Clásicos de libro: Las cinco advertencias de Satanás

Las cinco advertencias de Satanás

Enrique Jardiel Poncela

Austral

Barcelona

2000

320 pags.

Comedia en cuatro actos, fue estrenada en el Teatro de la Comedia de Madrid el 20 de diciembre de 1935.

Félix es un hombre de mediana edad que, tras una vida disipada junto a su amigo Ramón al que solía traspasar sus antiguos amoríos, toma la decisión de casarse con la joven Coral y dejar atrás sus tropelías nocturnas. Sin embargo, el Diablo se topa en su camino, haciéndole cinco profecías y poniendo en cuestión todos sus planes. Al ir cumpliéndose las predicciones, y tras una revelación inesperada, se ve en la tesitura de ceder a Ramón el amor por Coral.

Incomprendido y atacado por casi toda la crítica de su tiempo, Enrique Jardiel Poncela conoce ahora, al amparo de la reivindicación de las vanguardias, un creciente reconocimiento. Su propósito era romper con las formas tradicionales de lo cómico, atadas a lo real y a lo verosímil. Frente a ello, Jardiel busca que en su teatro fluya de continuo lo inverosímil: en el patio de butacas -decía- la vida cotidiana con su aburrimiento; en la escena, la fantasía renovada. Por ese camino logró superar el naturalismo estrecho del teatro español y su casticismo; liberó el lenguaje, casi siempre ligado a actores tipificados, y aportó a la escena un humor, de raíz intelectual, que sirve de conductor al absurdo lógico.

Enrique Jardiel Poncela fue uno de los escritores españoles más rupturistas de la primera mitad del siglo XX. Dramaturgo, novelista y guionista, conoció a Manuel Machado, quien le animó en su vocación, y a Ramón Gómez de la Serna que ejerció una gran influencia personal y literaria sobre él.  Su obra, relacionada con el teatro del absurdo, se alejó del humor tradicional acercándose a otro más intelectual, inverosímil e ilógico, rompiendo así con el naturalismo tradicional imperante en el teatro español de la época, lo que le supuso no pocas críticas. A esto hay que sumar sus posteriores problemas con la censura franquista. Sin embargo, el paso de los años no ha hecho sino acrecentar su figura, y sus obras siguen representándose en la actualidad, habiéndose rodado, además, numerosas películas basadas en ellas. De su producción teatral destacan Una noche de primavera sin sueño (1927), Angelina o el honor de un brigadier (1934), Cuatro corazones con freno y marcha atrás (1936), Eloísa está debajo de un almendro (1940) y Los ladrones somos gente honrada (1941). Entre sus novelas más destacadas figuran Amor se escribe sin hache (1929), ¡Espérame en Siberia, vida mía! (1930) y La «tournée» de Dios (1932).

Adaptaciones cinematográficas:

• Las cinco advertencias de Satanás (1938). España. Dirección: Isidoro Socías. Protagonizada por Pas­tora Peña, Julio Peña, Félix de Pomés, Fina Conesa, Luisa Villasiul, María Teresa Moreno, Modesto Cid, Roberto Font, José María Lado, Enriqueta Villasiul. Productora: Nave Producciones Cinematográficas. Comedia. Blanco y negro. Duración: 90 minutos. Estrenada el 17 de enero de 1938.
• Las cinco advertencias de Satanás (1945). México. Dirección: Julián Soler. Intérpretes: Fernando Soler, Mª Elena Marqués, Abel Salazar, Eduardo Arozamena, Olga Jiménez, Aurora Walker, Beatriz Ramos, Ana Bronte, Vicente Padula, José Escanero, Miguel Ángel López. Productora: Panamerican Films. Comedia. Misterio. Blanco y negro. Duración: 105 minutos. Estreno 22 de noviembre de 1945.
• Las cinco advertencias de Satanás (Os cinco avisos de Satanas, 1969). España. Dirección: José Luis Merino. Protagonizada por Arturo Fernández, Cristina Galbó, Eduardo Fajardo, Américo Coimbra, Madalena Iglésias, Juan Cortés, Luís Filipe. Productora: Coproducción España-Portugal; Hispamer Films/Ibérica Filmes. Comedia. Fantástico. Terror. Color. Duración: 1104 minutos. Estrenada el 1 de enero de 1969. 

