Ha cumplido setenta años “Alma sin conciencia”

Enmarcada en la llamada "Trilogía de la Soledad" de Federico Fellini junto con La Strada y Noches de Cabiria, Almas sin conciencia (1955) es una fábula moral sobre tres estafadores romanos en busca de la redención. Interpretada por Broderick Crawford, Giulietta Masina, Richard Basehart, Franco Fabrizi,Sue Ellen Blake. 

Uno de los primeros trabajos de Federico Fellini, muy influido por el neorrealismo. Aunque la trama picaresca podía haber dado pie a pasajes cómicos, el film se inclina por el patetismo, gracias al agudo cuadro de personajes presentados, ya sean los timados, que han creído ver un poco de luz que les va a permitir salir de su miseria, ya sean los timadores, que intentan escalar en su muy triste 'profesión'. Particularmente conmovedor resulta el desenlace, que nos plantea la duda de si no habrá un atisbo de conciencia en el triste padre cercano a los 50 años, cuando conoce a una joven campesina paralítica.

La película conecta muy bien con Los inútiles (I vitelloni, 1953)  y su título original, Il bidone, hace referencia a esos grandes recipientes vacíos. Fellini se inspiró en algunos estafadores que había conocido en Rimini durante la posguerra, sobre todo un tal Lupaccio, y en la increíble credulidad de la gente sencilla. Una curiosa elección para el principal de los timadores fue el actor estadounidense Broderick Crawford, premiado con el Oscar por su papel en El político. El cineasta se decantó de él tras vislumbrar un cartel deteriorado precisamente de esa película y supo humanizar a su personaje, por el interés que muestra por su hija. Aunque el papel de Giulietta Masina como esposa del timador Picasso es pequeño, resulta asombroso cómo la actriz brilla en la pantalla, despidiendo el fulgor que se supone a una mujer enamorada de su marido, aunque sea un granuja.

Efemérides de cine: Amarcord

El 18 de diciembre de 1973 se estrenó la película italiana Amarcord, dirigida por Federico Fellini e interpretada por Pupella Maggio, Armando Brancia, Magali Noël, Ciccio Ingrassia, Bruno Zanin, Nando Orfei, Luigi Rossi, Gianfilippo Carcano, Josiane Tanzilli, Maria Antonietta Beluzzi, Giuseppe Ianigro, Ferruccio Brembilla, Antonino Faà di Bruno, Mauro Misul, Nando Villella, Antonio Spaccatini, Aristide Caporale, Gennaro Ombra. Productora: Coproducción Italia-Francia; FC Producioni, PECF. Duración: 127 minutos. 

Sinopsis argumental: En una de las cumbres de su carrera cinematográfica, el italiano Federico Fellini rememoró su infancia en Rímini, una localidad de provincias. Aunque parte de las peripecias de una familia de clase media, en realidad el cineasta describe una multitud de personajes variopintos, como el abogado intelectual, la prostituta enloquecida o los turistas árabes, en un retrato costumbrista plagado de humor surrealista.

Nominaciones y premios: Oscar: Mejor película de habla no inglesa; 2 nominaciones al Oscar: Mejor director, guion original; Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película y mejor director; Globos de Oro: Nominada mejor película extranjera; Premios David di Donatello: Mejor película (ex aequo) y mejor director

Comentario: Con la apariencia inicial de la típica película costumbrista italiana, no tarda en adquirir una dimensión de ironía, farsa y esperpento. El título, a m'arcòrd, quiere decir literalmente 'yo me acuerdo', 'me acuerdo de' o 'recuerdo' en el emiliano-romañolo, la lengua románica propia de Emilia-Romaña, la región italiana donde está situada Rímini. Inolvidable partitura musical de Nino Rota, inseparable del magistral cineasta. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Roma

El 9 de marzo de 1972 se estrenó la película italiana Roma, dirigida por Federico Fellini e interpretada por Peter Gonzales Falcon, Fiona Florence, Britta Barnes, Pia De Doses, Marne Maitland, Renato Giovannoli, Elisa Mainardi, Raout Paule, Galliano Sbarra, Paola Natale, Ginette Marcelle Bron, Mario Del Vago, Alfredo Adami, Stefano Mayore, Eleonora Giorgi. Productora: Coproducción Italia-Francia; Ultra Film, Les Productions Artistes Associes. Duración: 128 minutos.  

Sinopsis argumental: Durante la construcción del metro de Roma, las excavaciones dejan al descubierto una vieja casa llena de pinturas murales al fresco. Una de ellas representa a una vieja dama de la aristocracia romana, que organiza en su casa unos desfiles de moda muy originales. La película recorre las casas de tolerancia de la época y los espectáculos de la noche romana. Poco después, es Fellini quien recuerda sus años de escolar, entre latines que evocaban a Julio César y Nerón.

