sábado, 25 de noviembre de 2023

Efemérides de cine: Cómo destruir al más famoso agente secreto del mundo

El 25 de noviembre de 1973 se estrenó la película francesa Cómo destruir al más famoso agente secreto del mundo (Le magnifique), dirigida por Philippe de Broca e interpretada por Jean-Paul Belmondo, Jacqueline Bisset, Vittorio Caprioli, Hans Meyer, Monique Tarbè. Productora: Coproducción Francia-Italia-México; Cerito Films, C.C.F.C, Les Films Ariane, Mondex Films, Oceania Produzioni Internazionali Cinematografiche, Rizzoli Film. Duración: 95 minutos. 
Sinopsis argumentalFrançois Merlin es un escritor que acaba de tener mucho éxito con su última novela. El protagonista es Bob Saint Clair, un espía muy astuto, inteligente y seductor, justo lo que a François le gustaría ser; el resto de los personajes se basan en la gente que rodea al escritor. Así, se fija en Christine, una guapa estudiante de París, para crear el personaje de Tatiana, la ayudante del héroe que vive con él mil peripecias.
ComentarioEntretenida película protagonizada por Jean-Paul Belmondo, donde realidad y ficción se mezclan en la pantalla, pues los actores además de interpretar su papel, actúan como los personajes atribuidos dentro de la novela del protagonista. La narración resulta fluida, gracias a las secuencias de acción y romance. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Hace 100 años: Anna Christie

El 25 de noviembre de 1923 se estrenó la película estadounidense Anna Christie, dirigida por John Griffith Wray e interpretada por Blanche Sweet, William Russell, George F. Marion, Eugénie Besserer, Chester Conklin, George Siegmann, Ralph Yearsley, Fred Kohler, Victor Potel. Productora: Thomas H. Ince. Duración 96 minutos.
Sinopsis argumentalUna mujer joven con problemas viene a vivir con su distanciado padre en el muelle de Nueva York. Un marinero duro se enamora de ella, lo que desata un conflicto entre su padre y su pretendiente. Lo que ninguno sabe es que ella tiene un secreto que podría causar que ella los pierda a ambos.
Comentario: Fue la primera película basada en una obra de O'Neill y se realizó cuando el dramaturgo gozaba de una gran popularidad. O'Neill quedó satisfecho con el resultado y la película, de hecho, gozó de excelentes críticas pese a las disensiones que hubo en el rodaje entre el director y la protagonista, Blanche Sweet, sobre el enfoque melodramático (como defendía Wray) o naturalista (Sweet) que se debía dar al personaje de Anna Christie. El productor fue Thomas H. Ince, quien intervino activamente y supervisó personalmente la marcha de la obra. El guion cinematográfico fue escrito por Bradley King, esposa de Wray. 

Los 5 villanos de Disney más desquiciados (IV)

Cruella de Vil en 101 un dálmatas (One Hundred and One Dalmatians, 1961), de Wolfgang Reitherman, Clyde Geronimi, Hamilton Luske

Cruella De Vil es la principal antagonista de la película de animación de Disney de 1961, 101 Dálmatas. Es una excéntrica heredera obsesionada con la moda que desea utilizar las pieles de 99 cachorros de dálmata para crear un abrigo manchado de piel. Considerada una "bruja" y una "mujer del diablo", la obsesión de Cruella por las pieles la lleva a la locura asesina. Para satisfacer su manía, comete actos inmorales, como secuestros y matanzas. Para sus propósitos maniaticos, cuenta con la ayuda de sus secuaces, Gaspar y Horacio. Cruella apareció por primera vez en la novela Los 101 Dálmatas (1956) de Dodie Smith. Quizás la encarnación más famosa del personaje se desarrolló para la adaptación animada de 1961 de Disney, 101 Dálmatas, a cargo del narrador Bill Peet y el animador Marc Davis. La villana de Disney tuvo éxito y ha dado lugar a numerosas apariciones en otros medios, sobre todo en la franquicia de villanos de Disney, de la que Cruella es un miembro principal.
A diferencia de las anteriores villanas de Disney, como la Reina Malvada, Lady Tremaine, la Reina de Corazones y Maléfica, Cruella no es una hechicera ni tiene poderes. En su lugar, actúa puramente por impulso y, por tanto, es propensa a un comportamiento temerario, en particular a atravesar el paisaje nevado en su coche. A diferencia de las futuras versiones del personaje, esta versión de Cruella era aparentemente invencible a los ojos de los dálmatas, que, aunque podían mantener a raya a Gaspar y Horacio Badun, eran incapaces de enfrentarse a "esa mujer diabólica". La derrota de Cruella en la película no se debe a las acciones de los animales, sino a su propia obstinación (que, al final de la película, parece haber degenerado en una furia loca) y a la incompetencia de sus secuaces.

viernes, 24 de noviembre de 2023

Películas de la semana: 24 de noviembre

Napoleón

Título original: Napoleon. Dirección: Ridley Scott. País: Estados Unidos. Año: 2023. Duración: 158 minutos. Género: Drama. Histórico. Biográfico. Siglo XVIII. Cine épico. InterpretaciónJoaquin Phoenix, Vanessa Kirby, Ludivine Sagnier, Ben Miles, Tahar Rahim, Ian McNeice, Catherine Walker, Youssef Kerkour, Paul Rhys, Matthew Needham, John Hollingworth. Guion: David Scarpa. Producción: Ridley Scott, Joaquin Phoenix. Música: Martin Phipps. Fotografía: Dariusz Wolski. Productora: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; Apple Studios, Scott Free Productions, Apple. Distribuidora: Sony, Apple TV+. Estreno en España: 27 de noviembre de 2023. Sinopsis:Desde los años de la revolución francesa, con un oficial de origen corso, Napoleón Bonaparte, contemplando como cae en la guillotina la cabeza de la reina María Antonieta, hasta su último suspiro en el exilio de la isla de Santa Elena, la trayectoria de un hombre indescifrable, que sigue fascinando hoy, genio militar que llevó a la muerte a centenares de miles de personas, que identifica su ambición con la “grandeur” de Francia, y que en cuestión de amores queda subyugado por una aristócrata viuda venida a menos por los nuevos tiempos políticos, Josefina, pero con la frustración de que no acaba de darle el vástago que desea.