Clásicos de libro: Eloísa está debajo de un almendro

Eloísa está debajo de un almendro

Enrique Jardiel Poncela 
Vicens-Vives
barcelona
1997
192 págs.

Mariana está enamorada de Fernando Ojeda, un hombre misterioso y a quien ella cree portador de un gran secreto, en el que ella tiene algo que ver. Pero a veces le odia, cuando él se pone una máscara y finge ser una persona normal y corriente. Sus sentimientos, como le dice su tía Clotilde (en principio, la única cuerda de la familia), no son muy normales, pero claro, formando parte de una familia de locos en la que su padre no ha pisado la calle desde hace muchísimos años (pero viaja en un tren imaginario todas las semanas), su tía Micaela está obsesionada con los ladrones y con coleccionar búhos, y su hermana, la loca oficial de la familia, está desaparecida… pues tampoco parece muy raro que ella necesite que su novio sea un hombre misterioso que le oculte algo grave para ser feliz. Y el tío de Fernando, Ezequiel, puede que también oculte algún turbio secreto… ¿O será la casa de los Ojeda la que realmente esconda algo misterioso?

Obra en un prólogo y dos actos, fue estrenada en el teatro de la Comedia de Madrid, el 24 de mayo de 1940.

Adaptaciones cinematográficas:

Eloísa está debajo de un almendro (1943). España. Dirigida por Rafael Gil y protagonizada por Amparo Rivelles, Rafael Durán, Guadalupe Muñoz Sampedro, Juan Espantaleón, Alberto Romea, Juan Calvo, Joaquín Roa, José Prada, Ana de Siria, Angelita Navalón, Nicolás D. Perchicot, Enrique Herreros, Mary Delgado, Manuel Arbó, Eduardo García Maroto. Productora: Compañía Industrial Film Español S.A. (CIFESA). Comedia. Terror. Intriga. Comedia negra. Blanco y negro. Duración: 73 minutos. Se estrenó  el 21 de diciembre de 1943. (Ver entrada en este mismo blog de fechq 23/12/2013)

Clásicos de libro: La casa de Bernarda Alba

La casa de Bernarda Alba

Federico García Lorca

Austral

Barcelona

1999

192 págs.

La obra cuenta la historia de Bernarda Alba que tras haber enviudado por segunda vez a los 60 años decide vivir los siguientes ocho años en el más riguroso luto. En la obra destacan rasgos de la 'España profunda' de principios del siglo XX caracterizada por una sociedad tradicional muy violenta en la que el papel que la mujer juega es secundario. Otros rasgos destacados son el fanatismo religioso y el miedo a descubrir la intimidad. Con Bernarda viven sus cinco hijas (Angustias, Magdalena, Amelia, Martirio y Adela), su madre y dos sus criadas. Entre estas últimas se encuentra Poncia, una criada que ha vivido muchos años al servicio de la anciana. Sin personajes masculinos en escena, el nombre de las mujeres de la obra es simbólico.

La casa de Bernarda Alba  fue la última obra de teatro que Lorca dejó terminada (1936), pero no llegaría a verla representada (tanto el estreno como la publicación, que contaron con la iniciativa y la mediación de Margarita Xirgu, tuvieron que esperar a 1945 teniendo lugar en Buenos Aires). El poeta, además, nunca comentó nada sobre ella, por lo que se presenta como una de sus piezas más enigmáticas. Su lectura ha estado sesgada por interpretaciones de corte político que diluyen lo que en Lorca no es más que un mero marco y postergan el problema de la condición humana, esencial en el poeta. Joaquín Forradellas analiza en esta edición los fundamentos de dichas interpretaciones y defiende la proyección atemporal de La Casa de Bernarda Alba por su valor estético y subraya la intención documental y realista de la obra. Protagonizada por personas corrientes que salen del pueblo, negando la heroicidad,  La Casa de Bernarda Alba representa el dolor cotidiano, familiar, hasta sus últimas consecuencias. Lorca optó por un teatro representable, con un argumento asequible y, por ello, absolutamente crítico y eficaz al enfrentar al público con su propia máscara. Y lo hizo, además, con una expresión bella y precisa, poesía puramente dramática, apoyado en palabras inquietantes que «trastornan el reposo» del espectador.