Comentario: Se presentó fuera de concurso en la 25ª edición del Festival de Cine de Cannes, celebrada ese mismo año. La película es un retrato rápido y visionario de Roma hecho mediante los recuerdos de un joven de provincias que llega a la estación de Termini, poco antes de la Segunda Guerra Mundial. Roma se nos muestra como realidad multiforme, interminable y contradictoria a través de una serie de escenas y personajes heterogéneos: desde un desfile de moda eclesiástica a la recreación de los prostíbulos, desde los enfrentamientos con la policía hasta el atasco en la autopista A90,​ con un estilo que pasa del lirismo a la sátira, de la nostalgia a lo truculento sin solución de continuidad. Entre las diversas escenas no existe nexo narrativo alguno, sólo la memoria y la voluntad de recuerdo del director — se pasa de un tema a otro sin transición. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (XCVI)

Fellini, ocho y medio (8½) (8½ (Otto e mezzo) AKA  Fellini 8½, 1963), de Federico Fellini

Considerada como una de las grandes obras maestras de la historia, Fellini, ocho y medio cuenta la crisis artística de un gran director de cine, Guido Anselmi (Marcello Mastroianni), y sus muchos esfuerzos por recuperar la inspiración. Obsesionado con levantar un mastodóntico proyecto, se irá encontrando por el camino a muchas de las mujeres a las que ha amado y echará la vista a todos los momentos más importantes de su vida. Con claros elementos autobiográficos, esta película es por méritos propios uno de los títulos más representativos de la filmografía de Federico Fellini. Es una de las cintas más conocidas del realizador, y según varios críticos cinematográficos es una de las mejores películas que se han hecho jamás. Fue filmada en blanco y negro, y la música fue compuesta por Nino Rota. El tema principal de la película es la crisis creativa de un artista, el problema de confrontarse con las expectativas de todos (productores, periodistas, amigos), y también la crisis existencial de un hombre, que se aferra a los recuerdos y a los sueños para soportar el peso de la vida. Fellini encuentra en el final una solución original e inesperada al problema de la crisis existencial. Este final es el fruto de la genialidad creativa de Fellini. 8 ½, que consiguió un gran éxito internacional y obtuvo el Oscar a la mejor película extranjera, es una película bastante autobiográfica. Este hecho ha sido reconocido y negado, según el humor de que estuviera, por el propio Fellini. La película suponía el número ocho y medio en su filmografía, porque ya había rodado anteriormente siete películas, "y media", considerando sus colaboraciones en las de creación colectiva con otros renombrados directores: Amor en la ciudad (L'amore in città, 1953), en la que el episodio dirigido por Fellini se titula Agencia matrimonial (Agenzia matrimoniale), y Boccaccio 70 (1962), en la que Fellini aporta el episodio titulado Las tentaciones del doctor Antonio (Le tentazioni del dottor Antonio).

Noticias de libro: Los espíritus de Fellini

Los espíritus de Fellini

José Luis de Villalonga

Elba

2020

120 págs. 

No puedo evitar pensar en el esfuerzo desesperado que hace el hombre para organizar su propia vida. Porque el circo es, ante todo, el espectáculo de la vida. Todos los elementos de ésta se encuentran en él, arrojados de cualquier manera, tan violentos, tan trágicos, tan tiernos. Todos, sin excepción. La vida colectiva, por ejemplo. La más difícil que existe. Hecha de trabajo en equipo, de éxitos personales, de fracasos, de celos, de fealdad y de belleza, de amor, de vergüenza, de rencores. Y la casa provisional, como sabemos que lo son –de ahí nuestra angustia eterna– la mayoría de los verdaderos hogares. También se encuentra allí la gracia, puesto que hay niños. Y el ritmo, puesto que hay animales. Y el Miedo, puesto que está el hombre. Y no olvidemos a la Muerte, siempre presente –como en todos los ritos, en todas las religiones–, a la espera paciente de sus víctimas, inocentes o culpables.» Federico Fellini.

José Luis de Villalonga (Madrid, 1920 - Andratx, 2007) Marqués de Castellvell y Grande de España. Desde los 18 años, colaboró en diversas publicaciones españolas. En 1951 se instaló en París. En esa misma ciudad fue portavoz de la Junta Democrática de España. De regreso a Madrid, colaboró regularmente en Interviú, El Periódico, El País, La Vanguardia, ABC, Panorama y Vogue. Asimismo, ha escrito guiones de cine y televisión. En 1994, el gobierno francés le concedió el rango de Oficial de la Legión de Honor por su obra escrita en francés.

Federico Fellini, primer centenario de su nacimiento (X)

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Cuando Fellini amplió esta visión personal para explorar las construcciones ideológicas sobre la naturaleza humana y la sociedad, en lugar de limitarse a realizar películas llenas de un rosáceo humanismo se vio abandonado por la mayoría de los críticos. Los mismos comentaristas que habían alabado sin reservas su obra anterior y le había aclamado como a un genio del cine, se sintieron evidentemente confundidos ante el tono abiertamente satírico e irónico de su últimos trabajos. 

El desfile de los clérigos, luciendo su últimos modelos de ropa eclesiástica en Roma (1972)

Uno de los factores que más debió contribuir a a su cambio de estilo a mediados de la década de 1960 se pudo deber a la ruptura con sus anteriores colaboradores. Tulio Pinelli y Ennio Flaiano había colaborado en todos los guiones de Fellini hasta Giulietta de los espíritus (1965); a partir de entonces, Fellini colaboró fundamentalmente con Bernardino Zappani y Brunello Rondi. El montador Ruggiero Mastroianni, que comenzó su relación con Fellini con Giulietta de los espíritus, montó desde entonces sus películas. El operador Ottello Martini, rodó todas las películas de Fellini hasta Boccaccio '70 (1962), a partir de la cual se vio sustituido por Giuseppe Rotunno. El único colaborador que siguió trabajando ininterrumpidamente con Fellini hasta su muerte en 1979) fue el compositor Nino Rota. No obstante, todos estos datos apenas fueron tenidos en cuenta por los críticos que escribían sobre la obra de Fellini, y que no se cansaron de llamarle genio sin plantearse en ningún momento hasta qué punto sus películas deber ser atribuidas únicamente a sí mismo o al resultado del esfuerzo colectivo de Fellini y su equipo.

