Desde “La canciones de amor” hasta “Solo una ilusión”, la filmografía de Louis Garrel en cinco títulos memorables

El actor brilla en una escena de baile particularmente encantadora en la última película de Olivier Nakache y Éric Toledano. Esto brinda la oportunidad de hacerle una "prueba a ciegas" con las canciones que más han marcado su carrera.

En la película Solo una ilusión (Juste une illusion, 2026), de Olivier Nakache y Éric Toledano, Louis Garrel se luce con un paso de baile al ritmo de I'm so Excited de las Pointer Sisters, junto a Camille Cottin ("Mucho mejor bailarina que yo", admite el actor). "A menudo, en sus películas, piden a sus actores que improvisen una escena de baile. Hay un aspecto de espíritu libre en ello, donde ves movimientos del personaje que no te habrías imaginado. Es inesperado ver cómo se mueve alguien", explica.

Solo una ilusión (2026)

Da la casualidad de que la filmografía de Louis Garrel está repleta de canciones memorables. En Soñadores (The Dreamers, 2003), de Bernardo Bertolucci, la escena de la bañera con "Hey Joe" de Jimi Hendrix se ha convertido en un icono.

Michael Pitt, Louis Garrel y Eva Green en Soñadores (2003)

Para Las canciones de amor (Les chansons d'amour, 2007), de Christophe Honoré, canta una canción compuesta por Alex Beaupain, abrazando "lo ridículo de los musicales y su artificialidad". La canción Cold Song de Klaus Nomi, utilizada en Saint Laurent (2014), de Bonello, le recuerda a Gaspard Ulliel: "Era un actor muy misterioso, con un encanto inmenso y una voz muy particular".

Las canciones de amor (2007)

Incluso cuando se pone detrás de la cámara, como en El inocente (L'innocent, 2022), Louis Garrel utiliza la música como recurso narrativo y desempolva Une autre histoire de Gérard Blanc en una escena de karaoke que "da un vuelco a la película". Un actor y cineasta, cantante y bailarín frente a la cámara, contando su historia a través de la música. 

El inocente (2022)

Los Diez Mandamientos, Espartaco, Calígula... Diez gloriosas bandas sonoras de peplums (II)

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6.- Satiricón (Satyricon, 1969), de Federico Fellini. Música: Nino Rota

Del trabajo de Pétrone, Fellini solo pudo derivar un anti-peplum en las antípodas de los estándares estadounidenses. Nada de pudor de gladiadores semidesnudos, engrasados ​​y valientemente heterosexuales en su Satiricón; peleamos por los niños pequeños, comemos como locos, nos tiramos pedos, eructamos, nos reímos como idiotas, nos ensuciamos, nos maquillamos y nos matamos por nada. Tal libertinaje requería una banda sonora iconoclasta. Nino Rota saca trompetas y violines para quedarse solo con el Oriente de flautas y percusiones, manifestaciones insinuantes e intrigantes del estupor onanista propio de la decadencia.

Satiricón (1969)

7.- Calígula (Caligula, 1979), de Tinto Brass. Música: Bruno Nicolai

En 1964, el éxito de Por un puñado de dólares (Per un pugno di dollari) llevó a Italia a abandonar sus templos y estadios para apresurarse, siguiendo a Sergio Leone, a las tabernas tejanas y los bancos mexicanos. Por miedo al paro, Hércules, Maciste y los demás se reducen a arrastrar sus sandalias en la serie Z más fangosa. Con sus dos versiones, erótica suave o porno duro, Calígula de Tinto Brass está lejos de subir el listón. Pero es un amigo íntimo de Ennio Morricone, Bruno Nicolai, quien se encarga de la banda sonora, y este extraño compendio de préstamos de Prokofiev, discotecas lentas y temas pensativos merece la pena.

