Las 50 mejores películas de terror de la historia del cine (VI)

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25 - El fotógrafo del pánico (Peeping Tom, 1960), de  Michael Powell 

Gran película del británico Michael Powell, injustamente vapuleada por la crítica de la época, además de que supondría un rotundo fracaso de taquilla. Los incisivos e infundados ataques contra la cinta prácticamente condenaron al ostracismo a su infravalorado realizador. El fotógrafo del pánico fue estrenada en 1960, el mismo año en que la historia del desequilibrado Norman Bates, protagonista de Psicosis, también llegaba a las pantallas. La película, sin embargo, fue eliminada de las carteleras británicas a las pocas semanas de su exhibición, aunque con el paso de los años se ha convertido en uno de los hitos de la historia del cine de terror y en una cinta de culto. Admirada por cineastas como Martin Scorsese o Roman Polanski, es una reflexión sobre el voyeurismo y, al mismo tiempo, sobre el hecho cinematográfico y la profesión de director. El fracaso de este proyecto casi significó el fin de la carrera de Powell, que tuvo que cobijarse en el cine australiano, donde solo realizaría dos películas más. La  película es un auténtico anticipo al célebre Tesis de Alejandro Amenábar.

Karlheinz Böhm en El fotógrafo del pánico (Peeping Tom, 1960)

24 - Pulse (Kairo, 2001), de Kiyoshi Kurosawa

Una épica película de terror oriental que se hizo con el Premio de la Crítica en Sitges 2006. Kiyoshi Kurosawa, un director especialista en cine de terror japonés, realiza esta cinta de horror, que trata de criticar el impacto negativo que tienen las nuevas tecnologías en la juventud japonesa, ya que, según Kurosawa, ésta desconecta emocionalmente a la gente, en vez de unirla. Y es que en la primera década del siglo XXI, los pactos suicidas entre jóvenes y el llamado 'hikikomori' (aislamiento extremo de un adolescente, que se ve abrumado por su entorno y su incapacidad de seguir los roles impuestos por la sociedad, y no quiere salir de su habitación) fueron dos de los problemas sociales más preocupantes del Japón.Tras el éxito de la cinta en territorio asiático, Estados Unidos decidió hacer un remake en 2006, con guión de Wes Craven, aunque de calidad muy inferior.

Pulse (Kairo, 2001)

23 - La mujer pantera (Cat People, 1942), de Jacques Tourneur

Jacques Tourneur dirigió este clásico del cine fantástico, que fue todo un éxito en 1942, a pesar de que está concebida como una producción de serie B por la productora RKO. A diferencia de otras películas de terror de la época, con actores especializados en el género, y maquillajes, Tourneur se decanta por sugerir la transformación de su protagonista en pantera. Además, la historia tenía una ambientación contemporánea, pues tenía lugar en la época en la que fue rodada, algo bastante atípico en el género por aquel entonces.

Jane Randolph en La mujer pantera (Cat People, 1942)

22 - Nosferatu (Nosferatu, eine Symphonie des Grauens, 1922), de  F.W. Murnau 

El clásico más representativo del expresionismo alemán, obra del gran F.W. Murnau (Amanecer). Se trata de una versión bastante parecida, aunque libre en algunos aspectos y sobre todo en la resolución, de la novela gótica Dracula, del británico Bram Stoker. Desde Rumanía, el Conde Orlok (en algunas versiones llamado Nosferatu), un temible vampiro, se muda a Bremen, donde se enamora de la novia de su casero.

Max Schcrek en Nosferatu (Nosferatu, eine Symphonie des Grauens, 1922)

21 - Videodrome (1983), de David Cronenberg 

El controvertido e iconoclasta director canadiense David Cronenberg entregó con esta película una de sus obras más significativas, aunque no por eso de mayor calidad que otras. La trama es rara a más no poder, donde se mezclan sueños y realidades, e imágenes grotescas y desconcertantes. Es difícil descifrar qué quiere contar Cronenberg, hasta el punto de que parece que el producto final ha sufrido demasiadas manipulaciones. Una palpitante pesadilla de ciencia-ficción que nos muestra un mundo en el que el vídeo puede controlar y alterar la vida humana. Considerada por Andy Warhol la "naranja mecánica" de los años 1980.

