Efemerides de cine: I a Man

El 24 de agosto de 1967 se estrenó la película estadounidense I, a Man, escrita, producida y dirigida por Andy Warhol e interpretada por Tom Baker, Nico, Valerie Solanas, Ingrid Superstar, Ultra Violet, Ivy Nicholson, Bettina Coffin, Cynthia May, Stephanie Graves. Duración: 99 minutos. 

Sinopsis argumental: La película representa al protagonista principal, interpretado por Tom Baker, en una serie de encuentros sexuales con ocho mujeres.

Comentario: Warhol rodó la película como respuesta a la popular película erótica escandinava I, a Woman (Yo, una mujer) de 1965 y que había sido estrenada en los Estados Unidos en octubre de 1966. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Biografías de cine: Abel Gance (III)

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La rueda de la vida

La rueda (La roue, 1923)se rodó durante una época de gran tirsteza personal para Gance. Se había enamorado profundamente de Ida Danis, una secretario de Le Fil d'Art y, durante toda el rodaje de la película, ella permaneció gravemente enferma. Murió el primer día de montaje. Gance también sabía que Severinn-Mars tenía una grave enfermedad de corazón y que no iba a vivir mucho tiempo.

Sólo ha llegado una versión de 12 bobinas de la original, en tres partes, con un total de 32 bobinas, pero incluso incompleta (el montaje inicial de película, según lo había diseñado Gance, duraba siete horas), el impacto de La rueda fue enorme. Una vez más, una historia de amor sirve de marco para expresar preocupaciones más amplias y profundas. Sisif, conductor de locomotora, y su hijo Elie, están enamorados de Norma, una muchacha a la que Sisif rescató de un accidente de tren cuando era niña y a la que ha criado como a su propia hija. Creyendo serlo en realidad, Norma se casa con otro hombre, y la desesperación de Ssif y Elie conduce a la tragedia. 

Pero el alma de la película lo constituye el ferrocarril. Gance reconstruyó la casa de Sisif entre las vías férreas de Niza, y el humo, el polvo y la carbonilla están presentes en todo momento. Buena parte del drama ocurre en la locomotora de Sisif, y Gance utilizó el montaje rápido como nunca antes, creando un ritmo musical reforzado por la partitura del compositor Arthur Honegger. La película se convirtió en un poema simbolista en el que el predominaban las imágenes de la rueda. Al final, mientras Sisif muere calladamente en una cabaña en las montañas, los aldeanos bailan una danza en círculo, el símbolo final de la película, con lo que queda claro que la rueda del título es la rueda de la fortuna, y que los sufrimientos de Sisif han estado encaminados hacia ese terrible final.

Vista en estos términos, La rueda puede parecer pretenciosa e incluso estúpida. Es posible que privadas de su imágenes, las ideas de Gance resulten fáciles de criticar; pero con imágenes resultan impresionantes y convincentes, y el mundo, que ha tenido por fin la oportunidad de ver Napoleón, no debería verse privado de la posibilidad de conocer La rueda.

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Calendario Cine 2018

Calendario Cine 2018

Amat Editorial

Barcelona

2017

320 págs.

Este calendario te propone tener organizadas tus citas y compromisos al tiempo que disfrutas del séptimo arte, ya que cada día empieza con una frase de película.

Biografías de cine: Abel Gance (II)

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Este control se convirtió en una de las características de la obra de Gance, ya que los actores lo reconocían instintivamente y tenían una gran fe en su capacidad como director. Tanto los protagonistas como los extras se entregaban en sus personajes. "¿Qué actor no querría hacer películas con este gran innovador, con este maravilloso director, con este perfeccionista?", se preguntaba Gabriel de Gravone, el actor que Gance utilizó posteriormente en La rueda (La roue, 1923).

Mater Dolorosa y su sucesora, La décima sinfonía (La dixième symphonie, 1918) tuvieron mucho éxito, tanto de crítica como de público. En la segunda, el amigo de Gance, Severin-Mars, interpretaba un papel junto a Emmy Lynn. Su presencia sería crucial en las dos obras maestras que vendrían a continuación. El compositor Enric Damor desconoce totalmente el pasado de su nueva esposa, Eve Dinant, quien vivió libertinamente con un aventurero, Fred Ryce. Ryce encuentra a Claire, hija de Damor, y pretende casarse con ella. Para ello chantajea a Eva. Enric se da cuenta de que hay algo entre ella y Fred y compone una sinfonía para expresar su pena. 

Durante la producción de La décima sinfonía, Gance estaba planteándose rodar su pacifista Yo acuso (J'accuse, 1918). Había estado un breve tiempo movilizado, en la sección cinematográfica del ejército, pero muy pronto se le dio por inútil. Cuando, a pesar de las dificultades financieras por las que atravesaba Le Film d'Art, Charles Pathé le dio permiso para seguir adelante con su proyecto cualquiera que fuese el costo. Gance volvió a unirse a la sección cinematográfica para rodar en los frentes. En el rodaje de Yo acuso se combinaron por primera vez las dos caras de Abel Gance: el cineasta ofreció espectaculares escenas de masas, expresivos primeros planos e incluso efectos de pantalla dividida, que anunciaban ya los de Napoleón, mientras que el escritor visionario, en colaboración con Blaise Cendrars, que había perdido un brazo en la guerra y experimentado todo su horror, ofreció un guión  asombroso por su intensidad y sus ambiciones. 

