Películas de la semana: 5 de diciembre

Suspiria

Título original: Suspiria. Dirección: Luca Guadagnino. País: Italia. Año: 2018. Duración: 152 minutos. Género: Terror. Fantástico. Thriller. Remake. Interpretación: Dakota Johnson, Tilda Swinton, Chloë Grace Moretz, Mia Goth, Jessica Harper Sylvie Testud, Angela Winkler, Malgorzata Bela, Renée Soutendijk, Ingrid Caven, Lutz Ebersdorf, Vanda Capriolo, Toby Ashraf, Fabrizia Sacchi, Elena Fokina, Christine Leboutte, Olivia Ancona. Guion: Dave Kajganich (Personaje: Dario Argento, Daria Nicolodi). Música: Thom Yorke. Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom. Productora: Coproducción Italia-Estados Unidos; First Sun/Frenesy Film Company/MeMo Films/Amazon Studios/Mythology Entertainment/K Period Media/Muskat Filmed Properties/Vega Baby Releasing. Distribuidora: Amazon Studios. Estreno en España: 5 de diciembre de 2018. Sinopsis: Susie Bannion (Dakota Johnson) es una joven estadounidense que viaja a Berlín para cursar sus estudios de danza en una de las escuelas más prestigiosas del mundo, dirigida por Madame Blanc (Tilda Swinton). El mismo día en el que ingresa en la escuela, una de las alumnas recientemente expulsada es asesinada. No se trata de un hecho aislado, lo que hace sospechar a la brillante estudiante sobre la implicación de la escuela en los homicidios. Su desconfianza aumenta cuando una compañera le cuenta que antes de que Pat muriera, ésta le confesó que conocía un terrorífico secreto. Remake del clásico giallo dirigido por Dario Argento en 1977, Suspiria.

Robin Hood

Título original: Robin Hood. Dirección: Otto Bathurst. País: Estados Unidos. Año: 2018. Duración: 116 minutos. Género: Aventuras. Siglo XIII. Edad Media. Capa y espada. Interpretación: Taron Egerton,  Eve Hewson, Jamie Foxx, Ben Mendelsohn, Tim Minchin, Paul Anderson, Jamie Dornan, Josh Herdman, Nasser Memarzia, Kane Headley-Cummings,  Björn Bengtsson, Ian Peck, Declan Hannigan, Charlie Vincent, Roderick Hill, Antonio Lujak, Nick Wittman. Guion: Ben Chandler, David James Kelly. Música: Joseph Trapanese. Fotografía: George Steel. Productora: Lionsgate [USA]/Appian Way/Safehouse Pictures/Thunder Road Pictures. Estreno en España: 5 de diciembre de 2018. Sinopsis: Cuando el joven Robin Hood (Taron Egerton) regresa a su hogar, endurecido, tras luchar como guerrero en Las Cruzadas, descubre un reino en el que la corrupción es la moneda de cambio de la corona inglesa. En ese momento, junto a su compañero Little John (Jamie Foxx), toma la decisión de formar una banda de bandidos y liderar una audaz rebelión en la que se enfrentarán al malvado Sheriff de Nottingham (Ben Mendelsohn). 

El regreso de Ben

Título original: Ben Is Back. Dirección: Peter Hedges. País: Estados Unidos Año: 2018. Duración: 98 minutos. Género: Drama. Interpretación: Lucas Hedges, Julia Roberts, Kathryn Newton, Emily Cass McDonnell, Courtney B. Vance, Tim Guinee, Faith Logan, Melissa Van der Schyff, Teddy Cañez.  Guion: Peter Hedges. Producción: Peter Hedges, Nina Jacobson,Teddy Schwarzman, Brad Simpson. Música: Dickon Hinchliffe. Fotografía: Stuart Dryburgh. Montaje: Ian Blume. Diseño de producción: Ford Wheeler. Dirección artística: Andy Eklund. Vestuario: Melissa Toth. Productora: Black Bear Pictures/30West/Color Force. Distribuidora: Roadside Attractions. Estreno en España: 5 de diciembre de 2018. Sinopsis: La película sigue a Ben Burns (Lucas Hedges), un chico de 19 años cuyos problemas con las adicciones le llevan a regresar a casa en la víspera de Navidad. La madre de Ben, Holly Burns (Julia Roberts), da la bienvenida a su hijo tras su esperado regreso, pero rápidamente se da cuenta de que algo le ocurre y está sufriendo. Durante unas 24 horas que pueden cambiar sus vidas para siempre y en las que todo tipo de verdades saldrán a la luz, Holly tendrá que hacer todo lo posible para evitar que su hijo y toda su familia se derrumben, enfrentándose así a uno de los momentos más difíciles de su vida.

Kursk

Dirección: Thomas Vinterberg. País: Bélgica. Año: 2018. Duración: 117 minutos. Género: Drama. Basado en hechos reales. Submarinos. Interpretación: Matthias Schoenaerts,  Léa Seydoux, Colin Firth, Max von Sydow, Michael Nyqvist, Peter Simonischek, Martin Brambach, Guido De Craene, Geoffrey Newland, August Diehl, Matthias Schweighöfer, Fedja Stukan, Miglen Mirtchev, Jehon Gorani. Guion: Robert Rodat. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Anthony Dod Mantle. Productora: Coproducción Bélgica-Luxemburgo; Europa Corp/Belga Productions/VIA EST. Estreno en España: 5 de diciembre de 2018. Sinopsis: La mañana del 12 de agosto del año 2000 el submarino nuclear K-141 Kursk, perteneciente a la Armada rusa, sufre un terrible accidente durante unas maniobras, desencadenando dos gigantescas explosiones. Un desastre al que le sigue una marcada negligencia gubernamental internacional que tuvo en vilo al mundo entero. Mientras los marineros luchan por sobrevivir atrapados dentro del submarino, sus familias se enfrentan desesperadamente contra los obstáculos políticos y las escasas probabilidades de rescatarlos. 