Mallcom McDowell en Calígula (1979)

8.-  La última tentación de Cristo (The Last Temptation of Christ, 1988), de Martin Scorsese. Música: Peter Gabriel

Era necesario llamarse Martin Scorsese para atreverse a hacer evolucionar al Nazareno al son de los melismas de Youssou N'Dour o Nusrat Fateh Ali Khan. Poco tacaña con incongruencias de este tipo, la banda sonora de Peter Gabriel sigue siendo, a pesar de sus invasores sintetizadores, una impresionante construcción en torno al misterio de la divinidad y su encarnación.

Willem Dafoe en La última tentación de Cristo (1988)

9.- Troya (Troy, 2004), de Wolfgang Petersen. Música: James Horner

En los albores de la década de 2000, Gladiator volvió a poner el peplum en el candelero, épico, gracias a las computadoras, a ofrecer un espectáculo más grande, más fuerte y más vertiginoso. Panem et circenses (pan y espectáculos). Para los compositores, ahora se trata de hacer mucho más (alto y rápido) con mucho menos (instrumentos y recursos). En este juego, James Horner lo está haciendo bastante bien, incluso encontrando, por momentos, giros que Rózsa no hubiera desdeñado.

Brad Pitt en Troya (2004)

10.- La última legión (The Last Legion, 2007), de Doug Lefler. Música: Patrick Doyle

Habiendo trabajado mucho en la fantasía heroica, Patrick Doyle solo podía sentirse a gusto en la gran pompa del peplum. Marchas, fanfarrias, coros, metales, no escatima nada y deja caer todo lo que tiene en la arena, habiendo entendido que un peplum es libertinaje y sobreoferta, puro o impuro, glorioso o decadente. Un circo morado y dorado, donde la civilización contemporánea, a través de la furia del pasado, contempla sus propias aspiraciones y vanidades.

 Aishwarya Rai y Colin Firth en La última legión (2007)

Los Diez Mandamientos, Espartaco, Calígula... Diez gloriosas bandas sonoras de peplums (I)

Celebran a dioses, semidioses, profetas y cortesanas de la Antigüedad al son de orquestas de fuego que mezclan el kitsch con el romanticismo, el exotismo con la brutalidad. Organizamos un ciclo especial de peplum, con diez cintas originales. Mítico, por supuesto.

1.- La túnica sagrada (The Robe, 1953), de Henry Koster. Música: Alfred Newman

Además de representar a una Calígula deliciosamente pervertida, La túnica sagrada fue importante por dos razones: fue la primera película que se rodó en CinemaScope; el primero también cuya crítica hablaba como de un peplum, término luego utilizado para designar cualquier película que tuviera por marco la antigüedad. El director musical de Fox, Alfred Newman creó para su banda sonora un mosaico destinado a fijar durante mucho tiempo la estética musical del género: trompetas y timbales, marchas militares y coros "bíblicos", cuerdas románticas y flauta hechizante, es el matrimonio de lo sublime. marcial y del misterio espiritual, de la violencia romana y de la mansedumbre de Cristo.

Jean Simmons y Richard Burton en La túnica sagrada (1953)

2.- Los diez mandamientos (The Ten Commandments, 1956), de Cecil B. DeMille. Música: Elmer Bernstein

Tomando la calzada romana de Newman, Elmer Bernstein favorece aún más claramente los excesos épicos. Al libro de imágenes de DeMille, rico en dorados, extras y efectos especiales, ofrece una música llena de grandeza, un reflejo de la fe inquebrantable de Moisés y el poder insondable de su Dios. Un pináculo del estilo colosal explotado a lo largo de las décadas de 1950 y 1960, que empuja a todos los controles deslizantes de Hollywood por encima de 10.

Charlton Heston como Moisés en Los diez mandamientos (1956)

3.- Ben-Hur (1959), de William Wyler. Música: Miklós Rózsa

Considerado ya por Hollywood como uno de sus mejores compositores, Miklós Rózsa se consagró durante la década de 1950 como el gran especialista del peplum. Desde Quo Vadis (1951) hasta Sodoma y Gomorra (Sodom and Gomorrah, 1962), ninguna de sus bandas sonoras pueden pasarse por alto. Pero Ben-Hur sigue siendo un éxito aparte, una combinación hábilmente equilibrada de poder y delicadeza que logra trascender la puesta en escena bastante estática de Wyler.

