Hace 100 años: Under Fire

El 1 de enero de 1926 se estrenó la película estadounidense Under Fire, dirigida por Clifford S. Elfelt e interpretada por Bill Patton, Jean Arthur, Cathleen Calhoun, Norbert A. Myles, William Bertram, Bert Lindley, Ervin Renard, W. Cassel. Productora: Clifford S. Elfelt Productions. Duración: 50 minutos. 

Sinopsis argumental: El teniente Tom Brennan es destituido del 7.º de Caballería por dos cargos, ambos injustos: desertar a sus hombres ante un cruel ataque indio y recibir a una mujer casada en su cuartel fuera del horario laboral. Tom se adentra en el desierto y es recogido medio muerto por Yuba Bill, un prospector con quien se asocia. Los indios se lanzan a la guerra, y Tom cabalga hasta el fuerte y advierte al coronel. La inocencia de Tom queda demostrada por la confesión de un soldado raso, y Tom es reincorporado al servicio con todos los honores, renovando su compromiso con Margaret Cranston.

Comentario: La Cinémathèque québécoise de Canadá conserva una copia de Under Fire. 

Las mejores películas del western y dónde ver todos estos clásicos del Oeste (XIX)

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91. Las aventuras de Jeremiah Johnson (Jeremiah Johnson, 1972), de Sydney Pollack

Sydney Pollack entregó una fabulosa película, en la que fue la segunda de las siete en que trabajó con su actor fetiche Robert Redford. Antes de rodarse se barajaron varios nombres, entre ellos los de Sam Peckinpah como director, y Clint Eastwood como protagonista. El film contiene no sólo una mensaje de corte ecologista, de amor a la naturaleza, sino que habla del choque de civilizaciones, y de la posible armonía entre las mismas. En el primer apartado, tenemos lo que se ve como una profanación de territorio sagrado indio; en la otra cuestión está la esposa india del protagonista. También se aborda el tema de la soledad, que a larga siempre es mala, el ser humano necesita compañía. La película, basada en una novela de Vardis Fisher, se inspira en un auténtico trampero llamado John Johnston, y que recibió apodos tan siniestros como los de “Matador de Cuervos” y “Comedor de Hígados Johnston”. Disponible en Amazon Prime Video, Gogle Play y Apple TV.

92. La venganza de Ulzana (Ulzana's Raid, 1972), de Robert Aldrich

Una poderosa película de Robert Aldrich, director minusvalorado, pero con una filmografía extraordinaria. Como siempre en sus historias, más allá de la acción aquí crítica las miserias de las sociedad y los prejuicios humanos, donde pesan los contenidos sociológicos y antropológicos. Disponible en Filmin, MUBI y Goggle Play.

93. El rey del rodeo (Junior Bonner, 1972), de Sam Peckinpah

El sello de Sam Peckinpah está presente a lo largo de la película de este director inconformista y provocador, que ha dejado en obras como Duelo en la Alta Sierra o Perros de paja. El guion de Jeb Rosebrook es digno de mención, sobre todo por los diálogos entre padre e hijo, Steve McQueen y Robert Preston respectivamente. Entre el polvo de Arizona, los toros y los rudos vaqueros, destaca el alegato a la familia y la necesidad de perdón. Disponible en Amazon Prime Video.

94. El juez de la horca (The Life and Times of Judge Roy Bean, 1972), de John Huston

Un western con un punto original –al parecer inspirado por una historia real–, pues trata una situación dramática pero está punteado de romance y comedia. Ese equilibrio lo logra con maestría el gran John Huston, acompañado por el talento de Paul Newman, aquí acompañado por la incomparable Ava Gardner, entre otras actrices de renombre. El guion es de John Milius, que más tarde entregaría libretos de películas tan célebres como Apocalypse Now o Conan, el Bárbaro. Disponible en Amazon Prime Video y Apple TV.

95. Pat Garrett y Billy el Niño (Pat Garrett and Billy The Kid, 1973), de Sam Peckinpah

En uno de sus westerns crepusculares, lleno de contrastes entre violencia descarnada y momentos poéticos, Sam Peckinpah revisa la historia del legendario bandido Billy ‘el niño’. Describe una curiosa relación paternofilial, de amor y odio entre sus protagonistas. Cuenta con una modélica interpretación de James Coburn (Pat Garrett). También interviene el músico Bob Dylan, que compuso además la banda sonora. Disponible en Netflix, HBO Max, Movistar Plus +, Amazon Prime Video y Filmin. 

