaciónBen Foster, Elle Fanning, Lili Reinhart, María Valverde, Beau Bridges,Robert Aramayo,  depero Oduye, Rob Steinberg, Jamel Chambers, Heidi Lewandowski, Jay DeVon Johnson, Michael Ray Escamilla, Rhonda Johnson Dents, Christopher Amitrano. GuionJim Hammett (Novela: Nic Pizzolatto). ProducciónTyler Davidson.MúsicaMarc Chouarain. FotografíaArnaud Potier. MontajeGuerric Catala, Joseph Krings. Diseño de producciónGuerric Catala, Joseph Krings. VestuarioLynette Meyer. ProductoraLow Spark Films/Jean Doumanian Productions. Premios y nominacionesPhiladelphia Film Festival: Nominada a mejor realización narrativa; SXSW Film Festival: Una nominación; Toronto International Film Festival: Una nominación. Estreno en España: 7 de diciembre de 2018. SinopsisDespués de escapar de una emboscada, un sicario enfermo vuelve a su ciudad natal de Galveston donde planea su venganza. Roy Cady es un asesino a sueldo en New Orleans al que le fue diagnosticado cáncer de pulmón a los 40 años. Ante la sospecha de que su jefe quiere eliminarle, Roy trata de huir hacia el horizonte desconocido. En su camino, se encontrará con una joven desamparada que le da la oportunidad de darle un nuevo sentido a su vida... Basada en la novela del creador de True Detective.

Hace 100 años: Little Orphant Annie

En diciembre de 1918 se estrenó la película estadounidense Little Orphant Annie, dirigida por Colin Campbell e interpretada por Colleen Moore, Tom Santschi, Harry Lonsdale, Eugenie Besserer, Doris Baker, Baby Lillian Wad, Ben Alexander, Billy Jacobs, George Hupp, James Whitcomb Riley, Mae Gaston, Lillian Hayward, Lafe McKee, Jean Stone. Productora: Selig Polyscope Company. Duración: 57 minutos.
Sinopsis argumentalAnnie, huérfana tras la muerte de su madre, va a vivir a un orfanato donde cuenta historias de fantasmas y duendes a sus compañeros huérfanos. La encargada del orfanato encuentra al pariente más cercano de Annie, el abusivo tío Thomp. Su tío, que la pone a trabajar arduamente en su granja, la menosprecia todo el tiempo. Big Dave, un vecino y un duro vaquero, ve esto y acude en su ayuda. Dave se convierte en su protector. Finalmente, Annie va a vivir con Squire Goode y su numerosa familia. Allí, ella entretiene a los niños de la casa con sus historias, pero ve a su tía y tío abusadores como sus principales torturadores. Ella cuenta historias de cómo los duendes se llevarán a los niños si no son buenos. Cada historia que ella cuenta está ilustrada. La guerra estalla y Dave, a quien Annie adora, se alista. El tío Thomp, al saber que Dave ha muerto en acción, se complace en contarle a Annie la noticia. Con el corazón roto, Annie enferma y muere en la cama, rodeada de familiares.
Comentario: Película basada en el poema homónimo de James Whitcomb Riley, el cual aparece  en la misma. 

Biografías de cine: Gloria Swanson (II)

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Camino de Filipinas, donde iba a reunirse con su padre, ella y su madre se detuvieron en Los Ángeles. Decidió probar suerte en los estudios de dicha ciudad; y, casi de inmediato, consiguió papeles destacados, algunos de ellos en películas interpretadas por Wallace Beery, con el que se casó en 1916. la mayoría de sus primeras películas en Hollywood fueron cortos cómicos de Mack Sennett. Ella misma dijo que deseaba tanto interpretar papeles dramáticos que lo hacía en serio incluso en esas películas disparatadamente cómicas, sin darse cuenta que era precisamente su seriedad lo que hacía que el efecto final resultase más divertido.
En 1917 decidió alejarse de la órbita de Sennett y se encontró trabajando para otro estudio, Triangle, , en el que interpretó numerosos papeles dramáticos en películas sobre problemas matrimoniales y amorosos. Se titulaban Sociedty for  Sale, Everywoman's Husband, Shifting Sands y Wife or Country (todas de 1918), y en la mayoría de ellas trabajó junto a su antiguo compañero en las películas de Sennett, el juvenil Bobby Vernon
Aunque podía interpretar finalmente dramas, se sentía incomoda con las limitaciones impuestas por la Triangle y se mostró dispuesta a aceptar una propuesta para trabajar en una película de Cecil D. De Mille, pero la Triangle se lo impidió aferrándose a lo estipulado en una cláusula de su contrato. En 1919, quedó finalmente libre y se marchó a la Paramount, en la que la primera película que rodó con De Mille, No cambies de esposo -también conocida en español como ¡A los hombres!- (Don't Change Your Husband, 1919), se convirtió en una de los mayores éxitos de ese director. 
Ted Shawn y Gloria Swanson en No cambies de esposo (1919)