 James Woods y Deborah Harry en Videodrome (1983)

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Las zapatillas rojas cumplen 75 años

Estrenada el 22 de julio de 1948 en Londres en primicia y mundialmente el 6 de septiembre de 1948, Las zapatillas rojas (The Red Shoes), escrita, dirigida y producida por The Archers, equipo formado por Michael Powell y Emeric Pressburger, ha cumplido 75 años.

La película utiliza el recurso del relato dentro del relato y trata la historia de una joven bailarina que se suma a una compañía consolidada y se convierte rápidamente en prima ballerina en un nuevo ballet llamado Las zapatillas rojas, basado en el cuento Las zapatillas rojas de Hans Christian Andersen. Los protagonistas de la película Moira Shearer, Anton Walbrook y Marius Goring, y otros de los intérpretes, tales como Robert Helpmann, Léonide Massine y Ludmilla Tchérina, eran nombres reconocidos del mundo del ballet, así como Esmond Knight y Albert Basserman. La música original fue compuesta por Brian Easdale. El reconocido uso creativo del Technicolor fue obra de la dirección de fotografía de Jack Cardiff. Cineastas como Brian De Palma o Martin Scorsese han incluido Las zapatillas rojas entre sus películas favoritas.

Aunque está lejanamente basada en el cuento de Andersen, se ha dicho que la historia fue inspirada por el encuentro en la vida real entre Serguéi Diáguilev y la bailarina británica Diana Gould. Diághilev le pidió que se uniera a su compañía, pero él murió antes de que ella pudiera hacerlo. Más tarde Diana Gould se convertiría en la segunda esposa del célebre violinista y director de orquesta Yehudi Menuhin.

El ballet sigue más o menos la historia de Andersen en la que se basa. Una jovencita ve un par de zapatillas rojas en un escaparate, que le son ofrecidas por un malvado zapatero. La muchacha se calza las zapatillas y comienza a bailar con su novio, van a la feria, donde ella parece olvidarse de su novio y baila con todo el que se va encontrando. El ballet fue coreografiado por Robert Helpmann, que en la película interpretó el personaje del primer bailarín del Ballet Lérmontov y bailó la parte de "el novio", con Léonide Massine creando su propia coreografía para su rol del "zapatero", siendo ambos grandes figuras del mundo del ballet. La música de toda la película, incluyendo el ballet, es composición original de Brian Easdale, quien dirigió la mayoría de las piezas que se escuchan en el filme, pero no el "Ballet of the Red Shoes", conducido por sir Thomas Beecham, que recibió un lugar prominente en los títulos de crédito.

Una obra maestra intemporal, cuyo momento clave es un ballet de catorce minutos compuesto especialmente para la película. El equipo formado por Michael Powell y Emeric Pressburger consiguió una puesta en escena grandiosa. La película consiguió dos Oscar, a la mejor dirección artística en color y a la mejor banda sonora de film dramático, en ese mismo año. 

Efemérides de cine: The Boy Who Turned Yellow

El 16 de septiembre de 1972 se estrenó la película The Boy Who Turned Yellow, dirigida por Michael Powell e interpretada por Mark Dightam, Robert Eddison, Helen Weir, Brian Worth, Esmond Knight, Laurence Carter, Patrick McAlinney, Lem Dobbs. Productora: Children's Film Foundation (CFF). Duración: 55 minutos. 

Sinopsis argumental: La película trata acerca, de un niño que vive en Londres que es fanático del club de fútbol Norwich City. Tras una excursión a la Torre de Londres, John no consigue mantenerse despierto en clase, con lo que su profesor le envía a casa. En el trayecto de regreso descubre que el tren y el resto de cosas se han vuelto amarillos. Esa noche recibe la visita de un extraterrestre, que le enseña todo sobre la electricidad. El vínculo con el club de fútbol se utiliza para explicar por qué el niño ya tiene tantas cosas amarillas en su dormitorio

Comentario: Esta película fue la última colaboración entre los cineastas Michael Powell y Emeric Pressburger. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Por el estreno de Druk (Another Round) (III)...

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13.- The Small Back Room AKA Hour of Glory (1949), de Michael Powell, Emeric Pressburger

Se basó en la novela de 1943 del mismo nombre de Nigel Balchin. La película está ambientada en 1943. Con poco más de 75 minutos de la película, durante la escena en la que el personaje de Sammy Rice destroza su sala de estar, la sombra del micrófono se puede ver reflejada en el marco vacío en el primer plano de la toma. Mientras los alemanes arrojan trampas explosivas en Gran Bretaña en 1943, el experto amargado que tendrá que desarmarlos libra una batalla privada con el alcohol.