Teresa

Dirección: Paula Ortiz. País: España. Año: 2023. Duración: 100 minutos. Género: Drama. Biográfico. Religión. Siglo XVI. Interpretación: Blanca Portillo, Asier Etxeandia, Greta Fernández, Consuelo Trujillo, Luis Bermejo, Claudia Traisac. Guion: Paula Ortiz, Javier García Arredondo. Obra de teatro: Juan Mayorga, La lengua en pedazos. Música: Juanma Latorre. Fotografía: Rafael García. Productora: Coproducción España-Portugal; Bluebird Films, Inicia Films, La Lengua en Pedazos, RTVE. Distribuidora: BTeam Pictures, Filmax. Premios y nominaciones: Premios Forqué. 1 nominación. Estreno en España: 27 de octubre de 2023. Sinopsis: Teresa de Ávila ha fundado el convento de San José, y se ha llevado con ella a varias hermanas carmelitas, buscando la pureza de la respuesta a la vocación a las que les llama Jesús, y que ve relajada en su antiguo convento de La Encarnación. Allí recibe la visita de un inquisidor, que la somete a un interrogatorio implacable, donde pone en duda la ortodoxia de sus escritos, y las motivaciones de sus acciones, que estarían más relacionadas con la soberbia que con la rectitud que le dice que le guía. La presión flota en el ambiente de la cocina donde es interpelada, pues si no agacha la cabeza podría terminar incluso en la hoguera.

El amor de Andrea

Dirección: Manuel Martín Cuenca. País: España. Año: 2023. Duración: 101 minutos. Género: Drama. Familia. Interpretación:  Lupe Mateo Barredo, Irka Lugo, Jesús Ortiz, Agustín Domínguez, Fidel Sierra, Cayetano Rodríguez Anglada, Inés Amieva, Jose M. Verdulla Otero. Guion: Manuel Martín Cuenca, Lola Mayo. Música: Vetusta Morla. Fotografía: Eva Díaz. Productora: Coproducción España-México; La Loma Blanca PC, Lazonafilms, Nephilim Producciones, Alebrije Cine y Video, RTVE, Canal Sur. Distribuidora: Filmax. Premios y nominaciones:  Festival Internacional de Tallin (PÖFF). 2 premios; Festival de Valladolid - Seminci. 1 nominación. Estreno en España: 27 de noviembre de 2023. Sinopsis: Andrea es una chica de 15 años que vive en Cádiz con su madre y sus dos hermanitos, Fidel y Tomás. La chica dedica mucho tiempo a cuidar de los niños, puesto que su madre trabaja hasta tarde. Les recoge del colegio, les lleva a los columpios, hacen los deberes, les prepara la cena, etc. Hija de un matrimonio divorciado, hace mucho tiempo que Andrea no ve a su padre, quien parece haberse desentendido de sus hijos. Por ese motivo la joven siente una gran desazón y se empeñará en conseguir que su padre esté presente en sus vidas.

Scrapper

Dirección: Charlotte Regan. País: Reino Unido. Año: 2023. Duración: 84 minutos. Género: Comedia. Drama. Comedia dramática. Infancia. Interpretación: Lola Campbell, Harris Dickinson, Cary Crankson, Carys Bowkett, Asheq Akhtar, Joshua Frater-Loughlin, Ambreen Razia, Aylin Tezel. Guion: Charlotte Regan. Música: Patrick Jonsson. Fotografía: Molly Manning Walker. Productora: BBC Film, British Film Institute, DMC Film, Great Point Media. Distribuidora: Caramel Film. Premios y nominaciones: Festival de Sundance: Premio del Jurado - Película (World Cinema); Premios British Independent Film Awards (BIFA). 14 nominaciones. Estreno en España: 27 de noviembre de 2023. Sinopsis: Georgie es una cría de doce años en una barriada de Londres, cuya madre ha muerto recientemente de cáncer, pero que mantiene engañados a los servicios sociales y a los vecinos fingiendo que ahora vive con su tío, solo un amigo, un chico de su edad, conoce la verdad. La situación no parece sostenible a largo plazo, pero de momento la chica se las arregla sola, también cometiendo pequeños hurtos para poder luego comer. La aparición de su padre, Jason, un auténtico tarambana que les abandonó a su madre y a ella al poco de nacer, complica sus planes. Pues no existe complicidad alguna entre los dos, y en la pequeña pesa esa huida del progenitor, por muy joven e inmaduro que fuera cuando la madre quedó encinta.

Heroico

Dirección: David Zonana. País: México. Año: 2023. Duración: 88 minutos. Género: Drama. Ejército. Crítica social. Basado en hechos reales. Interpretación: Santiago Sandoval, Fernando Cuautle, Esteban Caicedo, Isabel Yudice, Carlos Gerardo, Mónica del Carmen, Hugo Gutiérrez. Guion: David Zonana. Producción: Michel Franco. Música: Erik Clauss. Fotografía: Carolina Costa. Productora: Coproducción México-Suecia; Filmadora, Film i Väst. Distribuidora: Adso Films. Premios y nominaciones: Festival de cine de Sundance: Gran Premio del Jurado (Nominada); Festival Internacional de Cine de Guadalajara: Mejor película (Ganadora), mejor película mexicana (Ganadora), mejor actor - Fernando Cuautle (Ganador), mejor película del Jurado joven (Ganadora); Festival Internacional de Cine de Berlín. Largometraje - Panorama Audience Award (Nominada); Festival de Cine de San Sebastián: Horizons Award - David Zonana (Nominada). Estreno en España: 27 de noviembre de 2023. Sinopsis: Luis, adolescente de origen nativo americano, se inscribe en un colegio militar en busca de un futuro mejor. Sus nuevos compañeros y él se ven sometidos a un sistema jerárquico brutal, en el que los alumnos veteranos humillan a los recién llegados.

Yo tenía una vida

Dirección: Octavio Guerra. País: España. Año: 2023. Duración: 71 minutos. Género: Documental. Pobreza. Reparto: Documental. Guion: Octavio Guerra. Producción: Elisa Torres. Fotografía: Carlos Aparicio. Productora: Calibrando Producciones. Distribuidora: Begin Again Films. Premiere: Festival de Málaga 2023. Estreno en España: 27 de noviembre de 2023. Sinopsis: Película que retrata la lucha de un hombre por no volver a vivir en la calle. Jesús llega a un centro de acogida y reinserción laboral tras vivir una década en la calle. Ahora la vida de Jesús está llena de normas. Su lucha no tiene sentido si no es libre para tomar sus propias decisiones. Tras años dependiendo de los servicios sociales, se marcha del programa con el riesgo que conlleva su decisión. Elena, coordinadora del piso de acogida, prepara su tesis doctoral sobre la reinserción de personas sin hogar. Tras el abandono de Jesús, su investigación da un giro y centra su tesis en la historia vital de Jesús. Elena se convierte en su único vínculo emocional. La película de Octavio Guerra tiene interés humano y sociológico, pues ayuda al espectador a ver personas en los excluidos y marginados, que necesitan ayuda, pero no puede evitar el inconveniente de faltarle chispa o garra para atrapar. 