Roma

Dirección: Alfonso Cuarón. País: México Año: 2018. Duración: 135 minutos. Género: Drama. Años 1970. Familia. Interpretación: Yalitza Aparicio, Marina de Tavira, Marco Graf, Diego Cortina Autrey, Carlos Peralta, Daniela Demesa, Nancy García García, Verónica García, Latin Lover, Enoc Leaño, Clementina Guadarrama, Andy Cortés, Fernando Grediaga, Jorge Antonio Guerrero. Guion: Alfonso Cuarón. Producción: Nicolás Celis, Alfonso Cuarón, Gabriela Rodriguez. Fotografía: Alfonso Cuarón, Galo Olivares (Blanco y negro). Montaje: Alfonso Cuarón, Adam Gough. Diseño de producción: Eugenio Caballero. Dirección artística: Carlos Benassini, Oscar Tello. Vestuario: Anna Terrazas. Productora: Coproducción México-Estados Unidos; Participant Media/Esperanto Filmoj. Distribuidora: Netflix. Estreno en España: 5 de diciembre de 2018. Sinopsis: Cleo (Yalitza Aparicio) es una joven sirvienta de una familia que vive en la Colonia Roma, barrio de clase media de Ciudad de México. En esta carta de amor a las mujeres que lo criaron, Cuarón se inspira en su propia infancia para pintar un retrato realista y emotivo de los conflictos domésticos y las jerarquías sociales durante la agitación política de la década de 1970.

Rey de ladrones

Título original: King of Thieves. Dirección: James Marsh. País: Reino Unido.  Año: 2018. Duración: 108 minutos. Género: Drama. Crimen. Robos. Atracos. Interpretación: Michael Caine, Jim Broadbent, Tom Courtenay, Charlie Cox, Michael Gambon, Ray Winstone, Francesca Annis, Paul Whitehouse, Kellie Shirley, Jackson Kai, Bernardo Santos, Martha Howe-Douglas,  Keely Cat Wells, Lampros Kalfuntzos, Dino Fazzani, Matt Townsend, Phil Hodges, Nathanjohn Carter, Adam Leese, Dardan Kolicaj, Rich Keeble, Claire Lichie, Sephora Venites, Jeanette Maskell, Andy Gillies, Anna Elijasz, Kit Harvey, Richard Price. Guion: Joe Penhall, Mark Seal. Producción: Tim Bevan, Eric Fellner, Amelia Granger, Ali Jaafar, Michelle Wright. Música: Benjamin Wallfisch. Fotografía: Danny Cohen. Montaje: Jinx Godfrey, Nick Moore. Diseño de producción: Chris Oddy. Dirección artística: Tom Coates, Will Coubrough, Choi Ho Man, Ashley Winter. Vestuario: Consolata Boyle. Productora: Working Title Films. Estreno en España: 5 de diciembre de 2018. Sinopsis: La película dirigida por James Marsch y producida por Tim Bevan, Eric Fellner y Michelle Wright, gira en torno a un grupo de veteranos retirados que deciden llevar a cabo un atraco multimillonario. En un principio se pensó que el atraco había sido realizado por ladrones profesionales, pero en realidad se trataba de criminales retirados de edades comprendidas entre 60 y 70 años, quienes estaban aburridos y querían añadir emoción a sus vidas, consultando un par de libros y dando con una idea de lo más disparatada. Entraron al depósito de la compañía Hatton Garden, donde se hicieron con un botín de 200 millones de libras esterlinas.

La familia

Dirección: Gustavo Rondón Córdova. País: Venezuela. Año: 2017. Duración: 82 minutos. Género: Drama. Interpretación: Giovanni García,  Reggie Reyes. Guion: Gustavo Rondón Córdova. Fotografía: Luis Armando Arteaga. Productora: Coproducción Venezuela-Chile-Noruega; Factor RH Producciones/La Pandilla Producciones/Películas Prescindibles. Premios y nominaciones: festival de Cannes: 2 nominaciones: Premio de la Crítica y a la Cámara de Oro; Festival de Cine de Cartagena: Nominada a mejor película; Ha representado a Venezuela en los premios Oscar como mejor película de habla no inglesa; Festival de Biarritz (Francia): Abrazo a la mejor película; Festival de Miami: Premio a la mejor película y premio de la Crítica. Estreno en España: 5 de diciembre de 2018. Sinopsis: Andrés y su hijo Pedro, de 12 años, viven en una vecindad marginal de Caracas y apenas se ven. Mientras Andrés utiliza su tiempo con sus trabajos, Pedro camina por las calles jugando con sus amigos y aprendiendo del lugar violento que le rodea. Ópera prima del director Gustavo Rondón Córdova.

Apuntes para una película de atracos

Dirección: León Siminiani. País: España. Año: 2018. Duración: 85 minutos. Género: Documental. Robos. Atracos. Reparto: Documental. Guion: León Siminiani. Fotografía: Juan Barrero, Giuseppe Truppi. Productora: Pandora Cinema. Premios y nominaciones: Festival Internacional de Cine de San Sebastián: Nominada a mejor director novel. Estreno en España: 5 de diciembre de 2018. Sinopsis: Elías es un director de cine y Flako fue el ladrón de bancos más buscado durante la crisis económica en España. Flako estaba en la cárcel mientras que Elías estaba en la calle. Elías se decide y le manda una carta a Flako a la cárcel donde este se encuentra y, sorprendentemente, tres semanas después recibe su respuesta en la que le dice que tiene su permiso para hacerle una visita a la cárcel. Este documental, dirigido por Léon Siminiani, es la crónica de una amistad entre dos personas con un objetivo común: hacer una película de atracos. Un "documental de creación" que parte de un caso real y que nos acerca una historia de amistad, llena de amor al cine y con el anhelo de la reinserción asomando al final de túnel.

