Hace 100 años: La ley de la hospitalidad

El 15 de noviembre de 1923 se estrenó la película estadounidense La ley de la hospitalidad (Our Hospitality), dirigida por Buster Keaton y John G. Blystone e interpretada por Buster Keaton, Ralph Bushman, Craig Ward, Monte Collins, Joe Keaton, Natalie Talmadge, Joe Roberts. Productora: Joseph M. Schenck Productions. Duración: 74 minutos. 

Sinopsis argumental: Keaton es William McKay, un joven que regresa a su pueblo natal, al sur de los Estados Unidos, para heredar la finca de su madre. En el viaje se enamora locamente de Virginia. Pero se trata de un amor imposible ya que las familias se odian a muerte. Cuando los hermanos de Virginia se enteran de que William es un McKay, intentan asesinarlo. Él se cobija en casa de sus enemigos para aprovecharse de una costumbre sureña según la cual nadie puede matar a su huésped. 

Comentario: Keaton muestra así una estampa cómica de las costumbres sudistas, no exenta de criticismo. La película es una de sus indiscutibles obras maestras, sin tanta aureola mítica como El maquinista de la general, pero sí a su altura creativa. Famosa por su trucaje es la memorable escena en que Keaton se balancea al borde del torrente para salvar a su amada. Como dato curioso, actúan también el padre de Keaton y su hijo de quince meses: tres generaciones.

Historia del cine: El cine nórdico (III)

(cont.)

Mientras tanto, Sjöström y Stiller seguían sus carreras paralelas, con Sjöström actuando con frecuencia en las películas de su colega finlandés. De los 62 largometrajes que dirigieron entre 1912 y finales de 1916, prácticamente todos han desaparecido o han sido destruidos en incendios. No obstante, la obra más importante de Sjöström, Ingerborg Holm (1913), basada en una obra teatral de Nils Krok, ha logrado llegar hasta nuestros días como prueba de la atención del director hacia los detalles y su sentido del compromiso social. La protagonista de la película Ingerborg Holm, se ve arrojada a una casa de beneficencia cuando muere su marido, y uno a uno, le son arrebatados todos sus hijos. Se convierte en una mujer desesperada y prematuramente envejecida, que acuna un trozo de madera entre los brazos como si fuera uno de sus hijos perdidos. La película provocó una polémica en Suecia, donde contribuyó a que se introdujeran mejoras en las leyes de beneficencia, y admiración en el extranjero. 

Hilda Borgström en Ingerborg Holm (1913)

la primera obra maestra de Stiller fue Amor y periodismo (Kärlech och Journalistik, 1916), una deslumbrante comedia sobre una joven periodista que se hace pasar por criada en el hogar de un explorador del Antártico con el fin de conseguir un reportaje para su periódico. Karin Molander fue la deliciosa heroína de ésta y de otro para de comedias de Stiller (en las que también trabajaba Victor Sjöström), La mejor película de Thomas Graals (Thomas Graals Bästa Film, 1917) y su secuela El mejor hijo de Thomas Graals (Thomas Graals Bästa Barn, 1918).

Karim Molander en Amor y periodismo (1916)

Luego Sjöström se lanzó a realizar toda una serie de adaptaciones literarias, cada una de ellas más lograda y sorprendente que la anterior. Su Había una vez un hombre (Terje Vigen, 1917) estaba basada en el poema épico de Henrik Ibsen sobre un pescador que rompe el bloqueo inglés a Noruega durante las Guerras Napoleónicas, resulta capturado, y tras llevar una vida miserable tiene porn la oportunidad de vengarse de su enemigo; pero, en vez de ello, su sentido de la humanidad logra vencer el odio. Sjöström también adaptó varias obras de Selma Lagerlöf. 

Foto tomada durante el rodaje Había una vez un hombre (1917), en la que Victor Sjöström interpretaba a un pescador aparentemente solo en medio del mar, en un pequeño bote; de hecho, el pescador se encontraba sobre una roca a la que se le había fijado el mástil

Un escritor sueco que trabajó como guionista de Sjöström y Stiller de 1916 en adelante fue Gustaf Molander (1888-1973). Con el tiempo llegó a convertirse en director y se mantuvo en el pináculo de su carrera hasta los años 1960; su última película fue un episodio rodado en 1964 e interpretado por Ingrid Bergman, en la película de sketches Stimulantia (1967). Molander se caracterizaba por el refinamiento de sus diálogos y por su capacidad para dirigir a las actrices, como por ejemplo a Ingrid Bergamn en Intermezzo (1936

Historia del cine: El cine nórdico (II)

(cont.)

Asta Nielsen uno de los primeros prototipos
de la "vamp" en El abismo (Afgrunden, 1910)

La caza de un león representó un hito en el mercado internacional para la Nordisk; y, entre 1907 y 1910 la compañía de Olsen produjo 560 títulos más. Se incorporaron al cine famosos actores teatrales, entre ellos Bodil Ipsen, Clara Pontoppidan, Olaf Fonns, Poul Reimert y la legendaria Asta Nielsen. Valdemar Psilander era relativamente desconocido antes de unirse a la Nordisk; pero, al cabo de poco años, era uno de los hombres más populares de Europa. Sin embargo, se cree que se suicidó. 

