Diez recomendaciones para el Mes del Orgullo (II)

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6. Cosa de hembras (Female Trouble, 1974), de John Waters

La protagonista es Dawn Davenport, una adolescente que de mayor quiere ser todo lo que no se puede: analfabeta y rica, gorda y guapa, egoísta y admirada, y ladrona y glamurosa; su particularidad es que vive como si sí se pudiera. En el momento en el que una navidad no recibe los tacones de cha-cha que necesitaba para iniciarse en el camino de lo socialmente no aceptado para una chica de su edad, escapa de casa y, antes de que termine la primera mitad de la película, ya ha conseguido ser la reina de todo lo que es feo y está mal.

La gente suele recordar Pink Flamingos como la película más impactante de John Waters, pero creo que Cosa de hembras logró superar a su predecesora y tiene una mejor historia. Se suele olvidar que Waters hizo la película con la ayuda de profesores de cine de la Universidad de Maryland, Baltimore County y sus estudiantes, incluso. Estoy pensando en los niños que tuvieron sus primeras experiencias en esta producción. Comedia transgesora en la línea de otras producciones de John Waters de los años 1970, como Pink Flamingos, la cinta inmediatamente anterior. Pretendió llegar más lejos en escatología y provocación, aunque en realidad ambas películas tienen un tono grosero similar, y los personajes extremos habituales de la filmografía del realizador. Cuenta con la participación de los llamados 'dreamlanders', actores fetiches del cineasta, como Divine, Edith Massey, David Lochary, Mary Vivian Pearce y Mink Stole.

7. La ley del deseo (1987), de Pedro Almodóvar

Pablo y Tina son dos hermanos dedicados ambos al mundo del espectáculo. Hace veinte años, Tina era un hombre, pero ésa es la menor de las peculiaridades de la pareja, que vive marcada por una infancia difícil y la separación de sus padres. Pablo, director de cine, está profundamente enamorado de Juan, con quien mantiene relaciones esporádicas. La vida de los hermanos vivirá un cambio abrupto, y hasta violento, cuando Pablo conozca a Antonio, un joven atractivo e intenso con graves problemas psicológicos. El drama, y el amor más apasionado e irreflexivo, se cernirá sobre este grupo de personajes, en esta emocionante película que supuso la madurez artística de Pedro Almodóvar, y que cuenta con unas grandes interpretaciones de Eusebio Poncela, Carmen Maura y Antonio Banderas, éste en uno de sus primeros papeles protagonistas para el cine.

Si conoce mejor a Antonio Banderas como icono de los años 1990, piense en viajar un poco más atrás en el tiempo hasta las primeras películas que hizo con Pedro Almodóvar, incluida nuestra principal recomendación (y la película que Almodóvar ha calificado como la mejor interpretación de Banderas). Triángulos amorosos queer, representación trans, emociones desquiciadas, adicción... todo está presente en la película que también sirve como debut de la legendaria Rossy de Palma.

8. Blue (1993), de Derek Jarman 

En una pantalla siempre azul, una banda sonora entretejida de voces, efectos sonoros y música intenta ser una especie de retrato de Derek Jarman y sus experiencias con el SIDA, además de un análisis de los conceptos asociados al color azul. Todo ello sin concesiones al sentimentalismo o a la autocompasión e incluso recurriendo de vez en cuando a la ironía o el humor. 

Derek Jarman hizo videos para The Smiths, supo adaptar Shakespeare mejor que la mayoría, fue uno de los primeros activistas contra el VIH/SIDA y fue uno de los portavoces más elocuentes de las personas que viven con el VIH. En lo que respecta a su carrera cinematográfica, se podría hablar de los decorados que diseñó para Los demonios de Ken Russell o de cómo su Caravaggio sirve como primer papel de Tilda Swinton, pero es Blue, es la película, en la que más pensamos. Jarman utilizó una única imagen constante de color azul delphinium para representar cómo veía el mundo en ese momento: cuando estaba perdiendo la vista al final de su vida, todo se tiñó de azul. Estrenada apenas unos meses antes de su muerte, Blue es su exposición permanente más resonante.