Ralph rompe Internet

Título original: Ralph Breaks the Internet. Dirección: Rich Moore, Phil Johnston. País: Estados Unidos. Año: 2018. Duración: 112 minutos. Género: Animación. Fantástico. Aventuras. Videojuego. Amistad. Secuela. 3-D. Reparto: Animación. Guion: Phil Johnston, Pamela Ribon. Música: Henry Jackman. Fotografía: Animación Nathan Warner. Productora: Walt Disney Animation Studios/Walt Disney Pictures. Premios y nominaciones: Satellite Awards: Nominada a mejor largometraje de animación. Estreno en España: 5 de diciembre de 2018. Sinopsis: Ralph rompe Internet sale de los recreativos, y se adentra en el mundo inexplorado, expansivo y emocionante de Internet. Averiguaremos si sobrevive al poder de demolición de Ralph. Ralph (voz de John C. Reilly), el malo de los videojuegos y su compañera Vanellope von Schweetz (voz de Sarah Silverman) tendrán que jugárselo todo viajando por las redes en busca de una pieza de repuesto que salve Sugar Rush, el videojuego de Vanellope. Y para complicar más las cosas, Ralph y Vanellope dependen de los ciudadanos de Internet, los llamados ‘ciudanets’ para que les ayuden a desenvolverse en ese peligroso mundo. Entre ellos está un empresario de Internet llamado Yesss (voz de Taraji P. Henson), que es el algoritmo estrella y el alma de “BuzzTube”, la página web más de moda del momento. Secuela de ¡Rompe Ralph! (Wreck-It Ralph, 2012). 

Hace 100 años: Caridad

En diciembre de 1918 se estrenó la película mexicana Caridad, dirigida por Dirigida por Luis G. Peredo e interpretada por Gilda Chávarri, Guillermo Hernández Gómez, José Óscar Morales, Ricardo Beltri, Salvador Alcocer, María de la Luz Contreras, Polvorilla, Angelina. Productora: Ediciones German Camus. 

Sinopsis argumental: Caridad es una maestra pretendida por un joven de un alto nivel socioeconómico. Del fruto de su amor, nace un niño, el cual es llevado a la casa de cuna. Después de una serie de incidentes le pide ayuda al padre de su alumna más querida de nombre Angelina. Él después de los sucesos consigue casar a Caridad con su pretendiente.

Comentario: Producción mexicana muy desconocida. 

Historia de la moda a través del cine (XIX)

Juana de Arco (Joan of Arc, 1948). Estados Unidos. Dirección: Victor Fleming. Interpretación: Ingrid Bergman, José Ferrer, Francis L. Sullivan, Ward Bond, John Ireland, Richard Derr, Ray Teal, Roman Bohnen, Selena Royle. Guion: Maxwell Anderson, Andrew Solt. Música: Hugo Friedhofer. Fotografía: Joseph Valentine, Winton C. Hoch, William V. Skall. Productora: Walter Wanger Productions. Distribuidora: RKO Radio Pictures. Duración: 145 minutos. Drama. Religión. Biográfico. Siglo XV. Cine épico. 2 Oscar: Mejor fotografía color, vestuario color. 7 nominaciones. Está basada en la obra de teatro Joan of Lorraine de Maxwell Anderson, exitosamente representada en Broadway y que también protagonizaba Bergman, y fue adaptada a la pantalla por el propio Anderson, en colaboración con Andrew Solt. A diferencia de la obra Joan of Lorraine, que es un drama que muestra cómo la historia de Juana afecta a un grupo de actores que la interpretan, la película narra directamente la vida de la heroína francesa. Comienza con un plano obviamente pintado del interior de una basílica con un rayo de luz, que posiblemente desciende del cielo, brillando hacia abajo desde el techo, y una solemne voz fuera de la pantalla pronunciando la canonización de la Doncella de Orleans. Luego, se muestra en la pantalla la página inicial de lo que parece ser un manuscrito de la iglesia que narra la vida de Juana en Latín, mientras que una voz (del actor Shepperd Strudwick) establece la historia. La historia de Juana comienza entonces, desde el momento en que se convence de que ha sido llamada por orden divina a salvar a Francia, hasta que es ejecutada en la hoguera a manos de los ingleses y los borgoñones. El vestuario estuvo a cargo de Dorothy Jeakins. 

Próximamente: Un hombre fiel

Un hombre fiel (L’homme fidèle, 2018), segundo largometraje de Louis Garrel, es un original seguimiento que sigue las andanzas amorosas de un treintañero vacilante. El actor-director le da la réplica a Laetitia Casta, viuda un poco manipuladora, y a Lily-Rose Depp, amante obstinada. Presentada en première en Madrid el 12 de noviembre de 2018.

Cuando Marianne le anuncia que está embarazada de Abel, su amigo mutuo, Paul desaparece como un caballero completamente abrumado por la situación. Años más tarde, encuentra a Marianne, viuda, y se une a una relación divertida con su hijo... Louis Garrel, siempre antojadizo, a sus treinta años, inadaptado para lo real, se deja seducir, con un placer cómplice, por Lætitia Casta y Lily Rose Depp.

Para su segundo largometraje detrás de la cámara (después de Los dos amigos (Les deux amis, 2015), el actor ha realizado el guión en colaboración con Jean-Claude Carrière (co-guionista también, entre otras, de Ese oscuro objeto del deseo (Cet obscur objet du désir, 1977). Los diálogos son brillantes. Las situaciones a medio camino entre el melodrama y el absurdo. Un hombre fiel, se estrenará en las salas el 26 de diciembre de 2018. 

Noticias de libro: Rocky: The Complete Films

Rocky: The Complete Films

Sylvester Stallone, Paul Duncan

Taschen
20118
380 págs.
Ejemplares numerados y firmados por Sylvester Stallone
Incluye una lámina de su pintura Finding Rocky (1975) y un cuaderno facsímil de 36 páginas de Rocky.

Rocky Balboa es el icono de Filadelfia que se enfrentó al mundo y ganó. El auténtico “semental italiano”, el luchador con agallas que triunfó como boxeador contra todo pronóstico, y una auténtica leyenda del negocio del cine. Desde que Sylvester Stallone diera rienda suelta al apasionado personaje que daba título a la película en 1976, el fornido boxeador se ha hecho un hueco en la historia como símbolo de la tenacidad y el coraje y como leyenda del éxito cinematográfico.

