miércoles, 16 de agosto de 2017

Efemérides de cine: Down to Earth

El 16 de agosto de 1917 se estrenó la película estadounidense Down to Earth, dirigida por John Emerson e interpretada por Douglas Fairbanks, Eileen Percy, Gustav von Seyffertitz, Charles McHugh, Charles K. Gerrard, William H. Keith, Ruth Allen, Fred Goodwins, Florence Mayon, Herbert Standing, David Porter, Bull Montana. Productora: Douglas Fairbanks Pictures. Duración: 71 minutos. 
Sinopsis argumental: Bill Gaynor, un enamorado de la vida al aire libre, va a ver a Ethel, la chica a la que ama, a un sanatorio adonde ha ido para recuperarse de una crisis nerviosa. Ethel había rechazado previamente su propuesta de matrimonio para llevar una vida de sociedad más interesante y atractiva con Charles Riddles. Bill trama un plan para salvar del sanatorio a Ethel y a otros hipocondríacos. Compra el sanatorio, se inventa una epidemia de viruela para así poder evacuarlos a todos en su yate. El yate se accidenta en una isla desértica y cada cual tendrá que ir colaborando en la búsqueda de alimentos y demás recuperando, poco a poco, también su salud...
Comentario: También conocido como The Optimist. Se conmemora el centenario de su estreno. 

Noticias de libro: Star Wars. La música

Star Wars. La música 

Andrés Valverde
Berenice
Córdoba
2016
224 págs. 
"STAR WARS: LA MÚSICA" es el primer libro que analiza en profundidad la determinante contribución musical de John Williams al éxito de la saga galáctica engendrada por George Lucas hace cuatro décadas. A través de sus páginas el autor, reconocido especialista en la vida y obra del compositor, nos desgrana la historia que se esconde tras estas celebérrimas melodías, que forman parte ya del patrimonio cultural y sentimental de millones de fans en todo el mundo. La presente obra realiza un exhaustivo recorrido por todas las fases del proceso de creación de esta música inmortal: su origen, composición, grabación y edición discográfica. Asimismo, glosa con rigor y conocimiento las partituras del maestro que, siguiendo la tradición alumbrada por Richard Wagner, encarnan y subliman el alma e idiosincrasia de los diversos personajes de la saga: desde el joven e idealista Luke Skywalker al maestro Jedi Obi-Wan Kenobi, pasando por la sabiduría del carismático Yoda o el ominoso poder que emana de la figura de Darth Vader. Un libro imprescindible, que hará las delicias tanto del amante de la música de John Williams, el compositor más laureado e influyente de la historia del cine, como del entusiasta de Star Wars, la saga más aclamada y seguida.

Oficios de cine: Extras o figurantes

Extra, figurante o comparsa son términos que en el mundo del espectáculo recibe la persona sin categoría de actor que solo aparece de fondo y no pronuncia ningún diálogo.
Desde el punto de vista de la producción y la realización en el terreno cinematográfico, los extras o figurantes forman un conjunto esencial, hasta el punto de tener designados uno o varios directores de figuración.
Existen varios tipos o categorías: 
  • Figuración normal: para personas que forman un fondo con actuación en plano secundario y a las que no se les suele distinguir la cara.
  • Figuración fija: para todos aquellos figurantes que por exigencia del guion o por las características de la producción aparecen reiteradamente porque la historia transcurre en un pueblo pequeño, un local, un espacio reducido... y normalmente aparecen las mismas personas. 
  • Figuración especial y figuración con frase.

martes, 15 de agosto de 2017

Noticias de libro: Historia del cine

Historia del cine

Román Gubern
Anagrama
Barcelona
2016
736 págs.
Esta Historia del cine de Román Gubern, aparecida en 1969, ha sido traducida y repetidamente editada, en versiones sucesivamente revisadas, convirtiéndose en un clásico, utilizado como texto docente en muchas universidades, como obra de consulta o como relato ameno de la historia del nacimiento de un nuevo arte y medio de comunicación que se ha convertido en un lenguaje artístico novedoso, un imaginario colectivo, un moldeador de costumbres sociales, un medio de propaganda ideológica y una forma de entretenimiento masivo. En ella se describe la historia de un espectáculo popular que nació como una derivación de la instantánea fotográfica, creció en barracas de feria o espectáculos de music hall y llegó a convertirse en fábrica de sueños en templos de mármol y suntuosos cortinajes, para recluirse luego en minisalas, pantallas de televisión o soportes informáticos. El libro describe tanto su evolución estética como su evolución técnica y sus implicaciones socioeconómicas e ideológicas. Agente activo de propaganda política, supo entablar un fructífero diálogo con los movimientos de vanguardia del siglo XX e inscribirse en las revoluciones estéticas e intelectuales desarrolladas a lo largo de más de un siglo. Pero de su cantera imaginativa surgieron también historias de aventuras en parajes exóticos, dramas amorosos, sátiras del poder político o económico, gestas heroicas y tenebrosas intrigas criminales. Por no mencionar sus arquetipos de atractivo erótico y sus modelos de seducción, que influirían en los gustos de las masas.