La base del mismo lo constituía un sencillo triángulo romántico de rivalidad, celos e incomprensión, a partir del cual Gance condena los trágicos malentendidos de la guerra. En un macabro climax de extraordinaria fuerza, el superviviente de los dos anteriores rivales les cuenta a los habitantes de su aldea una visión de la guerra en la que ve los cadáveres levantarse de los campos de batalla para volver a sus hogares. Según él, lo hacen para comprobar si los vivos son merecedores de su sacrificio; y, tal como está contada la historia, Gance muestra el "retorno" de los muertos. Algunos críticos han de argumentado que el mensaje pacifista de la película se ve desdibujado debido a que se muestra su sacrificio como algo justificable. Es posible que así pareciera en 1918; pero, si se piensa en el efecto global de Yo acuso, no cabe la menor duda de la ira y de la oposición de Gance ante el absurdo inhumano de la guerra: "denuncié a la guerra, denuncié a los hombres, denuncié la estupidez universal". 

Fotograma de Yo acuso (1919)

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Efemérides de cine: Un fabuloso bribón

El 22 de agosto de 1967 se estrenó la película estadounidense Un fabuloso bribón (The Flim-Flam Man), dirigida por Irvin Kershner e interpretada por George C. Scott, Sue Lyon, Harry Morgan, Jack Albertson, Alice Ghostley, Albert Salmi, Slim Pickens, Michael Sarrazin, Strother Martin, George Mitchell, Woodrow Parfrey, Jay Ose, Raymond Guth. Productora: 20th Century Fox. Duración: 

Sinopsis argumental: Mordecai Jones, también conocido por el apodo Flim flam man, se gana la vida gracias a su piquito de oro, herramienta fundamental para disuadir a la gente y sacarle el dinero de manera poco honrada. Un día, el bribón conoce a un joven, Curley, a quien adopta como pupilo para enseñarle todos los trucos del oficio. La primera lección que ha de aprender el joven implica el robo del coche a una muchacha muy atractiva. Curley pone mucho empeño en aprender los gajes del oficio, pero la atracción que siente hacia la chica es desde luego mayor que su interés. Este no será el único impedimento que ponga trabas al trabajo, pues el sheriff Slade ansía frenarle los pies al par de bandidos y anda muy cerca de lograrlo. Aún y con esas, Mordecai mantiene la esperanza de que Curley lo sustituya.

Nominaciones y premios: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión comedia. 

Comentario: Basado en una novela de Guy Owen, trasladada como guión para la pantalla por el experto William Rose, la película nos narra en tono de comedia desenfadada las pintorescas situaciones que se vivirán a partir del encuentro en un lugar indeterminado del sur de Estados Unidos, entre Mordecai Jones (George C. Scott), un veterano y conocido timador, y el joven Curley Treadaway (Michael Sarrazin), quien se encuentra perseguido como desertor del ejército.

Noticias de libro: Milos Forman

Milos Forman

El cineasta del inconformismo

Christian Aguilera

Berenice

Córdoba

256 págs.

Milos Forman (1932, Caslav, actual República Checa) es uno de los cineastas más interesantes surgido de la Europa del Este bajo dominio comunista. Conocido sobre todo gracias a obras de la popularidad de Alguien voló sobre el nido del cuco (1975) y Amadeus (1984), que le reportaron sendos Oscar al mejor director, Forman acredita otros títulos de indudable interés integrados en una filmografía compuesta por una docena de producciones a lo largo de más de cuarenta años de profesión. Paradójicamente, su reputación como cineasta adscrito a temáticas y personajes, cuanto menos, controvertidos o incomprendidos en su tiempo, no se ha visto acompañada de una conveniente repercusión bibliográfica en nuestra lengua.

Milos Forman. El cineasta del inconformismo, esta extensa y detallada monografía escrita por Christian Aguilera, la primera publicada en castellano sobre el realizador checo, nos brinda la oportunidad de conocer y apreciar la extraordinaria obra de uno de los grandes directores de nuestro tiempo.

Biografías de cine: Abel Gance (I)

A finales del siglo XX, Abel Gance fue reconocido como un director importante e innovador del cine mudo, pero durante la mayor parte de sus 62 años de carrera ha sido visto con sospecha y su obra ha sido infravalorada. 

Abel Gance, visionario, poeta y cineasta, murió el 10 de noviembre de 1981, a la edad de 92 años. Durante medio siglo había sido incapaz de rodar una película tal como él quería; pero, antes de morir, tuvo el consuelo de saber que su obra maestra, Napoleón (1927), había sido amorosa y cuidadosamente restaurada e iba a ser exhibida a los grandes públicos de Europa y América. Cuando se hizo, los espectadores, la mayoría de los cuales no había nacido todavía cuando él rodó la película, se quedaron impresionados ante una experiencia para la que sus conocimientos cinematográficos no les habían preparado.

El autor de esa experiencia había nacido en París el 25 de octubre de 1889. Aunque atraído por el arte desde la infancia, Abel Gance quiso satisfacer los deseos de su padre, y, a los 17 años, aceptó un empleo de pasante en la oficina de un procurador. Sin embargo, al cabo de sólo un año huyó a Bruselas y se hizo actor. Para 1908 se encontraba ya de vuelta en París, interpretando pequeños papeles en el teatro y en el cine, escribiendo guiones para complementar sus ingresos y, lo que es más importante, haciendo amigos en los círculos artísticos de vanguardia de la época. En aquellos momentos esos amigos eran poco conocidos, pero entre ellos figuraban los pintores Léger y Chagall, el poeta simbolista Apollinaire, el escritor Blaise Cendrars y el actor Sëverin-Mars. Posteriormente, tanto Cendrars como Séverin-Mars desempeñaron importantes papeles en la obra de Gance. 

Fotograma de La digue

Durante algún tiempo, el cine ocupó un puesto secundario en la vida de Gance, ya que centró toda su atención en su obra teatral La victoire de Samothrace. Ese drama poético estaba pensado para el Theâtre Français, pero fue rechaado por éste. Entonces, el amigo de Gance, Edouard de Max, le envió el texto a Sarah Bernhardt, que se mostró entusiasmada con él. Pero, debido al estallido de la I Guerra Mundial, la obra no se puso en escena y, después de la guerra, Gance, que había sido considerado inútil por padecer tuberculosis, se interesó casi exclusivamente por el cine. 