Sophia Loren en Boccacio '70 (1962)

La mayor cualidad de Fellini no consistió simplemente en su extraordinaria imaginación visual, sino también en su dominio del medio cinematográfico. Es posible deleitarse con sus imágenes de carácter surrealista, irónico o cómico; asombrase ante los extravagantes personajes con los que llenó sus películas, en muchos caso actores no profesionales; apasionarse con sus preocupaciones temáticas, de odio--amor con la Iglesia y sus miembros; analizar el uso simbólico y metafórico que hace del mar, las carreteras, los payasos y el mundo del circo; pero, por encima der todo estos factores se encuentra el hecho de que controló a la perfección el proceso de realización de una película, especto en el que fue insuperable. Guste más o menos, lo que nadie puede negar es que Fellini fue un director enormemente personal y creativo. 

Federico Fellini, primer centenario de su nacimiento (IX)

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Su siguiente película fue Ginger y Fred (Ginger e Fred, 1986), una comedia dramática que narra como Amelia y Pippo, encarnados por Marcello Mastroianni y Giulietta Masina, se reúnen en un plató de televisión, tras varias décadas de separación, para llevar a cabo su viejo número musical en el que imitan a Ginger Rogers y Fred Astaire. Para ellos este encuentro supone una conmovedora mirada al pasado. Relajada y divertida sátira al mundo de la televisión y al culto a toda clase de celebridades, muy alejada del cine críptico que ha caracterizado buena parte de la filmografía de Federico Fellini. La cinta tiene el atractivo añadido de ver emparejados a Giulietta Masina, mujer y musa el director, que regresó al cine tras un silencio de 23 años; y al alter ego de Fellini en algunas de sus mejores obras, Marcello Mastroianni. La película obtuvo cuatro galardones en los premios David di Donatello, entre ellos el de mejor actor, para Mastroianni.

Marcello Mastroianni y Giulietta Masina en Ginger y Fred (1986)

Dos años más tarde estrena Entrevista (Intervista, 1987). Cinecittá, el gran estudio de cine en las afueras de Roma, ha cumplido 50 años y Fellini, en una entrevista explica a un equipo de la televisión japonesa su forma de trabajar. Cine dentro del cine, Entrevista pretende integrar todos los puntos de vista con objetividad, subordinando los medios (prensa y televisión) a la fantasía del autor.

Federico Fellini, Marcello Mastroianni y Anita Ekberg en Entrevista (1987)

Su última película fue La voz de la luna, también conocida como Voces de la luna (La voce della luna, 1990). La película se adentra en la sociedad italiana de de finales de la década de 1980 a través de las vidas de los dos protagonistas que se encuentran entre la difusa frontera de la locura y la cordura: uno de ellos, recién salido del psiquiátrico sin estar curado; el otro, un funcionario que está convencido de que el mundo en el que vive y que le rodea es falso. Según el propio Fellini: una película insólita, misteriosa e inquietante, que adaptó a la perfección la exquisita fantasía mágica de El poema de los lunáticos, de Ermanno Gavazzoni. 

La voz de la luna (1990)

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Federico Fellini, primer centenario de su nacimiento (VII)

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Casi inmediatamente después de que Fellini realizará Ensayo de una orquesta se embarca en su siguiente proyecto La ciudad de las mujeres (La cittá delle donne, 1980). En ella parece entreverse la voluntad de su autor de que sea algo así como un resumen inconexo de toda su producción anterior, como una mezcla deslavazada de elementos que continuamente evocan películas anteriores, a lo cual favorece su libre estructura fílmica. La ciudad de las mujeres está, pues, enraizada con Amarcord, La strada y Ocho y medio, aunque en este sentido su narración resulta en ocasiones  más artificial que emotiva.

Marcello Mastroianni en La ciudad de las mujeres (1980)

La trama central de la historia se construye, no obstante, alrededor de las continuas obsesiones de Fellini sobre la significación de la mujer y sus incidencias sexuales. A partir de ahí, el relato es un viaje fantasmagórico, casi en términos de pesadilla, a través de la múltiple personalidad de las mujeres -en realidad una sola mujer, la de Fellini- como si de un muestrario expuesto al público se tratara. Todo ello revestido de una exuberancia imaginativa que intenta encubrir la realidad tras un velo de fórmulas delirantes.  