La guerra del planeta de los simios: rudimentaria pero eficaz

En esta nueva obra, un militar trastornado les tiene ojeriza a los simios, relanza la guerra, entre éstos y los humanos...
Los dos primeros episodios de la nueva trilogía [El origen del planeta de los simios (Rise of the Planet of the Apes) en 2011, y El amanecer del planeta de los simios (Dawn of the Planet of the Apes),  en 2014] renovaron los miedos  siguiendo el aire de los tiempos, como la mutación genética, la crisis sanitaria, los desastres ecológicos ... Estas preocupaciones desaparecen en esta tercera entrega en favor de un imaginario relacionado con el cine de acción y el género bélico y a... Apocalypse Now. Siempre dirigidos por el bueno de César, los monos todavía deben temer a los hombres: Ahora es un militar chiflado que se convierte en su enemigo personal. En el papel de un gurú del ejército, Woody Harrelson hace lo imposible para evocar a la figura de Marlon Brando en la película dirigida por Francis Ford Coppola, la cabeza afeitada y la mirada inquietante.
Brilllante e intensa, esta referencia bien fundamentada (¡puede leerse en la pared la frase Apocalypse Now!), sigue siendo un guiño a la obra de Coppola. Enarbolando la promesa de una perversidad audaz, predomina la fantasía en este divertimento casi infantil pero lleno de acontecimientos. Son las cualidades y los defectos de estos simios de cine: son buenos en todo. Representar como héroes de una película de guerra, a unos animales o personajes de fábula, suena al menos raro. 
El director no duda en emplear estos recursos. El hecho es que el espectáculo tiene encanto y fuerza. 

Lenguaje cinematográfico para principiantes: Argumento

El argumento (del latín argumentium): Conjunto de hechos que se narran en una obra literaria, teatral o cinematográfica, a partir de los cuales se desarrolla el texto o el guion.
O trama  de la película, asunto sobre el que gira la narración cinematográfica.
Es decir, con el que en pocas líneas se intenta expresar de qué asunto trata la obra.

lunes, 14 de agosto de 2017

George A. Romero: fallece el rey de los zombis (II)

(cont.)
Es, pues, la fría brutalidad lo que caracteriza la atracción que produce el cine de Romero. Lo que también podemos encontrar en La tierra de los muertos vivientes (Land of the Dead -conocida anteriormente como Dead Reckoning-, 2005), cuarta entrega de su saga de los zombis, escrita en plena paranoia antiterrorista, después del trauma del 11 de septiembre de 2001, pero también con una crítica al incremento de la brecha entre ricos y pobres. 
Manteniéndose en su misma línea durante todos estos años, el cineasta ha seguido de cerca los cambios de la sociedad estadounidense. De John Carpenter à Wes Craven pasando por Joe Dante, todos los grandes del género fantástico le deben algo. Muchas veces copiado e imitado, sus películas han tenido una influencia considerable, más allá del ceine, en la cultura popular: publicida, cómics, serie televisivas como The Walking Dead, etc.), en todo el imaginario colectivo ligado relacionado con monstruos. Sólo hay que ver el vídeoclip de Michael Jackson, Thriller, dirigido par John Landis, para convencerse que Romero ha infectado a todo el mundo. 

Noticias de libro: El libro del cine

El libro del cine

Autores varios
Akal
Madrid
2017
352 págs. 
Un recorrido por los personajes y películas que han dejado huella más allá de la gran pantalla. ¿Cambió Chinatown las reglas del género negro? ¿Qué significó para el cine la estructura episódica de Pulp Fiction? ¿Cómo afecta en Rashomon sus múltiples puntos de vista a la realidad? Este libro responde a un sinfín de preguntas en torno al cine, pasando revista a las mejores películas que ha dado el séptimo arte a lo largo de los últimos cien años. 
Tanto el devorador de cine como el cinéfilo ocasional hallarán en este libro una nueva perspectiva de sus títulos preferidos y descubrirán tesoros cinematográficos que no querrán perderse.
Con un lenguaje claro, carteles de época, fotogramas de filmes emblemáticos y originales infografías, El libro del cine explora los personajes, las tramas y los temas de más de cien películas que han dejado huella más allá de la gran pantalla.

Oficios de cine: El doble

En el cine, un doble o especialista de cine es una persona que sustituye a un actor en las escenas que este último no puede o no desea realizar (debido a ciertos motivos). Existen distintos tipos de dobles: de acción para escenas de riesgo; de desnudos para cuando el actor no tiene el cuerpo que desea el director o el actor no desea mostrar el suyo; fotodobles con cuerpo y a veces caras similares para poder filmar planos lejanos sin que el actor deba estar presente; y de habilidades complejas como tocar instrumentos musicales o bailar.
Un doble de riesgo o doble de acción es una persona que reemplaza a un actor en una escena de acción difícil o peligrosa de ejecutar para el actor. Es una función importante en toda película de acción.
En el siglo XXI las exigencias del género de acción son bastante elevadas y demandan de sus ejecutantes mayor preparación y especialización, formando así un nuevo concepto en la capacitación de especialistas en escenas de acción.
Previamente a la adopción de los efectos aplicados por computadora, muchos efectos visuales del cine eran imposibles de alcanzar sin la utilización de actores de riesgo quienes arriesgaran su vida en escenas peligrosas, como saltar de un auto en movimiento o caminar sobre la cornisa más elevada de un rascacielos. Algunos actores como Buster Keaton han realizado sus propias escenas de riesgo. A finales del siglo XX, sin embargo, la utilización de dobles de acción fue reducida en gran medida por los productores de cine al optar por opciones más económicas y seguras, utilizando principalmente efectos digitales.
Algunos actores realizan las escenas de riesgo ellos mismos, por ejemplo Jackie Chan y Jason Statham. Últimamente, en las grandes producciones de cine se tiende a que los actores estrellas aprendan varias de las habilidades, esto para dar más realismo e involucrar al espectador con el personaje.