Federico García Lorca hijo de un rico propietario y de una maestra, vivió una infancia rural a la que sumó una completa formación. Se trasladó a Madrid, donde se alojó en la Residencia de Estudiantes y conoció a sus compañeros de generación y a muchas figuras del panorama artístico. En este ambiente conoce las Vanguardias, pero su personal sensibilidad sobrepasa las modas y triunfa definitivamente con su emblemático Romancero gitano. Tras vivir una enriquecedora temporada en Cuba y Nueva York (el impacto de esta ciudad da lugar a Poeta en Nueva York), vuelve a España. Durante la República, dirige la compañía La Barraca, grupo teatral universitario con el que llevó el teatro clásico por todos los rincones de España. En 1933 visita Buenos Aires, donde sus dramas obtienen gran éxito. De regreso, Lorca, que es ya poeta de éxito, manifiesta públicamente sus ideas de izquierdas; este hecho lo pone en el punto de mira de los nacionales que lo asesinan nada más estallar la guerra civil, dos meses después de terminar La casa de Bernarda Alba. Otras obras destacadas del autor son Poema del cante jondo, La zapatera prodigiosa, Bodas de sangre, Yerma, Doña Rosita la soltera o el lenguaje de las flores, Mariana Pineda y El público, todas ellas publicadas en Austral.

Adaptaciones cinematográficas:

• La casa de Bernarda Alba (1982). México. Dirección y guión: Gustavo Alatriste. Protagonizada por Amparo Rivelles, Magda Guzmán, Rosenda Monteros, Marta Zamora, Alicia Montoya, Isabela Corona, Laura Cepeda, Tina French, Marta Aura, Manuel Capetillo hijo, Leonor Llausás, Isabela Corona, Socorro Avelar, Maruja Sen, Diana Ochoa, Rocío Chazaro. Drama. Color. Duración: 100 minutos. Estrenada el 2 de abril de 1982. 

• La casa de Bernarda Alba (1987). España. Dirección: Mario Camus. Protagonizada por Irene Gutiérrez Caba, Ana Belén, Florinda Chico, Enriqueta Carballeira, Victoria Peña, Aurora Pastor, Rosario García Ortega, Mercedes Lezcano. Productora: Paraíso Films. Distribuidora: United International Pictures. Drama. Color. Duración: 103 minutos. Nominaciones y premios. Goya a la mejor dirección artística. 

Clásicos de libro: Misión al pueblo desierto

Misión al pueblo desierto

Antonio Buero Vallejo

Austral

Barcelona

2000

152 págs.

Cincuenta años después del éxito de Historia de una escalera, Antonio Buero Vallejo (1916) ha estrenado, en el mismo escenario, su obra Misión al pueblo desierto. En ella, el autor sigue siendo fiel a su idea de considerar el teatro como un arma para fustigar las injusticias sociales. La miseria de los hombres -nos dice Buero- y de la sociedad debe ser enjuiciada críticamente; la grandeza humana que a veces brilla en medio de esa miseria también debe ser mostrada. Considerar nuestros males es preparar bienes en el futuro; escribir obras de intención trágica es votar porque, un día, no haya más tragedias. En Misión al pueblo desierto, ambientada, en parte, durante la guerra civil española nos presenta el tema de la licitud de la guerra y la violencia a través del enfrentamiento trágico entre dos concepciones de revolución, personificadas en sus dos protagonistas. Sin embargo, subyace en la obra un mensaje de esperanza en tanto que el lector se sienta en desacuerdo con los actos de intolerancia que se proyectan desde el pasado; en manos de cada lector está también que la guerra civil haya terminado definitivamente. Buero Vallejo, testigo lúcido de la sociedad en la que transcurre su existencia, ha conformado una producción dramática que se inscribe con justicia y brillantez en la historia de la cultura y del teatro occidental.

Estrenada en Teatro Español, de Madrid el 8 de octubre de 1999. Se trata de la última obra escrita por este autor, que la concluyó en 1997. En plena Guerra Civil española, se plantean la legitimidad de un conflicto bélico y las diferentes visiones entre personajes sobre la revolución y sus orígenes. Todo ello a través de una trama centrada en el afán del pintor Plácido por evitar que el Bando nacional destruya o incaute una obra de El Greco a través de la Junta de Incautación y Protección del Tesoro Artístico. En las filas republicanas, Placido - sereno e idealista - colisionará con Damián un miliciano violento.