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86. Río Lobo (Rio Lobo, 1970), de Howard Hawks

Río Lobo supuso la despedida cinematográfica del mítico realizador Howard Hawks, un todoterreno que firmó obras maestras de la comedia, el cine de aventuras o el cine negro. En el género del cine del oeste, también hizo historia, en especial con películas como El dorado (1966) o Río Bravo. Todos ellos se caracterizan porque tienen el mismo esquema, un hombre valiente –siempre interpretado por Wayne–, trata de imponer la ley, pero solo consigue la ayuda de un reducido grupo de hombres buenos, pero con algún defecto que les imposibilita para la tarea, como ser demasiado viejos, borrachos o jóvenes –en esta ocasión el pistolero inexperto está interpretado por Jorge Rivero–. La música corre a cargo de uno de los principales compositores de música de cine del final de siglo, Jerry Goldsmith, y supuso uno de sus primeros éxitos.

87. Dos mulas y una mujer (Two Mules for Sister Sara, 1970), de Don Siegel

Simpático western con una pareja protagonista, Clint Eastwood-Shirley MacLaine, que funciona muy bien en pantalla y aporta abundantes dosis de acción y comedia a partes iguales. Y todo perfectamente envuelto en la música de Ennio Morricone.

88. El club social de Cheyenne (The Cheyenne Social Club, 1970), de Gene Kelly

Extraño western cómico, dirigido por el bailarín Gene Kelly y con dos nombres clásicos del género como James Stewart y Henry Fonda al frente del reparto. El resultado es bastante simpático, picante y divertido, sobre todo por las diferentes personalidades de los dos amigos –uno un golfo y el otro un moralista–, así como la complicidad entre Fonda y Stewart, que cantan, se emborrachan y cabalgan juntos como lo que eran, amigos de toda la vida.

89. Los vividores (McCabe & Mrs. Miller, 1971), de Robert Altman

Robert Altman dirige a una pareja de lujo, Warren Beatty y Julie Christie, en esta adaptación de una novela de Edmund Naughton. Un western atípico, transgresor y desmitificador, con personajes oscuros, en la línea de Buffalo Bill y los indios, que también pertenece al género.

90. ¡Agáchate, maldito! (Giù la testa, 1971), de Sergio Leone

Una de las películas más desconocidas de su director, el maestro Sergio Leone, creador de obras maestras del llamado 'spaghetti western' como La muerte tenía un precio o Hasta que llegó su hora, por nombrar sólo dos. Aquí la historia se encuadra en la revolución mexicana, con unos personajes variopintos, entre ellos un bandido mexicano y un dinamitero irlandés que ha huido de la ley. La película deja ver algunas escenas del mejor Leone, si bien es cierto que parece que nunca se estrenó la versión original, debido a mutilaciones puramente comerciales.

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81. El oro de Mackenna (McKenna's Gold, 1969), de J. Lee Thompson

Un entretenido western que reúne los mejores elementos del género. Acción trepidante, bandidos, indios, lucha y tiroteos. Muy adecuada para los aficionados al género. La banda sonora, de Quincy Jones, cuenta con una canción inolvidable de José Feliciano. Tiene un excelente plantel de intérpretes secundarios, como Lee J. Cobb, Edward G. Robinson o Eli Wallach. Disponible en Apple TV. 

82. Un hombre llamado caballo (A Man Called Horse, 1970), de Elliot Silverstein 

Este título fue un gran éxito, porque por primera vez se describían por dentro las costumbres de una tribu india. Lanzó a la fama a Richard Harris, que protagonizó también dos secuelas, de calidad inferior. Basado en un relato de Dorothy M. Johnson, magnífica escritora especializada en literatura del Oeste, la película destaca por su tono a veces descarnado, naturalista y brutal. Para el recuerdo queda la escena del rito sangriento del alzamiento. Disponible en Amazon Prime Video. 

83. El día de los tramposos (There Was a Crooked Man, 1970), de Joseph L. Mankiewicz

Cínico y crepuscular western de Joseph L. Mankiewicz, los elementos cómicos que presenta son muy ácidos, hay un pesimismo de fondo, los hombres son incorregibles, parece decirse. El guión se debe al dúo David Newman-Robert Benton, también responsables del libreto de Bonnie y Clyde, y se nota en la descripción de la avaricia que fácilmente atrapa el corazón del ser humano.