La historia de la película Rocky es igual de apasionante que la del boxeador que la protagoniza. Rodada con un presupuesto muy ajustado, con un Stallone prácticamente desconocido como guionista y protagonista, la película se convirtió de la noche a la mañana en un fenómeno y generó recaudaciones millonarias. Obtuvo tres premios Óscar y convirtió a Stallone en un actor, guionista y director de fama mundial. El fenómeno Rocky dio para una saga de seis películas, incluida Rocky Balboa en 2006 y otra aparición en Creed (2015), por la que Stallone recibió una nominación de la Academia.

En colaboración con Sylvester Stallone y la MGM, esta Edición de Coleccionista firmada por Sylvester Stallone saca a relucir todas las agallas y la fama de la historia de Rocky, desde los inicios hasta Creed. Las numerosas imágenes, incluidas muchas fotografías tomadas durante el rodaje por el prestigioso fotógrafo deportivo Neil Leifer, se acompañan de valioso material procedente de la biblioteca de la Academia y el archivo de la MGM que hablan del nacimiento de un héroe de acción inolvidable y de una obra maestra del cine. Un prólogo de Stallone y extractos de las entrevistas que ha concedido a lo largo de su carrera permiten descubrir los entresijos de la creación del personaje y de la saga, además de ofrecer una imagen privilegiada de la tenacidad, el arrojo y la pasión que caracterizaban a Rocky entre bambalinas y en la pantalla.

Incluye una lámina de Finding Rocky (1975), una obra que Sylvester Stallone pintó antes de escribir el guion de la película y que, según él, fue "el génesis de Rocky". También encontrará un facsímil del cuaderno manuscrito de Sylvester Stallone para Rocky (hacia 1975), con apuntes sobre diálogos, escenas y otras ideas para la película, así como el final original no usado en la obra. Stallone: “Aquí es donde surgían todas las ideas, y así las escribía”.

Desde que fuera protagonista de Rocky, con guión propio y por la que recibió un Oscar en 1976 en la categoría de mejor película, Sylvester Stallone ha recibido reconocimiento internacional con las sucesivas entregas de Rocky, Rambo y Los mercenarios. Stallone es un artista consumado que ha trabajado como actor, escritor, director y productor, y pinta lienzos y crea esculturas, mostrados en exposiciones en medio mundo.

Historia de la moda a través del cine (XVIII)

Cleopatra (1963). Estados Unidos. Dirección: Joseph L. Mankiewicz, Rouben Mamoulian, Darryl F. Zanuck. Interpretación:  Elizabeth Taylor, Richard Burton, Rex Harrison, Carroll O'Connor, Roddy McDowall, Martin Landau, Hume Cronyn, Andrew Keir, Kenneth Haigh, George Cole, Pamela Brown, Cesare Danova, Francesca Annis, Richard O'Sullivan, Gregoire Aslan, Martin Benson. Guión: Joseph L. Mankiewicz, Ranald MacDougall, Sidney Buchman, Ben Hecht. Basado en el libro The Life and Times of Cleopatra de Carlo Mario Franzero, e historias de Plutarco, Suetonio y Apiano. Música: Alex North. Fotografía: Leon Shamroy, Jack Hildyard. Productora: Twentieth Century Fox Film Corporation/MCL Films S.A./Walwa Films S.A. Duración: 243 minutos. Drama. Histórico. Biográfico. Antiguo Egipto. Antigua Roma. Cine épico. 4 Oscar: fotografía, dirección artística, vestuario, efectos especiales. 9 nominaciones; Globos de oro: 4 nominaciones, incluyendo Mejor película - Drama; National Board of Review: Mejor actor (Rex Harrison); Premio Laurel de Oro 1964; Premio Laurel de Oro 1964 : a la mejor actuación dramática (Rex Harrison). El victorioso Julio César (Rex Harrison) se ve obligado a viajar a Egipto con el fin de evitar la guerra civil provocada por la falta de orden entre Cleopatra VII (Elizabeth Taylor) y su hermano Ptolomeo XIII (Richard O'Sullivan), ambos monarcas del Imperio egipcio. Muy pronto, César se quedará asombrado por la ferocidad y belleza de la joven, haciéndola reina indiscutible de Egipto y, tras el nacimiento de su hijo Cesarión, su esposa legítima. Espectacular superproducción con varios montajes que repercutieron negativamente en su calidad. Liz Taylor está impresionante. Fue la película más cara de la historia del cine en su época, con un presupuesto de 44 millones de dólares, mucho mayor que cualquier otra. Tuvo un rodaje increíblemente accidentado, con cambios de director (la empezó a dirigir Rouben Mamoulian) y centrada en la polémica del romance real que vivió su pareja protagonista, ambos casados. Cleopatra contó con tres diseñadores de vestuario, uno para la joyería y uno para las pelucas y sombreros. Una de ellos,  Irene Sharaff, se encargó exclusivamente de la ropa de Elizabeth Taylor, con un récord de 65 modelos diferentes. Indiferente a cualquier pretensión de verosimilitud, Sharaff creó para Cleopatra trajes en verde esmeralda, amarillo canario y el violeta que tan bien acompañaba los ojos de Taylor. La ropa destacaba la minúscula cintura de la actriz y los escotes, su busto generoso. Los críticos se burlaron de la improbabilidad histórica de los diseños, como, por ejemplo, la suntuosa capa de oro que emulaba un ave fénix para la llegada de Cleopatra a Roma. 

Efemérides de cine: Skidoo

El 2 de diciembre de 1968 se estrenó la película Skidoo, dirigida por Otto Preminger e interpretada por Jackie Gleason, Carol Channing, Cesar Romero, Frankie Avalon, Michael Constantine, Frank Gorshin, Richard Kiel, Peter Lawford, Burgess Meredith, Slim Pickens, George Raft, Mickey Rooney, Arnold Stang, Groucho Marx. Productora: Paramount Pictures. Duración: 97 minutos. 

Sinopsis argumental: A Tony Banks, un gángster retirado, lo contrata el conocido mafioso God, para que acabe con una banda rival liderada por 'Blue Chips' Packard. Como Banks se retrasa en la ejecución del trabajo, God se pone nervioso y secuestra a su hija Darlene y la encierra en su lujoso yate.