Clásicos de libro: La fundación

La fundación

Antonio Buero Vallejo

Austral

Barcelona

1999

256 págs.

La fundación es una de las obras de Buero Vallejo que han alcanzado mayor éxito de público y crítica, tanto por el dramatismo de su trama argumental como por la novedad de los procedimientos técnicos utilizados. Presentada como una fábula, plantea al lector-espectador un choque entre realidad y ficción, que se resuelve paulatinamente a favor de la verdad. Cuando, identificados con el protagonista de la obra, creemos que nos encontramos cómodamente instalados en una Fundación, descubrimos que estamos en una cárcel. Es el reflejo de nuestro mundo y de nuestra sociedad. La Introducción y la Guía de lectura de Javier Díez de Revenga, catedrático de la Universidad de Murcia, explican cómo no se trata aquí tan solo de una lección ética, social o filosófica, sino de cómo, a través del arte, llegamos a integrarnos en el conflicto y a buscar una solución.
Estrenada el 16 de enero de 1974 en el Teatro Fígaro de Madrid, cinco personajes que parecen trabajar para un centro de investigación llamado La Fundación comparten espacio en lo que parece ser una agradable habitación con bonitas vistas. Según se avanza en el desarrollo de los diálogos, se descubre que tal situación no es sino la percepción subjetiva de uno de los personajes, Tomás, a través de cuyos ojos, el espectador conoce que la habitación es en realidad una celda, que La Fundación es la prisión y que los cinco personajes son cinco reclusos condenados a muerte. Se encuentran allí porque el propio Tomás, bajo tortura, los delató y el sentimiento de culpa le hizo perder el sentido de la realidad. Finalmente, la escena queda vacía, retornado su aspecto de habitación lujosa en la que se instalarán nuevos huéspedes.

Antonio Buero Vallejo nació en Guadalajara en 1916. Su primera vocación fue la pintura y cursó estudios de Bellas Artes en Madrid. En 1937 se alista en el ejército republicano, y terminada la guerra, es detenido y condenado a muerte por su participación en actividades clandestinas. Finalmente se le conmuta la pena por la de treinta años de cárcel, y en 1946, sale en libertad condicional. Consigue el Premio Lope de Vega en 1949 con Historia de una escalera, que es representada en el Teatro Español y con la que obtiene un rotundo éxito. Desde entonces, y pese a los problemas con la censura, los escenarios más importantes se abren al dramaturgo. Obtiene, entre otros, el Premio Nacional de Teatro en dos convocatorias sucesivas: en 1956, por Hoy es fiesta  y en 1957 por Las cartas boca abajo. En 1980 se le otorga un tercer Premio Nacional de Teatro por el conjunto de su producción. En 1971 fue elegido miembro de la Real Academia, en 1986 se le concedió el Premio Cervantes y en 1996 el Premio Nacional de las Letras Españolas, ambos otorgados por primera vez a un autor teatral. De entre sus obras destacan En la ardiente oscuridad, El concierto de San Ovidio, El tragaluz o La fundación. Murió en Madrid en el año 2000.

Clásicos de libro: Las bicicletas son para el verano

Las bicicletas son para el verano

Fernando Fernán-Gómez

Austral

Barcelona

1999

288 págs. 

La obra empieza en el verano de 1936. Luis y Pablo pasean por la Cuidad Universitaria y discuten sobre la posibilidad de que hubiera una guerra en Madrid, ambos creen que sería imposible porque están en el centro del país y antes los soldados tienen que combatir en otras ciudades que están muy lejos para llegar a Madrid.​

Luis vive con sus padres, su hermana Manolita y la criada María en un piso de alquiler en el barrio de Chamberí, en Madrid. Mantienen una gran relación amistosa con su vecina doña Antonia y sus hijos Julio y Pedro. Julio está enamorado de Manolita pero ella no le hace caso.​

Sus vidas  empiezan a cambiar con la Guerra Civil. Constantemente se enteran de desapariciones de conocidos o de torturas y asesinatos de comunistas o socialistas. Se preocupan por su futuro porque saben que este conflicto le afectará de gran manera, y es por ello que desean que termine pronto.