Stephen Boyd y Charlton Heston en Ben-Hur (1959)

4.- Espartaco (Spartacus, 1960), de Stanley Kubrick. Música: Alex North

Una novela de Howard Fast, un guión de Dalton Trumbo, la dirección de Stanley Kubrick y Kirk Douglas como la estrella principal, todo lo que se necesitaba era una partitura de antología para fuera una completa obra maestra. Y la obra maestra lo fue. Colosal, sensual y trágica, la banda sonora de Alex North también revela, en su corazón, un tema amoroso que es uno de los más bellos de la historia de la música de cine.

Kirk Douglas en Espartaco (1960)

5.- Jasón y los argonautas (Jason and the Argonauts, 1963), de Don Chaffey. Música: Bernard Herrmann

Si Jason y los Argonautas aún permanece en nuestros recuerdos es gracias al genial Ray Harryhausen, responsable de sus efectos especiales, y al menos al genial Bernard Herrmann, compositor de su banda sonora. Imposible olvidar la estatua de Talos caminando como un King Kong de bronce o los esqueletos que salieron de la tierra para enfrentarse a los Argonautas. Y tanto como esta pura brutalidad de la partitura de Herrmann, que desengrasa el peplum de sus tópicos para quedarse solo con el punto del terror y el poder.

Jasón y los Argonautas (1963)

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Diez películas espaciales en las que la música despega (I)

Sin el tema compuesto por Justin Hurwitz para la película de Damien Chazelle, El primer hombre (First Man, 2018),  el paseo lunar de Ryan Gosling sin duda perdería su magia. Repasamos otras diez películas ingrávidas en las que grandes compositores han encontrado las notas adecuadas para afrontar lo infinitamente enorme.

Gravity nos dijo que en el espacio no se puede escuchar nada. Ni un sonido. Pero como la gente generalmente arriesga su vida allí, y los insondables misterios del espacio infinito no solo asustan a Blaise Pascal, el cine se ha acostumbrado a enviar los violines a gravedad cero. 

1.- 2001: Una odisea del espacio (2001: A Space Odyssey, 1968), de Stanley Kubrick

Música de Richard Strauss, Johann Strauss, György Ligeti, Aram Khachaturyan.

Con Kubrick, no es tanto la música lo que cambia la película, es sobre todo la película la que cambia nuestra forma de pensar sobre la música. Incluso cuando el compositor se llama Richard Strauss. ¿Quién puede hoy escuchar Así habló Zaratustra sin pensar en las estrellas? No olvide tampoco los momentos de angustia por los estridentes acordes de György Ligeti. Puede parecer fácil escoger las mejores composiciones de los grandes autores clásicos, pero nadie lo hizo después de Kubrick.

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Las 10 mejores bandas sonora de Ennio Morricone para el cine (II)

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6.- La cosa (El enigma de otro mundo) (The Thing, 1982). Estados Unidos

A John Carpenter le hubiera gustado componer el mismo la música de La cosa, colocando las capas de sintetizador que contribuyen a la atmósfera asfixiante de sus películas. Pero la filmación no le dio tiempo. Los productores primero sondearon a Jerry Goldsmith, quien se negó, también porque estaba con Poltergeist (1982) de Tobe Hooper y En los límites de la realidad: La película (Twilight Zone: The Movie, 1982), dirigida entre otros por Steven Spielberg. La elección recayó finalmente en Ennio Morricone, del que Carpenter era admirador. Pero los comienzos no fueron tan sencillos. Al llegar al set, el italiano se sorprendió al descubrir que el director estaba componiendo una partitura electrónica para la película: "¿Por qué me llamaste si estás haciendo las cosas tú mismo? ? La respuesta de Carpenter: "Porque me casé con tu música. Después de que se mostró la película, Morricone todavía estaba sorprendido de ver al director marcharse, sin decir una palabra. Los dos hombres no intercambiarán ideas durante todo el proceso. Morricone termina presentando al director varios temas en varios estilos, con la ayuda de una orquesta sinfónica. Solo uno fue interpretado usando simples sintetizadores. Obviamente, este es el que eligió John Carpenter. Una banda sonora original cuyos títulos dan una visión general de la atmósfera: contaminación, bestialidad, esterilización, desesperación...

