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También podemos integrar en este subgénero del western a películas como:
- Une aventure de Billy le Kid (1971). Director: Luc Moullet. Con Jean-Pierre Léaud, Marie-Christine Questerbert, Jean Valmont, Bruno Kresoja, Míchel Minaud, Bernard Piñón, Kathy Maloney, Luc Moullet. Este western impresionista muestra a Billy the Kid como alguien despiadado y torpe a la vez. Despiadado porque encuentra al testigo de un robo y lo mata a sangre fría. Torpe porque literalmente se tropieza con cosas durante el film. Y también es un tipo con suerte, ya que la chica de un hombre al que mató marcha junto a él bajo la puesta de sol, en lugar de ejecutar su plan de venganza. La película se desprende de todo contexto narrativo para concentrarse en la intensa y retorcida relación de un hombre y una mujer en una extraña tierra salvaje.
Al parecer el año 1971 fue excepcional para ver cómo el western se volvía extraño. Pocas películas son tan extravagantes como esta obra desenfadada de los confines de la Nouvelle Vague francesa, una reducción del género de bajo presupuesto en la que el actor fetiche del movimiento, Jean-Pierre Léaud, interpreta la leyenda de Billy el Niño. Con un tono afectuosamente paródico de los westerns estadounidenses, la película tiene poca trama y escasos diálogos inteligibles y con paisajes imponentes que forman parte de una estética visual deslumbrante, sus ritmos psicodélicos y sus divagaciones extrañas.
- Zacarías (Zachariah, 1971). Director: George Englund. Reparto: John Rubinstein, Patricia Quinn, Don Johnson, Elvin Jones, Dick Van Patten, Doug Kershaw. Zachariah, un joven inquieto, decide un día buscar su destino en la vida junto a su amigo Matthew. Así irá conociendo a diversos personajes como a Belle Starr y a un viejo ermitaño.
“¡Hola, forastero! ¿Qué te pasó? ¿Se te salió una rueda del caballo?” pregunta un Don Johnson irreconociblemente joven a su amigo Zachariah (John Rubinstein), reforzando el anacronismo anterior en el que una banda de rock psicodélico tocaba a todo volumen en el desierto mientras el aspirante a pistolero del título pasaba cabalgando, de camino a abrir su pistola comprada por correo. Presentada como "el primer western eléctrico", esta adaptación libre del texto contracultural omnipresente de Hermann Hesse, Siddhartha, es una especie de musical, que ambienta su narrativa de "conéctate, desconéctate y encuéntrate a ti mismo" con todo tipo de números extravagantes de artistas como Country Joe and the Fish. Encantadoramente simple y totalmente representativa de su época, vale la pena dedicarle un tiempo solo por la aparición del baterista de jazz Elvin Jones como el supervillano Job Cain, quien dispara a un hombre antes de dirigirse a su batería para tocar un solo espectacular.
- Glen and Randa (1971). Director: Jim McBride. Con Steve Curry, Shelley Plimpton, Woody Chambliss, Garry Goodrow. Glen y Randa son dos adolescentes que viven aventuras en el marco de un planeta Tierra devastado por la guerra nuclear.
En el capítulo sobre el “acid western” en su monografía sobre Dead Man, Rosenbaum amplió su definición más allá de los parámetros del género cinematográfico histórico para incluir aquellas películas basadas en modelos «derivados del western… siendo una parte importante la sustitución del capitalismo por modelos alternativos de intercambio social propuestos por la contracultura que echó raíces durante la década de 1960. Glen and Randa de Jim McBride es uno de los ejemplos citados: una road movie postapocalíptica que, si bien está ambientada varias décadas en el futuro, parece existir fuera del tiempo, como si estuviera acechada por el fantasma del western. Ni utópica ni distópica, la película comienza con la pareja protagonista desnuda en el bosque, un Adán y Eva nacidos después de la caída de la civilización. En medio de los restos del colapso de Estados Unidos —aparentemente arrasado por una catástrofe ecológica— la pareja emprende un viaje en busca de Metrópolis,la ciudad sobre la que Glen ha leído en viejos cómics de Marvel. Con las antiguas formas de vida prácticamente olvidadas, estos dos ingenuos idealistas forjan sus propias definiciones en relación con el otro y con el mundo que los rodea, en un viaje para reconstruir un nuevo mundo entre las ruinas del siglo XX.