Don Luis no se preocupa por la empresa en la que trabaja porque piensa que el vino le gusta a todo el mundo y que se va a continuar vendiendo. Manolita ha conseguido trabajo de actriz en un teatro y Luis quiere tener una bicicleta para salir con sus amigos en verano.​

La guerra continúa y la familia de don Luis es cada vez más pobre y desgraciada debido a las consecuencias de la guerra: ya no tienen criada y la empresa del padre está cayendo en picado hasta que al final se disuelve.​

En septiembre de 1937, Manolita declara a su madre que está embarazada de cuatro meses. El hijo es de un miliciano con quien se iba a casar pero lo han matado. Más tarde, Manolita se casa con Julio.​

La mayoría de los vecinos bajan al sótano al percatarse de que están bombardeando la ciudad, pero esta vez han bajado pocos. Sólo está la familia de don Luis, doña Antonia, la casera María Antonia y su hija Maluli y tres vecinos más.​

Al cabo de un tiempo, Rosa da la mala noticia de que Julio ha muerto a causa de un obús que ha caído en el bazar donde trabajaba.​

Ya en 1939, Pablo y su familia van a casa de Luis para despedirse porque se van a Barcelona por cuestiones de trabajo.​

Cuando acaba la guerra, don Luis y su hijo pasean por la Ciudad Universitaria, lo que queda de ella. El padre le comenta que probablemente lo detendrán y lo aprisionarían y que él, Luis, debía ser el nuevo hombre de la familia y protegerla.​

Nacido en el seno del teatro, durante una gira por América de la compañía de María Guerrero y Fernando Díaz de Mendoza (1921), Fernando Fernán-Gómez fue educado en Madrid, en el barrio de Chamberí, escenario y microcosmos de la guerra civil española en su obra Las bicicletas son para el verano. Su vocación infantil fue doble: la interpretación y la escritura; pero si públicamente se inclinó por la carrera de actor, nunca dejó de escribir y, desde luego, de leer. A la consagración popular que ya tenía como actor se une el prestigio de un gran escritor, miembro de la Real Academia Española. Los primeros poemas y narraciones breves dieron después paso al teatro: su drama La cortada tuvo un accésit en el premio Lope de Vega, que luego ganaría con Las bicicletas son para el verano (1984), considerada como su obra maestra. Esta edición, precedida de una Introducción de Eduardo Haro Tecglen, en donde estudia la producción y la vida de Fernando Fernán-Gómez, se completa con una Guía y propuestas de lectura de la obra, una de las más importantes de la literatura dramática española.

Fernando Fernán Gómez (Lima, Perú, 1921-Madri, 2007), fue escritor, actor, guionista, director de cine y teatro, premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1995 y miembro de la Real Academia Española desde el año 2000. Estudió Filosofía y Letras en Madrid, pero su verdadera vocación era el teatro y consiguió tras ser descubierto por Enrique Jardiel Poncela debutar en los escenarios con la obra Los ladrones somos gente honrada, inicio de su carrera artística.

A partir de 1984 destacó por su producción literaria: El vendedor de naranjas, El viaje a ninguna parte, El mal humor y El tiempo amarillo, su autobiografía. Pero la pieza teatral Las bicicletas son para el verano, donde presenta sus recuerdos sobre la guerra civil española, fue muy celebrada y rápidamente llevada a la gran pantalla.

Fue también adaptada al cine con el mismo título por Jaime Chavarri en 1984 y protagonizada por Amparo Soler Leal, Agustín González, Victoria Abril, Alicia Hermida, Carlos Tristancho, Gabino Diego, Marisa Paredes, Patricia Adriani, Aurora Redondo, Guillermo Marín, Emilio Gutiérrez Caba, Laura del Sol, Miguel Rellán, Jorge de Juan, Marina Saura. Producida por Incine/Jet Films. Estrenada el 4 de enero de 1984, fue galardonada con diversos premios: Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary: mejor actor (Agustín González); Fotogramas de plata: nominada a mejor actriz (Victoria Abril) y mejor actor (Agustín González); Premios ACE de Nueva York: mejor película, mejor actor (Agustín González) y mejor actor de reparto (Carlos Tristancho).

Clásicos de libro: El concierto de San Ovidio

El concierto de San Ovidio

Antonio Buero Vallejo

Austral

Barcelona

2011

224 págs. 