7.- La misión (The Mission, 1986). Reino Unido

La película de Roland Joffé, con Robert De Niro y Jeremy Irons, Palma de Oro en Cannes en 1986, cuenta la misión de los jesuitas españoles que fueron a las selvas sudamericanas para evangelizar a los indios guaraníes en el siglo XVIII y resistir a los ejércitos portugueses. El guión inspira a Morricone con música que tenderá un puente espiritual entre culturas a las que la historia opone violentamente. El oboe de Gabriel encarna las intenciones del compositor, él mismo un creyente: en la película, el padre Gabriel interpreta el tema en oboe para establecer contacto con los guaraníes que lo rodean con sus arcos y lanzas. Primero intrigado y luego seducido, su líder finalmente romperá el oboe. Pero la música habrá permitido un primer paso. La orquestación de Morricone toman prestadas principalmente tres tradiciones dispares: el oboe y los violines del Renacimiento, la música sagrada que sucedió al Concilio de Trento y, finalmente, las tradiciones indígenas. Su combinación armoniosa, que simboliza la fuerza de lo sagrado al final de la película, es lo que Morricone llamará su "milagro técnico" y "una gran bendición".

8.- Los intocables de Eliot Ness (The Untouchables, 1987). Estados Unidos

Ennio Morricone inaugura su colaboración con Brian De Palma, a quien encontrará para Corazones de hierro (Casualties of War, 1989) y Misión de Marte (Mission to Mars, 2000), al son de los tiroteos del Chicago de la Prohibición, con Kevin Costner como Eliot Ness, Sean Connery en Jim Malone y Robert De Niro en Al Capone. Para la sangrienta escena final, el compositor propuso nueve versiones diferentes, esperando que el director no eligiera la séptima. Cosa que hizo, por supuesto. "Él tenía razón", dijo Morricone.

9.- Cinema Paradiso (Nuovo Cinema Paradiso, 1988). Italia

No se puede saborear la lírica Morricone de las películas sentimentales. Pero su partitura y llas diferentes orquestaciones contribuyen perfectamente a la atmósfera de Cinema Paradiso, el triunfo internacional de Giuseppe Tornatore. Luego, los dos hombres inauguran una sociedad que se extenderá a una docena de películas (el récord pertenece a las quince colaboraciones con Mauro Bolognini de 1967 a 1991). La última, La correspondencia (La corrispondenza, 2016), se estrenó en enero de 2016. 

10.- Los odiosos ocho (The Hateful Eight, 2015). Estados Unidos

Por primera vez en cuarenta años, Morricone regresa al oeste. Hay que decir que la solicitud fue hecha por uno de sus mayores admiradores, Quentin Tarantino. Cinéfilo solía hacer referencia a sus maestros en sus películas, el director a menudo ha integrado música compuesta por Morricone para otros: Django desencadenado (Django Unchained, 2012), por ejemplo, incluye extractos de temas escritos para Los despiadados (I crudeli, 1967) y Dos mulas y una mujer (Two Mules for Sister Sara, 1970). Los dos hombres se habían expresado un respeto mutuo desde Kill Bill, y luego parecieron haberse decaído después de que Morricone se quejó, frente a los estudiantes romanos, de que Tarantino "coloca la música en sus películas sin ninguna lógica". Debemos creer que antepusieron su ego. El acuerdo ese forjó en la casa del maestro, cuando Tarantino vino a darle el guión de Los odiosos ocho para la cual quería, esta vez, una música original. Idealmente, incluso habría trabajado con el compositor como Sergio Leone en el pasado: primero la música, luego las imágenes. Pero la película, entonces, ya había sido filmada. Y la producción requirió que la banda sonora se compusiera en cuatro semanas. Morricone primero se negó, argumentando que tenía que terminar su trabajo para Giuseppe Tornatore. Pero el guión le complació y terminó componiendo veinticinco minutos de música original y autorizó a Tarantino a buscar en sus archivos: así es como se exhumaron las grabaciones sinfónicas de La cosa, nunca utilizadas por Carpenter que prefería las versiones sintéticas. Los  odiosos ocho que le valieron a Morricone su primer Oscar real (anteriormente había recibido un Oscar honorario). Definitivamente reconciliados, los dos hombres habían planeado trabajar juntos de nuevo. Suficiente para mantener al maestro de 87 años en buena forma, quien recientemente expulsó a un periodista de Liberación de su departamento, culpable de hacer una pregunta considerada inadecuada, arrojándole a la cara: "¡Vete a la mierda!".