Para la Nordisk trabajaron también algunos de los mejores directores de ese período, incluyendo a August Blom, Carl Theodor Dreyer, Holger Madsen y George Schnéevoigt.  Dreyer empezó su carrera en la llamada "caravana de los poetas", en la que se reunían y trabajaban los guionistas de la Nordisk. Hizo su debut con El presidente (Præsidenten, 1919), la historia de un juez con un difícil pasado, y luego realizó Las páginas del libro de Satán (Blade af Satans bog, 1921), basada en una novela de Marie Corelli. Luego abandonó la Nordisk. 

La estrecha relación con Alemania se puso de relieve cuando Dreyer rodó en dicho país una de sus películas más impresionantes Michael (Deseo del corazón) (Mikaël, 1924), basada en una novela de Herman Banng, que había sido llevada a la pantalla ocho años antes por Stiller, con el título de Vingarne (1916).

Häxam, la brujería a través de los tiempos examinaba con una mezcla de horror y humor diversos aspectos del ocultismo. La película se repuso en 1968, con un comentario escrito por el novelista William Burrough

Otros dos daneses significativos del período de preguerra fueron Urban Gad (1879-1947), que contribuyó a convertir a Asta Nielsen en una gran estrella con películas tales El abismo (Afgrunden, 1910), Sangre caliente (Heisses Blut, 1911); y el enigmático Benjamin Christensen (1879-1959), quien demostró ser un maestro del cine de terror, antes de que éste se convirtiera en genero, con La X misteriosa (Det Hemmelighedsfulde X, 1913) y Justicia ciega (La noche de la venganza) (Hævnens nat (Blind Justice), 1916). Chritense produjo una extraordinaria película semidocumental en Suecia, Häxan. La brujería a través de los tiempos (Häxan, 1922); y tras una breve temporada en Alemania, embarcó para Hollywood, donde una larga serie de películas de terror -de las cuales la mejor es Seven Footprints to Satan (1929)-, demostraron que era una figura comparable a Louis Feuillade o Tod Browning.

(cont.)

Historia del cine: El cine nórdico (I)

Durante los primeros años del siglo XX, el cine se consolida de una forma notoria en los países nórdicos. Se puede hablar de casos aislados, de pioneros que ponen los cimientos de una de las cinematografías más significativa de los años 1910 y 1920. En este período se desarrolla la etapa más creativa de los grandes maestros como Sjöström, Stiller y Dreyer. La plástica de la luz y de la sombra se plasma en muchas de sus obras, que transpiran el sentimiento de una tierra y de sus gentes. La expiación de Gösta Berling y La pasión de Juana de Arco son dos las películas más significativas de estos años. 

El cine sueco y danés

  Estudios de cine AB Svenska de Läroverksvägen en Lidingö en 1912

Los especialistas afirman que los idiomas escandinavos están inexplicablemente ligados al alemán. Ciertamente, en los primeros días del cine mudo, la suerte de Dinamarca y Suecia dependió en gran medida de lo que estaba ocurriendo al sur del Báltico y viceversa. En años posteriores, esta conexión ha ido desapareciendo. 

El cine sueco inicia la búsqueda de su propia personalidad en 1907, cuando Charles Magnusson fue nombrado director de producción de AB Svenska Biografteatern, la productora que todavía florece hoy en día con el nombre de Svensk Filmindustri. Entre las dotes de Magnusson figuraban un gran talento para la 

Charles Magnusson hacia 1909

cinematografía (había logrado fama en el campo del noticiario) y una eficiencia como administrador que le permitió permanecer en la cumbre de su profesión. Se sentía más atraído por el campo sueco que por las zonas urbanas. con sus teatros y sus "music-halls" y decidió rodar la mayoría de sus películas en escenarios naturales.

Así este pionero, una verdadera leyenda en la industria sueca del cine, puso los cimientos de una tradición que ha continuado hasta llegar a la obra de Ingmar Bergman y Bo Widerberg. Las virtudes relacionadas comúnmente con el cine nórdico, espléndidas interpretaciones, fotografía luminosa, temas intemporales y compromiso social, puede atribuirse todas a la influencia de Magnusson.

A comienzos de 1912, Magnusson ofreció contratos a Maurice Stiller y Victor Sjöström. Los tres se hicieron amigos íntimos y, a lo largo de los diez años siguientes, Sjöström y Stiller dirigieron cientos de películas, dando así lugar a la Edad de Oro del cine sueco, y consiguiendo un prestigio que hizo que fueran llamados por Hollywood. 