84. La balada de Cable Hogue (The Ballad of Cable Hogue, 1970), de Sam Peckinpah

El gran Peckinpah muestra el fin del oeste, esta vez sin su típico tono violento, con un gran Jason Robards como cabeza de reparto. Todos los personajes tienen mucho aire de pícaros, especialmente el "predicador", un charlatán lujurioso de tomo y lomo. El aire tragicómico y desvergonzado de la historia alcanza su cénit en el sorprendente y meláncolico final. Disponible en Amazon Prime Video, Apple TV y Movistar Plus +. 

85. Pequeño gran hombre (Little Big Man, 1970), de Arthur Penn

Clásico indiscutible del cine de los años 1970, que ofrece una visión desmitificadora de las guerras con los indios, se ofrece la óptica de los pieles rojas, y así la caballería -con el general Custer a la cabeza- no queda demasiado bien parada, y se habla sin tapujos de genocidio. La voz en off Dustin Hoffman con comentarios irónicos y desenfadados recorre la narración, y el actor, con su cara de pánfilo, realiza uno de sus papeles más recordados. Arthur Penn imprime un toque ligeramente trágico y a la vez burlón a la historia, y trabaja con su actriz fetiche, Faye Dunaway (en el breve papel de Mrs. Pendrake), protagonista de su mejor película, Bonnie and Clyde. Disponible  Netflix y Prime Video. 

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76. Cometieron dos errores (Hang 'Em High, 1968), de Ted Post

También conocida como La marca de la horca. Interesante western que combina un guión eficaz, las requeridas dosis de violencia y un reparto a la altura. Por supuesto, Eastwood se encuentra como pez en el agua con su papel de hombre duro de pocas palabras, mientras que Bruce Dern le da buena réplica como malvado. Mítica música que, aunque recuerda a las mejores partituras de Ennio Morricone, esta vez es obra de Dominic Frontiere. Detrás de las cámaras se sitúa Ted Post, que cinco años más tarde dirigiría de nuevo al protagonista en Harry el fuerte. Disponible Amazon Prime Video y Apple TV.

77. Grupo salvaje (The Wild Bunch, 1969), de Sam Peckinpah

La obra cumbre de Sam Peckinpah, donde muestra su turbia visión de un mundo lleno de auténticos depredadores salvajes, en el que resulta difícil sobrevivir. Sus protagonistas son tipos desagradables, capaces de provocar una matanza de inocentes para abrirse camino. Pero el director es capaz de mostrar su punto de vista, y les otorga rasgos de humanidad y ciertos valores, como la lealtad. Así, el espectador llega a empatizar en mayor o menor medida con ellos, sobre todo en comparación con los siniestros cazarrecompensas a las órdenes del ferrocarril, o con el despiadado general Mapache, todos ellos inmorales. Disponible Amazon Prime Video, Movistar Plus+ y Apple TV. 

78. Dos hombres y un destino (Butch Cassidy and The Sundance Kid, 1969), de George Roy Hill

Aventuras basadas en dos auténticos ladrones del viejo Oeste, Butch Cassidy y The Sundance Kid. O sea, Paul Newman y Robert Redford, los dos desesperados más apuestos de la pantalla, en su primera colaboración juntos, solo repetirían cuatro años después en otra película de pillos, con el mismo director, George Roy Hill, El golpe. Disponible en Disponible Amazon Prime Video, Disney +, Movistar Plus+ y Apple TV. 

79. La leyenda de la ciudad sin nombre (Paint Your Wagon, 1969), de Joshua Logan

Una divertida comedia ambientada en el mundo sin ley que era el Oeste norteamericano durante el siglo pasado. Dirigida con buen oficio y con un ritmo trepidante por Joshua Logan, conocido por Bus Stop (1956) y Camelot (1967). Una película entretenida y muy animada, que cuenta con algunas escenas muy espectaculares y un reparto brillante. Disponible Amazon Prime Video y Apple TV. 

80. Valor de ley (True Grit, 1969), de Henry Hathaway

En la película, con guión basado en la novela de Charles Portis. Gran reparto y sólida dirección de uno de los especialistas del género, Henry Hathaway. Cuando la Academia decidió premiar justamente a John Wayne con un Oscar por su papel protagonista en este film, después de ser ignorado durante años, el actor declaró que debería de haberse puesto un parche "mucho antes". Disponible Amazon Prime Video y Apple TV.