domingo, 13 de agosto de 2017

George A. Romero: fallece el rey de los zombis (I)

Muchas veces imitados, copiados, plagiados, las películas de George A. Romero, La noche de los muertes vivientes (Night of the living dead, 1968), en cabeza, han influenciado toda la cultura popular estadounidense, desde el cine al cómic, pasando por las series de televisión. Este maestro del terror, que sabía combinar como nadie el gore y el panfleto político, murió el dieciséis de julio de 2017 a la edad de 77 años, después de una larga batalla contra el cáncer de pulmón. Con sus grandes gafas de montura negra y sus cabellos blancos, había acabado por parecerse al abuelo de Up (2009), la maravilla de Pixar, aunque algo más jovial. George A. Romero siempre tuvo una simpática sonrisa de extranjero (no hay que olvidar que su padre era de origen cubano), que tuvo un gran éxito gracias a su horda de zombis.
Romero será, en primer lugar y por siempre, recordado por La noche de los muertes vivientes, una película de culto, término usado en exceso hoy en día, pero que en este caso encaja perfectamente. Realizada con algunos amigos con un presupuesto ridículo de 114.000 dólares, constituye un verdadero hito en la historia del cine de terror. Barbra (Judith O'Dea) y Johnny (Russell Streiner) son dos hermanos que viajan a un solitario cementerio de Pensilvania para colocar flores en la tumba de su padrastro, siendo atacados por un extraño vagabundo que anda mecánicamente. Durante el forjeceo Johnny muere al golpearse la cabeza contra la esquina de una lápida mientras que su hermana huye en su automóvil perseguida por el ser, refugiándose en una granja, rodeada por una multitud de zombis. Un conductor afro-americano intentará ayudarla... Negro y blanco granulado en sus orígenes, con un sentido gráfico del encuadre, con la fuerza de un documental, ese es su realismo que tuvo, desde su estreno, carácter de evento y le confirió el valor de manifiesto reivindicativo y contestatario, tan espeluznante ayer como hoy. Cuando la vemos, nos sumergimos directamente en la acción, nada parece artificial, todo parece verdadero, en las antípodas de cualquier convencionalismo. 
Prefiriendo a un negro como héroe, renunciando al final feliz y sobre todo desenterrando una parte vergonzosa de la historia americana (genocidio de los pueblos originarios, esclavitud, etc.), a pesar de que el país estaba sumido en la guerra del Vietnam, el que había realizado sus estudios hasta ese momento en la universidad de Pittsburgh, dio el gran golpe. Y provocó que multitud de cinéfilos estadounidenses la pasión de coger una cámara e ir a divertirse rodando lejos de las cadenas de los estudios. Sobre todo gracias a la cantidad de dinero que ganó la película, entre cuatro y cinco millones de dólares (en la actualidad lleva ganado más de treinta millones). 
Los zombis rodeando la casa de la granja
Romero también firmó una perturbadora película de vampiros, bastante poética, Martin (1978), al igual que muchos de sus trabajos, se filmó en la ciudad de Pittsburgh, una ciudad en ruinas, pero su ciudad fetiche. Romero afirmó que Martin fue la favorita de todas sus películas. Pero, su especialidad eran los zombis. Los cocinó en toda clases de salsas, evitando siempre caer en la farsa y en el ridículo. Sin ser el creador del género, zombis ya habían aparecido con anterioridad, por ejemplo, en la película de Jacques Tourneur Yo anduve con un zombie (I Walked with a Zombie, 1943),  fue sin duda su emblemático difusor. 
En total es autor de una buena quincena de largometrajes de los cuales dos tercios están poblados de lentos depredadores con una boca atroz, arrastrando los pies, en busca de carne fresca. Todos no son buenos, pero hay al menos otro que fue decisivo: Zombi: El regreso de los muertos vivientes (Dawn of the dead, 1978) -continuación de La noche de los muertos vivientes-, en la que los supervivientes hasta los dientes se refugian en un inmenso centro comercial de Pittsburgh, como alternativa para sobrevivir mientras la sociedad se desmorona violentamente. Produit par Dario Argento, esta película con trazas de terrorífica guerra urbana, es al mismo tiempo que violenta, una crítica feroz contra la sociedad de consumo. Combinó eficazmente la sangre con el manifiesto político, tal fue el credo de Romero. Zombi tuvo un remake en 2004 con el mismo título, dirigida por Zack Snyder, aunque no es malo, es netamente inferior al original. 
(cont.)