Bernice Stegers en La ciudad de las mujeres (1980)

En 1983 rueda Y la nave va (E la nave va), una película satírica. Situada en plena I Guerra Mundial, En julio de 1914 un barco de lujo zarpa desde Italia con los restos mortales de la famosa cantante de ópera, Tetua. El barco está lleno de sus amigos, famosos cantantes de ópera, más todo tipo de gente exótica. La vida a bordo es dulce los dos primeros días de viaje, pero al tercero, el capitán debe salvar a unos refugiados serbios que se han perdido en el mar, huyendo de los primeros rugidos de la I Guerra Mundial. Un crucero definitivamente felliniano, tanto por su flagrante surrealismo como por su deliciosa comedia del absurdo. Aunque quizás algo desigual, aún está lleno de impactantes imágenes y de esos rostros indelebles que tanto abundaban en el cine de su director, además de ofrecer una secuencia inicial absolutamente hipnótica. La película ganó 5 Cintas de Plata (dirección, fotografía, escenografía, vestuario y efectos especiales), 5 David de Donatello (película, guion, fotografía, escenografía y el David Luchino Visconti a Fellini en homenaje a su carrera) y el Premio Sant Jordi al mejor film extranjero. En el Festival de Cine de Venecia recibió una ovación de 15 minutos, y Alberto Moravia expresó cómo Fellini había logrado captar «brillantemente la sociedad del final de la Belle époque, vacía de humanidad y excesivamente artificial».

Y la nave va (1983)

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Federico Fellini, primer centenario de su nacimiento (VI)

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Tras Casanova; Federico Fellini lleva a cabo un proyecto realizado expresamente para televisión, si bien el resultado aconsejó su posterior explotación comercial. Rodada en un tiempo récord de tres semanas, con un bajísimo presupuesto (quizás para compensar el gran despliegue económico de su obra anterior) y con una duración límite de algo más de una hora, Ensayo de orquesta (Prova d'orchestra, 1978) no es ni más ni menos que una brillante fábula simbólica en torno al sentido de la sociedad actual, a su frágil estructura y, consiguientemente, a los peligros que la acechan. Para ello, Fellini parte inicialmente de un hecho cotidiano, el ensayo de una orquesta en un día cualquiera, para luego desencadenar en una situación límite que permita poner de relieve las consideraciones que él cree necesario abordar. 

Ensayo de orquesta (!978)

Cada músico de la orquesta es la representación de un individuo específico, con sus dudas y sus frustraciones, tanto internas como externas. De cada uno de ellos, por tanto, Fellini hace una descripción minuciosa, en la que se patentizan sus contradicciones mutuas, sus incomprensiones y sus analogías. El director, por su parte, no es más que el reflejo individualizado de tales conflictos y contra quien los integrantes de la orquesta acabarán revelándose en demanda de sus derechos profesionales -sindicales- y personales. Finalmente, la aparente destrucción del lugar en el que se encuentran ensayando les obligará a reconsiderar su actitud, poniéndose sumisamente a las órdenes del director, como única medida para conseguir su salvación. 

Ensayo de orquesta (!978)

A la vista de ello, puede suponerse que Ensayo de orquesta es una película construida sobre connotaciones políticas y sociales, por medio de la cual Fellini intenta lanzar un mensaje, una firme consigna sobre los males que aquejan al hombre en convivencia y cómo su anárquica insolidaridad es capaz de provocar sus propia destrucción. Película, pues, de intención ética y de voluntad social, su más hermoso lema lleva implícito el deseo de que la libertad del individuo sea respetada por él mismo, a fin de que en ella encuentre la fuerza suficiente para lograr subsistir con dignidad. 

Ensayo de orquesta (!978)

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Federico Fellini, primer centenario de su nacimiento (V)

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Amarcord (1973) es una película igualmente compleja, por un lado se trata de una obra sumamente personal que recrea el Rimini de los años 1930, en el que el muchacho al que cabe identificar con el Fellini joven, vive diversas aventuras, pero por el otro puede considerarse como un ejercicio histórico válido, en la misma linea que Satiricon, ya que la única oposición que el individuo puede ofrecer a la forma histórica institucional y, por tanto, dominante, es una postura marcadamente personal. 

Magali Noël en Amarcord (1973)

Casanova (Il Casanova di Federico Fellini, 1976) lleva a sus últimos extremos la preocupación que había caracterizado a las anteriores películas de Fellini, directamente en Los inútiles, La Strada y La dolce vita, e indirectamente en las restantes: la preocupación por la sexualidad masculina. La película ofrece una visión particularmente sombría y pesimista de ella y Casanova salta de cama en cama, sin llegar a ninguna parte y sin experimentar verdaderamente placer. Sus imágenes son tan barrocas y sensuales como la mayoría de las películas de Fellini y están relacionadas con las angustias sexuales sobre las que se basa la identidad masculina. Además posee una gran ironía y enfrenta al espectador con el mito de Casanova y las asociaciones culturales de este nombre que existían en el mundo occidental. 

Donald Sutherland en Casanova (1976) 

No obstante a todo ello, Casanova es una película tan asombrosamente compleja como bella, algo así como una alegoría fascinante sobre el amor y la pasión. Una película que viaja desde la brillantez inicial que decora la juventud del personaje hasta la sombría visión del mismo en sus años de vejez, mostrando su progresiva descomposición a través de sus lances en una sociedad ya descompuesta de antemano. Y todo ello en un tono de elegante majestuosidad en el que lo real y lo onírico no logran distinguirse plenamente. Asimismo, el simbolismo y la metáfora forman parte de la película, lo que tal vez lleva a Fellini a reencontrarse con su cine más hermoso del pasado, rebosante de fuerza y de imaginación, y que hacen de Casanova una película para unos decadentes, para otros una de las más hermosas de nuestro director. 