9. El desconocido del lago (L'inconnu du lac, 2013), de Alain Guiraudie

Es verano y en un crucero hecho solamente para hombres se conocen Franck (Pierre Deladonchamps) y Michel (Christophe Paou). Frank se enamora locamente de él, un hombre poderoso, atractivo y con mucha fuerza. Franck sabe que Michel no es la persona apropiada para él, que, por su fuerte personalidad, lo más probable es que la relación salga mal y que a él le hagan daño. Pero no le importa. La pasión que está viviendo al lado de Michel es tan fuerte que no piensa en nada más, solo se limita a disfrutar del momento.

Extraños peligrosos en la orilla. Sexo escabroso. La película de Alain Guiraudie es un tema de conversación. Si estás en un bar, una fiesta, etc., y alguien que no conoces le escucha mencionar la película, terminarás hablando con él durante el resto de la noche. A partir de la tensión entre el orden y el caos, el cine clásico se empeñó en la búsqueda de la perfección. Algo de esto ha logrado El desconocido del lago. La película de Alain Guiraudie es calma como el agua quieta de un lago y explosiva en su retrato de la fisicidad, de los fluidos que emanan de un cuerpo, ya sea en el momento del gozo o en el de sufrimiento. Guiraudie plantea un film noir a partir de la presentación del espacio, del lago y sus alrededores, el bosque donde se suceden distintos y fortuitos encuentros homosexuales.

10. Súper empollonas (Booksmart, 2019), de Olivia Wilde

Dos estudiantes de último año de instituto se dan cuenta de una terrible verdad el día antes de su graduación: han trabajado tanto que no han sido capaces de divertirse. Las dos jóvenes deciden hacer todo lo posible para convertir la noche de la graduación en una velada tan épica, que consiga compensar los cuatro sacrificados años a los que se han visto sometidas.

Comedia gamberra de instituto con mirada femenina, cuenta principalmente con dos protagonistas, Kaitlyn Dever y Beanie Feldstein, mueve la cámara la actriz debutante en la dirección de largometrajes Olivia Wilde, y firman el guión cuatro mujeres, Emily Halpern, Sarah Haskins, Susanna Fogel y Katie Silberman. Va en la línea de títulos como Supersalidos o Superfumados, de planteamientos y gracia bastante limitados, pero sopla a favor el viento del #MeToo, por lo que ha sido recibida con desmesurados aplausos, como si hubiera logrado atrapar la quintaesencia del humor y el enredo. Una de las muchas cosas que gustan de esta película es que la homosexualidad y la identidad del personaje de Kaitlyn Dever forman parte de la historia. Para su mejor amiga, Molly, y para toda su clase de graduación, es simplemente parte de quién es ella. Y su encuentro en el baño con Hope es tan provocativo como cualquier otra cosa que suceda la noche anterior a la graduación, como el encuentro de la señorita Fine con Theo.

Diez recomendaciones para el Mes del Orgullo (I)

Compartimos diez películas que creemos muy interesantes para ver. 

1. Un chant d'amour (1950), de Jean Genet

Dos presos en celdas contiguas tratan de pasarse por las rejas de la ventana una guirnalda de flores, mientras un carcelero observa sus movimientos. No logran intercambiar el objeto, por lo que la frustración les lleva al onanismo retorcido, plagado de danzas, caricias, y gestos anhelantes. Una paja a través de un minúsculo agujero en el muro que separa sus celdas es utilizada en un sensual intercambio de humo, y junto a los golpes a puño cerrado en el muro se comunican, siempre observados por el carcelero, en el que acaban por surgir unos celos descarnados que le llevan a acosar a uno de ellos, incluso utilizando su arma reglamentaria en una dramática escena que roza el sadismo. 