Efemérides de cine: Sin rival

El 13 de agosto de 1967 se estrenó la película italiana Sin rival (Matchless), dirigida por Alberto Lattuada e interesada por Patrick O'Neal, Ira von Fürstenberg, Donald Pleasence, Henry Silva, Nicoletta Machiavelli, Howard St. John, Sorrell Booke, Tiziano Cortini, Elisabetta Wu, Giulio Donnini. Productora: Dino de Laurentiis Cinematografica. Duración: 100 minutos. 
Sinopsis argumentalUn agente secreto posee un anillo que le hace invisible durante diez horas. Está buscando a una mente criminal peligrosa y al mismo tiempo debe esconderse de otro agente enemigo que también desea el anillo. 
Comentario: Seguía la moda de las películas de agentes secretos a lo James Bond. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Taekoesu Yonggary

El 13 de agosto de 1967 se estreno la película coreana Yongary: Monster from the Deep (Taekoesu Yonggary), dirigida por Kiduk Kim e interpretada por Nam Jeong-Im,  Oh Yeong-Il,  Lee Sun-Jae,  Moon Kang,  Cho Kyoung-Min, Lee Kwang Ho. Productora: Coproducción Corea del Sur-Japón; Keukdong Entertainment/Toei Company. Duración: 80 minutos. 
Sinopsis argumentalLos terremotos que se sienten en el centro de Corea resultan ser obra de Yongary, un monstruo prehistórico gigante que no se sabe de donde ha surgido pero que gusta de alimentarse de derivados de petróleo. Yongary está atacando las refinerías coreanas y pronto llegará a la capital...
Comentario: La película se perdió en Corea del Sur y las copias enviada al extranjero se perdieron. En la pasada década se encontraron 48 minutos de la misma. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

sábado, 12 de agosto de 2017

El rincón del cinéfilo: El imperio de los sentidos de Nagisa Oshima

Deseo femenino, antimilitarismo, relaciones sexuales no simuladas, erotismo engrandecido...
El imperio de los sentidos (Ai no korîda, 1976), que se reestrena en algunos países europeos en una nueva versión restaurada, ¿huele todavía a azufre, cuarenta y dos años después de su filmación semiclandestina en Japón? Para responder hay que remontarse a la génesis de la película más famosa de Nagisa Oshima.
En 1974, el productor Anatole Dauman dio (casi) carta blanca al cineasta japonés. Con una condición: realizar una película de género. Oshima, uno de los directores más polítizado y de los más provocadores de la década de 1960, está decepcionado por la actuación de los movimientos de extrema izquierda pero no renuncia a convulsionar a la sociedad nipona. Propone pues a su mecenas francés la realización de un largometraje... pornográfico. Lejos de sentirse ofendido, Dauman está encantado. En Francia, el nuevo presidente Valéry Giscard d'Estaing acaba de liberalizar la representación del sexo en el cine: este tipo de películas  se multiplican en las pantallas, y Dauman augura para este género un futuro prometedor, mediante la producción de largometrajes que sean tanto eróticos, casi pornos, como, a la vez, de arte y ensayo.
El propósito de Oshima es desterrar el tabú de la representación no simulada del sexo en la pantalla. En Japón, está prohibido mostrar tanto los genitales como el el vello corporal, y la censura está vigilante. El cineasta se apoyará en una de las noticias más famosa antes de la guerra. En 1936, un sirviente, Sada Abe, estranguló a su amante durante el orgasmo antes emascularlo y caminar durante dos semanas por las calles con el pene en la mano, radiante de alegría como atestiguaron numerosos testigos. El realizador quiere llevar a cabo un verdadero disfrute sexual (La corrida de amor es el título original de El imperio de los sentidos), donde las figuras eróticas será el equivalente a los pases de muleta hasta la muerte... 
Disidencia sexual y antimilitarismo
Para Oshima, la disidencia sexual de Sada Abe y de su amante Kichizo, no es sólo una manifestación extrema de amor loco, tan querido por los surrealistas, es también una resistencia ejemplar al militarismo, que, durante los años 30 del siglo XX, dominaba la política japonesa - en una de las pocas escenas de exterior de El imperio de los sentidosKichizo camina en sentido contrario a los soldados que desfilan. 