Casanova (1976)

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Federico Fellini, primer centenario de su nacimiento (IV)

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En su siguiente película, Giulietta de los espíritus (Giulietta degli spiriti, 1965), hizo pensar a todo el mundo que estaba basada en su relación matrimonial con Giulietta Massina. El propio Fellini corroboró primero esta interpretación cuando dijo que: "Todo lo que hace un artista tiene que ver consigo mismo", pero luego la negó parcialmente afirmando: "la protagonista, Giulietta, no es exactamente mi mujer, y el matrimonio que aparece en la película no es exactamente mi matrimonio". Lo  que si resulta evidente es que Giulietta de los espíritus consolidó la creciente predilección de Fellini por las imágenes extravagantes, exageradas y casi surrealistas, susceptibles de una interpretación simbólica en términos freudianos. Es innegable que el personaje de Giulietta sigue siendo fiel a la visión de Fellini de las mujeres como seres especialmente espirituales. Mientras que en La dolce vita el personaje de Marcello sucumbe totalmente a la alienación de la vida moderna y urbana. Giulietta, enfrentada a una crisis personal, se da cuenta de que la vida carece de sentido si no se atiene a códigos morales o de conducta. 

Giulietta Masina y Sandra Milo en Giulietta de los espíritus (1965)

A continuación, Fellini rodó Fellini-Satiricon (Fellini - Satyricon, 1969) y Roma (1972), en las que abandona los elementos autobiográficos de su obra anterior. A pesar de su espectacularidad y la belleza de sus imágenes se trata de películas esencialmente cerebrales. Tal como señaló el propio Fellini en relación con Satiricón: "... El público debe olvidarse de su concepción de las películas como algo destinado a contarles una historia, on un principio, su desarrollo y un final; de sus ideas previas sobre el cine histórico; de sus ideas previas sobre mí...".

Max Born y Martin Potter en Fellini - Satricon (1969)

Basada en un texto de Petronio, la película ejemplifica la visión que tiene su director de la sociedad romana antes de Cristo. En el mundo lleno de amoralidad que muestra, el único impulso que anima a sus personajes es el del placer sexual; su totem es el hermafrodita que aparece en determinadas escenas. Los personajes grotescos y en ocasiones disparatados que pueblan Satiricon están llenos de apetitos sensuales, y en ocasiones resultan incluso bellos en su búsqueda definitiva del placer.

El hermafrodita y sus ayudantes de Satiricon

Aparte de atacar el concepto de realidad histórica y de desdeñar los métodos narrativos tradicionales, Satiricon es la película más pantagruélica, irónica y absurda de Fellini en términos visuales. Desgraciadamente, Satiricon es una película en la cual se lo juega todo a una carta y depende en gran medida de hasta que punto los espectadores están dispuestos a aceptar las imaginativas y surrealistas creaciones de su autor. 

Fanfulla en Fellini - Satiricon (1969)

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Federico Fellini, primer centenario de su nacimiento (III)

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Los dos siguientes títulos de Fellini sellarían su reputación como cineasta fuertemente personal y autobiográfico. Ocho y medio (Otto e mezzo, 1963), gira en torno a la crisis artística y de identidad de un director de cine. Guido (Marcello Mastroianni), que tiene problemas con su esposa (Anouk Aimée) mientras sostiene una aventura amorosa con otra mujer. La película está ambientada en un balneario al que Guido ha acudido para intentar recuperarse de un derrumbamiento nervioso y terminar un guión para una película sobre la odisea de unos supervivientes de la Tercera Guerra Mundial. Se ve constantemente acosado por el productor y por los actores que a van a trabajar en ella y, poco a poco, se va dando cuenta que debe rodar una película mucho más personal  e intimista, en la que afronte sus propias angustias e inquietudes. Con Ocho y medio, Fellini logró una película extraordinaria, en la que la realidad y la fantasía se mezclan y superponen de una manera casi imperceptible. El argumento indica que Fellini había realizado una película autobiográfica. El mismo reconoció:

Fedrico Fellini en Ocho y medio (1963)

"Me doy cuenta de que Ocho y medio es una confesión desvergonzada de que es inútil intentar hacer olvidar a la gente que se trata de la historia de mi propia vida, pero yo siempre me planteo hacer una película que primero me guste a mi y luego al público. En el caso de Ocho y medio, la línea divisoria entre lo que rodé para mi mismo y lo que rodé para el público es tan sutil que resulta casi inexistente". Para complicar más las cosas, Fellini dijo posteriormente que Ocho y medio no es tan autobiográfica como parece. 

Marcello Mastroianni en Ocho y medio (1963)

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Federico Fellini, primer centenario de su nacimiento (II)

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Las dos siguientes películas de Fellini, Almas sin conciencia (Il bidone, 1955) y Las noches de Cabiria (Le notti di Cabiria, 1957), consiguieron mantener el interés de la crítica y el público por su trabajo. Almas sin conciencia contrapone un mundo materialista y de impulsos elementales a otro lleno de belleza y de espiritualidad, simbolizado una vez más por las mujeres. Su protagonista es un pequeño maleante Broderick Crawford), cuyo despertar espiritual se produce cuando se da cuenta de que le ha fallado a su hija. Su última fechoría contra una familia campesina, tiene éxito, pero no consigue convencer a sus compañeros de delincuencia de que fracasó; entonces estos le atacan y le dejan morir, tras haber encontrado en su zapato el dinero robado que habría permitido a su hija seguir estudiando. 