Una juvenil veterana

Así, a los veinte años de edad, La Swanson se vio lanzada a la fama y transformada en una estrella importante, con cinco años de experiencia cinematográfica a sus espaldas. "trabajar para De Mille", recuerda en su autobiografía Swanson on Swanson, "era como hacer de ama de casa en los grandes almacenes más lujosos del mundo". Si se interpreta esa afirmación en el sentido de que, en los vehículos realizados para ella por De Mille, aparecía siempre suntuosamente vestida, no cabe negar que tenía razón; ya que, durante esta época, De Mille se dedicó a rodar maduras y sofisticadas comedias de alta sociedad. Por ejemplo, en No cambies de esposo, la Swanson interpretaba a la esposa que cambia de marido y descubre que el primero es mejor que el segundo. En Abnegación (For Better, for Worse, 1919, encarnaba a la mujer que cree erróneamente que su novio es un cobarde, aunque luegos los hechos demostraban que no era así. Y ambas películas ofrecían a loos espectadores la tranquilidad de un final feliz. 
Elliott Dexter and Gloria Swanson en Abnegación (1919)
(cont.)

miércoles, 5 de diciembre de 2018

Efemérides de cine: Seeds

En diciembre de 1968 se estrenó la película estadounidense Seeds, dirigida por Andy Milligan e interpretada por Maggie Rogers, Candy Hammond, Anthony Moscini, Lucy Silvay, Neil Flanagan, Gene Connolly, David Hazard, Eileen Hayes, Patricia Dillon, Jonathan East, Jesse Bigelow, Jerry Cortez, Paul Eden, Rita Benning, Magie Dominic. Productora: Aquarian Productions. Duración: 84 minutos. 
Sinopsis argumentalUna familia rota se reúne para una cena de Navidad que degenera en una orgía de incesto, suicidio y asesinato. Carol (Candy Hammond) invita a sus hermanos y hermanas separados a la casa que comparte con su madre (Maggie Rogers), una alcohólica amargada y solitaria en silla de ruedas que se enoja cuando escucha las noticias. La madre odia a cada uno de sus hijos y está convencida de que todos persiguen su considerable fortuna. Los hermanos y sus cónyuges llegan y la cena comienza pacíficamente cuando todos se ponen al día en las vidas de los demás. Sin embargo, su madre se niega a ocultar su desprecio, y sus borrachas recriminaciones elevan los ánimos a un tono calenturiento que terminará en una noche horrible. Más tarde esa noche, a un coqueteo incestuoso furtivo le sigue una electrocución de la bañera y un acto desesperado de hari-kari. Se revela que un joven estudiante de la academia militar es un homosexual, un incendiario y un chantajista, y posteriormente se corta las muñecas en el patio trasero. La hermosa hermana mayor está desfigurada con ácido, mientras que su esposo recibe un hachazo en la frente. Mientras tanto, Carol está tratando de resucitar su propia relación incestuosa con su hermano Michael (Robert Service), que terminó cuando se mudó de casa. Su renuencia la empuja al límite, y ella toma represalias violentas contra su odiosa matriarca.
Comentario: Esta película fue posteriormente reeditada en la década de 1970 pasándose a llamar Seeds of Sin. Se eliminaron algunas secuencias de la versión reeditada y se agregó material de archivo porno. El negativo original de Seeds ahora se considera perdido. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Hace 100 años: La virgen casada

En diciembre de 1918 se estrenó la película estadounidense La virgen casada (The Married Virgin), dirigida por Joseph Maxwell e interpretada por Vera Sisson, Rudolph Valentino, Frank Newburg, Kathleen Kirkham, Edward Jobson, Lillian Leighton. Productora: Maxwell Productions. Duración: 71 minutos. 
Sinopsis  argumentalUna chica (Vera Sisson), para salvar a su padre de su salud financiera y de la cárcel, decide casarse con un Conde Italiano, cazador de dotes, que está chantajeando al padre. Lo que la chica no sabe es que el canalla Conde italiano (Rodolfo Valentino) tiene amores con la madrastra, una mujer casi de la edad de ella, sin escrúpulos que desea deshacerse de su viejo y gordo marido y fugarse con su amado a Buenos Aires.
Comentario: Película con un estilo folletinesco y melodramático propio de la época, en la que se puede ver al que luego sería famoso actor Rudolph Valentino. 