Los dos hombres tuvieron que aprender el oficio cinematográfico juntos. Trabajaron en un estudio hecho todo de vidrio, en la isla de Lidingö, al este de Estocolmo. Julius Jaenzon, uno de los grandes operadores del cine mudo, llevaba ya algún tiempo trabajando en el cine y enseñó los rudimentos a los nuevos directores. Georg af Klecker (1877-1951), ahora injustamente olvidado, era el jefe del estudio, aunque dirigió sus mejores películas para otros, la compañía Hasselblad de Gothhenburgo. Entre ellas cabe destacar: Kärleken segrar (1916) y Mysteriet natten till den 25:e (1917). 

La Nordisk es actualmente la productora
en activo más antigua del mundo

Pero Sjöström y Stiller no eran genios aislados. Ambos se sintieron indudablemente impresionados por el vecino cine danés. que había iniciado su época de máximo florecimiento antes de 1912. La Nordisk Films Kompagni había sido fundada en noviembre de 1906 por Ole Olsen, en otros tiempos granjero sin recursos, convertido en exhibidor de feria y luego en propietario de un cine. Bajo su liderazgo, la compañía llegó a ser conocida en todo el mundo, con su marca característica, un oso polar encima del globo terráqueo. Todos los rodajes se hacían al aire libre, con una cámara rudimentaria y unos cuantos actores que posaban delante de frágiles telones pintados que reproducían interiores. Los primeros éxitos de Olsen fueron dos documentales, La caza de un oso polar (Bjornen Los, 1906), escenas de la caza de un oso polar que inspirarían posteriormente La caza de un león (Løvejagten, 1908), un cortometraje de diez minutos, dirigida por director Viggo Larsen, de los que llegaron a hacerse hasta 191 y 259 copias, respectivamente. La caza de un león provocó una enorme protesta pública en Dinamarca porque mostraba el tiroteo real de dos leones cautivos. 

(cont.)

El expresionismo alemán (III)

(cont.)

Un buen ejemplo de iluminación expresiva que mantiene una interacción dinámica con unos decorados llenos de imaginación lo ofrece El Golem (Der Golem, wie er in die Welt kam, 1920), de Paul Wegener, una variación sobre el mito de Frankenstein, que cuenta la creación de un monstruo en el ghetto medieval de Praga (remake de su obra anterior, también titulada El Golem de 1913). Los decorados, magníficamente iluminados, fueron obra de Hans Poelzig, quien también había diseñado los del montaje teatral de "Grosses Schauspielhaus" para Reinhardt, en Berlín. No obstante, puede decirse que esa película se alejaba ya del movimiento expresionista como tal, convirtiéndose en una muestra del romanticismo alemán y de la estilización en un sentido mucho más general de la palabra.

El Golem (Der Golem, wie er in die Welt kam, 1920)

No ocurre lo mismo con El hombre de las figuras de cera (Das Wachsfigurenkabinett, 1924), de Paul Leni, decorador, pintor y anterior colaborador de Reinhardt. Al igual que El gabinete del Dr Caligari, la película estaba ambientada en un parque de atracciones, en el que un grupo de figuras de cera cobraban alarmantemente vida. Es innegable que las observaciones del propio Leni muestra una actitud muy similar a la de numerosos pintores y diseñadores expresionistas.

El hombre de las figuras de cera (Das Wachsfigurenkabinett, 1924)

"He intentado crear unos decorados tan estilizados que marginen cualquier referencia a la realidad. Lo que la cámara percibe no es la realidad externa, sino la de los acontecimientos internos, que resulta más profunda, efectiva y conmovedora que la que vemos todos los días... Creo que el cine es capaz captar y reproducir esa otra realidad" -afirmo Leni-. 

De hecho, muy pocas películas pueden considerarse genuinamente expresionistas, y las que más se aproximan al expresionismo puramente visual o teatral no son necesariamente las mejores. No obstante, hay muchas (alemanas y de otras nacionalidades) que reflejan de una forma u otra la influencia del movimiento, pero etiquetarlas a todas como "expresionistas" (dándole a la palabra un sentido distinto a simplemente "expresivo" o "estilizado") equivale a quitarle al término todo su significado. 

Cine: El expresionismo alemán (II)

(cont.)

Utilizando los servicios del arquitecto Andrei Andreiev (que posteriormente trabajó con Alexander Korda en Gran Bretaña); Wiene puso el acento en los decorados arquitectónicos en lugar de simplemente pintados intentando reflejar a través de ellos el paranoico estado de ánimo de Raskolnikow. El efecto se lograba mediante la distorsión y la estilización, sobre todo en la secuencia del sueño, en la que una escalera con las paredes desconchadas, las barandillas torcidas y súbitas caídas, se veía poblada de "fantasmas". Pero la iluminación era sorprendentemente plana y la forma inexpresiva y naturalista de actuar del reparto (compuesto por miembros del Teatro de las Artes de Moscú) entraba en contradicción con el expresionismo de los decorados, dando lugar a una película confusa y desigual.