Comentario: El guión satiriza el estilo de vida de la contracultura de la década de 1960 y sus comodidades, tecnología, anti-tecnología, hippies, amor libre y luego uso tópico de la droga LSD.

Bernardo Berolucci, el maestro de la cámara, el montaje y la fotografía

Bernardo Bertolucci: una obra marcada por la política y contaminada por una herencia problemática. 

El director italiano, fallecido el pasado 26 de noviembre a la edad de 77 años, había realizado numerosas películas que examinaban las luchas sociales y políticas de su época, pero siempre con un enfoque estético. Sigue siendo la polémica en torno al Último Tango en París, su película más famosa, que lo persiguió hasta el final de su vida.

Bernardo Bertolucci en el rodaje de Tú y yo (Io e te, 2012)

Bernardo Bertolucci vivió entre dos fascismos, entre sus tinieblas. Nacido en 1941 en Parma, en la Italia de Mussolini, murió a la edad de 77 años en Roma, en la Liga del Norte y de Matteo Salvini. Regreso de una peste negra a la que alguna vez dedicó alguna de sus obras más brillantes: el cineasta ha examinado como persona la faceta mórbida del fascismo, sus convulsiones íntimas y sus estragos externos.

En 1970, en El conformista (Il conformista), una de sus mejores películas, describe el deterioro que se produce en la mente de un burgués de los años 1930 -impresionante Jea-Louis Tritignant-, gangrenado por el odio y la culpabilidad, harto del deseo de pertenecer a la clase, de reprimir toda singularidad, Esta aproximación psicoanalítica, casi orgánica, también baña a Novecento, su gran epopeya, rodada en 1976, consagrada a la historia de Italia, desde el principio del suglo XXhasta el final de la II Guerra Mundial. 

Con este monumento del cine, recorrido por dos amigos de la infancia (Robert de Niro y Gerard Depardieu), opuesto a todo origen social, ideología y destino personal, Bernardo Bertolucci observa también el otro lado de la historia de su país: el de las luchas sociales, de las condiciones de la clase trabajadora, de las revueltas y de las revoluciones, de la cual se hizo portavoz y compañero durante una buena parte de su carrera, hasta el final de los años 1970. Desde Antes de la revolución (Prima della rivoluzione), en 1964, a La estrategia de la araña (Strategia del ragno), en 1970, cuestiona su propio compromiso con el Partido Comunista, entre la fascinación y el desencanto. 

Jean-Louis Trintignant y Dominique Sanda en El conformista (1970)

De este período muy politizado, Bernardo Bertolucci nunca rodó ninguna película crónica política (palabras del crítico Diego Galán), al estilo Costa-Gavras, prefiriendo siempre la estético al discurso, confiando en una belleza pictórica, sensual y sofisticada -incluso funeraria-, una parte fundamental de la expresión. Una manera de privilegiar el misterio en cada decorado, en cada personaje, de destacar más las preguntas que las respuestas. Este hijo de poeta, el mismo escritor y gran admirador de Fellini, gustaba de repetir: "Cada película que ruedo es para mí un retorno a la poesía".

Novecento (1976), con Dominique Sanda

Poco a poco, a partir de los años 1980, esta fascinación por la forma a veces ha devorado al fondo (ha sido acusado de estetizante): tenemos un recuerdo algo mitigado de los grandes espectáculos decorativos y exóticos tales como El último emperador (The Last Emperor, 1987) o Pequeño Budha (Little Budha, 1993). Las recreaciones costosas y elegantes, palidecen en comparación con sus trabajos históricos anteriores, como Belleza robada (Stolen Beauty, 1996), retrato vago en una villa toscana, parecen desvanecerse en comparación con las transgresiones del Último Tango en París (Ultimo tango a Parigi, 1972).

Esta última es la gran película del cineasta, su obra más famosa, su tragedia sexual de 1972, un sombrío testimonio de otra revolución de la época, la de las costumbres. La leyenda negra de esta historia de deseo y destrucción no deja de perpetuarse. Un apartamento cerrado, convulsiva, angustiosa y nihilista, entre dos amantes, que se conoce por azar, Marlon Brando y Maria Schneider, que devoró a la actriz en los inicios de su carrera, tanto como a su personaje. 

Bernardo Bertolucci, Marlon Bando et Maria Schneider en el rodaje de El último tango en París (1972)

Fallecida en 2011, confesaba que nunca se recuperó del escándalo, de de la intensidad predadora del rodaje. Lo que también persiguió a Bernardo Bertolucci hasta el final de sus días. O como una escena muy cruda, muy desesperada, sobre la base de la sodomía y de la mantequilla, pudo herir a la sociedad de 1972 como a la de 2018. 

Marlon Brando y Maria Schneider en una escena de la película

Vilipendiada, condenada, clasificada X en numerosos países -la película fue censurada en España durante el régimen franquista y no se estrenó hasta diciembre de 1977. Antes de su estreno oficial y para sortear la censura, miles de españoles viajaron a Biarritz y Perpiñán para verla-, la película maldita horrorizó a las multitudes, cuando la prensa  reveló que el cineasta habría preparado esta secuencia sin haber prevenido a su actriz, haciéndole sufrir una violación real ante las cámaras. Bernardo Bertolucci se defendió de esta acusación, argumentando que Maria Schneider conocía el guión y todas sus implicaciones. Verdad o mentira, nos deja con esta turbio legado, tan ambiguo e inquietante como los mejores de sus personajes de antaño. 