No, no quiero

Dirección: Belén Santos. País: España. Año: 2023. Duración: 74 minutos. Género: Drama. Documental. Reparto: Documental. Guion: Belén Santos. Producción:  Andrés Martín, Maribel Muñoz. Música: Sergio de la Puente. Fotografía: Vanessa Alami. Productora: Vértigo Films. Distribuidora: Vértigo Releasing. Estreno en España: 27 de noviembre de 2023. Sinopsis: No, no quiero es un documental dirigido por Belén Santos sobre la realidad de los matrimonios forzados. A través de la experiencia de cuatro mujeres reales que fueron capaces de rebelarse a la imposición de casarse con un hombre con quien no querían estar. Estos cuatro testimonios nos dan una visión realista y cruda de la realidad de muchas mujeres. Las protagonistas tuvieron que enfrentarse a sus familias y dejar toda su vida como la conocían para empezar solas desde cero una nueva etapa. Con una música de Sergio de la Puente, un guion de Belén Santos y una fotografía de Vanessa Alami, este documental da voz a mujeres que explican cómo hicieron para escapar de una orden impuesta por sus propias familias. El reparto principal está formado cuatro mujeres que salieron de matrimonios forzados: Aya y Amy son afrodescendientes que nacieron en Cataluña, María es de Bangladesh y crecida en Badalona y Jamila es de Marruecos, nacida en el sur de España. Todas ellas narran su experiencia con el objetivo de denunciar una forma de abuso que continúa dándose en la actualidad.

Wish: El poder de los deseos

Título originalWishDirección: Chris Buck, Fawn Veerasunthorn. País: Estados Unidos. Año: 2023. Duración: 95 minutos. Género: Animación. Fantástico. Aventuras. Comedia. Musical. Cine familiar. Reparto: Animación. Guion: Jennifer Lee, Allison Moore. Historia: Chris Buck, Jennifer Lee, Fawn Veerasunthorn, Allison Moore, Carlos López Estrada, Andrew Rothschild. Música: Dave Metzger. Canciones: Julia Michaels. Fotografía: Animación. Productora: Walt Disney Animation Studios. Distribuidora: Walt Disney Pictures. Estreno en España: 27 de noviembre de 2023. Sinopsis: En el reino de Rosas, los súbditos confían su deseo más auténtico y genuino al cumplir los 18 años, momento en que lo olvidan, a la custodia del rey Magnífico, quien lo hace realidad con el paso del tiempo si, para su criterio, lo merece. Todos admiran al monarca, entre ellos la joven Asha, de 17 años, que se postula como aprendiz del rey para ayudarle a gestionar la magia. Pero se lleva un chasco al ver el modo en que opera, y el mismo Magnífico la humilla al no cumplir el bonito deseo de su centenario abuelo. De modo que imitando a su fallecido padre, mira al cielo estrellado una noche y pide un deseo, momento en que una pequeña y traviesa bola de energía llamada Estrella baja hasta ella dispuesta a conducirla por los caminos de la magia.

Reestrenos de la semana: 24 de noviembre

El señor de los anillos: El retorno del rey

Título original: The Lord of the Rings: The Return of the King. Dirección: Peter Jackson. País: Nueva Zelanda. Año: 2003: Duración: 201 minutos. Género: Fantástico. Aventuras. Acción. Fantasía medieval. Espada y brujería. Cine épico. Secuela. Película de culto. Interpretación: Viggo Mortensen, Elijah Wood, Sean Astin, Ian McKellen, Liv Tyler, Cate Blanchett, Orlando Bloom, John Rhys-Davies, Andy Serkis, Miranda Otto, Ian Holm, Marton Csokas, Billy Boyd, Hugo Weaving, Dominic Monaghan, Karl Urban, David Wenham, Bernard Hill, John Noble. Guión: Fran Walsh, Philippa Boyens, Peter Jackson. Argumento: J.R.R. Tolkien (Novela). Producción: Harvey Weinstein Música: Howard Shore. Fotografía: Andrew Lesnie. Productora: Coproducción Nueva Zelanda-Estados Unidos; Wingnut Films. Distribuidora: New Line Cinema. Premios y nominaciones: 11 premios Oscar, incluyendo mejor película y director. 11 nominaciones; 4 Globos de Oro: Mejor película dramática, director, banda sonora original y canción; 4 premios BAFTA, incluyendo mejor película y guión adaptado. 12 nominaciones; National Board of Review: Mejor reparto; Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película. 2 nominaciones; Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor director y diseño de producción. Reestreno en España: 27 de noviembre de 2023. Sinopsis: Las fuerzas de Saruman han sido destruidas, y su fortaleza sitiada. Ha llegado el momento de decidir el destino de la Tierra Media, y, por primera vez, parece que hay una pequeña esperanza. El interés del señor oscuro Sauron se centra ahora en Gondor, el último reducto de los hombres, cuyo trono será reclamado por Aragorn. Sauron se dispone a lanzar un ataque decisivo contra Gondor. Mientras tanto, Frodo y Sam continuan su camino hacia Mordor, con la esperanza de llegar al Monte del Destino. 

Los 5 villanos de Disney más desquiciados (III)

King Candy en ¡Rompe Ralph! (Wreck-It Ralph, 2012), de Rich Moore

El Rey Candy (King Candy en inglés y latinoamérica) es el principal villano de la película Wreck-It Ralph. Es el rey del mundo de caramelos del videojuego de carreras Sugar Rush. Él procura que Vanellope no compita en la carrera al ser un error de programación. King Candy es un hombre diminuto con poco cabello de color gris, una nariz grande y rojiza, piel blanca y con algo de rubor en sus mejillas. Su atuendo consta de un moño rojo, una camisa blanca, pantalones dorados y zapatos morados con una gomita de dulce roja, lleva consigo un bastón con la punta de corazón y una corona en su cabeza. King Candy es una persona muy excéntrica, se muestra como una persona divertida y algo loca, aunque cuando la situación lo requiere, es estricto, también es una persona que siempre consigue lo que quiere.
King Candy modifico el código del juego de Sugar Rush Speedway para imponerse como el nuevo rey, bloqueando la memoria de todos los personajes y transformando a la legitima gobernante, Vanellope en una falla. Es el encargado de iniciar la carrera con la cual se decidirán a los personajes que representaran a Sugar Rush todos los días, además, se encarga de mantener el orden y "hacer lo correcto" en el reino Sugar Rush.

jueves, 23 de noviembre de 2023

Los 5 villanos de Disney más desquiciados (II)

2. Hades de Hércules (Hercules, 1997), de Ron Clements y John Musker

Hades es tan malvado como divertido. Es perverso, y es el amo y señor del Inframundo, es el Dios de los Muertos. Tiene fuego en vez de pelo, y tiene envidia de su hermano Zeus, el líder de todos los dioses. Ansía ser el rey de los dioses, para ello necesita acabar con su hermano, pero para ello debe deshacerse de Hércules. Él tiene como esbirros a dos diablillos llamados Pena y Pánico, y a Meg, una chica que le pertenece a Hades por que le vendió su alma, aunque por suerte para ella, al final se libra de esta carga.
Zeus le concedió a Hades la propiedad del Inframundo, de mala gana. Sin el conocimiento de Zeus y las otras deidades, sin embargo, Hades desprecia el Inframundo, así como su trabajo, encontrándolos a ambos sombríos, deprimentes y dominantes. Debido a esto, Hades planea en secreto derrocar a Zeus y gobernar el Monte Olimpo como el Rey del Olimpo, él mismo. Aunque poderoso por derecho propio, Hades es considerablemente más débil que Zeus y no puede derrocarlo solo. Como tal, a menudo se alía con varias bestias y criaturas que acechan en Grecia, contratándolas para que cumplan sus órdenes; el ejemplo más notable son los Titanes, que fueron encarcelados por Zeus hace eones. 