- La última película (The Last Picture, 1971). Direccion: Dennis Hopper. Con Durante el rodaje de una película en una aldea peruana, un actor muere al interpretar una escena peligrosa. Kansas decide entonces abandonar el cine y quedarse a vivir allí con una mujer del pueblo. Sin embargo, su sueño de llevar una vida idílica se ve truncado cuando el cura del pueblo le pide que le ayude a evitar un grave problema: los nativos del pueblo, que fingen rodar una película, se enfrentan violentamente entre sí, imitando lo que han visto durante el rodaje.
Tras el éxito sin precedentes de Easy Rider (1969), Dennis Hopper viajó a Perú para, sin saberlo, cavar la tumba de su carrera como director. Durante años, su segundo largometraje, La última película fue prácticamente imposible de ver, y su reputación se basaba en las historias casi míticas de locura que rodearon su producción. Bellamente restaurada en 2018, esta obra incomprendida del Nuevo Hollywood está ahora disponible para ser redescubierta y analizada.Editada a partir de unas 40 horas de metraje —con un primer montaje, supuestamente realizado por Alejandro Jodorowsky, que fue rechazado—, es innegable el carácter psicodélico de La última película, dada la cantidad de LSD que se consumió durante su creación. Un western —o mejor dicho, un western peruano— sobre el rodaje de un western, es un viaje infinitamente autorreferencial que explora temas como el ritual y la explotación. Stewart Stern escribió el guion que Hopper descartó, citando la máxima de Godard de que una película necesita “un principio, un medio y un final, pero no necesariamente en ese orden”. Una de las obras más desafiantes y vanguardistas de un importante cineasta de Hollywood de cualquier época, fue descrita por Hopper en una introducción filmada en 2007 como “una experiencia no muy agradable para la mayoría del público”. ¿Qué sabrá él?
- Greaser’s Palace (1972). Director: Robert Downey Sr. Reparto: Albert Henderson, Luana Anders, James Antonio, Allan Arbus,Toni Basil, Don Calfa, Woody Chambliss, Pablo Ferro, Stanley Gottlieb, Joe Madden, George Morgan, Ron Nealy, Michael Sullivan, Hervé Villechaize, Lawrence Wolf, Elsie Downey, Jackson Haynes, Alex Hitchcock, John Paul Hudson, Larry Moyer as Captain GoodDon Smolen, Rex King.
“Una visión estadounidense extraordinaria de algo indefinido”, así describió el director Jonathan Demme la película Greaser’s Palace, “[una película] sin ninguna pretensión comercial”. Estaba conversando con Paul Thomas Anderson, otro gran admirador de Robert Downey, en el Festival de Cine de Austin, intentando comprender los innumerables encantos de esta joya poco conocida.
La valoración del trabajo de Downey ha sido fluctuante a lo largo de los años, aunque ahora se encuentra firmemente en el grupo de los redescubiertos y apreciados gracias a una edición de Criterion Eclipse de 2012. Surgió de la escena vanguardista neoyorquina y es más conocido por la película de culto Putney Swope (1969), además de ser el padre de cierto Iron Man, aunque con Greaser’s Palace se alejó de su habitual entorno urbano para rodar una parábola de Cristo (en cierto modo) en Nuevo México. Esta definición no logra transmitir la esencia de esta pequeña película de explotación, sucia, violenta e hilarante, repleta de planos largos, números musicales y con pocas concesiones a la cultura o el gusto popular. Una experiencia salvaje con un final impactante; a los fans de Inherent Vice (2014) les encantará.
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