La primera etapa

Durante 1911 y 1912 Gance dirigió varios cortometrajes para una pequeña productora que había fundado con un grupo de amigos:

• La Digue (1911), un drama costumbrista.
• La masque d'horreur (1912)

• Le Nègre blanc (1912), en el que aborda el tema de los prejuicios raciales, desarrollando la historia de un niño negro maltratado por los blancos.
• La pierre philosophe (1912).
• Il y a des pieds au plafond (1912).

Pero su lanzamiento auténtico se produjo en 1914, cuando Louis Nalpas (director de Le Film d'Art, empresa  a la que Gance ofrecía continuamente guiones) le entregó 5.000 francos a cambio de que dirigiera una película para la compañía. La película en cuestión fue Une drame au château d'Acre (1915), que se completó en cinco días. A Nalpas le gustó mucho, y prometió al joven director carta blanca para su siguiente película, oportunidad que casi puso fin a la carrera de Gance. 

La folie du Docteur Tube (1915) ha sido calificada como la primera película puramente experimental. Gance y Léonce-Henry Burel, el director de fotografía que trabajó con él durante el período mudo, utilizaron espejos distorsionantes con efectos tan espectaculares que el desconcertado Nalpas, que consideraba el cine sobre todo como forma de entretenimiento, se negó a distribuirla. Desanimado, Gance volvió a rodar melodramas convencionales para recuperar la confianza de su productor. 

En 1917 se le dio la oportunidad de dirigir su primera película importante, Mater dolorosa (La tortura del silencio) (Mater Dolorosa). Superficialmente, se trata de un lacrimógeno melodrama burgués, como los que interpretaban en mucho de los teatros de bulevar de la época, pero la película consigue trascender fácilmente ese género. Hábilmente montada y bellamente fotografiada por Burel, Mater Dolorosa es la obra de un director totalmente entregado a su trabajo, que se interesa mucho por los personajes  y cree apasionadamente en su medio. Contiene dos espléndidas interpretaciones centrales de Emmy Lynn (una gran estrella del primitivo cine francés), como la madre dolorosa del título, y del actor teatral Firmin Gémier, como su marido. Los actores teatrales de la época tendían a parecer desplazados en el cine, pero, dirigido por Abel Gance, Firmin Gémier actúa con notable contención y sin incurrir e ningún histrionismo. 

Emmy Lynn en Mater Dolorosa

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Noticias de libro: Buñuel insólito

Buñuel insólito

Juan José Porto
Berenice
Córdoba
128 págs. 

Este libro es un sentido homenaje a la figura de Luis Buñuel, "el genio de Calanda". Juan José Porto rescata sus recuerdos, sus añoranzas, sus anécdotas y sensaciones con Buñuel, a quien «cuando un día quise entrevistarle, me dijo que me concedía la entrevista si no la publicaba en ningún sitio, y me la concedió; se la hice y nunca se publicó».

El lector descubrirá a un Buñuel inédito, a pesar de la cuantiosa bibliografía suscitada en torno a él. Un volumen cuajado de emociones y vivencias que el autor desgrana con sabiduría y gracejo, glosando una personalidad fascinante y compleja, la del cineasta más universal que ha dado la piel de toro.

Porto indaga no sólo en la personalidad del genio, sino también en las entrañas de su obra, de la que dice que «tenía que hacer cine con muy pocos medios, un cine sobrio pero a la vez muy profundo», lo que en ocasiones provocaba la incomprensión popular. El tiempo vendría a corroborar la grandeza de un legado que ha sido fuente de inspiración y referencia obligada para cineastas de todo el mundo.

Efemérides de cine: Cuenta atrás

El 20 de agosto de 1967 se estrenó la película estadounidense Cuenta atrás (Countdown), dirigida por Robert Altman, William Conrad e interpretada por James Caan, Joanna Cook Moore, Robert Duvall, Barbara Baxley, Charles Aidam, Steve Ihnat, Michael Murphy, Ted Knight, Stephen Coit, John Rayner, Charles Irving, Bobby Riha, William Conrad, Mike Farrell. Productora: Warner Brothers/Seven Arts. Duración: 101 minutos. 

Sinopsis argumental: Cuando la NASA se da cuenta de que los rusos están a punto de conseguir llevar a un hombre a la Luna, la agencia comienza a entrenar a un astronauta para adelantar a los rusos. Los astronautas candidatos a ser el primer hombre en pisar la luna son Lee Stegler (James Caan), Chiz (Robert Duvall) y Rick (Michael Murphy). Entre Lee y Chiz existe una pequeña rivalidad compartida por sus esposas. Olvidando su relativa inexperiencia, Lee es el elegido por la NASA. Olvidando sus diferencias Chiz comienza a instruirle en como sobrevivir en el espacio. Pero los entrenamientos son detenidos repentinamente cuando se descubre que una nave rusa, el Vostok, está maniobrando para preparar el alunizaje. No hay tiempo de más preparación y Lee se hunde. Si llega a la Luna deberá permanecer allí todo un año en una estación lunar hasta que la cápsula del Apolo pueda acudir a rescatarle. 