Raskolnikow (1923)

Especialmente interesante es Von Morgens bis Mitternachts (1920), de Karl Heinz Martin, historia del sórdido declive y derrumbamiento final de un empleado de banca. El guión estaba basado en un obra de Georg Kaiser, y los decorados fueron diseñados por Robert Neppach. Martin y Neppach habían trabajado juntos en el montaje del drama "Die Wandlung", de Ernst Toller, en Berlín en 1919, y su colaboración en Von Morgens bis Mitternachts consiguió una auténtica fantasmagoría expresionista que resultaba todavía más irreal y onírica que la de la obra teatral original. 

Von Morgens bis Mitternachts (1921)

Como demuestra Raskolikow por defecto, la expresividad y fuerza de los decorados pueden verse enormemente realzadas por un uso creativo de la iluminación. En este sentido, ningún artículo sobre el cine alemán mudo estaría completo si no mencionase al director de teatro Max Reinhardt. Aunque no era él mismo un artista expresionista. Reinhardt facilitó las cosas al movimiento teatral y cinematográfico, en parte por las obras y autores que montaba (por ejemplo, August Strindberg), pero sobre todo a través de su puesta en escena, especialmente su antinaturalista uso de las luces y las sombras para crear una determinada atmósfera, y su empleo de todos y cada uno de los elementos del espacio teatral.

Raskolnikow (1923)

(cont.)

Cine: El expresionismo alemán (I)

Expresionismo: "intento de presentar la vida interior de la humanidad en lugar de su apariencia externa". En el primitivo cine alemán, los decorados se propusieron hacer realidad esta difinición, y el uso exclusivo de interiores, la iluminación artificial y los ángulos de cámara  originales y extraños se convirtieron en su "marca de  fábrica".

Como movimiento artístico, moderno y específico, el expresionismo alemán duró desde 1914 a 1924, manifestándose primero en la pintura y en la poesía, y luego en el teatro y el cine; de hecho, la película generalmente considerada como primer ejemplo del cine expresionista alemán, El gabinete del doctor Caligari (Das Cabinet des Dr. Caligari), dirigida por Robert Wiene no apareció hasta 1920, ya casi a finales del movimiento. Su tardía irrupción en el cine es explicada de la siguiente manera por John Willet en su libro "Expressionism (1970)": "Cuanto más complicada sea la maquinaria de comunicación, y menos sujeta a la voluntad del escritor o artista individual, más tardará en reflejarse en ella un determinado moviemiento. Así, mientras que en la pintura o en la poesía, es el propio artista el responsable de ofrecer el producto acabado, por lo que el proceso es rápido, la letra impresa tarda algo más, y el teatro todavía mas." Y, por supuesto, el cine muchísimo más.

El gabinete del doctor Caligari (1920)

Los espectadores actuales considera El gabinete de doctor Caligari una película plana, bidimensional y excesivamente teatral. No obstante, sus decorados revelan mucho acerca del papel del diseño en el cine expresionista alemán, reflejando y evocando las formas de pensar y los estados de ánimo de los personajes y contribuyendo a crear la evocadora atmósfera de la película. Como corresponde a una historia  que intenta mostrar el mundo visto a través de los ojos de un loco, El gabinete del doctor Caligari utiliza las perspectivas distorsionadas, las líneas disparatadamente oblicuas y los ángulos de cámara más fantásticos, mientras que la forma de actuar de Werner Krauss y Conradt Veidt es lo suficientemente estilizada como para encajar en ese mundo. Como señala Siegfried Kracacuer en "De Caligari a Hitler: Historia psicológica del cine alemán", los decorados de la película constituyen "una proyección exterior de acontecimientos internos... una transformación perfecta de los objetos materiales en ornamentos emocionales". Los personajes se mezclan en sombría armonía con los objetos que los rodean, y en la amenaza latente de Cesare se encontraba ya el embrión del nazismo, el auténtico "huevo de serpiente" al que se refirió posteriormente Bergman en su película del mismo título rodada en 1977, El huevo de la serpiente (Das Schlangenei/Ormens ägg). La excitación intelectual que se vive en Alemania tras el Armisticio lleva a que la vanguardia, la pintura expesionista y el entusiasmo por el cine pasarán a ocupar un papel preponderante. Los decorados fueron obra de Herman Warm, Wlater Röhrig y Walter Reihmann, todos los cuales estaban afiliados al grupo "Sturm", el de los expresionistas berlineses. 

El gabinete del doctor Caligari (1920)

El gabinete del doctor Caligari obtuvo tanto éxito (sobre todo fuera de Alemania) que dio origen al término "caligarismo". Describir un mundo cinematográfico en el que todo estaba al revés y "patas arriba", y, al igual que la etiqueta "expresionismo", se aplicó de manera algo indiscriminada a una larga sucesión de películas alemanas. El director de El gabinete del doctor Caligari, Robert Wiene, intento prolongar el éxito de la misma con Genuine (1920), la historia de una "mujer fatal", que contaba con sorprendentes decorados bidimensionales, obra de Cesat Klein, quien había sido una de las luminarias del grupo "Neue Secession", una de las primeras asociaciones de pintores expresionistas, habiendo diseñado los decorados del montaje de la obra Hölle Weg Erde, del destcado autor expresionista Georg Kaiser, en el teatro Lessing de Berlín  en 1919. 