Próximamente: Amanda, una película de madurez de Mikhaël Hers

París, en la actualidad. David tiene veinte años y vive el presente. Se gana la vida con pequeños trabajos, y evita tomar decisiones que le comprometan. Es solitario y soñador. Un día se enamora de Lena, una vecina que acaba de llegar. El transcurso tranquilo de su vida estalla de pronto cuando su hermana mayor muere brutalmente en un atentado. David es la única persona que se puede hacer cargo de Amanda, su sobrina de siete años. Un magnífico melodrama sobre la familiarización de dos seres. 
Durante los primeros veinte minutos, hay una ligera sospechosa para aquellos que conocen el cine profundamente desencantado de Mikhael Hers. David hace malabarismos despreocupadamente entre dos trabajos alimenticios: administrar apartamentos amueblados para turistas y podar árboles en el distrito 20 de París. También buscará a sobrina Amanda, al final de la jornada escolar, para ayudar a su hermana, Sandrine, una maestra de inglés en el instituto Arago, una joven madre soltera. Los tres miembros de la familia Sorel parecen felices y unidos a pesar de que su día a día no siempre es fácil, pero con los paris-brest (tarta) de la panadería y las canciones de Elvis Presley. Es el comienzo del verano. La temporada de excursiones. Esa noche, David se detiene en la estación de Lyon para recoger a unos inquilinos. Sandrine y Lena, una vecina con quien comienza a flirtear, ya se han ido al Bois de Vincennes. Cuando David se une a ellos con su bicicleta, su vida y la película, se trastornan: los terroristas islamistas han hecho una carnicería en el césped.
Al inyectar, por primera vez, lo real en su sutil universo, hasta ahora deliberadamente desconectado de la fealdad de las noticias, Mikhaël Hers realiza una especie de cambio en la continuidad de su filmografía. A su manera: con pequeños toques, siempre con infinita delicadeza. El tema del duelo ya lo tocaron sus dos películas anteriores, ya sea la pérdida, metafórica, los recuerdos de una pandilla de compañeros en el umbral de la edad adulta en Memory Lane (2010) o las consecuencias de la brutal desaparición de una joven de treinta años afectada por la enfermedad en Ce sentiment de l'été (2015). Después de dos películas llenos de la melancolía, el cineasta del tiempo perdido realiza un melodrama puro y duro sobre la delicada gestión del dolor.
En Amanda (2018), una película de madurez, aborda frontalmente la expresión de los sentimientos que solía evitar púdicamente dejándola fuera de campo o por medio de la elipsis.  del campo o evitar modestamente por medio de elipsis. La temida escena de anunciar la muerte de Sandrine a su hija, en el banco de una plaza desierta, es abrumadora por su simplicidad. Mikhaël Hers no duda en filmar, brevemente, pero sin rodeos, a las sangrientas víctimas del tiroteo.
El atentado del Bois de Vincennes, ficticio pero, desgraciadamente, muy creíble, también es una oportunidad para que el director, entusiasta del pop y gran inspector de salas de conciertos desde finales de la década de 1980, rinda un discreto homenaje a las víctimas de la masacre de Bataclan y, en general, la juventud parisina diezmada el 13 de noviembre de 2015. Una juventud que le fascina y que no ha dejado de incluir en sus películas, desde sus primeros cortometrajes -Primrose Hill (2007), Montparnasse (2009)-. Para desentrañar los misterios.
El punto de inflexión de la historia, el ataque terrorista se circunscribe a dos o tres escenas muy cortas antes de ser sacado para darle tiempo a la película a desarrollar su tema real: la paternidad accidental. Huérfano de padre y confuso por una madre que ha abandonado el hogar sin dar ninguna señal de vida durante diez años, David, "adolescente" de 24 años (Vincent Lacoste, muy convincente en su primer papel dramático importante), se encuentra de la noche a la mañana, teniendo que lidiar con su propio dolor y la vida de una niñoa de 7 años. Ayudado por una tía de buen corazón (Marianne Basler, un verdadero bálsamo consolador), a David le cuesta mucho improvisar como padre y al mismo tiempo reconstruir la frágil relación con Lena, su amante, sobreviviente pero traumatizada.
Fiel a su hábito de dejar que sus personajes desaten su dolor y sus conflictos abiertamente y en movimiento, Mikhaël Hers envía a David y Amanda a explorar el este de París, desde la plaza Voltaire al Parc Floral, pasando por las orillas del Sena. Sucesión de escenas de la vida cotidiana de una dulce banalidad donde, para volver a aprender a amarse, las palabras intercambiadas cuentan menos que las sensaciones reencontradas. Hasta esta decisiva gira londinense hasta el estadio de Wimbledon para presenciar la simbólica "remontada" de un jugador de tenis que lucha. En cada punto ganador, lágrimas de alegría en las mejillas de Amanda, en las nuestras. En los ojos brumosos de la rubia huérfana, finalmente se puede leer las palabras que les faltaban: volver a vivir.