Perfil de Yasujirō Ozu, cineasta de la A a la Z (II)

(cont.)

Hara

La actriz Setsuko Hara (1920-2015) fue la musa de la posguerra de Ozu. No lo esperó para ser una estrella, pero sus películas con Ozu son las más famosas (desde Primavera tardía (Banshun), en 1949, hasta El otoño de la familia Kohayagawa (Kohayagawa-ke no aki), en 1961). Se les atribuyó un idilio. Casi se casan, pero no. Todos mantuvieron su independencia. “La vida de una mujer no se reduce a la vida matrimonial. Una mujer puede absolutamente vivir de su trabajo”, declaró para justificar su celibato, considerado sospechoso. Cuando Ozu murió en 1963, desapareció sin previo aviso, al igual que Greta Garbo. Nunca volvimos a saber de ella. Evaporación al estilo japonés.
Setsuko Hara y Haruko Sugimura en Primavera tardía (1949)

Influencias

Ozu pertenece a la primera generación de directores de cine en Japón a principios de la década de 1920, como Kenji Mizoguchi y Mikio Naruse (Akira Kurosawa pertenece a la siguiente generación). Todo está por inventarse. Cuando empezó a dirigir, Ozu, gran cinéfilo, imitó a cineastas estadounidenses (Ernst Lubitsch, Raoul Walsh) y franceses (René Clair, Abel Gance) antes de encontrar su propio estilo.

Kamakura

Estación balnearia a menos de una hora en tren de Tokio, donde Ozu se mudó con su madre en 1952. El templo Engaku-ji, justo enfrente de la estación, alberga la tumba del cineasta en la que sólo se conserva el carácter 無 (pronunciado “mu”) que puede traducirse como “transitoriedad”. La tradición, que exaspera a los monjes budistas que cuidan el cementerio, exige que los admiradores del maestro coloquen una botella de sake sobre su tumba.

Mori

Desde 1935 hasta su muerte en 1963, Ozu tuvo una larga pasión con la geisha Sakae Mori. Una relación más o menos oficial, pero nunca admitida, que incluso fue descrita por un escritor, y rival, en una novela de éxito. En sus Diarios, en noviembre de 1935, Ozu escribió este haiku, sin duda inspirado en Sakae Mori: “Delgada como una liana/La seda roja de su ropa interior/Destaca su cuello. »

Okada

El actor Tokihiko Okada (1903-1934) fue una de las grandes estrellas del período mudo de Ozu, una estrella cuya muerte prematura (a los 30 años, por tuberculosis) le hizo especialmente de culto. Su hija, Mariko Okada, fue una de las últimas favoritas de Ozu, quien la eligió para sus últimas películas antes de convertirse en una estrella de la nueva ola japonesa, especialmente frente a la cámara de su marido, Yoshishige, Yoshida.

Popular

Ozu, al igual que su amigo Kenji Mizoguchi (1898-1956), cuyo elegía funebre pronunció, eran cineastas convencionales, los reyes de la taquilla, cuya última película se iba a ver los domingos con la familia. Cineastas populares cuyo nombre y rostro se conocían, como hoy Almodóvar. Ozu había inventado una personalidad pública a imagen de Alfred Hitchcock. La gente lo reconocía en la calle. Era sumamente elegante, vestía un traje para casi todas las circunstancias. A menudo llevaba un sombrero de pescador, del que tenía decenas de copias idénticas.

Sake

Ozu, un gran bebedor de té, también bebía litros de sake. A las cinco de la tarde de los días de rodaje, si había estado bebiendo ya no servía para nada. Si aún no hubiera bebido, invitaría a todo el equipo a un bar para empezar a beber. Uno de los dos niños de Buenos días (Ohayô1959) decía de Ozu que era como su tío, que olía a alcohol todo el tiempo... La última película de Ozu se tituló El sabor del sake (Sanma no aji, 1962). ¿Coincidencia?
(cont.)

Hace 100 años: Corazón fiel

El 23 de noviembre de 1923 se estrenó ls película francesa Corazón fiel (Coeur fidèle), dirigida por Jean Epstein e interpretada por Léon Mathot, Gina Manès, Edmond Van Daële, Claude Benedict, Madame Maufroy, Marie Epstein, Madeleine Erickson. Productora: Pathé Consortium Cinéma (P.A.C.). Duración: 87 minutos. 

Sinopsis argumentalMarie, una huérfana adoptada por el dueño de un bar en el puerto de Marsella que la explota, quiere escapar de su trabajo y de su amante alcohólico, para irse con otro hombre, un trabajador de los puertos. 
ComentarioLa película narra la melodramática historia de un romance frustrado que cuenta con la ubicación del puerto de Marsella, además del uso de numerosos experimentos y técnicas del camerawork y la edición.

miércoles, 22 de noviembre de 2023

Los 5 villanos de Disney más desquiciados (I)

Haceros a un lado, Princesas de Disney: es hora de que brillen los villanos.Estamos centrando la atención en cinco películas de Disney con los villanos animados más desquiciados.
Conmemoración del centenario de Disney y el estreno de Wish: El poder de los deseos (Wish, 2023), estamos poniendo un foco de atención de cinco de los más desquiciados villanos en décadas: Yzma de El emperador y sus locuras, Hades de Hercules, Cruella de Vil en 101 dálmatas, King Candy de Wreck-it Ralph y Ursula de La sirenita.

1. Yzma de El emperador y sus locuras (The Emperor's New Groove, 2000), de Mark Dindal

Yzma es la principal villana de esta película de Disney, apareciendo también en su secuela, Las locuras de Kronk y en el spin-off Las nuevas locuras del emperador y en la serie animada estrenada en Disney Channel Kuzco,un emperador en el cole.Yzma es considerada una villana Disney, pero al mismo tiempo, es un personaje cómico y excéntrico que consigue ser adorada por el público a pesar de su papel de mala. No es un mal personaje, pero se deja ver más su lado cómico que el malvado. Tiene sed de poder, y es una maestra en las pócimas. En el comentario sobre El emperador y sus locuras, los productores de la película comentaron que el punto divertido de Yzma es sus retorcidas y absurdas ideas, por ejemplo, su plan original para matar al emperador Kuzco, que consistía en convertirlo en una pulga y enviársela por correo a ella misma para finalmente aplastarlo con un mazo. 
Yzma, a menudo, se considera así misma como hermosa y seductora, aunque en realidad todo el resto de personajes creen que su aspecto es repugnante. Una de las cosas más divertidas de Yzma es que intenta ser femenina y elegante pero nunca lo consigue. Le da esa vena cómica que resulta sorprendente e hilarante. También es divertida su indumentaria (cuellos de plumas y sombreros extravagantes), todo un curso de diseño de moda. A Yzma, además, le encanta estar rodeada de lujo y comodidad, y cada década, según explica Kuzco en el inicio de la película, se busca un nuevo "ayudante", su último modelo es Kronk...