Lo primero que en la película hay de escandaloso es el relato realizado desde un punto femenino, mejor feminista, al contrario de lo que era tradicional en el cine erótico japonés, el pinku eiga, concebido para un público mayoritariamente masculino se basaba en la violencia y en la humillación de la mujer. Por el contrario, Oshima quiere que su cine guste a las mujeres. ¿Sada Abe estaba considerada como una víctima de estas pulsiones?  Y, por ello, la transforma en una dominadora, que asume su líbido voraz y ejerce el pode sobre su amante. Lo que era una novedad en la sociedad japonesa que desde la modernización de la era Edo hacia finales del siglo XIX, reprimía la sexualidad y no permitía que las mujeres mostraran sus deseos.  
Lo segundo que provocará escándalo en El imperio de los sentidos fue magnificar, gracias a la belleza de sus imágenes y de la iluminación dignas de las películas eróticas tradicionales, que la moral burguesa consideraba sexo "sucio". La cineasta Catherine Breillat lo explica muy bien en el apasionante  de la serie documental Il était une fois, dedicado a la película de Oshima: cuando la actriz Eiko Matsuda se muestra realizándole una felación a su pareja Tatsuya Fuji, presentando el rostro de una madonna…
Si el rodaje tuvo lugar en Japón, el montaje se realizó en Francia, para evitar a los censores nipones. Pero el imperio de los sentidos casi fue destruido por la censura francesa. El 31 de diciembre de 1975, el presidente Giscard dio marcha atrás: las películas con contenido pornográfico serán consideradas como de clase X, distribuidas en salas especiales y penalizadas con una serie impuestos especiales. Toda la estrategia de distribución comercial de la película ideada por Anatole Dauman es cuestionada. El productor solicitará el apoyo de de intelectuales de renombre -Roland Barthes, André Pieyre de Mandiargues…-, para defender la dimensión artística de la película. Y funcionó: el primer ministro Jacques Chirac, un gran amante de la cultura japonesa,  y nada mojigato, concede una exención a El imperio de los sentidos, que escapa así a esa etiqueta infame. 
En Japón, sin embargo, la película se estrenó con las escenas de sexo cortadas y censuradas. Dos meses después, en diciembre de 1976, Ooshima comparece ante el tribunal de Tokyo acusado de obscenidad. No es propiamente dicho la película la causa, sino el guión, las fotos, los carteles etc. El cineasta asistió a numerosas audiencias (que se extendieron durante tres años) para hacer valer su derecho a libertad de expresión. Como argumento de su defensa, afirmó con malicia: "si consideramos que la obscenidad existe, hay que decir que solo existe en la cabeza de los fiscales y de los policías que la persiguen". Trayendo así  para su defensa las palabras que Sada Abe  había pronunciado delante de la misma corte, cuarenta años antes...
Oshima y su editor fueron condenados a pagar una multa  en diciembre de 1979. La película se volvió a reestrenar en los cines japoneses en el año 2000: las escenas consideradas pornográficas fueron reintegradas, pero aparecen borrosas a nivel de los genitales. Aún hoy día, la versión integra de El imperio de los sentidos está prohibida en Japón. 

Lenguaje cinematográfico para principiantes: Guion cinematográfico

El guion​ cinematográfico es un documento de producción en el que se expone el contenido de una obra cinematográfica con los detalles necesarios para su realización.
El guion cinematográfico contiene la división de la acción en secuencias o escenas, así como las acciones y los diálogos que se producen entre los personajes. También contiene la relación de los acontecimientos, las descripciones del entorno y todas cuantas acotaciones breves se puedan hacer para describir las emociones de los personajes. Un guion literario bien escrito tiene que transmitir toda la información necesaria para que el lector pueda visualizar el total desarrollo de la película en su imaginación: cómo transcurre el diálogo, cómo actúan los personajes y con qué objetos interactúan, sin especificar todavía los pormenores de la producción ni el trabajo de cámara,
cosas que solo se incluyen en el guion técnico.
A lo largo del tiempo se han ido estandarizando ciertos requisitos de formato en los guiones. Son requisitos que la industria del cine espera encontrar en un guion profesional y van desde la tipografía hasta los márgenes y cómo marcar los cambios de escena: si la acción sucede en interiores, exteriores, de día o de noche. También se separa claramente el diálogo de los personajes del resto de la acción.
De el guion cinematográfico existe en dos versiones, dependiendo del momento de producción en que se encuentre. Desde el momento en que el guionista comienza a trabajar en el guion, hasta que el productor decide iniciar la producción, este se conoce como el guion literario. Una vez iniciada esta segunda fase al guion se le adiciona una cierta cantidad de información nueva, y a dicho documento se le denomina guion técnico, realizado habitualmente por el Director, que contiene la información necesaria para realizar cada uno de los planos de la película

Noticias de libro: Andréi Tarkovski

Andrei Tarkovski

Carlos Tejeda
Cátedra
Madrid
2010
408 págs. 
Quizá Andrei Tarkovski haya sido uno de los últimos románticos. Sus películas son representaciones del hombre frente a la inmensidad de la naturaleza. Como en las del pintor Caspar David Friedrich. Reflejos de un humanista que quiso o sintió la necesidad de ahondar en el enigma de la existencia y que se materializaron en siete exploraciones sobre la conciencia humana. Y al mismo tiempo títulos con los que trató de elevar el cine a la categoría de arte. Siete recorridos físicos, pero también psíquicos. Los de unos individuos en estado de crisis que adquieren la condición de seres errantes. Porque el itinerario es el único medio para hallar alguna certeza, si es que la hay, que alivie sus conflictos internos. De ahí la estructura de este estudio, a modo de crónica de viaje, de una espiral concebida desde la sugerencia, desde la insinuación, incluso desde el juego, sin pretender establecer verdades categóricas. Porque en el arte sólo existe la verdad del creador que, después, cada uno interpretará a su manera. Como lo hará con este libro.

viernes, 11 de agosto de 2017

Efemérides de cine: El filo de un cuchillo

El 11 de agosto de 1967 se estrenó la película estadounidense El filo de un cuchillo, también conocida como La joya del crimen (Too Many Thieves), dirigida por Abner Biberman e interpretada por Peter Falk, Britt Ekland, Joanna Barnes, Nehemiah Persoff, David Carradine, George Coulouris, Elaine Stritch, Bill Anderson, Ludwig Donath, Pierre Olaf. Productora: Filmways Pictures/Mayo Productions. Duración: 100 minutos. 
Sinopsis argumentalLa historia comienza cuando un abogado se adentra en la investigación del robo de un tesoro nacional de gran valor religioso robado en un museo de Macedonia, el Emblema de la Victoria.
Comentario: Entretenida película que se compone de dos episodios de la serie de televisión Trials of O'Brien (1965-1966). Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Der Mönch mit der Peitsche