Historia de la moda a través del cine (XVII)

Call Me by Your Name (2017). Italia. Dirección: Luca Guadagnino. Interpretación: Timothée Chalamet, Armie Hammer, Michael Stuhlbarg, Amira Casar, Esther Garrel, Victoire Du Bois, Elena Bucci, Marco Sgrosso, André Aciman, Peter Spears. Guion: James Ivory (Novela: André Aciman). Música: Sufjan Stevens. Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom. Productora: Coproducción Italia-Francia-Estados Unidos-Brasil; Frenesy Film Company/RT Features/La Cinéfacture/Water's End Productions/M.Y.R.A. Entertainment/Lombardia Film Commission. Distribuidora: Sony Pictures Classics. Duración: 130 minutos. Romance. Drama. Drama romántico. Homosexualidad. Años 1980. Oscar: Mejor guion adaptado. 4 nominaciones incluyendo película y actor (Chalamet); Festival de Toronto: 2ª finalista - Mejor película; Globos de Oro: 3 nominaciones incluyendo mejor película drama y actor (Chalamet); Premios BAFTA: Mejor guion adaptado. 4 nominaciones;  National Board of Review (NBR): Top 10 películas año, actor revelación (Chalamet); American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año; Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actor (Chalamet); Críticos de Los Angeles: Mejor película, director y actor (Chalamet);  Premios Independent Spirit: Mejor fotografía y actor (Chalamet); Premios Gotham: Mejor película y nuevo actor (Timothée Chalamet); Critics Choice Awards: Mejor guion adaptado. 8 nominaciones;  Sindicato de Productores (PGA): Nominada a mejor película; Satellite Awards: Nominada a mejor película, guion adaptado y actor secundario (Hamer); Sindicato de Guionistas (WGA): Mejor guión adaptado; Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor actor (Chalamet); Festival de Berlín: Nominada a mejor película (Teddy Section); Festival de San Sebastián: Inauguración sección Perlas de otros festivales; Festival de Melbourne: Premio del Público; Festival de Sydney: 2º puesto mejor película (Premio del Público); Asociación de Críticos de Chicago: 3 premios incluido mejor actor (Chalamet). 8 nominaciones. Elio Perlman (Timothée Chalamet), un joven de 17 años, pasa el cálido y soleado verano de 1983 en la casa de campo de sus padres en el norte de Italia. Se pasa el tiempo holgazaneando, escuchando música, leyendo libros y nadando hasta que un día el nuevo ayudante americano de su padre llega a la gran villa. Oliver (Armie Hammer) es encantador y, como Elio, tiene raíces judías; también es joven, seguro de sí mismo y atractivo. Al principio Elio se muestra algo frío y distante hacia el joven, pero pronto ambos empiezan a salir juntos de excursión y, conforme el verano avanza, la atracción mutua de la pareja se hace más intensa. Considerada una de las películas con más estilo del año 2017, esta historia de amor homosexual ambientada en el norte de Italia y filmada por el asombroso binomio creativo entre el director Paolo Guadagnino y James Ivory haciendo las veces de guionista. El vestuario constituye un impresionante ejercicio de verismo por parte de la diseñadora Giulia Piersanti, pues todas las prendas que aparecen en la película son originales, para lo cual se documentó con álbumes familiares prestados por algunos habitantes de la región de Lombardía, lugar que sirve como telón de fondo para el desarrollo de la historia. Clásicas piezas recuperadas de los años 1980 que transmiten una sensación de nostalgia y dulzura indescriptible, como de un eterno y cálido verano.

Nicolas Roeg, un director algo alienígena

Operador de cámara con Roger Corman, François Truffaut, Richard Lester o David Lean, se pasó a la dirección en los años 1970. Conocido, sobre todo, por el gran público por su película El hombre que vino de las estrellas (The Man Who Fell to Earth, 1976), protagonizada por David Bowie, el cineasta británico Nicolas Roeg, un estilo visual y narrativo idiosincrásico, caracterizado por el uso de la edición inconexa y desorientadora, murió en Londres el viernes 23 de noviembre, a los 90 años.

David Bowie y Nicolas Roeg en el rodaje de El hombre que vino de las estrellas (1976)

Debemos imaginar el impacto que sintió siendo a un relativamente joven, cuando estrenada Contratiempo (Bad Timing, a Sensual Obsesion), en junio de 1980, fue recibida con una general indiferencia. Todo aparece en ella, recogido en una sola historia, desordenado como en un rompecabezas: Freud, sexo, el telón de acero -lo sabemos, algo desagradable-, la necrofilia. Algunos han tenido a Rita Hayworth en Gilda el programa de iniciación en mujeres fatales; otros han tenido a Theresa Russell, la seductora convertida en víctima en una historia superviolenta de amor posesivo. Harvey Keitel está increíble en el papel de policía obsesionado, Art Garfunkel, la tercera estrella del pop dirigida por Roeg después de Jagger y Bowie, desconcertante y desconcertado. 

Theresa Russell y Art Garfunkel en Contratiempo (Bad Timing, a Sensual Obsesion, 1980)

En su autobiografía, The World is Ever Changing, que no es exactamente el gran libro que pudo haber sido, Nicolas Roeg cuenta las reacciones a la película, por parte de los productores -"una película enferma hecha por un enfermo para enfermos"- o de la crítica - "el tipo de película que es mejor ver solo, por lo que no queremos ver sobre el placer...". Lo que marca la imaginación de un adolescente, de todos modos.

Nicolas Roeg había encontrado trabajo cruzando la calle. Fue el día después de la guerra, había un estudio cinematográfico en Londres en frente de su casa. Escalando peldaño a peldaño, mensajero, asistente, finalmente operador de cámara y después director de fotografía. Fue el responsable de la imagen de algunas importantes películas: La máscara de la muerte roja (The Masque of the Red Death, 1964), de Roger Corman, que acaba de rodar en Inglaterra, básicamente la primera película de su autor que manifiesta alguna intención estética; Fahrenheit 451 (1966), por la que Roeg admiró a Truffaut en su habilidad para hacer que la toma durase más tiempo del previsto, produciendo un beneficio inesperado; Doctor Zhivago (1965), de la que fue despedido por David Lean, después de que éste le preguntara: "Usted me encuentra pasado de moda ¿no es cierto?" Y Roeg contestara: "Si, sin duda".