Broderick Crawford en Almas sin conciencia  (1955)

Las noches de Cabiria estaba interpretada por Giulietta Massina en el papel de Cabiria Ceccarelli, una prostituta de la zona de Ostia, en Roma. Aunque sus amantes la engañan y le roban, su sencillez e inocencia básica le proporcionan la fuerza moral necesaria para seguir adelante. El nombre del personaje está tomado de la película italiana de 1914 Cabiria, mientras que el personaje mismo está tomado de una breve escena de la película de Fellini El jeque blanco (Lo Sceicco Bianco, 1952).

Giulietta Massina en Las noches de Cabiria (1957)

No obstante, Fellini volvió a sorprender a la crítica y a los espectadores de todo el mundo con La dolce vita (1960). Gita en torno a un periodista (Marcello Mastroianni) que vive en una Roma moderna caracterizada por la decadencia, la ociosidad y el cinismo. Su retrato de personajes alienados de si mismos y de los demás y sin un propósito o meta en la vida favorece la comparación con las películas de Michelangelo Antonioni. Sin embargo, la similitud entre la obra de ambos acaba aquí: ya que mientras Antonio fue depurando cada vez más sus películas y despojándolas de todo lo que no era esencial, las barrocas y ricas imágenes de La dolce vita representan el primer intento por parte de Fellini de sumergirse en las profundas aguas de su desbordante imaginación visual.

Marcello Mastroianni, Evelyn Stewart y Nico en La dolce vita (1960)

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Federico Fellini, primer centenario de su nacimiento (I)

Con una habilidad sin rival, Fellini ha mostrado en la pantalla sus obsesiones, miedos y fantasías. En sus películas se suceden imborrables imágenes llenas de belleza, degradación, sensualidad y corrupción, desafiando las acusaciones críticas de autocomplacencia y decadencia. 

Federico Fellini nació el 20 de enero de 1920 en la ciudad de Rimini en la costa del Adriático. Trabajó en Florencia y Roma como dibujante antes de ser guionista y autor de "gags", aportando su talento aproximadamente a 50 películas, hasta que los alemanes prohibieron en 1943 que en Italia se siguiesen produciendo películas. Después de la liberación, Fellini abrió y gestionó toda una serie de tiendas de artículos de broma. Su primera colaboración con el cine se produjo en 1945, cuando Roberto Rosellini le pidió que le ayudase a escribir el guión de Roma, ciudad abierta (Roma, cittá aperta).

La primera película de Fellini como director, en colaboración con Alberto Lattuada, fue Luces de variedades (Luci del varietá, 1950), que señaló el inicio de su colaboración con los guionistas Tullio Pinelli y Ennio Flaiciano. 

Giulietta Masina, Peppino De Filippo e Gina Mascetti en Luces de variedades

Con Los inútiles (I vitelloni, 1953), empezó a mostrar sus primeros signos de las preocupaciones autobiográficas que predominaron en todas sus películas, al menos hasta Giulietta de los espíritus (Giulietta degli spiriti, 1965). 

No obstante su gran primer éxito internacional lo obtuvo con sus cuarta película, La strada (1954), que también mereció la atención de la crítica seria. Estaba interpretada por su esposa, Giulietta Massina, en el papel de Gelsomina, una sencilla muchacha convertida por Zampanó (Anthony Quinn), un forzudo ambulante, en su ayudante. Zampanó es un hombre brutal dotado únicamente de instintos animales y sin capacidad aparente para experimentar sentimientos humanos, sobre todo el amor de Gelsomina hacia Zampanó, su renuncia y muerte, seguida por el reconocimiento gradual por parte de él de la pérdida sufrida y de la necesidad de ella. 

Richard Basehart y Giulietta Masina en La strada (1954)

Esta película es crucial en la carrera de Fellini y muestra la necesidad de que el hombre no se deje guiar exclusivamente por sus impulsos y a la mujer como su redentora en potencia. Además el papel de Gelsomina contribuyó a cristalizar la imagen de Giulietta Massina en las películas de su marido como una mujer pura, llena de sensibilidad y de vulnerabilidad. 

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Efemérides de cine: Fellini Satiricon

El 4 de septiembre de 1969 se estrenó la película italiana Satiricón (Satyricon) (Fellini Satiricon), dirigida por Federico Fellini con Martin Potter, Hiram Keller, Max Born, Salvo Randone, Magali Noël, Alain Cuny, Tanya Lopert, George Eastman, Donyale Luna, Carole André. Productora: Produzioni Europee Associati. Duración: 129 minutos.

Sinopsis argumental: En la Roma del siglo I después de Cristo, dos estudiantes, Encolpio y Ascilto, discuten sobre a quién corresponde la propiedad del adolescente Gitone. El niño escoge a Ascilto, y sólo un terremoto salva a Encolpio del suicidio. A partir de entonces, Encolpio vivirá una serie de aventuras y desventuras para conocer nuevos amores. Las andanzas decadentes discurren en el barrio de La Subura, en la época desaforada de Nerón.

Premios y nominaciones:  Nominada al Oscar: Mejor director; Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a mejor director; Globos de oro: Nominada Mejor película extranjera; Laurel Awards: Nominada a mejor película extranjera; Sindicato Italiano de Cine: Mejor actor, mejor fotografía, mejor diseño de vestuario y mejor diseño de producción.