El 11 de agosto de 1967 se estrenó la película alemana Der Mönch mit der Peitsche, dirigida por Alfred Vohrer e interpretada por Joachim Fuchsberger, Uschi Glas, Grit Boettcher, Siegfried Schürenberg, Konrad Georg, Harry Riebauer, Tilly Lauenstein, Ilse Pagé, Siegfried Rauch, Claus Holm, Günter Meisner, Hans Epskamp, Heinz Spitzner, Jan Hendriks, Rudolf Schündler. Narziss Sokatscheff, Tilo von Berlepsch, Kurt Waitzmann, Suzanne Roquette, Susanne Hsiao, Inge Sievers, Ewa Strömberg, Bruno W. Pantel, Kurt Buecheler, Arthur Binder, Wilhelm Vorwerg, Eva Ebner, Herbert Kerz. Productora: Rialto Film. Duración: 88 minutos. 
Sinopsis argumentalLa policía trata de localizar a un asesino en serie encapuchado que mata a sus víctimas con una combinación de ácido y gas venenoso.
Comentario: Basada en los personajes de Edgar Wallace y sigue la trama de la película El encapuchado, también conocida como El monje siniestro (Der unheimliche Mönch aus dem Jahr, 1965), de Harald Reinl. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: El conde Orsini

El 11 de agosto de 1917 se estrenó la película argentina El conde Orsini, escrita por Belisario Roldán e interpretada por Inés Berutti, Lina Estévez, Pedro Gilardini, Angelina Pagano. 
Sinopsis argumentalSegún el historiador Roberto Di Chiara, esta película sería el primer policial argentino.
Comentario: Se considera perdida. Se cumple el primer centenario de su estreno

jueves, 10 de agosto de 2017

Películas de la semana: 11 de agosto

Rey Arturo: La leyenda de Excalibur

Título original: King Arthur: Legend of the Sword. Dirección: Guy Ritchie. País: Estados Unidos. Duración: 120 minutos. Género: Fantástico. Acción. Edad Media. Capa y espada. Espada y brujería. Interpretación: Charlie Hunnam, Jude Law, Eric Bana, Hermione Corfield, Astrid Bergès-Frisbey, Djimon Hounsou, Geoff Bell, Aidan Gillen, Michael McElhatton, Annabelle Wallis, Mikael Persbrandt, Kingsley Ben-Adir, Freddie Fox,  Craig McGinlay,  Tom Wu, David Beckham, Neil Maskell, Bleu Landau, Rob Knighton, Tom Metcalfe, Daniel Harland,  Peter Stacey,  Nigel Murfitt, Chris Marchant. Guion: Joby Harold, Guy Ritchie, Lionel Wigram (Historia: David Dobkin, Joby Harold). Música: Daniel Pemberton. Fotografía: John Mathieson. Productora: Warner Bros./Village Roadshow Pictures/Weed Road Pictures. Estreno en España: 11 de agosto de 2017. SinopsisArturo es un joven intrépido que dirige a su pandilla por los callejones de Londonium. Tras sacar la espada de Excalibur, se verá obligado a tomar algunas duras decisiones. Junto a una misteriosa mujer llamada Guinevere, deberá aprender a manejar la espada, vencer a sus demonios y unir al pueblo para derrotar al tirano Vortigern, quien robó su corona y asesinó a sus padres antes de convertirse en rey. 

Emoji: La película

Título originalThe Emoji Movie. Dirección: Anthony Leondis. País: Estados Unidos. Año: 2017. Duración: 86 minutos. Género: Animación. Comedia. Aventuras. 3-D. Reparto: AnimaciónGuion: Eric Siegel, Anthony Leondis. ProducciónMichelle Raimo. Música: Patrick Doyle. Fotografía: Animación. Montaje: William J. Caparella. Diseño de producción: Carlos Zaragoza. Productora: Sony Pictures. Estreno en España: 11 de agosto de 2017. SinopsisLos protagonistas habitarán la misteriosa tierra de Textopolis, donde todos los emojis favoritos de la gente cobran vida, mientras esperan ser seleccionados por el usuario del teléfono. Todos los personajes tienen una sola expresión facial a excepción de Gen (TJ Miller), un emoji que nació sin filtro y se llena de múltiples expresiones. Para lograr ser normal, Gen se embarcará en una aventura o “app-ventura”, junto a sus amigos Hi-5 (James Corden) y Jailbreak (Ilana Glazer). Pero pronto, una gran amenaza hará que el destino de estos personajes dependa de los tres amigos, teniendo que salvar su mundo antes que sea borrado por completo. 