 

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71. Ataque al carro blindado (The War Wagon, 1967), de Burt Kennedy

Producción de la Universal y un mano a mano entre dos grandes veteranos del western, John Wayne y Kirk Douglas. La aventura y la acción no decae en ningún momento gracias a sus protagonistas y a ciertas bromas que salpican el guión. Destaca también la música de Dimitri Tiomkin. Disponible en Apple TV y Movistar Plus +. 

72. El día de la ira (I Giorni dell'ira, 1967), de Tonino Valerii

Considerada una de las mejores películas de Valerii, esta modélica película de spaghetti-western fue rodada en Almería, localización que el director utilizó en muchos de sus cintas. La historia es entretenida con interpretaciones y diálogos notables. Destaca la presencia de Lee Van Cleef, asiduo villano en las películas del oeste. Disponible en RTVE.

73. Hasta que llegó su hora (C’era una volta il West AKA Once Upon a Time in the West, 1968), de Sergio Leone

Esta monumental epopeya se encuentra entre las grandes obras maestras del género. Entre sus numerosos valores, cuenta con la grandiosidad de sus exteriores en el Monument Valley y un reparto impresionante. Henry Fonda resulta absolutamente convincente en un papel de malvado, Frank, asesino psicópata y desalmado al que no le remuerde la conciencia tras aniquilar a una familia entera. Jason Rohards es el mestizo sobre el que pesa la acusación falsa de la matanza. Charles Bronson es el hombre que recuerda las salvajes torturas sufridas por su hermano. Bajo la experta y brillante dirección de Sergio Leone, Hasta que llegó su hora, supone una impecable combinación del mejor western con la grandiosidad del cine épico. Disponible en Apple TV, Amazone Prime Video y Movistar Plus +. 

74. La noche de los gigantes (The Stalking Moon, 1968), de Robert Mulligan

Siete años después de Matar a un ruiseñor, se repetía una fructífera colaboración entre Robert Mulligan y Gregory Peck, en este western con fina descripción psicológica de los personajes. Disponible en Apple TV y Amazone Prime Video.

75. El gran silencio (Il Grande silenzio, 1968), de Sergio Corbucci

Esta película ha sido considerada uno de los mejores spaghetti-western de la historia del cine. Cuenta con trepidante acción, un guión notable y la música de Ennio Morricone envolviéndolo todo. Se basa libremente en hechos reales ocurridos hacia 1898 en la localidad de Snow Hill en el Estado de Utah, EEUU donde el crudo invierno y las ventiscas hicieron que los lugareños tuvieran que robar ganado para sobrevivir, y fueran considerados fuera de la ley, y, por ende, como bandidos, por las autoridades que incluso, pagaban por su captura. Disponible en Filmin.

 

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66. Nevada Smith (1966), de Henry Hathaway

Un entretenido western en el que un joven busca justicia en una época en la que imperaba la ley de las pistolas. Basada en el mítico personaje creado por Harold Robbins en la novela Los insaciables. Muy atractiva desde el punto de vista estético. Steve McQueen construye a un personaje interesante, amargado por su pasado e implacable, que seducirá al espectador. Disponible en Amazon Prime Video y Apple TV. 

67. Django (1966), de Sergio Corbucci

Uno de los primeros éxitos de Sergio Corbucci, considerado experto en spaghetti-western. Se trata una entretenida y violenta producción italoespañola, rodada en Roma y Madrid, y supuso el debut como protagonista de Franco Nero, que demuestra su habilidad para hacer de tipo duro. Tuvo varias secuelas con el mismo personaje. Disponible en Movistar Plus+. 

68. Un hombre (Hombre, 1967), de Martin Ritt

 Martin Ritt firma un vibrante  y extraordinario western, nada convencional, con un desarrollo impecable, un paisaje árido-montañoso muy convincente y un plantel de actores para descubrirse ante ellos. Paul Newman interpreta magistralmente un hombre que es despreciado por su condición de medio indio, recto, solitario, huraño y que prefiere la compañía de los indios sobre cualquier otra. Los actores que le acompañan en el reparto tampoco se quedan atrás y recrean unos personajes totalmente creíbles. Disponible en Movistar Plus+. 