Comentario: Película que plasma el  enfrentamiento entre estadounidenses y soviéticos por la conquista del espacio. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Jeanne Moreau ha muerto: diez películas que nos cuentan que actriz era (II)

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5.- La novia vestía de negro (La Mariée était en noir, 1968), de François Truffaut : el amor absoluto.
Primero fue la famosa Jules y Jim (Jules et Jim, 1962), donde ella interpretaba a

Catherine quien, incapaz de renunciar razonablemente a Jules, acababa, sin embargo, casándose con Jim avec elle. L'amour fou había encontrado a su intérprete y, algunos años después, Truffaut ofrece a Jeanne Moreau dar un paso más en el mismo registro con el personaje de Julie Kohler. ¿Por  qué esta asesina en serie mata a los hombres...? Decidida, calculadora, tiene cinco nombres en una lista y los borrará a todos... en nombre del gran amor de su vida, que murió el día de su boda, a causa de estos cinco imbéciles. Las ejecuciones metódicas son una ceremonia para el recuerdo y Julie Kohler es la sacerdotisa de una religión basada en la devoción al bienamado más allá de la muerte, del bien y del mal. Con muy diversos disfraces que dejan constancia de de la clásica película de cine negro, de un thriller más o menos racional, con Jeanne Moreau atravesando La novia vestía de negro como una sonámbula: Está en otra dimensión, en el amor absoluto. Truffaut sabía que no había nadie más protagonizarla. 

6.- Recuerdos de nuestra Francia (Souvenirs d'en France, 1975), d'André Téchiné: la buena mujercita.

¿Ella, la buena mujercita? ¡Imposible! Y, sin embargo, si... Aquí aparece en el papel de una costurera llamada Berthe, una lavandera que, en los albores del Frente Popular, hará una buena boda con el mayor de una familia burguesa. El menor había elegido a Régina (Marie-France Pisier). Al tener que gobernar a toda una familia, Berthe acabará convirtiéndose en la verdadera jefa de toda ella. Bajo la dirección de Téchiné, Jeanne Moreau se sumerge en la vida ordinaria para escapar de su garras y mostrar su temperamento, pero sin traicionar al personaje de Berthe, que defiende con especial afecto.  Como también defendió a Zerline, otra buena mujercita con el que conseguiría un inmenso éxito en el teatro, a la cual interpretó desde 1986 bajo la dirección de Klaus Michael Grüber, en Le Récit de la servante Zerline.

7.- Querelle (1982), de Rainer Werner Fassbinder: la imagen. 
Vuelve a Jean Genet, del había sido amigo y al que volvería de nuevo durante el rodaje en 2010 de Le Condamné à mort dirigida por Robert Bresson con Etienne Daho. En el papel de Madame Lysiane, que regenta La Féria, donde se se va escribir el destino del marino Querelle, canta, inolvidable, de Oscar Wilde: "Each man kills the thing he loves (Cada hombre mata lo que quiere)". para esta emblemática, de símbolos (aunque no sólo), Fassbinder aprovecha a la legendaria Jeanne Moreau: convertida en un ícono, la imagen de la mujer en todo su poderío, su misterio y su libertad. En el centro de un universo en el que los hombres se desafían sexualmente entre ellos, Madame Lysiane es quien retadora, sin miedo a este tipo de juegos, se impone. Soberbia. De nuevo será la patrona de un burdel en la muy diferente Le paltoquet (1986), de Michel Deville. Y con esta imagen permanecerá para siempre. 

8.- El milagro (Le Miraculé, 1987), de Jean-Pierre Mocky: la cómica canalla. 
Divertirse y reír, lo hacía a menudo, mostrando una agradable sensación de

alegría con Truffaut o con Louis Malle [a duo con Bardot en ¡Viva Maria!, (1965)]. Pero con Mocky y sus recomendaciones, se envilece. Aqué es patrona y ex-mujer de mala vida, que acompaña hasta Lourdes a Jean Poiré, ffalsificador que se hace pasar por paralítico. Esta película en la que realiza un papel verderamente divertido, le valdrá su primera nominación a los premios César a la mejor actriz, que obtendrá finalmente en 1992 por otra comedia, La  vieja que camina por el mar (La Vieille qui marchait dans la mer), de Laurent Heynemann, en la que se empareja de nuevo con Michel Serrault, con un guión adaptado de una novela de San Antonio (Frédéric Dard). En  esta película, ella es Lady M, estafadora, coleccionista de diamantes y de jovencitos, es una magnifica vieja.  

9.- Ese amor (Cet amour-là, 2001), de Josée Dayan: La artista. 
Tenía una cita con este papel. Encarnando a Marguerite Duras, Jeanne Moreau rinde homenaje a su largo acompañamiento, una historia de amistad que marcó su carrera, al hilo de sus adaptaciones: Moderato cantabile (1960), de Peter Brook; El marinero de Gibraltar (The Sailor from Gibraltar, 1967), de Tony Richardson, El amante (L'amant, 1992) de Jean-Jacques Annaud (en la que era la voz de la narradora)... Interpretó a Duras bajo la dirección de la propia Dura en Nathalie Granger (1972). ElPenetra pues sin dificultad en la piel del personaje para Josée Dayan, quien adaptaba aquí el libro homónimo de Yann Andréa, retrato de una mujer genial e infernal. portrait d'une femme géniale et infernale. Si la actriz es claramente Duras, también es poque ella misma es una creadora, una artista. En los años 1970, pasa detrás de la cámara sin mucho éxito [con Lumière (1976) y más tarde L'Adolescente (1979)], pero se impondrá a la larga la imagen de una intérprete que se construyó a sí misma, con su grandes papeles, con su lugar en la historia del cine. A imagen de Marguerite.