Clasificamos todas las películas de David Fincher, de peor a mejor (III)

(cont.)

4. El curioso caso de Benjamin Button (The Curious Case of Benjamin Button, 2008)

Adaptación de un relato corto de Francis Scott Fitzgerald, es de esos casos en que la película está a la altura del original, si no lo supera ampliamente, aunque sólo sea por la ventaja de su mayor ambición artística, se aumenta el tamaño del lienzo donde se pinta la narración, por así decir. La historia central es la del Benjamin Button, un hombre que nace en la Luisiana cercana a los años de la Primera Guerra Mundial, con un aspecto que espanta a su padre hasta el punto de abandonarlo. En efecto, se diría que Benjamin ha nacido anciano. Y, justamente, es acogido en una residencia de ancianos. A medida que crece, criado por una mujer negra, sus graves enfermedades y los achaques propios de la vejez van desapareciendo. Pronto es evidente que el proceso de madurez de Benjamin corre en dirección contraria a la del resto de los mortales: con el paso de los años rejuvenece.
Brad Pitt en El curioso caso de Benjamin Button (2008)

3. Perdida (Gone Girl, 2014)

Basada en la exitosa novela de Gillian Flynn, Perdida narra la desaparición de la mujer de Nick Dunne (Ben Affleck). La presión policial y mediática hace que el retrato de la feliz unión de Nick empiece a tambalearse. Pronto sus engaños y extraño comportamiento llevarán a todo el mundo a preguntarse: ¿Es el responsable de la desaparición de su mujer? La película más taquillera hasta la fecha del cineasta de culto David Fincher. 
Ben Affleck en Perdida (2014)

2. El club de la lucha (Fight Club, 1999)

Esta película se basa en la célebre novela del ‘moderno’ joven Chuck Palahniuk. David Fincher la asume y filma con una estructura moderna, repleta de símbolos y fantasías urbanas. Y da un aviso para navegantes del nuevo milenio: ojo al infierno moral en que se está convirtiendo la sociedad actual; ojo a males endémicos como la soledad y la falta de comunicación; ojo a un mundo consumista, competitivo, cruel, donde la preocupación por el otro baja por enteros. ¿Es pesimista Fincher? Que cada uno se asome a la ventana de su casa (o a la televisiva, o a la del ordenador) y juzgue.
Brad Pitt en El club de la lucha (1999)

1. Seven (Se7en, 1995)

David Fincher le sacó partido a su impactante estilo visual, al servicio de un guión sorprendente, muy impactante y a la vez reflexivo, sobre la corrupción en la sociedad actual. A punto de jubilarse, el teniente Somerset, de homicidios, va a ser reemplazado por el joven detective David Mills. Antes, ambos deben enfrentarse a un violento psicópata, que asesina a sus víctimas horrible y fríamente, “inspirado” en los siete pecados capitales. Una angustiosa y oscura ambientación enfatiza las dramáticas interpretaciones de Morgan Freeman, Brad Pitt y, sobre todo, Kevin Spacey. Los asesinatos son realmente retorcidos y algunas escenas permanecen en la memoria del espectador por mucho tiempo. La escena final, antológica.
Morgan Freeman y Brad Pitt en Seven (1995)

Secuelas, precuelas y spin-offs nuevas y futuras (II)

(cont.)

6. Aquaman y el reino perdido (Aquaman and the Lost Kingdom, 2023), de James Wan

Aquaman equilibra sus deberes como rey y como miembro de la Liga de la Justicia, todo mientras planea una boda. Black Manta está a la caza de tecnología atlante que le ayude a reconstruir su armadura. Orm planea escapar de su prisión atlante. La secuela largamente retrasada del monstruoso éxito de James Wan de 2018 finalmente llega a los cines. Jason Momoa regresa para cerrar el Universo Extendido de DC antes de que la franquicia se reinicie por completo bajo la dirección de los nuevos jefes de estudio James Gunn y David Safran.
Jason Momoa en Aquaman y el reino perdido (2023)

7. Gladiator 2 (2024), de Ridley Scott

Sigue a Lucius, el hijo del amor de Maximus, Lucilla, después de la muerte de Maximus. No, Russell Crowe no aparecerá en la secuela de Gladiator de Ridley Scott (recordemos, Maximus murió). El premio de consolación es un elenco que incluye a Denzel Washington, Pedro Pascal y Paul Mescal en el papel principal de Lucius (sobrino de Cómodo de Joaquin Phoenix en el original). ¡Espere secuencias de pelea más deslumbrantes, incluida una pelea entre Mescal y una manada de babuinos!
Pedro Pascal en Gladiator 2 (2024)

8. Misión imposible: Sentencia mortal, parte 2 (Mission: Impossible - Dead Reckoning Part Two , 2025), de Christopher McQuarrie

La octava entrada de la larga franquicia Misión Misión imposible: Sentencia mortal, parte 1 del verano pasado (digamos que cinco veces más rápido) no fue el éxito de taquilla que Paramount esperaba que fuera, a pesar de las críticas favorables tanto de los fanáticos como de los críticos. La octava entrega de la franquicia (ahora programada para su lanzamiento en 2025) se planeó originalmente como una despedida para Ethan Hunt, pero Tom Cruise ha expresado interés en continuar saltando desde lugares altos como el superespía.
Hayley Atwell y Tom Cruise en Misión imposible: Sentencia mortal, parte 2 (2025)

9. Chicken Run: Amanecer de los nuggets (Chicken Run: Dawn of the Nugget, 2023), de Sam Fell

Después de escapar de la granja de Tweedy, Ginger ha encontrado una isla tranquila y santuario para todo el rebaño. Pero de vuelta en el continente, toda la especie de pollo se enfrenta a una nueva amenaza, y Ginger y su equipo deciden irrumpir.
Chicken Run: Amanecer de los nuggets (2023)

10. Ballerina (2024), de Len Wiseman

Una joven asesina busca venganza contra las personas que mataron a su familia. La siempre creciente saga de John Wick tendrá su primera spin-off en 2024 con Ballerina. Protagonizada por Ana de Armas, con el apoyo de la estrella de la franquicia Keanu Reeves e Ian McShane, la película sigue a un asesino en una venganza clásica al estilo Wick. misión. El guión de Shay Hatten es secreto, pero miembros del reparto como De Armas y Reeves nos han dejado algunas migas de pan para que las sigamos. La actriz confirmó que ella y el ícono de acción tienen una “escena de acrobacias muy difícil juntos”, mientras que Reeves ha insinuado que la búsqueda de la bailarina está envuelta en la misteriosa muerte de su padre.
Ana de Armas en Ballerina (2024)
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martes, 21 de noviembre de 2023

¿Cuál es la mejor película de Martin Scorsese? Nuestro ranking completo, de peor a mejor (I)

Scorsese regresa a los cines con Los asesinos de la luna (Killers of the Flower Moon, 2023). Hemos clasificado todos sus largometrajes, desde Quién llama a mi puerta (1967). Y fue duro.