69. El más valiente entre mil (Will Penny, 1967), de Tom Gries

Tom Gries, que no había dirigido cine hasta entonces, ofreció el guión de esta película con la condición de dirigirlo también. La lectura de cuarenta páginas bastó a Charlton Heston para aceptar la insólita proposición, tanto le encadiló la historia, de la que llegó a decir que le había supuesto "uno de los grandes papeles de mi vida". La película es de gran realismo, y en la relación con una mujer casada y el chico que le admira –Jon Gries, el hijo del director–, puede hacer pensar en Raíces profundas. Pero llama la atención el dibujo de Will como hombre analfabeto y sin familia, que no ha conocido nunca el amor, la delicadeza, la sensibilidad, ¡la Navidad!, hasta ese momento. Disponible en Apple TV. 

70. De hombre a hombre (Da uomo a uomo, 1967), de Giulio Petroni

Rodada en año 1967 cuando el espectador todavía no se había recuperado del impacto de la genial trilogía de Leone, el realizador Giulio Petroni demostró haber aprendido bien la lección del maestro con una historia cuyo trazos principales bien hubieran podido salir de la mente del propio Leone. La película nos cuenta fundamentalmente una historia de venganza. Disponible en Movistar Plus+: Está disponible en el servicio de Movistar Plus+. 

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61. El bueno, el feo y el malo (Il buono, il brutto, il cattivo, 1966), de Sergio Leone

Con El bueno, el feo y el malo, la película de mayor presupuesto, Sergio Leone concluyó la legendaria Trilogía del dólar rodada en Almería con Clint Eastwood como protagonista. Fue precedida por Por un puñado de dólares (Per un pugno di dollari, 1964) y La muerte tenía un precio (Per qualche dollaro in più, 1965). La imagen del protagonista, basada en la del personaje principal de la película Raíces profundas (Shane, 1953), surgió y se formó en la primera película de la trilogía. Disponible en Amazon Prime Video y Movistar Plus+. 

62. Los profesionales (The Professionals, 1966), de Richard Brooks

El choque del idealismo con la vida real y la lealtad son los temas que trata este modélico western crepuscular adaptación de la novela A Mule For the Marquesa, de Frank O'Rourke. Está escrita, producida y dirigida por el todoterreno Richard Brooks.  Nominado a 3 Oscar (director, fotografía, guión adaptado) y 2 Globos de Oro (película de drama, nueva promesa femenina). Está considera por algunos como una de las diez mejores películas del viejo oeste. Disponible en Apple TV, Gooogle Play Películas y Movistar Plus+

63. El destino también juega (A Big Hand For the Little Lady AKA Big Deal at Dodge City, 1966), de Fielder Cook 

Un western decididamente diferente, aunque tiene muchos de sus elementos arquetípicos, no se dispara ni un solo tiro. El escenario es casi único, el saloon con su reservado para la partida, y logra sorprender en más de un momento.  Se conjuga bien el drama de una familia que se está jugando todo su futuro en una partida de póker, con el agravante de que debe seguir el juego alguien que no tiene ni idea de póker, con apuntes humorísticos atravesados de ironía, por las burlas de los contrincantes, y por unos cuantos giros narrativos, sobre todo en el último tramo, que no verá venir el espectador no avisado. Disponible en Apple TV. 

64. El Dorado (1966), de Howard Hawks

Un western de los clásicos, que cuenta con dos estupendos protagonistas y un grupo de secundarios de lujo, entre los que destacan James Caan, Charlene Holt o Edward Asner. Se trata de una película que conecta con Río Bravo (1959), también dirigida por Howard Hawks, cuya historia tiene múltiples puntos en común. Está basado en la novela The Stars in Their Courses, de Harry Brown, y además de una acción trepidante, tiene unos diálogos divertidos. Una excepcional combinación entre los mejores ingredientes del buen western y el humor audaz de Hawks. Disponible en Amazon Prime Video, Google Play Películas y Apple TV. 

65. El halcón y la presa (La resa dei conti, 1966), de Sergio Sollima 

La mejor de las películas de su directr. Supuso la primera película de las dos protagonizadas por Tomás Milián en el papel de Cuchillo. La siguiente es Corre, Cuchillo, corre (Corri, uomo, corri, 1969), también dirigida por Sergio Sollima. La película El halcón y la presa, como otros spaghetti western, se filmó en diverso lugares de España, entre ellos: Almería y la Sierra del Guadarrama.