Las 10 mejores bandas sonora de Ennio Morricone para el cine (I)

Célebre por su duo con Sergio Leone y sus éxitos en Hollywood, capaz de colaborar tanto Pier Paolo Pasolini como Pedro Almodovar, Ennio Morricone ha ilustrado seis decenios de cine. Retrato del maestro que acaba de morir a los 91 años de edad, en diez bandas sonoras, 

1.- El federal (Il federale, 1961). Italia

Película de Luciano Salce con Ugo Tognazzi, Georges Wilson y Stefania Sandrelli, El federal inaugura la carrera de Ennio Morricone en el cine. Con una formación académica como compositor, arreglista y director de orquesta, trompetista de jazz en la década de 1940, el romano se impuso en la radio y la televisión. En el cine, trabaja bajo cuerda para compositores famosos que no lo acreditan. A lo largo de su carrera, mientras Hollywood aprovechaba su talento, Morricone no dejó de componer para muchas comedias y películas de género italianas. Resultado: seis décadas después de su debut, su mostrador muestra medio millar de menciones entre cine y televisión.

2.- Por un puñado de dólares (Per un pugno di dollari, 1964). Italia

Sergio Leone y Ennio Morricone son amigos de la infancia desde que asistieron, antes de la guerra, a los bancos de la misma escuela romana. Su amistad dará a luz a una de las parejas de director-compositor, que tanto abundan en el cine (Hitchcock-Herrmann, Spielberg-Williams, Fellini-Rota, Burton-Elfman, Lynch-Badalamenti ...).

Morricone tuvo la particular y revolucionaria idea de introducir la guitarra eléctrica en la primera de sus colaboraciones con Leone, Por un puñado de dólares, cuyo tema principal está influenciado por una composición de Woody Guthrie, Pastures of Plenty (1941). Esta película inauguró en 1964 la Trilogía del dólar, que fue completada por La muerte tenía un precio (Per qualche dollaro in più, 1965) y El bueno, el feo y el malo (Il buono, il brutto, il cattivo, 1966). Morricone aderezó sus partituras con gritos, latigazos, silbidos y ruidos de campana. Su dúo con el cineasta alcanza su apogeo con el sonido palpitante de una armónica, en Hasta que llegó su hora (C'era una volta il west, 1968), y la colaboración continuará hasta la última película de Leone, Érase una vez en América (Once Upon a Time in America, 1984). Obras que han entrado en el imaginario colectivo, inseparables de su música. Probablemente porque las partituras de Morricone no solo ilustraron las películas: las inspiraron. De hecho, de acuerdo con el método establecido por el compositor y el director, la banda sonora original, generalmente, se grababa antes de que se filmara la más mínima escena. El editor tuvo la tarea de adaptarse a la música. Por lo tanto, las escenas a menudo se alargaban, dando a las películas de Leone su ritmo particular, para no interrumpir los vuelos líricos de su amigo de la infancia.