Comentario: "Inspirada libremente", como reconoció el propio Fellini en los títulos, en la novela del siglo I El Satiricón, de Petronio, se trata de una de las películas más reputadas del director, que muestra su particular visión de la Roma de Nerón. Fellini hace el retrato de una ciudad corrupta, libertina y ahogada por la lujuria. Y lo hace con unas imágenes de estética casi repulsiva, buscando el feísmo. Además, tal como es habitual en el cine de su director, encontramos entre los secundarios a los más extravagantes personajes, uno de ellos interpretado por Lucía Bosé. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Historias extraordinarias

En 1968 se estrenó la película francesa Historias extraordinarias (Histoires extraordinaires), dirigida por Federico Fellini, Louis Malle, Roger Vadim e interpretada por Jane Fonda, Alain Delon, Brigitte Bardot, Terence Stamp, Salvo Randone, Peter Fonda, James Robertson Justice, Marlène Alexandre, Marie-Ange Aniès, David Bresson, Georges Douking, Philippe Lemaire, Carla Marlier. Productora: Coproducción Francia-Italia; Les Films Marceau/Produzioni Europee Associate (PEA)/Cocinor. Duración: 121 minutos. 

Sinopsis argumental: Tres directores trasladan a la pantalla tres relatos de Edgar Allan Poe sobre almas atormentadas por el sentimiento de culpa, la lujuria y la codicia: Federico Fellini rueda Toby Dammit; Louis Malle, William Wilson", y Roger Vadim, Metzengerstein. 

Nominaciones y premios: Sindicato Nacional de Italia de Críticos de Cine: Nominada a mejor diseño de vestuario (Piero Tosi).

Comentario: Película de episodios que emulaba a las realizadas en el Reino Unido, casi siempre eran películas de terror  y supone un acercamiento a la obra de Edgar Allan Poe de forma muy diferente a lo realizado por Roger Corman en su famoso ciclo dedicado al escritor de Boston. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Efemérides de cine: Giulietta de los espíritus

El 22 de octubre de 1965 se estrenó la película italiana Giulietta de los espíritus (Giulietta degli spiriti), dirigida por Federico Fellini. Interpretada por Giulietta Masina, Sandra Milo, Mario Pisu, Valentina Cortese, Valeska Gert, José Luis de Vilallonga, Friedrich von Ledebur, Caterina Boratto, Lou Gilbert, Luisa Della Noce, Silvana Jachino, Milena Vukotic, Fred Williams, Dany París, Anne Francine, Sylva Koscina. Productora: Rizzoli Film. Duración: 148 minutos. 

Sinopsis argumental: Giulietta, que duda de la fidelidad y del amor de su marido, acude a reuniones espiritistas buscando consejo y esperando una señal que le muestre que su marido aún siente cariño por ella y que puede recuperarlo. Por casualidad, conoce a Susy, una perniciosa mujer que sólo vive para el amor y que está a punto de destrozar las ilusiones de Giulietta. 

Nominaciones y premios: 2 nominaciones al Oscar: mejor dirección artística color, vestuario color; Globos de oro: mejor película de habla no inglesa; Círculo de Críticos de Nueva York: mejor película extranjera; Premios David di Donatello: mejor actriz (Giulietta Masina); National Board of Review: mejor película extranjera. 

Comentario: Una barroca elaboración de Federico Fellini para acercarse al universo femenino. Fue la primera película en color del director italiano después del episodio Las tentaciones del doctor Antonio (Le tentazioni del dottor Antonio), de la película episódica de 1962 Boccaccio 70.

Efemérides de cine: Amor en la ciudad

El 26 de noviembre de 1953 se estrenó la película italiana Amor en la ciudad (L'amore in città), dirigida por Michelangelo Antonioni, Federico Fellini, Alberto Lattuada, Carlo Lizzani, Francesco Maselli, Dino Risi, Cesare Zavattini. Protagonizada por Rita Josa, Rosanna Carta, Enrico Pelliccia, Donatella Marrosu, Paolo Pacetti, Nella Bertuccioni, Antonio Cifariello, Livia Venturini, Maresa Gallo, Angela Pierro, Rita Andreana, Lia Natali, Caterina Rigoglioso, Mara Berni, Valeria Moriconi, Giovanna Ralli, Ugo Tognazzi, Patrizia Lari, Raimondo Vianello, Edda Evangelista. Productora: Faro Film.

Sinopsis argumental: 1. Amore che si paga. Carlo Lizzani. (11'). Investigación sobre la prostitución en Roma. 2. Tentato suicidio. Michelangelo Antonioni. (22'). Estudio sobre los protagonistas de los intentos de suicidio. 3. Paradiso per quattro ore. Dino Risi. (11'). Describe el ambiente de las salas de baile de los suburbios, frecuentadas por los jóvenes los domingos. 4. Una agenzia matrimoniale. Federico Fellini. (16'). Investigación sobre las agencias matrimoniales. 5. Storia di Caterina. Francesco Maselli y Zavattini. (27'). Una madre indigente abandona a su hijo en un convento de monjas para recuperarlo, arrepentida, al día siguiente. 6. Gli italiani si voltano. Alberto Lattuada. (14'). Una especie de cámara indiscreta en las calles de Roma, muestra las reacciones de los hombres que se vuelven para ver pasar a una bella joven. 