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Clásicos de cine: Hombre errantes

Hombres errantes (The Lusty Men, 1952), de Nicholas Ray

Jeff McCloud, una popular estrella del rodeo, incapacitado por una serie de accidentes, vuelve tras varios años de ausencia a Springs (Texas), su ciudad natal, para iniciar una nueva vida. Se dedica a entrenar para los campeonatos de rodeo a Wes, un joven que necesita ganar dinero para comprarse una pequeña granja.

Un interesantísimo y nada complaciente melodrama acerca del mundo de los rodeos y la nómada y desarraigada vida que llevan sus participantes. Es lo que nos ofrece Nicholas Ray, un cineasta del Hollywood clásico que se caracterizó paradójicamente por ser de los menos clásicos y más modernos. Y lo hace a través de un extraño triángulo amoroso, compuesto por un veterano del rodeo (Robert Mitchum), cuyas lesiones le han hecho retirarse de los concursos y un matrimonio formado por la bella y temperamental Susan Hayward y Arthur Kennedy, quien se convertirá en el próximo aspirante a estrella del rodeo, entrenado por el veterano y cuya aspiración es ganar un dinero fácil y rápido, para poder comprar su propio rancho.

“No hay caballo que no pueda ser montado, ni vaquero que no pueda ser derribado”. Esta frase se convierte en el leitmotiv de Hombres errantes y que tiene muchos paralelismos con la convulsa vida de este director, que acabó cayendo en adicciones y devastado por un cáncer, según lo cuenta Wim Wenders en Relámpago sobre el agua. 
Una película en blanco y negro con una buena fotografía de Lee Garmes, recreando en sus paisajes el sur del país. Una crónica sobre la atracción del abismo en la que tienen especial protagonismo las mujeres que siguen, por amor, a sus parejas; sufriendo solidariamente el alto riesgo; enganchadas, sin duda, a las descargas de adrenalina que corren paralelas a la próxima tragedia. Nicholas Ray crea una radiografía, una especie de documental de ese tipo de vida, y nos arrastra por las carreteras, por las caravanas, por los establos, por el calor, el polvo, los juegos de azar, por las juergas y locales nocturnos, por cada uno de los campamentos, por el propio espectáculo, los caballos, las reses y el destino de unos perdedores. La película profundiza en esos temas que tanto gustan a Ray: la búsqueda de un hogar, el retorno al lugar donde se fue feliz, la recuperación de las raíces y de la autoestima perdida, y sobre todos ellos, el amor redentor.
la cinta destila un lirismo nostálgico, quizás por su filiación al western, sin llegar a serlo. En una adaptación muy libre de la novela de Claude Stanush, que reescribían al parecer, y según Ray, por las noches el propio cineasta junto a Mitchum, ambos borrachos. Una película definitiva sobre el rodeo que influenció a directores posteriores a su generación, una vez más la sombra del fatalismo se cierne sobre los protagonistas, claros perdedores en un mundo masculino cuyo centro es Louise (Hayward), la mujer aparentemente juiciosa pero ambiciosa que desconfía de su marido, y es fruto del deseo del vapuleado Jeff. Una notable película que no deben perderse los buenos aficionados al cine.

“The Rider”, “First Cow"...: el western, un género más masculino

En la magnífica First Cow (2019),los hombres están recogiendo arándanos rojos y lavando la ropa. Un perfecto ejemplo de una película que, junto a otras, deconstruye los códigos viriles del western.

El western, antes, era simple: tipos rudos de fuerte barbilla, cabalgadas fantásticas, duelos a tiro limpiot, reyertas de borrachos en la cantina... En otras palabras, esencia de testosterona concentrada, esparcida -"despatarre masculino"- en la pantalla, al servicio de valores voluntariamente patrióticos, colonialistas y, en la medida de lo posible, misóginos.

En First Cow (2019), de Kelly Reichardt, los personnages interpretados por John Magaro y Orion Lee no sueñan con grandes calibre y el gran Oeste... sino en pasteles y panadería

Hoy las cosas se complican más: los hombres ya no necesariamente comparan el tamaño de su colt, como en Río rojo (Red River, 1948), de Howard Hawks, sino el de sus sueños... Con First Cow, Kelly Reichardt deconstruye la mitología viril del salvaje oeste. Sus héroes no son los toscos cazadores que poblaban el Oregón de la década de 1820, sino un cocinero y un inmigrante chino. Dos amigos delicados y sensibles, se embarcan en un negocio arriesgado: por la noche, extraen leche en secreto de la única vaca presente en el territorio para hacer y vender deliciosas buñuelos que podrían asegurar su fortuna. La conquista del Oeste, para estos dulces soñadores, pasa por la del estómago. Y como horizonte más grandioso, es la apertura de una panadería lo que acapara sus mentes.