3.- El clan de los sicilianos (Le clan des siciliens, 1969). Francia

Jean Gabin, Lino Ventura y Alain Delon en el mismo póster, eso era ya la película. El clan de los sicilianos, dirigido por Henri Verneuil, merecía música del mismo nivel. Ennio Morricone, quien a menudo ha descrito su música como una ilustración del dolor en un personaje, sobresale en películas y thrillers de gángsters, como lo demostrará en Los intocables de Eliot Ness (The Untouchables, 1984) y Érase una vez en América. El tema principal de El clan de los sicilianos, con su aire y su motivo de guitarra de surf, se ha convertido en uno de sus éxitos populares, inevitable en los conciertos que ha dirigido.

4.- Autopsia (Macchie solari, 1975). Italia

Dirigida por Armando Crispino, Autopsia cuenta la historia de Simona quien, empleada en la morgue mientras Roma es golpeada por una ola de suicidios, es presa de alucinaciones durante las cuales los muertos se despiertan y fornicarn en las camillas. El tema es típico del genéro giallo, un género italiano que combina horror y erotismo, para el cual Morricone ha compuesto una buena docena de bandas sonoras, especialmente para la primera película de Dario Argento -El pájaro de las plumas de cristal (L'uccello dalle piume di cristallo, 1970) o para directores como Paolo Cavara (La tarántula del vientre negro (La tarantola dal ventre nero, 1970) y Luigi Bazzoni El día negro, (Giornata nera per l'ariete, 1971)-. Películas gracias a las cuales Morricone pudo explotar sus cualidades para la abstracción y la vanguardia, mientras se divertía con el sexo y la sangre.

5.- El profesional (Le professionnel, 1981). Francia

Belmondo, su arma, la realización de Georges Lautner, los diálogos de Michel Audiard y, por supuesto, el tema musical de Ennio Morricone: Chi Mai. Inspirado en el segundo movimiento del Concierto para clavecín de Bach en Re menor, e inicialmente compuesta para la película Maddalena (dirigida por Jerry Kawalerowicz en 1971), la pieza fue elegida por el propio Belmondo. Bébel, por lo tanto, no solo tenía una pistola, también tenía un buen oído: las 45 revoluciones de Chi Mai vendieron casi un millón de copias en Francia, un acontecimiento en términos de música instrumental cuando al mismo tiempo, las listas estaban dominadas por El baile de los pajaritos. La banda sonora original de El profesional incluso desalojó a los Rolling Stones (Tattoo You) del primer lugar en ventas de álbumes en noviembre de 1981.

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Noticias de libro: John Williams: vida y obra

John Williams: vida y obra

Andrés Valverde

Berenice

Córdoba

2013

296 págs. 

Este libro es una pionera monografía que pretende ofrecer al lector una completa visión acerca de la figura del gran compositor norteamericano John Williams, autor de las bandas sonoras de toda una vida: las sagas de La Guerra de las Galaxias, Indiana Jones, Parque Jurásico o Harry Potter, y de películas inolvidable como E.T., La lista de Schlinder o Lincoln; y también de una importante obra para concierto, menos conocida entre el gran público. Narrado a su vez de forma biográfica para conocer tanto al músico como a la persona y enriquecido además con anécdotas de su vida tanto personal como profesional.

John Williams: Vida y Obra muestra por vez primera en un solo libro todos los aspectos referentes sobre este gran músico y está dividido en dos partes, la primera realiza un recorrido por décadas en orden cronológico. En ella se da a conocer la historia musical y personal de Williams. La segunda parte profundiza en su obra mediante un estudio detallado de la orquestación, estilos, influencias, géneros y realiza un "viaje analítico" por sus grandes sagas cinematográficas.

Además se incluyen análisis musicales, guías de audición, catálogo cronológico de obras y listados analíticos para que sirva también como manual de consulta y referencia.

Todo el legado vital y musical de John Williams, desde su Boston natal, su vida familiar, Tanglewood, las mas famosas partituras escritas para el cine de Spielberg, sus obras de concierto menos conocidas y un juego de imágenes y partituras extra para disfrute de sus seguidores.