Antonio Buero Vallejo, un clásico ya en la historia del teatro español, ha definido el propósito de su obra como «gafas para cegatos que quisieran ver». Apoyándose en la anécdota histórica que le sugiere un grabado del siglo XVIII –la cruel humillación de una orquestina de músicos ciegos por parte de un empresario parisino– teje en El concierto de San Ovidio una parábola que, en el momento de su escritura, podía ciertamente reflejar la experiencia colectiva de los españoles de la etapa franquista, pero que, rebasando con mucho aquella concreta circunstancia histórica, por la fuerza universalizadora del arte, nos presenta la realidad profunda del momento actual. Profesor de la Universidad de Strathclyde en Glasgow y uno de los mejores conocedores de la ideología bueriana, David Johnston desvela en esta edición las múltiples dimensiones de una obra que, transmitiendo una gran lección moral de esperanza, constituye un ejemplo artístico de extraordinaria calidad.

El concierto de San Ovidio es una obra en tres actos de teatro de Antonio Buero Vallejo, estrenada el 16 de noviembre de 1962 en el Teatro Goya de Madrid.

El teatro es mi realización y mi vida... Cuando Buero deje de existir ya no quedará más que su obra y Buero será su obra».
Antonio Buero Vallejo

Clásicos de libro: El sueño de la razón

El sueño de la razón

Antonio Buero Vallejo
Austral
Barcelona
2014
192 págs.

"El sueño de la razón produce monstruos", escribió Goya al pie de uno de sus Caprichos. En esta obra, que su autor califica de "fantasía" y con la que da un paso decisivo hacia el "teatro total", se alza un nuevo retablo histórico con el gran pintor aragonés como protagonista. El sueño de la razón es una obra de circunstancias en la que la lección simbólica apunta a los conflictos permanentes del ser humano y confiere al drama un valor universal de pensamiento y arte.

Estrenada en 1970, la obra se centra en los últimos años de vida del pintor Francisco de Goya, sus limitaciones provocadas por la sordera y sus relaciones con su amante Leocadia. A través de la sordera de este personaje —de nuevo una tara física—, Buero simboliza la incapacidad de algunos para oír el sentido de la realidad.

Clásicos de libro: Luces de Bohemia

Luces de Bohemia

Ramón del Valle-Inclán

Austral

Barcelona

1999

304 págs.

Edición de Alonso Zamora Vicente

Guía de lectura y glosario de Joaquín del Valle-Inclán

La obra narra las últimas horas de la vida de Max Estrella, un "hiperbólico andaluz, poeta de odas y madrigales" ya anciano, miserable y ciego que gozó en algún momento de cierto reconocimiento. En su peregrinaje por un Madrid oscuro, turbio, marginal y sórdido le acompaña Don Latino de Hispalis y le dan la réplica algunos otros personajes de la bohemia madrileña de la época. En sus diálogos se vierten de forma magistral críticas a la cultura oficialista y a la situación social y política de una España condenada a no reconocer a sus próceres. Tras múltiples vicisitudes, la obra acaba con la muerte de Max Estrella y se prolonga con su velatorio. El drama se cierra con un borracho que grita: "¡Cráneo previlegiado!", expresión que se repite a lo largo de la historia y que resume el enfoque esperpéntico de la misma.

A partir de la figura de Max Estrella trasciende la anécdota del fracaso y la muerte de un escritor venido a menos. La obra se convierte en una parábola trágica y grotesca de la imposibilidad de vivir en un país deforme, injusto y opresivo, como es la España de la Restauración.

Publicada en una primera versión por entregas semanales entre el 31 de julio y el 23 de octubre de 1920 en el semanario España, en 1924 se edita la versión definitiva, revisada y reeditada con tres escenas más. No se estrenaría en España hasta 1970.

Considerada Luces de bohemia una de sus obras más importantes, con ella Valle-Inclán inaugura un nuevo género teatral, el «esperpento», y sería el primero de los cuatro textos que el propio autor consideraría de ese género. En la escena duodécima de la obra, el propio protagonista lo considera como una manera de mirar el mundo.

Luces de Bohemia, esperpento trágico de la vida literaria de la época. Al degradarse la realidad aparece la farsa y, en un segundo nivel, el esperpento; «Los héroes clásicos reflejados en los espejos cóncavos dan el Esperpento», aclara Valle-Inclán. 