 John Wayne y Montgomery Clift en Río rojo (1948)

Roles invertidos

No hay ningún equipo salvaje, por lo tanto, en el programa de sus modestas aventuras, pero aún así peligrosas. Si se juegan la cabeza con sus travesuras lecheras, los cómplices son sobre todo filmados en una cotidianidad doméstica amable y ritualizada. Estos dos lavan la ropa, cosen, cocinan, barren y decoran sus interiores, hacen una tarta de arándanos… Reichardt invierte los roles habitualmente asociados a la condición femenina, divirtiéndose desviando la mirada. Incluso en una escena de cantina donde llega un machote con una cuna, bajo las bromas de los demás clientes. 

Crónica doméstica, naturalista y gourmet, esta película es también y sobre todo una conmovedora historia de amistad, fraternidad, sin competencia ni lucha por el poder. Un canto a la solidaridad, una suerte de antiowestern, envuelto en el oropel del género.

No es la primera vez que la cineasta invierte los códigos del "Wild Wild West": en Meek's Cutoff (2010), ya había revisado y corregido el mito, devolviéndolo a los aspectos más triviales: caminar bajo un sol implacable, preparar el té, hacer fuego, ir a buscar agua... La historia sigue el laborioso y antiespectacular avance de un convoy de pioneros, hombres y mujeres perdidos en Oregón, tratando de sobrevivir en el infierno de un desierto mineral. No hay nada heroico en esta crónica minimalista y sensorial, donde surge una inversión de las relaciones de poder entre el jactancioso trampero, contratado para guiar el convoy, y una de las mujeres del grupo (Michelle Williams). Poco a poco, la autoridad de esta madre, sabia y resuelta, acabará suplantando a la del varón que se supone sabe adónde va, y en realidad está totalmente perdido. Declive de una masculinidad cada vez menos triunfante frente a la afirmación del poder femenino.

Shirley Henderson, Zoe Kazan y Michelle Williams en  Meek's Cutoff (2010), de Kelly Reichardt. Una película donde la mujer impone su sabia autoridad al hombre charlatán y fracasado

Por supuesto, Hollywood no esperó a los 2000 para revolucionar la figura del cowboy y los códigos del western. Poniendo a veces a la mujer en primer plano (recuérdese a Marlène Dietrich en Encubridora (Rancho Notorious, 1952) o a Joan Crawford en Johnny Guitar (1954)) o, más generalmente, rebajando la imagen del macho dominante, sin debilidades ni dudas - El hombre del oeste (Man of the West, 1958), de Anthony Mann; El hombre que mató a Liberty Valance (The Man Who Shot Liberty Valance, 1962), de John Ford; Pequeño gran hombre (Little Big Man, 1970), de Arthur Penn; Sin perdón (Unforgiven, 1992), de Clint Eastwood...-. Pero en los últimos años, la exploración de los orígenes del mito americano pasa, cada vez más abiertamente, por el de la psique y las neurosis íntimas. Con la adaptación de la novela de Thomas Savage en El poder del perro (The Power of the Dog, 2021), Jane Campion se divierte desentrañando la masculinidad tóxica, mientras explica el sustrato homoerótico que atraviesa el género desde sus inicios.

Uno de los primeros contraejemplos del género, Johnny Guitar (1954), de Nicholas Ray, donde el papel de Joan Crawford no se limita a la cocina y la seducción (o viceversa)

Así Phil, el hosco vaquero (Benedict Cumberbatch) reina indiscutiblemente sobre sus tierras en la década de 1920 en Montana, mientras vive recordanndo, obviamente enamorado, a su difunto mentor, Branco Henry. Si Phil entristece a la mujer de su hermano y al hijo de ésta, Peter, un chico demasiado femenino para su gusto, es él, el macho alfa, quien finalmente se derrumba ante este adolescente que despierta en él tanta repulsión como fascinación. En el momento de su estreno, la novela causó indignación por atreverse a debilitar la imagen templada de acero del héroe del Salvaje Oeste. Jane Campion aprovecha este venenoso relato para evocar, sobre todo, la vulnerabilidad y la soledad de los hombres de las grandes llanuras.