Descontroladas

Título originalSnatched. DirecciónJonathan Levine. País: Estados Unidos. Año: 2017. Duración: 91 minutos. Género: Comedia. Secuestros. Desapariciones. InterpretaciónAmy Schumer, Goldie Hawn, Christopher Meloni, Ike Barinholtz, Randall Park, Wanda Sykes, Tom Bateman, Kevin Kane, Andre Pelzer, Óscar Jaenada, Damion Scandrick, Scott Wallace,  John A Weaver, Cody Easterbrook, Pedro Haro, Ralph Ivy Jr. GuionKim Caramele, Katie Dippold, Amy Schumer. Producción: Peter Chernin, Paul Feig, Jessie Henderson, Jenno Topping. MúsicaChris Bacon, Theodore Shapiro. FotografíaFlorian Ballhaus. MontajeZene Baker, Melissa Bretherton. Diseño de producciónMark Ricker. Dirección artística: Kevin Constant. Vestuario: Leesa Evans. Productora20th Century Fox Film/Chernin Entertainment/Feigco Entertainment. Estreno en España: 11 de agosto de 2017. SinopsisIncitada por su novio, Emily convence a su madre para ir a un viaje juntas a Ecuador. Pero una vez allí ambas mujeres son secuestradas, comenzando una aventura salvaje en el que su vínculo como madre e hija se fortalecerá mientras intentan escapar.

La hora del cambio

Título original: L'ora legale. Dirección: Salvatore Ficarra, Valentino Picone. PaísItalia. Año2017. Duración88 minutos. GéneroComedia. Política. InterpretaciónSalvatore Ficarra, Valentino Picone, Vincenzo Amato, Antonio Catania, Sergio Friscia, Eleonora De Luca, Alessia D'Anna, Ersilia Lombardo, Leo Gullotta. GuionSalvatore Ficarra, Valentino Picone, Edoardo De Angelis, Nicola Guaglianone, Fabrizio Testini. Producción: Attilio De Razza. FotografíaFerran Paredes. Diseño de producción: Sabrina Balestra. Vestuario: Cristina Francioni. ProductoraTramp Ltd/Medusa Film. Premios y nominaciones: Festival Internacional de Cine de Bari: Mejor historia original; Golden Ciak Awards: Nominado a mejor guión y mejor producción. Estreno en España: 11 de agosto de 2017. SinopsisLos vecinos del pequeño pueblo siciliano de Pietrammare viven acostumbrados al caos que conlleva “saltarse la ley”, pero están hartos. Las carreteras tienen socavones, el tráfico es insufrible, la basura se acumula en las aceras y no hay día que un vecino no pise un excremento de perro. Tampoco les falta un gran puerto... sin barcos, y una fábrica altamente contaminante. Pero parece que ha llegado la hora del cambio: en las elecciones, un nuevo alcalde ha salido victorioso y viene con la firme intención de cumplir todo su programa electoral. 

Noticias de libro: Fernando Fernán-Gómez

Fernando Fernán-Gómez

José Luis Castro De Paz
Cátedra
Madrid
2010
384 págs.
A diferencia de cualquier otro cineasta en la historia de nuestro cine, Fernando Fernán-Gómez vivió en sus propias carnes la repercusión directa (o incluso formó parte) de prácticamente la totalidad de los ingredientes que habrían de dar a cierto cine español de los años cincuenta y sesenta su particularísima textura, su extremada, popular y virulenta crispación esperpéntica, de raíz sainetesca, que ejemplifican a la perfección películas tan extraordinarias como esquinadas por el Régimen como «El mundo sigue» (1963) o «El extraño viaje» (1964). “Si la historia política de las últimas décadas ha hecho creer a los jóvenes que cualquier tiempo pasado fue peor, el hecho de olvidar el arte, la cultura y la diversión de esas épocas no tan lejanas no puede sino incrementar la ignorancia del público, contribuir a una peligrosa indiferencia”.

Efemérides de cine: El extranjero

En agosto de 1967 se estrenó la película italiana El extranjero (Lo straniero), dirigida por Luchino Visconti e interpretada por Marcello Mastroianni, Anna Karina, Georges Wilson, Bernard Blier, Pierre Bertin, Jacques Herlin, George Geret, Bruno Cremer. Productora: Coproducción Italia-Francia; Dino de Laurentiis Cinematografica/Master Film/Marianne Productions/Casbah Film. Duración: 104 minutos. 
Sinopsis argumental: En un ambiente de tensión política cuando los franceses siguen controlando Argelia, un argelino es asesinado en la playa y un francés que ha vivido en Argel toda su vida es arrestado por el asesinato. Se lleva a cabo un juicio. El acusado es un oficinista llamado Arthur Mersault, que no mostró ninguna emoción cuando su madre murió, lo que había molestado a muchos de los asistentes. Uno de los testigos estuvo en el funeral de la madre de Arthur Meursault. El terrible suceso de la playa tiene lugar poco tiempo después del funeral cuando está examinando cuál ha sido su vida y qué camino debe tomar en el futuro. Durante el juicio Mersault renuncia a defenderse. 
Nominaciones y premiosGlobos de oro: Nominada mejor película de habla no inglesa. 
Comentario: Adaptación de la primera novela de Albert Camus, el extranjero (L'étranger), publicada en 1942. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

miércoles, 9 de agosto de 2017

Efemérides de cine: A Taste of Blood

El 9 de agosto de 1967 se estrenó la película estadounidense A Taste of Blood, dirigida por Herschell Gordon Lewis e interpretada por Bill Rogers, Elizabeth Wilkinson, William Kerwin, Lawrence Tobin, Ted Schell, Otto Schlessinger, Eleanor Vaill, Gail Janis, Herschel Gordon Lewis, Judy Waterberry, Dolores Carlos, Roy Collodi, Karl Stoeber, Thomas Rowland. Productora: Creative Film Enterprises Inc. Duración: 117 minutos. 
Sinopsis argumentalJohn Stone, Un hombre de negocios se convierte en un moderno vampiro después de beber brandy mezclado con sangre de vampiro, dedicándose a matar a los descendientes de los verdugos de Drácula.
Comentario: También conocida como The Secret of Dr. Alucard, su director Herschell Gordon Lewis la considero su obra maestra. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Noticias de libro: Orson Welles