Su última película como fotógrafo es casi su primera como director -sin ofender a Richar Lester-: en Petulia (1968), encontramos el tipo de narración fragmentada, de montaje cronológicamente difuso, que Roeg al que se aficionará y mejorará, una vez terminada la puesta en escena. No hay que subestimar el papel de la época, propicia a los experimentos narrativos, pero, mucho más tarde, Christopher Nolan revelará que el no habría realizado Memento sin las películas de Roeg. Entre ellas, la más conocida es sin duda El hombre que vino de las estrellas, sobre todo, porque su protagonista es el celebérrimo David Bowie. Duncan Jones, hijo de la estrella del glam y también director de cine, le hizo un hermoso homenaje en Twitter, con el apoyo de antiguas fotos. 
Su primera película como director fue Performance (1968), junto a Donald Camell, quien también fue el guionista. La película se centra en un aspirante a gánster de Londres —James Fox— que se muda con una solitaria estrella de rock —Mick Jagger— para evadir a sus superiores. La película se completó en 1968, pero fue retenida por su distribuidor Warner Bros., al creer que no era estrenable. Finalmente estrenada con una calificación X, una clasificación de películas reservada para las películas más explícitas y destinadas para que las vean solo los adultos, en 1970 y, a pesar de su mala recepción inicial, los críticos la consideran en la actualidad una película de culto.

Mick Jagger, Cecil Beaton y James Fox en Performance (1970)

Pero Walkabout (1971), con un guión del dramaturgo Edward Bond, es muy sorprendente. Dos jóvenes hermanos se encuentran abandonados después del suicidio de su padre. Intentando sobrevivir en el desierto hostil, se encuentran con un joven aborigen en pleno "Walkabout", que es  el viaje iniciático que los aborígenes australianos deben emprender al alcanzar la edad adulta; deberán sobrevivir en las selvas y desiertos de Australia sin ayuda alguna. Por extrañas e irrelevantes circunstancias, dos hermanos de familia acomodada iniciarán involuntariamente esta fantástica aventura. A través de esta película, Roeg nos hace adueñarnos de esa experiencia y conmovernos con las aventuras de la pareja.

Jenny Agutter, David Gulpilil y Luc Roeg en Walkabout (1971)

Y no volverá a dirigir hasta tres años después, una película que sigue maravillando hoy. Basada en una novela de Daphné du Maurier, Amenaza en la sombra (Don't Look Now, 1973), cuenta la historia de una pareja que perdió a su hija en Venecia, y la ciudad de los Duces se convirtió en un laberinto físico y mental donde, al parecer, los muertos podrían resucitar... Roeg desarrolló y enriqueció el texto de la novelista inglesa, quien hizo saber que le gustaba la película. Especialmente tenía el arte de filmar Venecia como un veneciano, callejones oscuros y canales negros: el agua estancada es la del luto.

Donald Sutherland y Julie Christie en Amenaza en la sombra (1973)

Además de su dimensión terrorífica (antecedente de Argento), La película se ha quedado para la posteridad por una escena de amor realista entre Donald Sutherland y Julie Christie; ya en ese momento surgió la pregunta eterna: ¿el sexo era simulado o no? Aquí, sin embargo, la crudeza es especialmente, como en otros casos, una garantía de autenticidad. El guión estaba lleno de peleas entre los dos personajes, y Roeg sintió la necesidad de una escena que mostrara que, a pesar de las disputas, esta pareja seguía siendo una pareja. En la película terminada, surge otra dimensión: el espectador piensa que es la primera vez que estos dos hacen el amor después de su duelo y su abrazo gana en poder emocional. Solo un verdadero cineasta tiene la intuición de tal escena durante una filmación ... Nicolas Roeg fue uno de ellos.

Theresa Russell y Nicolas Roeg en Aria (1987)

Películas sobre posesiones diabólicas y exorcismos (XI)

51.- The Ungodly (Sin Dios) (Speak of the Devil (The Ungodly)). Dirección: Raphael Nussbaum. País: Estados Unidos. Año: 1989. Duración: 91 minutos. Interpretación: Thomas McGowan, Jean Carol, Bernice Tamara Goor, Walter Kay, Shawn Patrick Greenfield, Louise Sherrill, Richard Rifkin, Mark Conner, David Campbell, Beverly Polcyn, Dennis de Boisblanc, Tyler Bowe, Max Chain, Suzan Ellen, Troy Fromin, Doug Traer, Richard Tafilaw, Clark McLendon, Kenny Ellis, Dan Patrick Brady. Guion: Wally K. Berns, Robert Earl Craft, Raphael Nussbaum. Producción: Raphael Nussbaum. Música. Gil Bottcher. Fotografía: Chuck Colwell. Montaje: Stephen Adrianson, John Santos. Productora: AIP Home Video. Terror. Sobrenatural. Posesiones. Exorcismos. Serie B. Cuando Jonah y Isabelle Johnson se mudan a una casa abandonada con la intención de reconstruirla se encuentran que no tienen suficiente dinero para arreglarla. Pero sus problemas se solucionan cuando una misteriosa vieja les entrega un libro encantado y, siguiendo un malvado párrafo que se encuentran en él, descubren una inesperada fuente de dinero al convertir su sótano en un santuario satánico y cobrar alquiler de la congregación.

52.- El engendro del diablo (La chiesa). Dirección: Michele Soavi. País: Italia. Año: 1989. Duración: 102 minutos. Interpretación: Hugh Quarshie, Tomas Arana, Feodor Chaliapin Jr., Barbara Cupisti, Antonella Vitale, Giovanni Lombardo, Asia Argento, Roberto Caruso, Roberto Corbiletto. Guion: Dario Argento, Franco Ferrini, M.R. James. Producción: Dario Argento, Mario Cecchi Gori, Vittorio Cecchi Gori. Música: Keith Emerson, Philip Glass, The Goblins, Fabio Pignatelli. Fotografía: Renato Tafuri. Montaje: Franco Fraticelli. Diseño de producción: Massimo Antonello Geleng. Vestuario: Maurizio Paiola. Productora: ADC Films/Cecchi Gori Group Tiger Cinematografica/Reteitalia. Terror. Fantástico. Posesiones. Exorcismos. Sobrenatural. En plena Edad Media, los Caballeros Teutónicos, "frailes guerreros de crueldad legendaria", exterminaron un poblado de brujas, enterrándolas en una fosa común sobre la cual se erigirá una catedral, como barrera frente a las fuerzas del Maligno. Ya en nuestros días, algo sucede que tiene relación con dicho suceso... Segunda película de Michele Soavi, con Dario Argento al frente de la producción, colaborando también como co-guionista. Extravagante, surrealista y confusa. 