Genuine (1920)

No obstante, hubo que esperar hasta Raskolnikov (1923), adaptación de la obra Crimen y castigo de Fedor Dostoyevski, para que Wiene lograse superar los problemas de la profundidad y la perspectiva.

Raskolnikow (1923)

(cont.)

Historia del cine aleman: Magos de la luz

El período del cine alemán dominado por la UFA destacó sobre todo por la eficiencia técnica de sus estudios. Las producciones se caracterizaban por lo cuidado de sus decorados y por una excelente fotografía en blanco y negro. Los dos directores de fotografía más destacados fueron Fritz Arno Wagner (1899-1958) y Karl Freund (1890-1969), que trabajaron fundamentalmente para la UFA. 

Wagner comenzó como operador de noticiarios, y rodó su primer largometraje en 1919, Der Galeerensträfling. Fue el director de fotografía de películas tan conseguidas del cine mudo como: Las tres luces (Der müde Tod, 1921) y Los espías (Spione, 1928), ambas de Fritz Lang; Nosferatu: una sinfonía del horror (Nosferatu, eine Symphonie des Grauens, 1922), de F. W. Murnau; Sombras (Schatten 1923), de Arthur Robison; La crónica de Grieshuus (Zur Chronik von Grieshuus, 1925), de Arthur von Gerlach, y El amor de Jeanne Ney (Die Liebe der Jeanne Ney, 1925), de Georg Wilhelm Pabst. Permaneció en Alemania durante todo el III Reich, y trabajó incluso después de la II Guerra Mundial, pero sin demasiadas oportunidades de demostrar su talento. 

Fritz Lang y Fritz Arno Wagner durante un rodaje

Por otro lado, Karl Freund marchó a Hollywood en 1929, tras haber fotografiado titulos clásicos como El Golem (Der Golem, wie er in die Welt kam, 1920), de Paul Wegener y Carl Boese; El último (Der Letzte Mann, 1924) y Tartufo o el hipócrita (Herr Tartüff, 1925), de F. W. Murnau; Varieté (1925), de E. A. Dupont, y Metrópolis (Metropolis, 1927), de Fritz Lang. Freund había comenzado también como operador de noticias y, al igual que Wagner, se especializó en los efectos de claroscuro propios del cine alemán de la época y, sobre todo, de las películas que abordaban temas de misterio y sobrenaturales. 

Karl Freund también durante un rodaje

En el libros de The German Cinema, de Roger Manvell y Heinrich Fraenkel han descrito su trabajo y el Wagner así: "Si cabe definir el arte fotográfico como el plantar una escena con la luz, eso es precisamente lo que hicieron esos dos destacados directores de fotografía, utilizando con mano maestra la combinación de luces altas con zonas de penumbra, construyendo composiciones de luces y sombras, rodeando la imagen de niebla, disolviéndola mediante  sobreimpresiones, convirtiéndola en mágica por medio de las exposiciones múltiples y creando vastas perspectivas dotadas de una altura y profundidad ilusorias mediante el método Scüfftan y otros capaces de combinar maquetas con decorados a tamaño real. Suyas fueron la habilidad técnica y artística que permitieron reflejar bi-dimensionales, en blanco y negro, en luces y sombras, en niebla e iluminación, las visiones imaginarias de directores tan diferentes como Lang y Pabst, Wiene y Murnau, así como de los hombres que diseñaron y construyeron sus magníficos y expresivos decorados".

Los directores de fotografía alemanes (especialmente Freund) utilizaron mucho los efectos especiales durante toda la década de los años 1920 (con la ayuda de los decoradores), incluyendo las maquetas y los trucos de fotografía. El procedimiento más célebre de la época era el llamado Schüfftan, que ahorro millones de marcos en los costos de producción. Fue obra del director de fotografía Wugen Schüfftan (1893-1977). Se basaba en la utilización de un espejo inclinado para reflejar la imagen la fotográfica de una representación en miniatura de la parte superior de un gran plató, uniéndola luego con la estructura a escala real del suelo del mismo, que representaba sólo la parte inferior del decorado en el que actuaba realmente los intérpretes. Esta área, en la que transcurría la acción, era fotografiada por el operador a través del cristal de un espejo que, desprovisto de su azogue, permitía que la parte inferior del decorado a escala real se uniese sin solución de continuidad con la imagen reflejada y colocada encima de la misma, Freund utilizó mucho este procedimiento en el rodaje de Metrópolis. 

Louise Rainer y Paul Muni en La buena tierra (1937)

En Estados Unidos, Freund continuo creando memorables imágenes cinematográficas para Drácula (Dracula, 1931), La buena tierra (The Good Earth, 1937), por la que obtuvo el Oscar de la Academia, y Cayo Largo (Key Largo, 1948), aparte de dirigir La momia (The Mummy, 1932), Las manos de Orlac (Mad Love (The Hands of Orlac), 1935)  y otras películas. 