Comentario: Película formada por seis cortos realizados por distintos directores: Michelangelo Antonioni (Tentato suicidio), Federico Fellini (Un' agenzia matrimoniale), Alberto Lattuada (Gli Italiani si voltano), Carlo Lizzani (L'amore che si paga), Dino Risi (Paradiso per quattro ore), Francesco Maselli y Cesare Zavattini (Storia di Caterina). 

Efemérides de cine: Almas sin conciencia

El 9 de septiembre de 1955 en el Festival de Venecia se estrenó la película italiana Almas sin conciencia (Il bidone), dirigida por Federico Fellini. Protagonizada por  Broderick Crawford, Giulietta Masina, Richard Basehart, Franco Fabrizi, Alberto De Amicis. Coproducción Italia-Francia.

Sinopsis argumental: Tres estafadores que operan en Roma, Augusto, Roberto y Picasso, preparan un golpe con la ayuda de otro timador, conocido con el sobrenombre de "El Barón". Éste les espera en una solitaria carretera para entregarles las instrucciones. El trío llega a una casa de campo donde, aprovechándose de la buena fe de unas pobres mujeres, les estafan cerca de medio millón de liras.

Comentario: Segundo film de la "trilogía de la soledad", de Federico Fellini, basado en hechos reales. 

La película explica una historia dramática y amarga, de personajes derrotados por la pobreza, la falta de habilidades personales y la escasez de oportunidades de la Posguerra en Italia. Son personas desesperadas y desarraigadas, que malviven abusando de la credulidad de ingenuos, a los que engañan con el timo del tesoro escondido. Usan hábitos clericales para acrecentar la verosimilitud de sus propuestas y ganar la confianza de las víctimas (viudas, labradores, discapacitados). Los hurtos que hacen en la ciudad son descubiertos con facilidad. El relato evoluciona desde la exploración del patetismo que envuelve las figuras de los timadores, los timados y las situaciones que los reúnen, hacia la emergencia gradual de la mala conciencia, el desasosiego moral y el rechazo interior de timos, cuyas víctimas son personas frágiles y desheredadas que venden medios de subsistencia (vacas) o renuncian a medios de producción (mulos), en un contexto de angustiosa y mísera precariedad. El film deja de lado las cuestiones éticas y morales, para adentrarse en los aspectos humanos. La narración, saturada de melancolía y tristeza, construye un discurso poético que extrae lirismo de la desventura. Exento de sentimentalismos, aporta un dibujo penetrante de la soledad, los sentimientos de culpa, los propósitos dificilísimos de enmienda y los deseos de redención. La escena en la que Augusto es identificado por una de sus víctimas en el cine ante su hija y la conversación que mantiene con una muchacha poliomelítica, son memorables.

La música, de Nino Rota refuerza el aire melancólico y dramático con melodías jazzísticas excelentes. Añade canciones del momento en las escenas de las fiestas sociales. La fotografía realza el realismo y el sentido tragicómico. Broderick Crawford ofrece una interpretación sentida, ajustada y rica en matices. Masina brilla en un papel breve pero deslumbrante. Considerado una película menor, contiene elementos de gran potencia cinematográfica.

Efemérides de cine: Boccaccio '70

El 23 de febrero de 1962 se estreno Bocaccio '70, dirigida por Vittorio De Sica, Federico Fellini, Mario Monicelli, Luchino Visconti. Protagonizada por Anita Ekberg, Sophia Loren, Romy Schneider, Peppino De Filippo, Luigi Giuliani, Tomas Milian, Romolo Valli, Paolo Stoppa. Productora: Coproducción Italia-Francia.

Sinopsis argumental: Comedia satírica en la que cuatro de los directores italianos más brillantes de todos los tiempos hacen una adaptación cinematográfica de algunos cuentos de Boccaccio. En Renzo y Luciana, Monicelli narra la historia de un hombre y una mujer que se ven obligados a casarse en secreto para no perder su trabajo. En Le tentazioni del dottor Antonio, dirigida por Fellini, un hombre se siente muy escandalizado por un cartel publicitario. En Il lavoro, Visconti cuenta la historia de un conde involucrado en un escándalo. De Sica relata una historia ambientada en Nápoles: La riffa.

Comentario: Monicelli comienza esta película con un descarnado retrato de la clase obrera italiana. Fellini dirige con nervio y a pesar de algunas lagunas de ritmo exhibe una ácida crítica contra el puritanismo y la hipocresía de los estamentos más conservadores de una Italia que luchaba para hacerse un hueco entre la moderna Europa. Visconti rueda con Romy Schneider, que da vida a una aristócrata desengañada del amor que planta cara a su consorte como consecuencia de sus devaneos por los distintos burdeles de Roma. Los matrimonios de conveniencia y la clase alta son mostrados con crudeza por el director, que dirige el climax de su mediometraje justo al punto exacto dónde debía, convirtiendo una obra sencilla en algo más que decente. Vittorio de Sica emplea el voluptuoso cuerpo de la Loren en una rifa para catetos. La actriz se basta ella sola para mantener a raya a todo un pueblo de aldeanos. De Sica se sirve del embrutecido campesinado italiano para realizar su particular visión de la parte de Italia menos cultivada y estancada ante los nuevos tiempos que corrían.