10.- Una dama en París (Une Estonienne à Paris, 2012), de Ilmar Raag: la extranjera.  
Esta película que fue una de sus últimas intervenciones en el cine, habla del amor pasado y también de vivir exiliada, de estar aquí y en otros lugares. Interpretando a una estonia que vive en París des de que tenía diez años de edad, Jeanne Moreau parecía ofrecer un autorretrato. De padre francés y madre inglesa, cultivó siempre el exotismo de su paisanaje; para el brasileño Carlos Diegues, fue Joanna Francesa (1973). Y la musa del más viajero de los cineastas americanos, Orson Welles, que la dirigió en El proceso (Le procès, 1962), Campanadas a medianoche (Falstaff (Chimes at Midnight), 1965) y Una historia inmortal (Une histoire immortelle, 1968). Volvió a Grecia con Theo Angelopoulos en El paso suspendido de la cigüeña (To meteoro vima tou pelargou 1991) y, ese mismo año, siguió a Wenders Hasta el fin del mundo (Bis ans Ende der Welt). En casa era la extranjera, el extranjero era su casa: un un mundo para ella sola. 

Oficios de cine: Director

El director de cine o director cinematográfico (en algunos países también realizador) es la persona que dirige la filmación de una película, da instrucciones a los actores, decide la puesta de cámara, supervisa el decorado y el vestuario, y todas las demás funciones necesarias para llevar a buen término el rodaje.

Previamente habrá intervenido en numerosas labores, principalmente la realización del guion técnico (encuadre, plano, movimientos de cámara, objetivo y angulación), como la selección o casting de los actores y de los demás profesionales, los escenarios naturales en los que se rodará la película, los decorados, o la redacción final del guion.

La importancia que se le ha dado al director en la historia de cine ha ido cambiando. Por ejemplo, en la época de oro de Hollywood, la persona más importante en la creación de una película era el productor, y el personaje más relevante era el actor o la actriz, y el director era, en la mayor parte de los casos, un técnico que dirigía cada día la filmación.

Fue primero en Europa y más tarde en Estados Unidos donde el director fue adquiriendo mayor relevancia hasta llegar a considerarlo como el autor de una película.

Efemérides de cine: Cambalache

El 18 de agosto de 1967 se estrenó la película estadounidense Cambalache (Clambake), dirigida por Arthur H. Nadel e interpretada por Elvis Presley, Shelley Fabares, Will Hutchins, Bill Bixby, Gary Merrill, James Gregory,  Suzie Kaye, Harold Peary, Sam Riddle, Angelique Pettyjohn, Olga Kaya, Jack Good. Productora: United Artists. Duración: 100 minutos. 

Sinopsis argumental: Scott Heyward, el heredero de un rico empresario, abandona su hogar para demostrarse a sí mismo que puede hacer algo sin la ayuda de su padre. Scott intercambia su identidad con Toni Wilson, un modesto profesor de esquí acuático, y se pone a trabajar en un complejo turístico de Miami Beach. Enamorado de Dianne Carter, una de sus alumnas, intentará conseguir su amor, pero lo que ella pretende es casarse con un millonario... 

Comentario: Vigésimo quinto largometraje del rey del rock en un período en el comenzaba su declive. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Jeanne Moreau ha muerto: diez películas que nos cuentan que actriz era (I)

La actriz francesa falleció el 31 de julio de 2017 a los 89 años de edad. La revisión de diez de sus películas que sacan a la luz a su enorme talento, pero también su temperamento, su bella, fuerte y legendaria personalidad.
Si en la gran pantalla fue la intérprete del amor, del deseo y de la pasión, Jeanne Moreau abordó siempre el registro de los sentimientos con un sentido del desafío. En primer lugar, mediante la imposición de una belleza diferente a la de las otras estrellas de su época, encarnando a una mujer atrevida y valiente, libre, seductora e inteligente, que se salta las convenciones sociales e incluso la delgada línea que separa el bien y el mal. Fue la musa de los más grandes cineastas, sabía fascinar en también en las comedias picantes, que con la llegada de la ancianidad supo dar un giro a su carrera. Un fenómeno de actriz que acumuló una gran cantidad de distinciones. Actriz de teatro, cine y televisión, fue también directora de cine, teatro, ópera, guionista y escritora. 
1.- Ascensor para el cadalso (Ascenseur pour l'échafaud, 1958), de Louis Malle: La mujer con cabeza. 
Tenía treinta años cuando la rueda después de diez años continuado trabajo. Él (Malle), veintiséis, y después de haber dirigido un exitoso documental El mundo del silencio (Le monde du silence, 1956), debuta en el cine de ficción. El joven Louis Malle tiene una visión de Jeanne Moreau llena de seguridad y de justicia. Le confía el papel de Florence Carala, una importante burguesa casada que mantiene una relación extramatrimonial con Julien, su amante (interpretado por Maurice Ronet), al que pide que maté a su marido Simon (interpretado por Jean Wall), que también es jefe de la empresa donde trabaja Julien. Este lo mata pero olvida descolgar una soga que puede levantar sospechas, así que regresa al edificio justo en el momento en que el guardia de seguridad corta la electricidad y cierra las puertas. Como resultado, el protagonista queda atrapado en el ascensor, a mitad entre dos pisos. Para mayor desgracia, afuera una pareja de jovencitos (Georges Poujouly y Yori Bertin) roban su automóvil. Sin noticias de su amante, Florece Carala deambula sola en la noche parisina esperando que vuelva...
En medio de esta soledad, el amor se convierte en un monólogo interior, un magnifico encantamiento: las imágenes de Jeanne Moreau vagando por las calles están entre las más bellas del cine moderno y la voz en off de la actriz se superpone como un canción de amor intelectual. 