Efemérides de cine: Nicolás y Alejandra

El 29 de diciembre de 1971 se estrenó la película británica Nicolás y Alejandra (Nicholas and Alexandra), dirigida por Franklin J. Schaffner e interpretada por Michael Jayston, Janet Suzman, Tom Baker, Laurence Olivier, Michael Redgrave, Michael Bryant, Brian Cox, Harry Andrews, Jack Hawkins, Eric Porter, Timothy West, Irene Worth, John McEnery,  Julian Glover, Ralph Truman, Ian Holm, John Wood, Steven Berkoff, Maurice Denham, Roy Dotrice, Curd Jürgens, John Shrapnel, Alexander Knox, Roderic Noble, James Hazeldine, Fiona Fullerton, Ania Marson, Lynne Frederick, Candace Glendenning, Jaime de Mora y Aragón. Productora: Columbia Pictures. Duración: 183 minutos. 

Sinopsis argumental: Una historia centrada en los años oscuros del poderoso imperio ruso. Desde finales del siglo XIX, el imperio ruso está en declive. La precaria situación del numeroso campesinado, las florecientes reivindicaciones del proletariado, y la corrupción y la opresión desde el poder, desembocarán en la sangrienta Revolución Rusa, en 1917. Michael Jayston interpreta al Zar Nicolás, dueño de un territorio que representa la sexta parte del planeta, y gobernador de un país temible habitado por gente pasional y temperamental. Janet Suzman interpreta a la zarina Alejandra. Ninguno de ellos podrá luchar contra su cruel destino, y morirán junto a sus hijas y su hijo, como consecuencia de la locura revolucionaria.

Nominaciones y premios: 2 Oscar: Mejor dirección artística, vestuario. 6 nominaciones; Globos de Oro: 3 nominaciones, incluyendo mejor actor de reparto (Baker); Premios BAFTA: Nominada a mejor dirección artística, vestuario y promesa (Suzman).

Comentario: Una película de carácter épico, basada en el libro de Robert K. Massie. La película cuenta con un excelente equipo de intérpretes y con notables escenarios, que recrean con brillantez una época turbulenta. De hecho la película le valió un Oscar al director artístico español Gil Parrondo. Para los aficionados al género histórico. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Noticias de libro: El cine de acción que ya no se hace

El cine de acción que ya no se hace

50 películas que marcaron una época

Álvaro Ruiz de Gauna

Dolmen

2017

360 págs.

Un viaje en el tiempo para todos aquellos que disfrutaron con grandes y trepidantes aventuras, cuando la imaginación de Hollywood era más rica y sorprendente.

Rambo, Terminator, John McClane, Riggs y Murtaugh,… Todos los conocemos. Hemos crecido con ellos y con sus películas, capaces de marcar a toda una generación.

A través de una lectura amena y directa, con temas como la elección del reparto, cuestiones técnicas, recepción de crítica y público, escenas y secuencias destacables, curiosidades y diversas vicisitudes ocurridas durante el rodaje, El cine de acción que ya no se hace. 50 Películas que marcaron una época ofrece una selección de los cincuenta filmes sobre el género que más han influido en el cine comercial de finales del siglo XX.

Álvaro Ruiz de Gauna nació en Vitoria-Gasteiz (Álava), en 1976. Desde muy temprana edad mostró interés por el séptimo arte, sentando las bases de su pasión con programas míticos como Primera Sesión o Sábado Cine. Ya en la adolescencia se curtiría en todo lo relativo al cine de acción y aventuras tras las repetidas visitas al videoclub, evolucionando más adelante a todo tipo de géneros. Gran coleccionista de películas, productos de merchandising y literatura cinematográfica, ha encontrado en la creación de este libro una vía de agradecimiento al género que le abrió las puertas a una afición que tantas alegrías le ha dado.

Noticias de libro: Generación Titanic

Generación Titanic

El libro de cine de los 90

Juan Sanguino

Dolmen Editorial

2017

360 págs. 

El Hollywood de los 90 tenía de todo y para todos. Los avances en efectos digitales abrían los telediarios, las bandas sonoras vendían millones de cedés (y casetes) y el público acudía al cine sin saber nada de las películas, como si la cartelera fuera una caja de bombones: nunca sabíamos lo que nos iba a tocar. Pero teníamos la garantía de que, si había una estrella en el póster, todo iba a acabar bien. (A menos que en esa caja no hubiera bombones sino una cabeza humana). Fuimos testigos de cómo el cine independiente y (hasta entonces) marginal daba un golpe de estado, contribuimos a que las películas de dibujos dejasen de ser solo para niños, y nunca nos cansábamos de ver thrillers: eróticos, domésticos, psicológicos, laborales, de acción y de juicios. Hollywood ha cambiado y nosotros con él, pero regresar al cine de los 90 a través de estos 32 clásicos generacionales supone revivir aquellas pelis con sexo, palabrotas y gente fumando, aquellos viernes de Cine Cinco Estrellas y aquella época en la que no hablábamos de las películas durante tres días en las redes sociales, sino durante meses y meses en la vida real. Porque, hoy, estas 32 películas son más que reliquias de un cine que ya no se hace: hoy son parte de nosotros.