Aquí el espejo cóncavo es una conciencia dolorida, una conciencia moral que escandaliza o aterra. Resulta patético que quien vea la verdad sea un ciego, Max Estrella, soñador perdido en un Madrid absurdo y hambriento. La magnífica Introducción de Alonso Zamora Vicente, de la Real Academia Española, y la ilustrativa Guía de lectura y Glosario preparados por Joaquín del Valle-Inclán nos descubren el universo mágico del genial escritor, el entramado de relaciones entre la realidad y el texto y la visión voluntariamente deformadora y crítica que se oculta bajo la caricatura; un completo y sugerente análisis de las claves de la creación valleinclaniana.

Ramón del Valle-Inclán (Villanueva de Arosa, Pontevedra, 1866-Santiago de Compostela, 1936), fue un novelista, poeta y autor dramático español, además de cuentista, ensayista y periodista. Inicia estudios universitarios, pero no termina la carrera de Derecho, ya que muy pronto se decanta por la literatura. Tras pasar una temporada en Madrid, marcha a México donde escribe para la prensa y, sobre todo, conoce y asimila el Modernismo. Vuelve a Madrid y se incorpora a la vida cultural y bohemia de la ciudad como promotor del Modernismo. Provocativo y extravagante, su estilo literario evolucionó desde un exuberante modernismo y un maduro expresionismo hasta sus peculiares composiciones esperpénticas. De entre su obra destacan las cuatro Sonatas (de primavera, de estío, de otoño y de invierno), que suponen la culminación del modernismo español; Águila de blasón, la primera de sus llamadas comedias bárbaras; La lámpara maravillosa, resumen de su estética y ética; La cabeza del dragón, y Luces de Bohemia.

Adaptación cinematográfica: 

Luces de bohemia (1985). España. Dirección: Miguel Ángel Diez. Protagonizada por Francisco Rabal, Agustín González, Fernando Fernán-Gómez, Imanol Arias, Viki Lagos, Mario Pardo, Guillermo Montesinos, Azucena De La Fuente. Productora: Laberinto/Televisión Española (TVE/Ministerio de Cultura. Distribuidora: Laberinto. Drama. Color. Duración: 102 minutos. Estrenada el 22 de agosto de 1985. (Ver entrada de 22 de agosto de 2014 en este mismo blog). 

Clásicos de libro: La Meninas

Las Meninas

Antonio Buero Vallejo

Austral

Barcelona

2013

240 págs.

El estreno de Las Meninas tuvo lugar en el 9 de diciembre de 1960, en el teatro Español de Madrid; en el mismo escenario, veintiún años antes, había obtenido el éxito que lo consagró como el innovador de la dramaturgia española de posguerra, con su Historia de una escalera. Con el texto sobre Velázquez, Buero mostraba un nuevo ejemplo del buen hacer literario y dramático que en su ya entonces amplia trayectoria había venido mostrando. Buero inauguró una fórmula nueva de abordar el tema de la historia en el teatro, de forma que el drama histórico cubre dos metas: la de recuperar un ayer conflictivo y olvidado, y la de reflexionar sobre acciones y comportamientos que, por ser inherentes al hombre o a la sociedad, son intemporales. Así en Las Meninas, Velázquez se convierte en el receptor que contempla el dolor humano y las injusticias sociales; los problemas que surgen del enmascaramiento de la realidad por los tópicos y engaños vigentes, y la encrucijada de la responsabilidad del artista, del intelectual ante todo.

Efemérides teatrales: La noche de los cien pájaros

La noche de los cien pájaros es una obra de teatro en dos actos de Jaime Salom, estrenada el 28 de noviembre de 1972 en el Tetaro Marquina de Madrid, bajo la dirección de José María Loperena. Intérpretes: Luis Prendes, Queta Claver, Álvaro de Luna, Antonio Vico, Elisa Montés, Manuel Torremocha, luego sustituido por Manuel Alexandre. El argumento es el siguiente: Adrián es un joven que abandona sus estudios universitarios para contraer matrimonio con su novia Juana, si bien su estatus social se mantiene en un nivel por debajo del que aspiraba. Transcurridos 20 años, Adrián conoce a una pintora y comienza a pensar que su boda ha sido un gran error.