1. El tren de Bertha (Boxcar Bertha, 1972)

La película cuenta la historia de "Boxcar" Bertha Thompson y "Big" Bill Shelly, una pareja de ladrones de trenes y amantes que se ven envueltos en las luchas sindicales de trabajadores del ferrocarril en el Sur de Estados Unidos. Cuando Bertha se ve implicada en el asesinato de un rico apostador, los dos se convierten en fugitivos. P
arte de los personajes de The Sister Of The Road (1937), autobiografía de Bertha Thompson, escrita por Ben L. Reitman, según relato oral de la misma. Fue la segunda película dirigida por Scorsese, después de ¿Quién llama a mi puerta (Who's That Knocking at My Door?), de 1967. La película auna drama, crimen, análisis social y crónica histórica. La película desarrolla un relato de robos y asaltos con intimidación a personas relacionadas con la empresa y a las instalaciones de ésta. El fruto se destina a los trabajadores necesitados, parados, enfermos, etc. El cuadro de miseria, paro y desesperación, de la Depresión queda esbozado con trazos ácidos y secos. La preocupación social del film, reflejo de las preferencias de Corman, incluye indicaciones sobre las malas condiciones del trabajo asalariado, su precariedad, su dependencia del capricho de los ejecutivos y la insuficiencia de los salarios, etc.

2. Kundun (1997)

Se basa en la vida y las escrituras de Tenzin Gyatso, el decimocuarto dalái lama, el líder político y espiritual en el exilio del Tíbet. Tenzin Thuthob Tsarong, un sobrino nieto del dalái lama, interpreta al dalái Lama adulto, mientras que Tencho Gyalpo, una sobrina del dalái lama, aparece como la madre del dalái lama. Año 1937: un niño tibetano de dos años es elegido para convertirse en el nuevo Dalai Lama. Arrebatado a su familia, el pequeño es llevado al Palacio de Potala, donde da inicio una educación muy dura que lo marcará para siempre, pero que también endurecerá su carácter hasta transformarlo en un gran líder, tanto político como espiritual, que sea respetado por sus súbditos. Años más tarde, sin embargo, el Dalai Lama tendrá que abandonar su país natal cuando comience la invasión de la China comunista, y no tenga más remedio que exiliarse con su séquito en India hasta que el peligro haya pasado y pueda volver. Sin embargo, mientras el protagonista se mantiene a salvo, sabe que su pueblo está muriendo ahí fuera, lo que le atormenta profundamente. Kundun, en tibetano, significa «la presencia», es el título que se le da al dalái lama. La película, según Roger Ebert, estaba «hecha de episodios, no de una trama»

¿Quién llama a mi puerta? (Who's That Knocking at My Door?, 1967)

Originalmente titulada I Call First. Fue el debut como director de largometrajes de Scorsese y el debut de Keitel como actor. Explorando temas de la culpa católica similares a los de su película posterior Malas calles (Mean Streets, 1973),  la historia sigue JR (Harvey Keitel) es un joven italoamericano sin trabajo, a pesar de lo cual está satisfecho de la vida que lleva con sus compañeros en el barrio neoyorquino de la “Pequeña Italia”. Pero, cuando se enamora de una mujer con estudios (Zina Bethune), se verá obligado a replantearse la vida. La película se filmó a lo largo de varios años, sufriendo muchos cambios, nuevas direcciones y diferentes nombres en el camino. La película comenzó en 1965 como un cortometraje de estudiantes sobre J.R. y sus amigos que no hacían nada, llamado Bring on the Dancing Girls. En 1967, la trama romántica con Zina Bethune se introdujo y se unió con la película anterior, y el título se cambió a I Call First. Se tituló Who's That Knocking at My Door, llamada así por la canción de 1959 de The Genies, que cierra la película. Aquí, el director rueda una película llena de simbolismo. Destacan los movimientos de la cámara que se recrean en las calles de Nueva York, y la fotografía en blanco y negro de Richard H. Coll y Michael Wadleigh.

4. Al límite (Bringing Out the Dead, 1999)

En esta desquiciante historia, Scorsese indaga una vez más en los sórdidos recodos de Nueva York. 
La noche neoyorquina. Principios de los 90. Entre los vehículos que pueblan las calles destacan las ambulancias, que con sus luces y sirenas van a toda velocidad allí donde surge una emergencia. Frank Pierce, en plena crisis espiritual, trabaja en una de ellas. Hasta el momento ha tratado de hacer su trabajo, salvar vidas, lo mejor posible. Pero el estímulo que supone resucitar a veces a un moribundo tiene su contrapeso en las muertes inevitables, en la contemplación de tanta degradación humana, en los refugios buscados por sus compañeros de trabajo (resignación, cinismo, iluminación, agresividad...) para soportar la tensión, y que a veces rayan la locura. Cuando Frank salva a uno de sus pacientes, se fija en su hija Mary que, quizá, pueda suponer un rayo de luz en sus horas más bajas. Resulta agobiante la composición que Nicolas Cage hace de Frank: una ‘buena persona’ que no encuentra sentido a su vida. Cerrado a la trascendencia, es incapaz de aceptar que el dolor o la muerte de una persona, con el sufrimiento de sus seres queridos, pueda revestir algún aspecto positivo. El valor técnico de las imágenes nocturnas de la Gran Manzana, tomadas desde la ambulancia con distintas cámaras y velocidades, es sin duda grande, y quizá se haya abierto brecha para futuras películas donde los vehículos de cuatro ruedas sean protagonistas. El Círculo de Críticos de Cine de Florida galardonó la fotografía de Robert Richardson y el Sindicato de Cineastas Italianos valoró los diseños de producción de Dante Ferretti.