53.- El gato negro (Il gatto nero). Dirección: Luigi Cozzi. País: Italia. Año: 1989. Duración: 89 minutos. Interpretación: Florence Guérin, Urbano Barberini, Caroline Munro, Brett Halsey, Luisa Maneri, Karina Huff, Alessandra Acciai, Giada Cozzi, Michele Marsina, Jasmine Maimone, Antonio Marsina, Carolyn De Fonseca, Maurizio Fardo, Michele Soavi. Guion: Luigi Cozzi. Producción: Lucio Lucidi. Música: Vince Tempera. Fotografía: Pasquale Rachini. Montaje: Piero Bozza. Dirección artística: Marina Pinzuti Ansolini, Vestuario: Donatella Cazzola. Productora: 21st Century Film Corporation/World Picture. Terror. Drama. Cine dentro del cine. Posesione. Exorcismos. La película empieza con un director preparando una película sobre una bruja llamada Levana. La base para su proyecto es Suspiria de Dario Argento. El director decide utilizar a su propia esposa como protagonista de la misma. También conocida en español como La posesión del gato negro y  Demons 6: De Profundis. Está basada en la conocida obra de Edgar Allan Poe, El gato negro. 

54.- Reposeída (Repossessed). Dirección: Bob Logan. País: Estados Unidos. Año: 1990. Duración: 80 minutos. Interpretación: Linda Blair, Ned Beatty, Leslie Nielsen, Anthony Starke, Thom Sharp, Lana Schwab, Benj Thall, Dove Dellos, Jacquelyn Masche, Melissa Moore, Willie Garson, Erna Gregory, Richard Halpern, Carol Shermer, Kathy Topia, Gary Howe Scott, Linda Brennan, Murray Langston, Melissa Shear, Glen Vincent, Barbara Alyn Woods, Douglas W. Kelly, Robert Fuller, Peter Gaulke. Guion: Bob Logan. Producción: Steve Wizan. Música: Charles Fox. Fotografía: Michael D. Margulies. Montaje: Jeff Freeman. Diseño de producción: Shay Austin. Vestuario: Timothy D'Arcy. Productora: Carolco Pictures. Comedia. Terror. Parodia. Comedia de terror. Comedia absurda. Posesiones. Exorcismos. Nominada a los Premios Razzie: Peor canción original. Parodia de la película "El Exorcista". Nancy es una mujer adulta que tiene una familia a la que cuidar. Pero una noche, viendo la televisión, es "reposeida" por el demonio. El padre Jebedaiah Mayii y el padre Luke Brophy intentarán por todos los medios, de nuevo, hacer un exorcismo para liberar a Nancy del mal... 

55.- El Exorcista III (The Exorcist III). Dirección: William Peter Blatty. País: Estados Unidos. Año: 1990. Interpretación: George C. Scott, Ed Flanders, Brad Dourif, Jason Miller, Nicol Williamson, Scott Wilson, Nancy Fish, Viveca Lindfors, Zohra Lampert, Barbara Baxley, Patrick Ewing.  Guion: William Peter Blatty (Novela: William Peter Blatty). Producción: Carter DeHaven. Música: Barry DeVorzon. Fotografía: Gerry Fisher. Productora: Morgan Creek Productions. Distribuidora: Twentieth Century Fox Film Corporation. Terror. Secuela. Posesiones. Exorcismos. Nominada a los Premios Razzie: Peor actor (George C. Scott); Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films: Mejor escritor (William Peter Blatty) y dos nominaciones: mejor película de terror y mejor actor de reparto (Brad Dourif). Una mujer que se arrastra por el techo. Un criminal muerto hace tiempo que asesina víctima tras víctima. Las llamas estallan, las serpientes se deslizan, la tierra se abre revelando el tormentoso infierno. El demonio ha vuelto... pero el sacerdote Damien Karras vuelve a notar la presencia del maligno, y pedirá la ayuda del escéptico detective Kinderman para derrotarle.

Historia de la moda a través del cine (XVI)

María Antonieta (Marie-Antoinette, 2006). Estados Unidos. Dirección: Sofia Coppola. Interpretación: Kirsten Dunst, Jason Schwartzman, Rose Byrne, Judy Davis, Rip Torn, Asia Argento, Marianne Faithfull, Aurore Clément, Guillaume Gallienne, Clementine Poidatz, Molly Shannon, Steve Coogan, Jamie Dornan, Shirley Anderson. Guion: Sofia Coppola. Música: Jean-Benoît Dunckel, Nicolas Godin, Jean-Philippe Rameau. Fotografía: Lance Acord. Productora: Columbia Pictures/American Zoetrope. Duración: 124 minutos. Drama. Drama de época. Biográfico. Siglo XVIII. Histórico. Revolución Francesa. Oscar: Mejor vestuario; 3 Nominaciones a los BAFTA: Mejor vestuario, maquillaje y diseño de producción; Cannes: 2 nominaciones; 2006: Nominada a Critics' Choice Awards: Mejor banda sonora. Francia, siglo XVIII. El compromiso matrimonial entre el futuro Luis XVI (Schwartzman) y María Antonieta (Dunst) sirve para sellar una alianza entre Francia y Austria. Con sólo catorce años, la ingenua princesa austríaca se ve obligada a abandonar Viena, su familia y sus amigos para instalarse en la opulenta, sofisticada y libertina corte francesa, donde reinan las intrigas y los escándalos. La joven se rebela contra el aislamiento que representa la corte de Versalles y se convierte en la reina más incomprendida de Francia. El vestuario de la famosa diseñadora de vestuario Milena Canonero, ganadora de un Oscar por esta película, logra que queramos ponernos en la piel de la protagonista, a pesar de que sabemos cuál fue su terrible final.