Orson Welles

Santos Zunzunegui
Cátedra
Madrid
2010
424 págs.
Dos grandes interpretaciones suelen manejarse para expli­car la peculiar carrera cinematográfica de Orson Welles (1915-1985): una, la que lo presenta como un ar­tista incomprendido y genial, víctima propiciatoria de un sistema incapaz de albergar a cualquiera cuyas ideas excedan de los rígidos límites marcados por las convenciones instituidas por los estudios de Hollywood; otra, la que subraya su carácter de irresponsable cultivador de aventuras cinematográficas imposibles. Una adecuada comprensión de la obra de Welles (lo mismo la acabada que la inacabada, que son las dos caras de un Jano bi­fronte y a las que este volumen dedica la necesaria atención) requiere no sólo tener en cuenta la relación complementaria que se establece entre ambas dimensiones de su trabajo, sino reconocer que Welles pertenecía a una raza de artistas melancólicos para los que el inacabamien­to forma parte inseparable de su dimensión creativa.

Martin Landau, desaparece un gran secundario (II)

(cont.)
Martin Landau relató su reencuentro con su compatriota neoyorquino (Woody Allen y él había nacido en el mismo barrio de Nueva York): "Para el papel de Judah Rosenthal en Delitos y faltas, Woody pensaba en alguien como Edward G. Robinson. Sin embargo, le dije que estaba equivocado. ¡Cállate, idiota -pensé-, está apunto de decirle a uno de los más grande directores americanos, que no sabe lo que hace! Pero era más fuerte que yo, y añadí, este personaje es un mentiroso, un tramposo, un niño mimado, un asesino... Y no va a redimirse. Es necesario que el publico simpatice con él, incluso si está horrorizado por lo que ha hecho. Si un sólo espectador se dice, al principio de la película: es un bastardo, tu película será un fracaso. Es esencial -sin tener en cuenta el actor que lo interprete, -insistí-, que la historia no supere al personaje-, que deberá ser como todo el mundo. Judah no es un diablo, simplemente está atrapado en la trampa de sus propios errores. Su pecado, es no ser capaz de dejar las cosas a tiempo...". Woody me miró y dijo: "¿A que hora es tu vuelo a Los Angeles?“ Y, entonces, pensé que había perdido la partida. Añadiendo a continuación: "Es necesario que te tomen medidas para confeccionar tu vestuario". Y así fue, como me comunico que había sido seleccionado para el papel. 
Lo mejor estaba aún por llegar. En 1995, Martin Landau consigue, por fin, el Oscar al mejor actor secundario por su interpretación de Bela Lugosi en la película Ed Wood, de Tim Burton, y coprotagonizada con Johnny Depp. "Físicamente, no tenía un gran parecido con el mítico intérprete de Drácula. Yo utilizaba mucho las manos, al contrario que él; tengo una dentadura impresionante, a él no se le veían los dientes; poseo unos grande ojos siempre muy abiertos, los suyos estaban medio cerrados; y no hablaba como él, que jamás perdió su acento húngaro", -afirmó en una ocasión. Para impregnarse de su personalidad, se obligo a ver treinta películas y todas las entrevistas que había concedido Lugosi, que había podido encontrar. "Poco a poco, Bela me invadió. O, que fuera al contrario, no sé...". Martin Landau consideraba su interpretación como "una relación amorosa con el actor húngaro", como explicó a la prensa estadounidense después de recibir su Oscar: "A diferencia de Bela Lugosi, tuve la suerte de poder retornar al cine, y por ello, le ofrezco el último papel que él jamás tuvo". 
Después de Ed Wood, Martin Landau realizó algunas apariciones más o menos prescindibles en el cine. Pero, será de nuevo la pequeña pantalla, por medio de la serie de HBO Entourage, la que lo hará brillar en el papel... de un viejo productor cinematográfico. 

martes, 8 de agosto de 2017

Efemérides de cine: La cabalgada de los malditos

En agosto de 1967 se estrenó la película estadounidense La cabalgada de los malditos (A Time for Killing), dirigida por Phil Karlson, Roger Corman e interpretada por Glenn Ford, Inger Stevens, Paul Petersen, Timothy Carey, Kenneth Tobey, Richard X. Slattery, Harrison Ford, Kay E. Kuter, Dick Miller, Emile Meyer, Marshall Reed, George Hamilton. Productora: Columbia Pictures Corporation/Sage Western Pictures Inc. Duración: 88 minutos. 
Sinopsis argumentalTerminada la guerra de Secesión norteamericana (1861-1865), un grupo de soldados sureños, prisioneros en el fuerte Haukes, logra escapar. De su captura se encargará el mayor Wolcott, que obedece la orden a regañadientes, puesto que, finalizada la contienda, le parece inútil la masacre que se verá obligado a ejecutar.
ComentarioUna interesante película del oeste con el marco de la guerra de secesión. Cuenta con un notable dueto protagonista y cuenta como secundario con un jovencísimo Harrison Ford. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.