14.- The Drunkard (O methystakas, 1950), de Yorgos Javellas

Fue la película griega más taquillera en 1950. The Drunkard fue el primer gran éxito comercial en Grecia. Finos Film se estableció como la productora cinematográfica dominante en el país. Con su icónico retrato del borracho, Orestis Makris se convirtió en uno de los actores más importantes del cine griego. Haralabos es un humilde zapatero que perdió a su hijo en la II guerra Mundial y también a su mujer, que falleció de un infarto al enterarse de la muerte de su hijo. Haralabos vive alcoholizado y es cuidado con devoción por su hija pequeña Anna, la cual nunca encuentra pretendientes por ser la hija de un borracho. Acepta su destino con resignación, porque ante todo ama a su padre, un ser alcoholizado pero lleno de bondad. La situación precaria de la familia obliga a Anna a buscar trabajo. En su nuevo empleo de secretaría renacerán sus anhelos de ser amada. El hijo del jefe se enamorará de ella, sin saber quién es el padre.

15.- El trompetista (Young Man with a Horn, 1950), de Michael Curtiz

Drama musical lejanamente inspirado en la trágica vida del músico de jazz Bix Beiderbecke, muerto a los 28 años tras una fulgurante carrera que truncó el alcoholismo. El famoso Harry James se encargó de doblar los solos de trompeta de Kirk Douglas y los pianistas Buddy Cole y Zito pusieron su música en la banda sonora. Se basa en la novela homónima de Dorothy Baker, de 1938.

16.- Las hermanas Munekata (Munekata kyodai, 1950), de Yasujirō Ozu

Mariko Munekata vive en Kioto, en casa de su hermana mayor Setsuko, que está casada con un ingeniero sin trabajo. Éste se refugia en la bebida para olvidar su fracaso, pese a que eso hace muy infeliz a Setsuko que, sin embargo, por fidelidad a sus ideas conservadoras, se resigna a continuar esa relación enfermiza. Mariko, partidaria en cambio de las nuevas costumbres occidentales, sabe que su hermana ha estado siempre enamorada de Hiroshi y trata de reunir a ambos de nuevo. Junto a Akira Kurosawa y Kenji Mizoguchi, el realizador Yasujiro Ozu es uno de los referentes del cine japonés de todos los tiempos, a pesar de la dificultad de que sus películas llegaran a estrenarse en Europa. Las hermanas Munekata es uno de esos filmes de difícil distribución en España, ya que de hecho no llegó a estrenarse en nuestro país. En todo caso, es una cinta que sigue tocando los temas de Ozu, como es el mundo de la mujer y la influencia de las costumbres occidentales en la sociedad nipona.

17.-  Vuelve, pequeña Sheba (Come Back, Little Sheba, 1952), de Daniel Mann

Adaptación de la homónima obra teatral de 1950 de William Inge. El relato muestra un matrimonio en decadencia, mal cosido por acontecimientos pasados que han convertido a la pareja en un par de personas que viven juntas, pero que apenas se relacionan, de cómo el factor inquilina joven (y su atlético pretendiente) despierta en ambos sentimientos (parte de ellos sexuales) reprimidos, precipita los latentes problemas entre ello.

18.- Las angustias de vivir (The Country Girl, 1954), de George Seaton

Un actor de teatro llamado Frank Elgin (Bing Crosby) lleva una década en decadencia afectado por el alcoholismo y con un gran complejo de culpabilidad debido a la muerte del único hijo de la pareja.Bernie Dodd (William Holden), su director de escena, y Georgie (Grace Kelly), su esposa, intentarán luchar por sacarle del triste estado en que se encuentra, aunque las cosas no van a resultar nada fáciles… Todo se centra principalmente en el sentimiento de culpabilidad que arrastra el protagonista tras morir su hijo atropellado en el pasado por un descuido suyo. El sentirse responsable le inmoviliza para ser capaz de hacer algo en la vida y en lugar de enfrentarse a ello se da a la bebida. Este enfoque sí que es un gran acierto del film y está brillantemente tratado por Seaton, quedando patente en los múltiples problemas que tiene el protagonista la capacidad de desenvolverse en los escenarios y volver a ser el que fue.