5. El aviador (The Aviator, 2004)

Aunque el periplo del peso pesado del Séptimo Arte Martin Scorsese ha estado lleno de altibajos en los últimos años, el cineasta remonta el vuelo con esta biografía del fascinante y controvertido Howard Hughes. Playboy, millonario, inversor inmobiliario, productor y director cinematográfico, también fue empresario aeronáutico y gran aficionado a la aviación. El guión del consagrado John Logan sigue los pasos del personaje durante dos décadas, arrancando a finales de los años 1920, cuando ronda los 25 años de edad. Heredero de la empresa paterna, decide invertir una desorbitada suma de dinero en Ángeles del infierno. Se trata de una película de aventuras aéreas para la que contrata numerosos pilotos que propician asombrosas secuencias de aviones filmadas sin efectos especiales. La película describe minuciosamente su romance con la mítica Katharine Hepburn, una actriz de fuerte personalidad, y también su aventura en la potente compañía aérea TWA. Como empresario aeronáutico, Hughes prueba sus prototipos de sofisticados aparatos, y realiza un fuerte desembolso para llevar a buen puerto la construcción del Hércules, un aparato. Pero Hughes se estrella con uno de sus aviones, y también empieza a sufrir una enfermedad degenerativa, que le lleva a convertirse en un fanático de la higiene y a recluirse sin apenas contacto con el exterior.  Scorsese ha conectado con DiCaprio, actor tan italoamericano como él, con el que repite por segunda vez consecutiva, y que fue el promotor del proyecto. La película se llevó cinco de once nominaciones a los Oscar, convirtiéndose en la más premiada del año. La estatuilla más merecida quizás fue la que se llevó Cate Blanchett, estupenda como la irrepetible Hepburn.
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Clasificamos todas las películas de David Fincher, de peor a mejor (II)

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8. Zodiac (2007)

Película basada en hechos reales acontecidos en torno a San Francisco a partir de los años 1960, cuando un asesino en serie que se hacía llamar Zodiac aterrorizó a la población con sus espeluznantes crímenes, que acompañaba de acertijos que hacía llegar a diarios como The San Francisco Chronicle. El guión de James Vanderbilt  se basa en los libros de investigación escritos por Robert Graysmith, caricaturista e ilustrador del Chronicle, que a pesar de que el caso no le incumbía periodísticamente hablando, se sumergió en él desde su inicio hasta extremos que rayaban lo obsesivo. La trama nos pinta uno de esos casos que parece de resolución imposible, y que permanece abierto a lo largo de varias décadas. 
Jake Gyllenhaal y Robert Downey Jr. en Zodiac (2007)

7. La red social (The Social Network, 2010)

Brillante película de David Fincher, que logra hacer apasionante la complicada narración de cómo Facebook se convirtió en la extraordinaria empresa y fenómeno social que hoy es. Cuenta con un formidable guión de Aaron Sorkin –que utiliza como fuente el imprescindible libro The Accidental Billionaires–, que logra que parezca fácil lo difícil, no en vano es todo un especialista en hilvanar historias complejas para el medio audiovisual, donde abundan los diálogos vertiginosos, en los que no falta ni sobra una frase; una réplica, una mirada, un plano de un objeto, todo aporta valiosa información a la narración. El esqueleto narrativo es perfecto. Tras un breve prólogo –la brillante conversación de Zuckerberg con su novia, más la caída del servidor de Harvard–, se encadena la sesión pública de la institución académica que ve los hechos, con otra, la de los abogados que ven el conflicto de intereses entre Zuckerberg y sus socios de Facebook con los distintos enemigos que se ha creado en la vertiginosa carrera que le ha hecho multimillonario. Y entreveradas con esta segunda sesión, se presentan las distintas escenas de cómo la red social crece y crece. De modo que somos testigos de la paradoja de que quien ha logrado relacionar a tantos millones de personas en todo el mundo, se encuentra básicamente solo, no conecta con nadie.
Jesse Eisenberg y Justin Timberlake en La red social (2010)

6. The Game (1997)

Nicholas Van Orton, un ejecutivo, solitario y egoísta, que cree haberlo visto todo y está un poco cansado de la vida, recibe un curioso regalo de cumpleaños de parte de su hermano: un juego con experiencias excitantes. Poco a poco, la vida de Nicholas empieza a convertirse en una angustiosa carrera por salvar el pellejo. Tras el bombazo de la impactante Seven, el director David Fincher dirigió esta original y vibrante película, suavemente pesadillesca, con Sean Penn y Michael Douglas como hermanos.
Michael Douglas en The Game (1997)

5. Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres (The Girl With the Dragon Tattoo, 2011)


Mientras espera poder librarse de una acusación de difamación que puede hundir su carrera, el periodista Mikael Blomkvist recibe un extraño encargo: trasladarse a una remota isla del norte de Suecia, donde la muerte no esclarecida de una joven cuarenta años atrás atormenta aún a su tío, el patriarca de una de conocida familia. Sospechando que el asesino puede seguir aún en la isla, Blomkvist emprende una investigación que lo lleva a descubrir los secretos y mentiras de la poderosa y rica saga familiar. Cuenta para ello con una extravagante aliada, la hacker punki Lisbeth Salander. La versión americana del primer volumen de la conocida trilogía de novelas Millennium, de las que es autor el malogrado Stieg Larsson, que no llegó a conocer con vida el enorme éxito de sus novelas, no digamos de su traslación al cine y la televisión. Sin atender a ningún pudor mantiene, si no aumenta, la enorme carga de morbo sexual y violencia presentes en la novela original y en la película sueca servida por Niels Arden Oplev.
Rooney Mara en Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres (2011)
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Perfil de Yasujirō Ozu, cineasta de la A a la Z (I)

Yasujirō Ozu y su indispensable cámara, hacia1956
Ozu, ferviente cinéfilo, ha filmado los cambios en Japón desde la altura de un tatami. Seleccionamos diez de sus películas y un documental. Esteta, fiestero, ¿quién fue realmente el director de El sabor del sake? Respuesta en forma de libro del abecedario.
Contemporáneo y equivalente a  Alfred Hitchcock, John Ford o Jean Renoir en la historia del cine mundial -él, como ellos, comenzó su carrera en el cine mudo-, Yasujirō Ozu (1903-1963) es sin duda el director japonés más famoso. Cronista melancólico de un Japón en pleno cambio, filmado a la altura de un tatami, en películas intimistas, con títulos impregnados de serenidad (Primavera precoz, Flores de equinoccio, La hierba errante, El sabor del sake), Ozu, soltero empedernido, casado con el cine, muy apegado a su madre, enamorado de una prostituta, tuvo una vida mucho más exuberante de lo que sugiere su obra al pastel. Desarrollamos este abecedario para contar la historia del hombre detrás del mito.

Atsuta

Pieza central del “clan Ozu” (Ozu-gumi), Yūharu Atsuta (1905-1992) fue primero asistente de Hideo Mohara, director de fotografía del período mudo; luego, sucediéndole, desarrolló, en 1937, una cámara Mitchell con un trípode corto que le permitió filmar muy cerca del suelo, a noventa centímetros de distancia, desde un ángulo ligeramente bajo, con una distancia focal que no distorsiona los rostros: el famoso “plano tatami”, firma del estilo Ozu.