Frente a la tragedia que ella ha provocado, al dolor infinito que aparecerá al despuntar el día, Florence Carala se refugia en sí misma. Su fuga con Julien la vive en su pensamiento, la felicidad que tenía ideada no desaparecerá jamás. ¿Quién podía mejor representar esta transición hacia una pasión puramente mental? Jeanne Moreau sabía como nadie mezclar en un mismo registro de lo emocional una parte intelectual y hacer que deslumbre. Algo parecido realizó durante su interpretación de Lidia en La noche (La notte, 1961), de Michelangelo Antonioni. 
2.- Eva (1962), de Joseph Losey: la femme fatale. 
Ella ama el dinero, el juego y las canciones de Billie Holiday, y desprecia a los

hombres, a los que colecciona. Es fría, insensible, amoral, calculadora y cruel. Eva dejará un amargo recuerdo en uno que conoció en Venecia, el cual estaba preparado para morir por ella... Pero todo no es perfecto en la película del que Joseph Losey renegó y,  sin embargo, realizó con dedicación para hacer de Jeanne Moreau, la más fatal de las mujeres, y vaya si lo consiguió: la actriz poseía un don fascinante para el juego de la seducción autoritaria, arrogante y dominadora. Losey volvió a trabajar con ella en El otro señor Klein (Mr. Klein, 1976), lcon algunas escenas en las que la Moreau representa a una mujer misteriosa, sensual, sagaz y que trata de dominar a su pareja, Alain Delon, quien, acaba imponiéndose. Algunos años más tarde, Luc Besson invitará a Jeanne Moreau a dar un curso de belleza en su Nikita, dura de matar (Nikita, 1990). A los sesenta y dos años, se había convertido en la gran maestra de la seducción. 
3.- La bahía de los ángeles (La Baie des anges, 1963), de Jacques Demy: la escandalosa.

Cabello rubio platino Rubia platino arremolinado, ella es asidua de los casino y juega a la ruleta como si fuera la ruleta rusa, parece no respetar nada, ni el dinero, ni la suerte, ni la mala suerte, ni la vida, ni la muerte, Y para que todo esté meridianamente claro, la asombrosa Jackie exclama al principio de esta magnifica película de Demy, al ser expulsada de un salón de juegos: "Yo os voy a preparar un bonito escándalo". Escandalosa y orgullosa de serlo, Jeanne Moreau, aparece en la pantalla como si disfrutara de un malicioso placer. En Los amantes (Les amants, 1958), de Louis Malle, Las relaciones peligrosas (Les Liaisons dangereuses, 1959), de Roger Vadim o Diario de una camarera (La Journal d'une femme de chambre, 1964), de Luis Buñuel, es objeto de deseo y cuerpo del delito,  objet du désir et corps du délit, se salta las convenciones sociales y se pasa de la raya. Sin esperar a la liberación de las mujeres, es una mujer libre jugando a la verdad como la inolvidable Jackie. 
4.- Mata-Hari, agente H-21 (Mata Hari, Agent H 21, 1965), de Jean-Louis Richard: la perversa mujer.

Bajo la dirección de su primer marido y padre de su único hijo, y con un guión de Truffaut, la actriz parecía comparar aquí su propia leyenda, ya muy establecida, con la de una figura mítica, la espía Mata Hari. Pero esta película de agradables aventuras conduce directamente hacia la tragedia: a fuerza de mentiras, esta Mata Hari traiciona sus propios sentimientos, dañando al hombre que ama y acaba siendo fusilada, sin perdón y jamás deshonrada. La interpretación de Jeanne Moreau pasa al mismo tiempo de una alegría casi infantil a una perversidad vil y cruel. Interpretar a una mujer con una personalidad tan perversa, era otra forma de audacia y coraje, que ilustra igualmente Mademoiselle (1966), de Tony Richardson. Jeanne Moreau eligió la película, con guión de Genet, para interpretar el papel de una sociopata maestra que trae la desgracia a todo un pueblo. ¡En la vida real fue acusada porVanessa Redgrave como la culpable de su divorcio de Tony Richardson!

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Noticias de libro: John Williams: vida y obra

John Williams: vida y obra

Andrés Valverde

Berenice

Córdoba

2013

296 págs. 

Este libro es una pionera monografía que pretende ofrecer al lector una completa visión acerca de la figura del gran compositor norteamericano John Williams, autor de las bandas sonoras de toda una vida: las sagas de La Guerra de las Galaxias, Indiana Jones, Parque Jurásico o Harry Potter, y de películas inolvidable como E.T., La lista de Schlinder o Lincoln; y también de una importante obra para concierto, menos conocida entre el gran público. Narrado a su vez de forma biográfica para conocer tanto al músico como a la persona y enriquecido además con anécdotas de su vida tanto personal como profesional.

John Williams: Vida y Obra muestra por vez primera en un solo libro todos los aspectos referentes sobre este gran músico y está dividido en dos partes, la primera realiza un recorrido por décadas en orden cronológico. En ella se da a conocer la historia musical y personal de Williams. La segunda parte profundiza en su obra mediante un estudio detallado de la orquestación, estilos, influencias, géneros y realiza un "viaje analítico" por sus grandes sagas cinematográficas.

Además se incluyen análisis musicales, guías de audición, catálogo cronológico de obras y listados analíticos para que sirva también como manual de consulta y referencia.

Todo el legado vital y musical de John Williams, desde su Boston natal, su vida familiar, Tanglewood, las mas famosas partituras escritas para el cine de Spielberg, sus obras de concierto menos conocidas y un juego de imágenes y partituras extra para disfrute de sus seguidores.

Efemérides de cine: The Tiger Makes Out 18/8/1967

El 18 de agosto de 1967 se estrenó la película estadounidense The Tiger Makes Out, dirigida por Arthur Hiller e interpretada por Eli Wallach, Anne Jackson, Bob Dishy, John Harkins, Ruth White, Roland Wood, Rae Allen, Sudie Bond, David Burns, Jack Fletcher, Bibi Osterwald, Charles Nelson Reilly, Frances Sternhagen, Elizabeth Wilson, Kim August. Productora: Elan Productions/Columbia Pictures Corporation. Duración: 94 minutos. 