Fue adaptada al cine en la película:

La noche de los cien pájaros (1976). España. Dirección: Rafael Moreno Alba, Rafael Romero Marchent. Protagonizada por  Florinda Chico, Javier Escrivá, José Luis Garci, Ana Gasber, Ágata Lys, Carlos Oller, Emiliano Redondo, George Rigaud, Carmen Sevilla. Guión: José Luis Garci, Juan Miguel Lamet, Santiago Moncada. Productora: Lotus Films.Drama. Duración: 82 minutos. Sinopsis: Enrique abandona la Universidad y se casa con Juana. Tras conocer a una pintora que le abre las puertas de otro mundo, completamente desorientado, empezará a pensar en tomar medidas drásticas para cambiar su vida. Una de las pocas películas donde el director José Luis Garci aparece como actor. Fue estrenada el 27 de septiembre de 1976.

También se adaptó para televisión en el espacio Estudio 1 de Televisión Española, el 26 de abril de 1982, adaptada y dirigida por Antonio Chic e interpretada por Luis Fenton, Rosa María Sardá, Carmen Elías, Amparo Moreno.

Efemérides teatrales: La vil seducción

El 18 de noviembre de 1967 se estrenó en el Teatro Reina Victoria la obra La vil seducción escrita por José Alonso Millán, bajo la dirección de Fernando Fernán Gómez con los intérpretes Analía Gadé, Fernando Fernán Gómez, Aurora Redondo, Manuel Alexandre, Antonio Varo, Avelino Cánovas, Manuel Peña, Ángel Calero, Venancio Muro.

La trama trata de Alicia, una actriz de teatro, cansada ya de la vida que lleva, viajando de pueblo en pueblo por teatros mediocres. Un día, tras una función de Don Juan Tenorio, decide escapar, disfrazada con el hábito de Doña Inés. Acaba en la casa de Doña Elvira, en un pequeño pueblo de la España profunda. Tanto la señora, como su hijo Ismael, la confunden con una monja, en profundo contraste con su desenvuelto comportamiento.

En 1968 se estrenó, basada en la obra, la película La vil seducción, de José María Forqué, protagonizada por Analía Gadé, Fernando Fernán Gómez y Milagros Leal.

Efemérides teatrales: Enseñar a un sinvergüenza

El 16 de noviembre de 1967 en el Teatro Victoria de Barcelona se estrenó Enseñar a un sinvergüenza, obra de teatro, escrita por Alfonso Paso. Dirección: Juan Guerrero Zamora. Intérpretes: José Rubio (Lorenzo), Nuria Torray (Rosana), Antonio Vico, Carmen Carbonell, Charo Soriano. La obra estuvo en cartel durante 16 años seguidos, manteniendose Rubio durante todo ese tiempo al frente del reparto. Con posterioridad, el papel de Rosana fue interpretado por Ana María Vidal (1968), María Garralón (1975-1979), Anabel Montemayor (1980-1982) y María Rey (1982-1983). Otros cambios en el reparto incluyeron a actores como Mary Delgado, Mercedes Aguirre o Esther Gala. En 1994 se repuso la obra, de nuevo con Rubio y Vidal al frente del cartel.

Argumento: El juerguista y caradura Lorenzo irrumpe en la vida de Rosana, una profesora muy bella pero estricta y rigurosa que nunca se permite hacer algo fuera de lugar. El encuentro cambiará las formas y actitudes de Rosana, que termina perdidamente enamorada.

Comentario: La obra estuvo en cartel durante 16 años seguidos, maniendose Rubio durante todo ese tiempo al frente del reparto. Con posterioridad, el papel de Rosana fue interpretado por Ana María Vidal (1968), María Garralón (1975-1979), Anabel Montemayor (1980-1982) y María Rey (1982-1983). Otros cambios en el reparto incluyeron a actores como Mary Delgado, Mercedes Aguirre o Esther Gala. En 1994 se repuso la obra, de nuevo con Rubio y Vidal al frente del cartel.

En 2006, se estrenó una pieza que continuaba el argumento 40 años después, con el título de ¿Qué fue del sinvergüneza?, escrita por Rafael Mendizábal y protagonizada por José Rubio y María Kosty.

En 1970 se realizó la correspondiente versión cinematográfica dirigida por Agustín Navarro y protagonizada por Carmen Sevilla, Pepe Rubio, Mari Carmen Prendes, Manuel Alexandre, José Luis Coll, Tina Sáinz, Luis Sánchez Polack, Romano Villalba, Mara Laso, Ingrid Garbo. Productora: Eva Film/Mundial Film.