Dos reclusos que comparten el humo de un cigarrillo a través de una pajita desde sus celdas contiguas es una imagen duradera del cortometraje de Jean Genet Un chant d'amour, la única película que el escritor hizo influenciado por sus numerosas estancias en prisión. Buscamos una copia doblada en VHS a principios de los años 1990 después de ver Veneno (Poison, 1991), de Todd Haynes, una película antológica experimental basada en la obra de Genet. Su relevancia política y social también sirve como recordatorio de cuando los cineastas, productores y distribuidores asumieron riesgos para llevar las películas a una audiencia. Si te intriga un poco, investiga qué se necesitó para hacer el cortometraje y qué tipo de sala de proyección se utilizó inicialmente.

2. Víctima (Victim, 1961), de Basil Dearden

Melville Farr (Dirk Bogarde) es un prestigioso abogado inglés felizmente casado con Laura (Sylvia Syms). Sin embargo, detrás de su apariencia conservadora se esconde un homosexual que busca escarceos con jovencitos, a pesar de que le había prometido a su mujer que esa etapa de su vida ya estaba clausurada. Ambientada en una época en la que la homosexualidad era todavía considerada un delito que podía implicar penas de cárcel.

El drama judicial de 1961 del director Basil Dearden es ampliamente reconocido por ayudar a cambiar las actitudes hacia la homosexualidad en la Gran Bretaña de los años 1960, con la ayuda del ídolo de las matinés Dirk Bogarde, quien dio un giro a su carrera en el papel protagónico de un abogado casado que acepta su orientación sexual mientras persigue a un chantajista que tiene como blanco a hombres homosexuales. Aunque mantuvo una relación de larga duración con su representante Anthony Forwood, Bogarde nunca se declaró gay, pero su conexión con el material era evidente, y Víctima influyó en sus decisiones profesionales cuando entró en la edad dorada de su célebre vida en la pantalla.

3. Portrait of Jason (1967), de Shirley Clarke

Retrato de Jason Hollyday, homosexual africano donde también se retrata por entero una sociedad amputada a la que nunca han dejado desarrollarse, la sociedad africana. El estudio sobre la personalidad de Jason es en realidad una aproximación a la excepcionalidad de un individuo diferente en una sociedad opresora. Pero sobre todas las cosas, es la representación exacta de la humanidad, intensamente viva pero constantemente atormentada. 

A lo largo de su carrera, la directora Shirley Clarke capturó momentos con personajes marginales que le dieron a la ciudad de Nueva York la crudeza y la textura que se han ido perdiendo con el tiempo. Portrait of Jason, que Clarke filmó durante un período de 12 horas en la habitación de Jason Holliday en el legendario Chelsea Hotel, es un documental confrontativo y aleccionador que sigue encontrando nuevos públicos. Con un cigarrillo en una mano y un cóctel en la otra, Holliday relata una historia de vida que sucedía en el centro de la ciudad mientras Truman Capote estaba acurrucado con sus Swans.

4. Teorema (1968), de Pier Paolo Pasolini

A una familia de clase alta italiana, compuesta por un matrimonio, un hijo y una hija, llega un misterioso joven que irá alterando el comportamiento de todos ellos. Polémica película -fue declarada inmoral por la Iglesia- del siempre controvertido Pier Paolo Pasolini.

Es posible que no vea al General Zod de la misma manera después de ver a Terence Stamp en el drama de Pier Paolo Pasolini sobre un ser divino (y altamente sexual) que desmantela la dinámica de una familia burguesa. Pasolini fue condenado por el Vaticano y presentado ante un tribunal italiano por cargos de obscenidad poco después del estreno de la película en el Festival de Cine de Venecia de 1968. El misterio tiene una disponibilidad limitada, pero la búsqueda vale la pena. Todo un escándalo en su día (la cinta fue secuestrada y las salas en las que se exhibía fueron desalojadas por la policía), a la vez que uno de los títulos más afamados del provocador Pier Paolo Pasolini. La película es una alegoría en dos actos sobre el amor, la homosexualidad y la religión, obsesiones habituales en la filmografía del director italiano. La película fue nominada al León de Oro de Venecia a mejor película, premio que finalmente no consiguió, aunque Betti si se llevó el destinado a la mejor actriz.