Noticias de libro: Historia del cine

Historia del cine

Román Gubern

Anagrama
Barcelona

2016

736 págs.

Esta Historia del cine de Román Gubern, aparecida en 1969, ha sido traducida y repetidamente editada, en versiones sucesivamente revisadas, convirtiéndose en un clásico, utilizado como texto docente en muchas universidades, como obra de consulta o como relato ameno de la historia del nacimiento de un nuevo arte y medio de comunicación que se ha convertido en un lenguaje artístico novedoso, un imaginario colectivo, un moldeador de costumbres sociales, un medio de propaganda ideológica y una forma de entretenimiento masivo. En ella se describe la historia de un espectáculo popular que nació como una derivación de la instantánea fotográfica, creció en barracas de feria o espectáculos de music hall y llegó a convertirse en fábrica de sueños en templos de mármol y suntuosos cortinajes, para recluirse luego en minisalas, pantallas de televisión o soportes informáticos. El libro describe tanto su evolución estética como su evolución técnica y sus implicaciones socioeconómicas e ideológicas. Agente activo de propaganda política, supo entablar un fructífero diálogo con los movimientos de vanguardia del siglo XX e inscribirse en las revoluciones estéticas e intelectuales desarrolladas a lo largo de más de un siglo. Pero de su cantera imaginativa surgieron también historias de aventuras en parajes exóticos, dramas amorosos, sátiras del poder político o económico, gestas heroicas y tenebrosas intrigas criminales. Por no mencionar sus arquetipos de atractivo erótico y sus modelos de seducción, que influirían en los gustos de las masas.

Noticias de libro: Cine y memoria del siglo XX

Cine y memoria del siglo XX

Jacqueline Mouesca, Carlos Orellana

LOM Ediciones

Santiago de Chile

1988

417 págs.

El cine es el arte por antonomasia del siglo XX, y se enlaza, ayer y hoy, con la historia política, social y económica de las centuria, y, naturalmente, con el conjunto de la historia cultural. Este libro proporciona la oportunidad de comprobarlo

Noticias de libro: La partida de caza

La partida de caza

Isabel Colegate

Tusquets Editores

Barcelona

2016

272 págs.

La novela que inspiró Gosford Park y Downton Abbey: una trama de intriga, dobleces, amor y alta sociedad británica en un mundo idílico a punto de desaparecer.

En el otoño de 1913, Sir Randolph Nettleby y su mujer organizan una cacería para la flor y nata de la aristocracia británica, entre ellos un reputado cazador y su coqueta esposa, un atractivo abogado, un rico judío y un joven conde húngaro. Por su parte, el servicio se afana para satisfacer las necesidades de los huéspedes: desde el guardés de la finca hasta los criados y un ejército de batidores. Las fricciones y afinidades entre los invitados pronto desvelan hipocresías, flirteos, deudas, matrimonios de conveniencia... Todo se complica cuando un defensor de los animales planea interrumpir la cacería para detener la masacre, y el pequeño Osbert, nieto de Sir Randolph, sale en busca de su mascota, un pato, pues teme que acaben disparándole por error. Un trágico accidente revelará la fragilidad de ese mundo idílico que está a punto de tocar a su fin por la irrupción de la Primera Guerra Mundial.

De familia británica ilustre, Isabel Colegate (Lincolnshire, 1931) ha vivido casi toda su vida en el castillo de Midford (Bath). Muy joven, trabajó para un agente literario, hasta que le dio a leer un texto escrito por ella y, entusiasmado, el agente se convirtió en su editor. La partida caza (1981) es hoy una obra de culto sobre el crepúsculo de la aristocracia en la época eduardiana, e inspiró la película británica homónima, protagonizada por James Mason y Edward Fox, entre otros.

Noticias de libro: La familia Karnowsky

La familia Karnowsky

Israel Yehoshoua Singer

Traducción de Jacob Abecasís y Rhoda Henelde

Acantilado

Barcelona

2016

560 págs.

A través de la historia de tres generaciones de una familia judía, los Karnowsky, esta novela, publicada originalmente en 1943, nos ofrece un fresco extraordinario de la primera mitad del siglo XX. David, el patriarca, que en los albores del siglo abandona el shtetl polaco donde nació para instalarse en Berlín, animará a su hijo Georg a adaptarse y a convertirse en «judío entre judíos y alemán entre alemanes». Georg se convertirá en un respetable médico berlinés y encarnará así la cumbre de la integración y el éxito social de la familia. Su hijo Yegor, nacido durante el nazismo y profundamente marcado por el antisemitismo, desembarcará en una Nueva York inhóspita y culminará el accidentado destino de su linaje. En la presente obra, Singer no sólo escribió páginas de inusual belleza, sino que vislumbró además con una clarividencia sobrecogedora la suerte de los judíos tras la Segunda Guerra Mundial, confirmando, a su pesar, la capacidad profética que sólo los auténticos escritores poseen.