Benedict Cumberbatch y Kodi Smit-McPhee en El poder del perro (2021)

Ang Lee, en 2005, relató magistralmente la violencia de los sentimientos reprimidos, con Brokeback Mountain (en terreno vedado) (Brokeback Mountain, 2005). La crónica de un amor secreto e imposible entre dos vaqueros, de los años 1960 hasta la década de 1980, en una América rural conservadora. Con este faceta gay de Los puentes de Madison (The Bridges of Madison County, 1995), el cineasta se aprovechó de los códigos del western para entregar un melodrama conmovedor, cuyos héroes se veían condenados a ponerse la máscara de una masculinidad falsa y heteronormativa, a traicionar sus sentimientos para doblegarse a las reglas del juego social.

Jake Gyllenhaal y Heath Ledger, en Brokeback Mountain (en terreno vedado) (2005)

Los que no cumplen, como mínimo, son los magníficos perdedores que pueblan las películas de Chloé Zhao. Con ello, el western se convierte en el lugar del marginalidad, de los olvidados del sistema. En The Rider (2017) se revela la magnífica y conmovedora figura de un joven vaquero nativo americano, condenado a no volver a montar a caballo tras un accidente en un rodeo. Su fragilidad: la placa de metal clavada en su cabeza, una verdadera bomba de relojería, que puede destruirlo, así como un accidente automovilístico destrozó el destino de su mejor amigo, ahora en silla de ruedas... La masculinidad que se muestra aquí es la de los hombres dañados. , para algunos pluridiscapacitados, convertidos en empleados de supermercado, viviendo de la asistencia social y de ilusiones perdidas. “Como feminista, creo que es muy importante decirles a las niñas que pueden ser fuertes, pero también es importante decirles a los niños que pueden ser vulnerables”, explicó la directora en una entrevista. “Quiero crear diferentes imágenes con las que los jóvenes puedan identificarse. "Un día, los vaqueros, quién sabe, ya no tendrán que esconderse para llorar…".

      Brady Jandreau en The Rider, (2017)

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CXXXII)

El Topo (1970), de Alejandro Jodorowsky

El Topo es a la vez violento y extraño, una película que transciende cualquier western jamás hecho. Nuestro héroe es el último pistolero vestido de cuero negro que será el encargado de limpiar un pueblo aislado de forajidos malignos. Su misión es matar a los cuatro Maestros del Desierto. Este hombre vive atormentado por lo que hizo en su pasado. Tras su muerte será resucitado y adquirirá una nueva personalidad que le llevará en un viaje a rectificar las injusticias que antaño le abrumaron. Se caracteriza por sus extraños acontecimientos y personajes, la utilización de actores mutilados y enanos, y las abundantes dosis de simbolismo cristiano, y filosofía oriental. La película sigue a un personaje que, montado en su caballo y con su pequeño hijo desnudo a la grupa, reparte justicia allí por donde pasa en su incesante búsqueda por alcanzar la iluminación, y dar sentido a su vida. La película suele ser interpretada como una metáfora del Antiguo y Nuevo Testamento. Los cuatro maestros representarían los cuatro grandes profetas del Antiguo Testamento (Isaías, Jeremías, Ezequiel y Daniel) y El Topo a Jesucristo. Singular y provocativa película de culto, mezcla de géneros y movimientos culturales. John Lennon dijo de ella que era una obra maestra. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CV)

La muerte tenía un precio (Per qualche dollaro in più, 1965), de Sergio Leone

Dos cazadores de recompensas se alían para encontrar a un peligroso forajido llamado El Indio y repartirse los beneficios de la captura. Uno de ellos es El Manco, un pistolero cínico, fumador y parco en palabras; el otro es el coronel Mortimer, un hombre mayor marcado por su pasado que tiene sus propios motivos para querer acabar con la vida del Indio. El director Sergio Leone y el actor Clint Eastwood recuperaron al personaje del Hombre Sin Nombre, que ambos habían creado para la clásica Por un puñado de dólares. En el reparto de este espagueti wéstern de 1965 encontramos al citado Eastwood, Lee Van Cleef, Gian Maria Volonté y Klaus Kinski. Cabe destacar también la pegadiza banda sonora, que tiene el sello inconfundible del célebre compositor italiano Ennio Morricone. La película, que fue rodada íntegramente en España, arrasó en las taquillas y propició la producción de una secuela igualmente exitosa: El bueno, el feo y el malo. Su título original (Per qualche dollaro in più) ya sugiere que es la continuación natural de Por un puñado de dólares.