5. Las amargas lágrimas de Petra von Kant (Die bitteren Tränen der Petra von Kant, 1972), de Rainer Werner Fassbinder

Petra von Kant, una diseñadora de moda que acaba de separarse de su marido, vive con su secretaria-esclava Marlene (personaje simbólicamente mudo). Cuando su amiga y confidente Sidonie le presenta a Karin, una joven de origen humilde, se enamora locamente de ella y le promete que va a convertirla en una famosa modelo. Sin embargo, Karin la abandona poco tiempo después para irse con su marido que, después de un viaje, acaba de volver a Frankfurt. Petra cae entonces en una profunda depresión. 

No hay hombres en la película de Rainer Werner Fassbinder, que normalmente se sitúa justo detrás de Todos nos llamamos Alí en las listas de las 10 mejores películas de Fassbinder. Margit Carstensen, que se manifestó abiertamente contra el trato brutal que Fassbinder daba a sus actores e hizo cinco películas con él, controla literalmente todos los aspectos de su vida en el papel principal, hasta que una joven modelo amenaza con controlar su serena existencia. Se trata de un drama psicosexual; no se deje llevar por la idea de que verás representaciones sexualizadas de esta relación sadomasoquista.

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"Los chicos de la banda” y “A la caza”: William Friedkin, discreto pionero del cine queer (I)

Sin aspavientos y sin hacer un gesto político, William Friedkin, fallecido el pasado 7 de agosto a los 87 años, fue un pionero de las representaciones queer en la pantalla. Lo que no agradó a todos en 1970 y 1980…

1970. Ilegal en los Estados Unidos, la homosexualidad todavía se define allí como una enfermedad mental. William Friedkin aún no es el director de French Connection, su primer gran éxito de taquilla. Su cuarta película, Los chicos de la banda (The Boys in the Band, 1970), es una modesta (pero conmovedora) puerta cerrada. En las calles de Nueva York, nueve hombres convergen en un coqueto ático para una fiesta de cumpleaños. No hay misterio sobre lo que une a este grupo dispar; lo que llama la atención es el tratamiento directo de su sexualidad. Como en la obra de Mart Crowley que adaptó Friedkin, un gran éxito del Off-Broadway, los protagonistas son abiertamente homosexuales. El cineasta se deja seducir por la fuerza de los diálogos y ofrece a los actores interpretar en su adaptación.

Los chicos de la banda (1970)

Pero en la década de 1960, los personajes LGBTI fueron prohibidos en las pantallas. Las películas despliegan tesoros de inventiva para sugerir que tal o cual protagonista no es necesariamente heterosexual… o suprimen de plano su homosexualidad, como en La gata sobre el tejado de zinc (1958), de Richard Brooks, extraído de una obra de Tennessee Williams donde  la orientación de Brick (interpretado por Paul Newman en la película) es esencial. Al filmar Los chicos de la banda, todos, incluidos los actores y el director, arriesgan su carrera.

Los chicos de la banda (1970)

En la película de Friedkin, cuando finalmente llega el personaje de Harold, cuyo cumpleaños es, las lenguas se sueltan. Es él quien trae la paradoja de Los chicos de la banda, donde la fiesta se desvanece mientras el director filma, en primer plano, las cuasi-confesiones sobre el malestar de nueve individuos. Hay una forma de urgencia en la conversación. Visto desde la terraza, el horizonte es negro, impenetrable. ¡Está empezando a llover! El simbolismo hace bien las cosas… Friedkin no pretendía rodar una diatriba política pero su película, muy humana, es un éxito (a diferencia del prescindible remake The Boys in the Band, disponible en Netflix). Cierra un capítulo y sale al comienzo de una década que finalmente reclamará lo contrario: salir de la oscuridad de una homosexualidad oculta, los años 1970 son los de la liberación y el orgullo sexual.

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