Premios Globos de Oro 2017

Los ganadores han sido:

Mejor película (comedia o musical): 

La ciudad de la estrellas (La La Land)

Mejor película (drama)

Moonlight

Mejor director de cine

Damien Chazelle [La ciudad de la estrellas (La La)]

Mejor actor (drama)

Casey Affleck [Manchester frente al mar (Manchester by Sea)]

Mejor actriz (drama)

Isabelle Huppert (Elle)

Mejor actor (comedia/musical)

Ryan Gosling [La ciudad de la estrellas (La La Land)]

Mejor actriz (comedia/musical)

Emma Stone [La ciudad de la estrellas (La La Land)]

Mejor actor de reparto

Aaron Taylor-Johnson [Animales nocturnos (Nocturnal Animals)]

Mejor actriz de reparto

Viola Davis (Fences)

Mejor guión

Damien Chazelle [La ciudad de la estrellas (La La Land)]

Mejor canción original

City of Stars [La ciudad de la estrellas (La La Land)]

Mejor banda sonora 

Justin Hurwitz [La ciudad de la estrellas (La La Land)]

Mejor película de animación

Zootrópolis (Zootopia)

Mejor película en lengua extranjera 

Elle

Globos de Oro 2017: Nominaciones

El domingo 8 de enero de 2017 tendrá lugar la 74ª ceremonia de los Globo de Oro. He aquí los dramas, las comedias, los actores, las actrices, las series televisivas... candidatos y candidatas

Entre lo nominados a los Globos de Oro 2017 hay una clara favorita. La magia de La ciudad de la estrellas (La La Land, 2016) cautivó a los miembros de la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA), que otorgaron hasta siete nominaciones al musical protagonizado por Emma Stone y Ryan Gosling, convirtiéndola en la gran favorita para la 74 edición de los Globos de Oro. La película, dirigida por el joven Damien Chazelle, cuenta la historia de Mia (Emma Stone), una joven aspirante a actriz, y Sebastian (Ryan Gosling), un entregado músico de jazz, que se conocen en Los Ángeles (EE.UU.) mientras tratan de hacer realidad sus sueños, al mismo tiempo que afrontan las frustraciones de los inicios.

Otras películas con grandes opciones para la ceremonia del próximo 8 de enero, que será presentada por el humorista Jimmy Fallon en el hotel Beverly Hilton de Los Ángeles (California), son los dramas Moonlight (2016), escrita y dirigida por Barry Jenkins, con seis candidaturas, y Manchester frente al mar (Manchester by the Sea, 2016), dirigida y escrita por Kenneth Lonergan, con cinco.

Florence Foster Jenkins (2016), dirigida por Stephen Frears y Lion (2016), dirigida por Garth Davis, obtuvieron cuatro nominaciones, mientras que Hasta el último hombre (Hacksaw Ridge), de Mel Gibson; Comanchería (Hell or High Water, 2016), de  David Mackenzie, y Animales nocturnos (Nocturnal Animals, 2016), dirigida por Tom Ford, lograron tres.

Hasta el último hombre (Hacksaw Ridge), Comanchería (Hell or High Water), Lion, Manchester frente al mar (Manchester by the Sea) y Moonlight competirán como mejor película dramática, en tanto que La ciudad de las estrellas (La La Land); (Deadpool, 2016), de Tim Miller; 20th Century Women (2016), de Mike Mills; Sing Street (2016), de John Carney y Florence Foster Jenkins lo harán como mejor película de comedia o musical.

En el terreno de mejor actor dramático, los contendientes son Casey Affleck (Manchester frente al mar), Joel Edgerton (Loving, 2016), Andrew Garfield (Hasta el último hombre), Viggo Mortensen (Captain Fantastic, 2016) y Denzel Washington (Fences, 2016).

Como mejor actriz dramática, la galardonada saldrá entre Amy Adams (La llegada (Arrival, 2016)), Jessica Chastain (El caso Sloane (Miss Sloane, 2016)), Isabelle Huppert (Elle, 2016), Ruth Negga (Loving, 2016) y Natalie Portman (Jackie, 2016).