Bamboche

Ozu, eternamente soltero, se casaba todas las noches. Bailaba rumba y mambo, estaba loco por Mistinguett, cuyos vinilos coleccionaba y al que imitaba cantando con onomatopeya. Nunca dejó de pagar en el restaurante mesas enteras y recorridos por todo Tokio. Su generosidad lo arruinó. Murió con deudas. También le encantaba hacer llamadas de broma o enviar telegramas firmados por otros. ¡Un auténtico bromista!

Cuadernos

Ozu llevó diarios desde 1933 hasta su muerte en 1963. Habla de todo excepto de sus rodajes. Anota lo que come, las películas que ve, la gente con la que toma el té. Es bastante poético porque se compone de pequeñas cosas: listas de autores, platos, citas, comentarios, algunos haikus. Un estilo muy suelto. Durante la guerra, el ritmo se vuelve cotidiano, describe los horrores.

Desprendimiento

En sus primeras películas mudas, bajo la influencia del cine americano, encontramos numerosos trucos de puesta en escena, travellings, aperturas y cierres de iris, superposiciones. Poco a poco los movimientos de cámara van desapareciendo. A partir de 1957, todas las películas japonesas estaban en Cinemascope, un formato amplio inventado para competir con la televisión. Es necesario que el público le dé la espalda a la televisión. Sólo hay uno que se niega y mantiene el formato cuadrado del cine mudo: Ozu.

Eiga

El vocablo japonés para cine. 

Familia

El tema central del cine de Ozu. La desintegración de la unidad familiar ante el paso del tiempo y la adversidad de los tiempos, el dolor de la separación entre padres e hijos, la soledad como único horizonte. Ozu no tuvo hijos ni esposa. Tras la muerte de su padre en 1934, vivió con su madre. Poco después, Ozu murió de cáncer el 12 de diciembre de 1963, el día exacto de su sexagésimo cumpleaños. Su familia era su equipo leal. Su vida y su profesión se fusionaron. Lo que le importaba sobre todo era el TRABAJO, como escribía con mayúsculas en sus diarios.

Geometría

Las fotografías fijas de Ozu están compuestas geométricamente, con líneas, diagonales, horizontes. Los actores interactúan en plano-contraplano de cara a la cámara, como si estuvieran hablando con el espectador. Las escenas están separadas por planos fijos de objetos o muebles (una tetera, un jarrón, una tetera), vacíos de personajes, como fotografías, naturalezas muertas, que aseguran la respiración de la película y permiten elipses temporales.
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lunes, 20 de noviembre de 2023

Clasificamos todas las películas de David Fincher, de peor a mejor (I)

Si bien El asesino (The Killer, 2023) está disponible en Netflix desde el 10 de noviembre, analizamos la filmografía del director estadounidense. El club de la lucha, Perdida, Mank, Seven.. Descubra cuál de las películas de David Fincher encabeza nuestro lista.
David Fincher, este especialista en efectos especiales, se convirtió primero en uno de los directores de publicidad y videoclips más valorados antes de que le confiaran, con sólo 29 años, el rodaje de la superproducción Alien 3. Desde entonces, ha dirigido otras once películas (y episodios de dos grandes series, House of Cards y Mindhunter), marcadas por su meticuloso saber hacer, su gusto por los experimentos estéticos y la manipulación de las imágenes. Entonces, ¿cuáles son las mejores películas de David Fincher? Veredicto, desde lo más fallido hasta la obra maestra absoluta.

12. Alien³ (1992)

La tercera entrega es una de las más terroríficas de la historia de la ciencia ficción. Una refinería subterránea que fue campo de trabajos forzados, alberga hoy una comunidad de convictos que eligieron permanecer indefinidamente en la que fue su cárcel. La teniente Ripley aterriza en un vehículo espacial accidentado. Aparentemente, ella es el único superviviente. Pronto descubrirán que en la nave se encontraba un inoportuno visitante. Repite Sigourney Weaver, como Ellen Ripley, papel que le dio la fama. Las secuelas han sabido mantener el nivel y David Fincher supo darle algo de vida al guión más flojo, de esta entrega, de trama carcelaria.
Sigourney Weaver en Alien³ (1992)

11. La habitación del pánico (Panic Room, 2002)

Angustioso thriller cuya naturaleza claustrofóbica se basa en la propia concepción de la historia: la acción discurre en tiempo real, durante la noche, y el rodaje tiene lugar casi íntegramente en el interior de la casa. Además, las presentaciones se reducen al mínimo: apenas conocemos a los protagonistas cuando ya estamos metidos en faena, una característica que hace que el espectador intente inútilmente respirar hondo durante las casi dos horas de película. Es elogiable el virtuosismo formal de la puesta en escena que emplea David Fincher, un director con pasado de publicista que se atreve a rodar planos secuencia larguísimos y de impecable factura, aunque con ello sugiera imposibles movimientos de cámara. El sólido guión es obra de uno de los jóvenes talentos con más futuro de Hollywood. Tan sólo con la hitchcockiana escena de la conversación entre Meg y el policía en el umbral de la puerta, David Koepp, da muestras de una sorprendente eficacia en el manejo del suspense narrativo. La archiestrella Jodie Foster obtiene nota alta en su papel de madre sufridora y resuelta, y el fantástico Forest Whitaker hace lo propio como ladrón con buenas pulgas.
Jodie Foster y Kristen Stewart en La habitación del pánico (2002)

10. El asesino (The Killer, 2023)

Un asesino a sueldo hace guardia en un apartamento de París. Durante varios días vigila un ático al otro lado de la calle mientras escucha música. Apenas hace pausas, salvo para escaparse brevemente a tomar un café. Cuando al final aparece el tipo que busca, le dispara con un rifle con mira telescópica, pero por primera vez en su carrera como “profesional” falla, hiere a un inocente. Esto significa que quienes le contrataron van a ir a por él para tomar represalias. David Fincher adapta una novela gráfica escrita por el francés Alexis Nolent e ilustrada por Luc Jacamon, aunque se lleva el argumento a su terreno, pues habla de asesinos sin escrúpulos, y de la obsesión por el perfeccionismo y el poder, temas que han aparecido en otras ocasiones en su filmografía.
Michael Fassbender en El asesino (2023)

9. Mank (2020)

Una maravillosa declaración de amor al cine. Una mirada nostálgica al Hollywood clásico de los estudios. Una llamada de atención a la responsabilidad de los que se dedican a hacer películas. Todo esto y mucho más es Mank, una película servida en glorioso blanco y negro muy contrastado en el que David Fincher traslada a la pantalla un guión escrito por su padre Jack Fincher, fallecido en 2003, y hasta donde sabemos el único que ha salido de sus manos. Se basa en hechos reales, centrándose en los esfuerzos del guionista Herman J. Mankiewicz –conocido por sus colegas y amigos como Mank– por escribir el libreto de Ciudadano Kane, la mítica película con que Orson Welles debutó en la meca del cine en 1941.
Gary Oldman en Mank (2020)
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