Sinopsis argumental: Ben Harris, un trabajador de la ciudad de Nueva York amargado y de mediana edad que vive en un sótano de Greenwich Village, se obsesiona con la idea de secuestrar y esclavizar a la primera joven bella que puede conseguir en sus manos. Cuando intenta llevar a cabo su plan, no cuenta con que Gloria, una ama de casa del barrio, se interponga en el camino.

Comentario: A destacar la aparición en un breve papel de Dustin Hoffman, lo que supuso su debut cinematográfico. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Noticias de libro: Romances de cine

Romances de cine

Mario Parra

Berenice

Córdoba

2017

176 págs. 

Al pensar en las estrellas de Hollywood, todos nos hacemos las mismas preguntas: ¿Se divorciarán Warren Beatty y Annette Bening? ¿Volverán Brad Pitt y Angelina Jolie? ¿Era Cary Grant homosexual o bisexual? ¿Abusó realmente Woody Allen de su hija adoptiva, como sostenía Mia Farrow? ¿Por qué Tom Cruise parece abducido por la iglesia de la cienciología y, lo más importante, qué opinaba de ello Nicole Kidman? ¿Qué tenía Mercedes Acosta para que Greta Garbo y Marlene Dietrich se fijaran en ella? Esta es la historia de diez romances de Hollywood, contada de tal forma que podáis usarla como tema de conversación en la próxima cita a ciegas que tengáis, que seguramente precederá a vuestra próxima relación y a la consiguiente ruptura tormentosa. Que no se diga con este libro que no creemos en el amor. «A Mia Farrow le encantaría cruzar el Amazonas en canoa o subir al monte Kilimanjaro y yo no me acercaría en la vida a ninguno de esos sitios. Ha criado a nueve hijos sin ningún trauma y nunca ha tenido un termómetro en casa, mientras que yo me tengo que tomar la temperatura cada dos horas». Woody Allen ¿Qué llevó a Tom Cruise a romper de manera súbita su matrimonio de diez años con Nicole Kidman? ¿Y a qué aludía con su posterior declaración a la prensa?: «Ella sabe por qué». La historia del cine de Hollywood es también la historia de sus romances más sonados. Una historia envuelta en misterios y secretos de toda índole, que Mario Parra desvela en este libro con oficio e ironía.

Efemérides de cine: Un uomo, un cavallo, una pistola

El 17 de agosto de 1967 se estrenó la película italiana Un hombre, un caballo, una pistola (Un uomo, un cavallo, una pistola), una pistola, dirigida por Luigi Vanzi e interpretada por Tony Anthony, Daniele Vargas, Ettore Manni, Marina Berti, Marco Guglielmi, Raf Baldassarre, Dan Vadis, Jill Banner, Luciano Catenacci, Silvana Bacci, Fortunato Arena, Aysanoa Runachagua, Giuseppe Addobbati, Omero Capanna. Productora: Coproducción Italia-Alemania del Oeste-USA; Juventus Film/Primex Italiana. Duración: 95 minutos. 

Sinopsis argumental: Una banda de malhechores que actúan en las fronteras entre Estados Unidos y México, con la complicidad de un oficial de correos, se apodera de un carruaje enteramente de oro que intenta cruzar clandestinamente la frontera. Un aventurero desconocido que atiende al nombre, de "El extraño", después de enterarse de lo sucedido, extermina la banda de fueras de la ley. Cuando está a punto de llevarse con el carruaje repleto de oro, por un accidente trivial revela su singular composición y el aventurero se ve obligado a devolverlo y a conformarse con el producto de las recompensas ofrecidas en las cabezas de los bandidos.

Comentario: Tras el éxito en Estados Unidos de la película Un dólar entre los dientes (Un dollaro tra i denti, 1967) , se rueda esta segunda colaboración de Vanzi y Tony Anthony a modo de secuela de la anterior pero con mayor presupuesto. Posteriormente se rodó una tercera película sobre el mismo personaje, Lo straniero di silenzio (1968). Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Películas de la semana: 18 de agosto

La seducción

Título original: The Beguiled. Dirección: Sofia Coppola. País: Estados Unidos. Año: 2017. Duración: 91 minutos. Género: Drama. Drama romántico. Drama de época. Siglo XIX. Interpretación: Colin Farrell, Elle Fanning, Nicole Kidman, Kirsten Dunst, Angourie Rice, Oona Laurence, Addison Riecke, Wayne Pére, Emma Howard, Matt Story, Rod J. Pierce. Guion: Sofia Coppola (Novela: Thomas Cullinan). Producción: Sofia Coppola, Youree Henley. Música: Phoenix. Fotografía: Philippe Le Sourd. Montaje: Sarah Flack. Diseño de producción: Anne Ross. Dirección artística: Jennifer Dehghan. Vestuario: Stacey Battat. Productora: American Zoetrope/FR Productions. Premios y nominaciones: Festival de Cannes: Mejor dirección y una nominación; Jerusalem Film Festival. Nominada a mejor película internacional; Sydney Film Festival: Nominada a mejor película. Estreno en España: 18 de agosto de 2017. Sinopsis: La tranquilidad de una escuela femenina se ve alterada con la llegada de un apuesto soldado confederado herido en la Virginia de 1864. Remake de El seductor (The Beguiled, 1971), dirigida por Don Siegel y protagonizada por Clint Eastwood. 