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Efemérides de cine: Corazones en fuga

El 14 de mayo de 1969 se estrenó la película australiana Corazones en fuga (Age of Consent, también conocida como Norman Lindsay's Age of Consent), dirigida por Michael Powell e interpretada por James Mason, Helen Mirren, Jack MacGowran, Neva Carr-Glynn, Andonia Katsaros, Michael Boddy, Harold Hopkin, Slim DeGrey, Max Meldrum, Hudson Faucett, Peggy Cass, Eric Reiman, Frank Thring, Tommy Hanlon Jr., Dora Hing. Productora: Nautilus Productions. Duración: 103 minutos. 

Sinopsis argumental: Película rodada en los paisajes del continente australiano, que cuenta cómo el artista Bradley Morahan decide abandonar el lujo y fama de Nueva York para aislarse en una pequeña isla del Pacífico Sur con escasos habitantes. Uno es la joven Cora, que se siente especialmente fascinada por el nuevo visitante y llega a posar desnuda para él en un cuadro. Cuando el abuelo de la muchacha se entera, la vida para Bradley ya no será tan placentera.

Comentario: El guión de Peter Yeldham fue adaptado de la novela semi-autobiográfica de 1938 del mismo nombre por Norman Lindsay, quien murió el año en que se estrenó esta película. Fue la penúltima película dirigida por el director británico Michael Powell. Los desnudos de Helen Miren fueron convenientemente cortados en el estreno de la película en Inglaterra. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: A vida o muerte

El 1 de noviembre de 1946 se estrenó A vida o muerte (A Matter of Life and Death AKA Stairway to Heaven), dirigida por Michael Powell y Emerich Pressburger y protagonizada por David Niven, Kim Hunter, Roger Livesey, Raymond Massey, Richard Attenborough, Kathleen Byron, Robert Coote, Marius Goring. Productora: Universal Pictures.

Sinopsis argumental: El aviador británico Peter Carter, en su avión en llamas y a punto de estrellarse se enamora de la voz femenina que contesta a su mensaje de socorro. Parece que se ha salvado milagrosamente y encuentra a su interlocutora. Pero un enviado del más allá le notifica que está entre la vida y la muerte y que si quiere sobrevivir, tendrá que defender su caso ante un tribunal celestial. Simultaneamente a esta situación sobrenatural, un equipo de médicos lucha en el quirófano para curar a Peter una lesión en el cerebro.

Comentario: Fantasía y realidad se mezclan en esta inusual historia que constituye una pequeña joya cinematográfica. En 1989 fue filmada por Spielberg con el título Always.

Efemérides de cine: las zapatillas rojas

El 6 de septiembre de 1948 se estrenó la película británica Las zapatillas rojas (The Red Shoes), dirigida por Michael Powell, Emeric Pressburger. Protagonizada por Anton Walbrook, Moira Shearer, Marius Goring, Leonid Massine, Albert Basserman, Robert Helpmann, Esmond Knight, Frederick Ashton, Ludmilla Tcherina. Productora: Independent Producers.

Sinopsis argumental: Drama ambientado en el mundo del ballet que trata sobre los sacrificios realizados para alcanzar el éxito profesional.

Nominaciones y premios: 2 premios Oscar: Dirección artística (color), música. Nominada a película, guión, montaje. Globo de Oro: Mejor banda sonora. Premios BAFTA: Nominada a mejor film británico. Festival de Venecia: Nominada al León de Oro.

Comentario: La película utiliza el recurso del relato dentro del relato, basado en el cuento Las zapatillas rojas de Hans Christian Andersen.

Efemérides de cine: El fotógrafo del pánico

El 7 de abril de 1960 se estrenó la película británica El fotógrafo del pánico (Peeping Tom), dirigida por Michael Powell. Protagonizada por Karlheinz Böhm, Moira Shearer, Anna Massey, Maxine Audley, Esmond Knight, Michael Goodlife, Shirley Anne Field, Barlett Mullins, Jack Watson, Nigel Davenport, Pamela Green. Producción: Archers. Distribución: Anglo-Amalgamated Productions.