Dentro de la categoría de comedia o musical, los nominados como mejor actor son Colin Farrell (Langosta (The Lobster, 2015)), Ryan Gosling (La ciudad de las estrellas), Hugh Grant (Florence Foster Jenkins), Jonah Hill (Juego de armas, (War Dogs, 2016)) y Ryan Reynolds (Deadpool).

Las actrices en liza son Annette Bening (20th Century Women), Lily Collins (La excepción a la regla (Rules Don't Apply, 2016)), Hailee Steinfeld (The Edge of Seventeen, 2016), Emma Stone (La La Land) y Meryl Streep (Florence Foster Jenkins).

Entre las actuaciones de reparto, los aspirantes masculinos son Mahershala Ali (Moonlight), Jeff Bridges (Hell or High Water), Simon Helberg (Florence Foster Jenkins), Dev Patel (Lion) y Aaron Taylor-Johnson (Animales nocturnos (Nocturnal Animals, 2016).

Las actrices en competición son Viola Davis (Fences), Naomie Harris (Moonlight), Nicole Kidman (Lion), Octavia Spencer (Figuras ocultas (Hidden Figures, 2016)) y Michelle Williams (Manchester frente al mar).

La corona de mejor director se la disputarán Mel Gibson (Hasta el último hombre), Tom Ford (Animales nocturnos), Barry Jenkins (Moonlight), Kenneth Lonergan (Manchester frente al mar) y Damien Chazelle por La La Land.

Asimismo, la chilena Neruda (2016), de Pablo Larraín, competirá por el premio a la mejor película extranjera frente a Divinas (Divines, Francia, 2016), de Houda Benyamina; Elle (Francia, 2016), de Paul Verhoeven; El viajante (Forushande, coproducción entre Francia e Irán), de Asghar Farhadi, y Toni Erdmann (Alemania, 2016), de Maren Ade. De esta manera, el español Pedro Almodóvar se queda fuera de la contienda con su obra Julieta.

En la categoría de mejor cinta de animación, las obras reconocidas son Kubo y las dos cuerdas mágicas (Kubo and the Two Strings, 2016); Vaiana (Moana, 2016); La vida de Calabacín (Ma vie de vourgette, 2016); ¡Canta! (Sing, 2016) y Zootrópolis (Zootopia, 2016). 

Por otro lado, el trofeo al mejor guión estará entre La ciudad de las estrellas (Damien Chazelle), Animales nocturnos (Tom Ford), Moonlight (Barry Jenkins), Manchester frente al mar (Kenneth Lonergan) y Taylor Sheridan por Comanchería.

Por último, la estatuilla a la mejor banda sonora original pondrá en competición a Moonlight (Nicholas Britell), La ciudad de las estrellas (Justin Hurwitz), La llegada (Johann Johannsson), Lion (Dustin O'Halloran y Hauschka) y Hidden Figures (Hans Zimmer, Pharrell Williams y Benjamin Wallfisch).

Noticias de libro: Jerry Goldsmith. Música para un camaleón

Jerry Goldsmith

Música para un camaleón

Christian Aguilera

T & B Editores

Madrid

2014

279 págs.

Esta obra representa la primera obra editada en lengua castellana sobre uno de los compositores fundamentales en la evolución de la música de cine de la segunda mitad del siglo XX. La presente monografía centra su cuerpo de análisis en la vasta obra cinematográfica, más de ciento sesenta partituras, de Jerry Goldsmith (1929 -2004).

Christian Aguilera, barcelonés nacido en 1967, ha compaginado su labor dentro de las ciencias biológicas con su pasión por el cine. De esta pasión nacería la revista Seqüences de Cinema, que él mismo fundó y dirigió, a la par que ha desarrollado una importante labor dentro de la escritura de libros dedicados al séptimo arte como: Stanley Kubrick: Una odisea creativa (1999), Los directores del siglo XX (1999) o Milos Forman: El cineasta del inconformismo (2006).