Valerian y la ciudad de los mil planetas

Título original: Valerian and the City of a Thousand Planets. Dirección: Luc Besson. País: Francia. Año: 2017. Duración: 137 minutos. Género: Ciencia-ficción. Aventura espacial. Viajes en el tiempo. Cómic. Interpretación: Dane DeHaan, Cara Delevingne, Clive Owen, Rihanna, Ethan Hawke, Herbie Hancock, John Goodman, Rutger Hauer, Kris Wu, Emilie Livingston, Aurelien Gaya. Guion: Luc Besson (Cómic: Pierre Christin, Jean-Claude Mézières). Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Thierry Arbogast. Productora: EuropaCorp/Fundamental Films/Grive Productions. Estreno en España: 18 de agosto de 2017. Sinopsis: A través de una máquina del tiempo, los agentes terrícolas Valerian y Laureline están explorando Syrte, el principal planeta de un sistema de 1000 mundos. Su misión es descubrir si en el futuro los Syrtians representan un peligro para la Tierra. Lo que encuentran es un imperio en ruinas liderado por un grupo de aristócratas decadentes, la población lista para la revolución, y una misteriosa casta de sabios enmascarados que discretamente mueve los hilos de unas fortalezas ocultas. Agitados por los vientos de la historia, los agentes de la Tierra deberán elegir de qué lado están.

Cézanne y yo

Título original: Cézanne et moi. Dirección: Danièle Thompson. País: Francia. Año: 2016. Duración: 114 minutos. Género: Comedia. Drama. Comedia dramática. Biográfico. Interpretación: Guillaume Gallienne, Guillaume Canet, Déborah François, Alice Pol, Alexia Giordano, Sabine Azéma,  Isabelle Candelier, Laurent Stocker, Hugo Fernandes, Tamara Vittoz. Guion: Danièle Thompson. Producción: Albert Koski. Música: Éric Neveux. Fotografía: Jean-Marie Dreujou. Montaje: Sylvie Landra. Diseño de producción: Michèle Abbé-Vannier. Dirección artística: Stephanie Angrand. Vestuario: Catherine Leterrier. Productora: G Films. Estreno en España: 18 de agosto de 2017. Sinopsis: Dos artistas. Dos vidas paralelas. El escritor Émile Zola y el pintor del post impresionismo Paul Cézanne comienzan su amistad en una escuela de la Provenza en la que estudian. Sus caminos siguen unidos en París, donde ejercen su labor profesional. Zola, huérfano y sin blanca, decide valerse de la burguesía a la que tanto atacó de joven para dar su gran salto a la literatura. Por otro lado, Cézanne, que viene de una familia acomodada, rechaza toda vida social para centrarse únicamente en su obra. Pero sus esfuerzos de juventud son en vano, ya que su calidad sólo se le reconoció al final de su vida. Biopic en el que se explora los miedos y ambiciones (además de su pasión por el arte y las mujeres) de Zola y Cézanne. 

La torre oscura

Título original: The Dark Tower. Dirección: Nikolaj Arcel. País: Estados Unidos. Año: 2017. Duración: 95 minutos. Género: Acción. Aventuras. Fantástico. Ciencia-ficción. Western. Western futurista. Interpretación: Idris Elba, Matthew McConaughey, Katheryn Winnick, Abbey Lee, Tom Taylor, Jackie Earle Haley, Nicholas Hamilton, Fran Kranz, Claudia Kim, Michael Barbieri, José Zúñiga, Alex McGregor, Dennis Haysbert. Guion: Akiva Goldsman, Nikolaj Arcel, Anders Thomas Jensen (Novela: Stephen King). Producción: Akiva Goldsman, Ron Howard, Erica Huggins. Música: Junkie XL. Fotografía: Rasmus Videbæk. Montaje: Alan Edward Bell, Dan Zimmerman. Diseño de producción: Christopher Glass, Oliver Scholl. Dirección artística: Audra Avery, Yuri Bartoli, Maria Labuschagne, Patrick O'Connor, Catherine Palmer, Guy Potgieter, Brad Ricker. Vestuario: Trish Summerville. Productora: Columbia Pictures/MRC/Imagine Entertainment/Weed Road. Estreno en España: 18 de agosto de 2017. Sinopsis: En un mundo extrañamente parecido al nuestro un cowboy de nombre Roland Deschain de Gilead persigue a su eterno enemigo, el hombre de negro. Roland, solitario, quizá maldito, anda sin descanso a través de un paisaje triste y abandonado. Conoce a Jake, un chico de Nueva York pero de venido de otro tiempo, y ambos unen sus destinos. Ante ellos están las montañas. Y mucho más allá, la Torre Oscura... Adaptación cinematográfica de la saga literaria de Stephen King.

Efemerides de cine: Los caifanes

El 17 de agosto de 1967 se estrenó la película mexicana Los caifanes, dirigida por Juan Ibáñez e interpretada por Julissa, Enrique Álvarez Félix, Óscar Chávez, Ernesto Gómez Cruz, Sergio Jiménez, Eduardo López Rojas, Martha Zabaleta, Tamara Garina, Carlos Monsiváis, Ignacio Vallarta, Julien de Meriche. Productora: Cinematográfica Marte S.A./Estudios América. Duración: 95 minutos. 

Sinopsis argumental: Una pareja joven de clase alta se escapa de una fiesta con la intención de tener un escarceo amoroso en un coche abandonado. La llegada del capitán Gato y de sus caifanes cambiará los planes de la pareja para esa noche. Juntos, ricos y pobres, realizarán un pintoresco y "didáctico" viaje nocturno por cabarets, gasolineras, parques, funerarias y fondas de la ciudad de México. 

Comentario: Retrato la vida nocturna de la capital mexicana en aquellos tumultuosos y psicodélicos años sesenta del siglo XX. En términos generales, un caifán es un sujeto al borde de la ley que ha conseguido el respeto y el liderazgo de su barrio. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Oficios de cine: Actor o actriz principal

Un actor es una persona que interpreta un papel en el cine. 

Se trata de un individuo que se pone en la piel de un personaje, es decir, que juega a representar la vida de otro sujeto.

El actor o actriz principal es aquel sobre el que recae la la parte más importante del texto o de la interpretación, que destaca claramente sobre el resto de los actores.