Sinopsis argumental: Böhm interpreta a psicópata que fotografía a sus víctimas mientras mueren; es un hombre profundamente perturbado, cuyo desequilibrio hunde sus raíces en la infancia. Su padre, un científico obsesionado por estudiar las reacciones infantiles ante el miedo, destrozó su psique y lo convirtió en un adulto acomplejado y afectado por una demencia demoníaca. El personaje necesita registrar en imágenes el terror que sienten sus víctimas antes de morir. Por eso ejerce la profesión de fotógrafo, para encubrir sus intenciones y poder satisfacer sus morbosos impulsos sin levantar sospecha.

Comentario: Michael Powell fue uno de los pioneros del género conocido como “slasher”, en el que es habitual el siniestro modus operandi de un asesino en serie que se especializa en matar normalmente a mujeres a las que ataca cuando se encuentran solas y completamente indefensas.

En esta película,Powell pretendió reflejar los subterráneos de la parte más perturbada de la psique, y explorar una de las emociones más potentes e incontrolables, así como la atracción que algunas personas maníacas sienten hacia ese pozo al que a nadie le gusta asomarse, precisamente porque tratamos de evitarlo. Porque tal vez no haya nada más espantoso que el miedo.

Efemérides de cine: El ladrón de Bagdad

El 25 de diciembre de 1940 se estrenó El ladrón de Bagdad (The Thief of Bagdad), dirigida por Michael Powell, Ludwig Berger, Tim Whelan y protagonizada por John Justin, Sabu, June Duprez, Conrad Velt, Rex Ingram, Miles Malleson. Producida por London Films.

Sinopsis argumental: La acción tiene lugar en Bagdad, Basora y otros lugares, en un momento no determinado de la Edad Media. Narra la historia de Abu, ladonzuelo hindú, adolescente, que vive una larga aventura con su amigo Achmed (John Justin), hijo del Sultán de Bagdad, que pierde la vista por un encantamiento del malvado Jaffar (Conrad Veidt). Achmar y Jaffar se enamoran de la princesa de Basora (June Duprez).

Premios y nominaciones: Tres Oscar: mejor fotografía color, mejores efectos especiales y mejor dirección artística. 4 nominaciones.

Comentario: La película desarrolla un relato, a modo de cuento familiar, sobre las aventuras de Abu, el más avispado ladrón de Bagdad. A lo largo de la aventura, roba comida en el mercado, una joya de cristal rojo, una alfombra voladora, etc. Los tres protagonistas viven una odisea a causa del visir Jaffar, que mata al Sultán; hace víctima de la ceguera a Achmed, príncipe heredero; convierte a Abu en perro; y hace oler a la princesa la rosa azul del olvido. Para defenderse de los poderes sobrenaturales de Jaffar, Abu utiliza sus habilidades naturales: roba la lleva de la prisión, que él y Achmed abandonan antes del amanecer. También usa con inteligencia los poderes mágicos del Genio (Rex Ingram), que libera de la cautividad y a cambio le concede tres deseos, la piedra preciosa que lo ve todo, la alfombra voladora y una ballesta que le regala el rey del país de lo imposible. Jaffar representa la tiranía y la sed ciega de poder. Abu encarna la libertad, la fantasía y la afición a la aventura. 

La música, de Miklós Rózsa, se basa en una partitura original que combina dramatismo, colorismo, interludios románticos y aires orientales. Incluye canciones como I Want To Be A Sailor y otras. La fotografía ofrece travellings magníficos, perspectivas generales espectaculares y colores puros e intensos. Aprovecha con esmero la calidad de los decorados y proyecta sombras expresionistas. Incluye efectos visuales tecnicamente muy avanzados. El guión construye un relato deslumbrante, que avanza a ritmo muy intenso, bien compensado con pausas románticas. La interpretación es convincente: destacan Conrad Veidt y Sabú. La dirección, que ocupó sucesivamente a 6 profesionales (3 acreditados), consiguió una obra coherente, homogénea y fluidez. 

La famosa narración del clásico de la literatura árabe Las mil y una noches debe su logro principalmente a la labor extraordinaria del productor Alexander Korda. Los decorados fueron destruidos, para evitar que su reutilización. Remake de la obra muda de igual título (1924), de Raoul Walsh.Dio lugar a "remakes" posteriores.

Gran película, pieza culminante del género fantástico. Aladdin, de Disney, se basó en su historia y en la caracterización de sus personajes.