Israel Yehoshua Singer (1893, Biłgoraj, Polonia – 1944, Nueva York) empezó a escribir a los dieciocho años. Sus primeros escritos aparecieron en 1916 en la prensa europea en yiddish. En 1921 empezó a trabajar como corresponsal para el destacado diario norteamericano Forverts, y en 1927 publicó su primera novela, Shtol un Ayzn. En 1934 emigró a Estados Unidos, donde publicó, entre otras, Los hermanos Ashkenazi (1937) y La familia Karnowsky (1943).

Efemérides de cine: Ácratas

El 13 de abril de 2000 se estrenó la película uruguaya Ácratas dirigida por Virginia Martínez. Reparto: Documental, Osvaldo Bayer, Abel Paz, Luce Fabbri, Cecilia Robilotti, Anibal Pardeiro. Duración; 73 minutos. 

Sinopsis argumental: Montada en base a fotografía, películas de época, materiales de archivo y testimonios de sobrevivientes, familiares e historiadores, el documental reconstruye con precisión y exquisita sensibilidad el derrotero de los “anarquistas expropiadores” en el Río de la Plata y concretamente en el Montevideo del primer tercio del siglo XX. 

Comentario: Un interesante documental sobre el anarquismo en Argentina y Uruguay a comienzo del siglo XX.

Noticias de libro: El crimen de Mazarete

El crimen de Mazarete

Historia y (Consecuencias de un error judicial)

José Esteban

Reino de Cordelia

Madrid

2016

176 págs.

El crimen de Mazarete relata con documentos y sentencias de la época uno de los más graves errores judiciales del siglo XX. A las siete de la mañana del 24 de noviembre de 1902, dos peones camineros encontraron cerca de Mazarete (Guadalajara) el cuerpo sin vida de Guillermo García, el aceitero de Mantiel, con un tiro en el pecho. A partir de ese momento, una cadena de graves errores acabó condenando a muerte por garrote vil a dos inocentes vecinos del pueblo. El informe de un catedrático de Medicina Legal y la intervención de destacados dirigentes de la República, como Melquíades Álvarez y Gumersindo de Azcárate, lograron imponer la razón tras un largo proceso apoyado por la mayoría de los periódicos de la época. Siguiendo la técnica narrativa de Sciascia, José Esteban, reconstruye los hechos en un relato que denuncia la arbitrariedad de la Justicia y su fragante impunidad ante la indefensión de los ciudadanos.

Noticias de libro: Panamá split

La editorial Contrabando publica Panamá split, de Ernesto Endara, uno de los más prestigiosos escritores panameños.

El autor emplea en este volumen un lenguaje ameno al tiempo que recorre la memoria de un tiempo plagado de reflexiones agridulces: “Para algunos la vida es un hilo estirado que marca la mejor recta posible. Para otros es como la orilla del Mar Caribe, batido una y otra vez”.

La novela transcurre en los agitados años 30 y 40 del siglo XX mientras el mundo se desangra con la llegada de la Segunda Guerra Mundial. Un niño, alter ego del autor, busca su identidad en una ciudad tranquila que vive de espaldas a los desastres de la época. Ese niño crece y toma conciencia de la importancia de los recuerdos: “Es la memoria quien da vida al que fui, al que soy y al que seré. Desde que nacemos somos esponja, papel secante, bomba aspirante de recuerdos puros”.

Noticias de libro: Mañana cuando me maten

Mañana cuando me maten

Las últimas ejecuciones del franquismo. 27 de septiembre de 1975

Carlos Fonseca
La Esfera de los Libros
Madrid
2015
392 págs.

Han pasado cuarenta años desde que Xosé Humberto Baena, José Luis Sánchez-Bravo, Ramón García Sanz ―militantes del FRAP―, y Jon Paredes, Txiki,y Ángel Otaegui ―de ETA―, fueron fusilados la madrugada del 27 de septiembre de 1975 en el postrer intento del régimen por prolongar el franquismo sin Franco. Para unos, estos jóvenes de poco más de veinte años fueron luchadores antifranquistas que dieron su vida por la libertad; para otros, simples terroristas que pagaron con ella las que antes habían arrebatado. Cometieran o no los delitos por los que fueron condenados, lo cierto es que fueron víctimas de un simulacro de justicia que los sentenció antes de juzgarlos. Las pruebas incriminatorias se obtuvieron mediante torturas o se manipularon burdamente y se les privó de las mínimas garantías de defensa. Si la pena de muerte es despreciable en sí misma, más aún lo es cuando en torno a ella se oficia una mascarada que intenta dotarla de legitimidad.

Es probable que muchos de quienes nacieron tras la muerte del dictador no conozcan este episodio o tengan una vaga referencia de él. Carlos Fonseca lo recupera con el testimonio de los protagonistas, sus familiares, amigos, abogados y compañeros de militancia, y lo acompaña de documentación inédita que arroja luz sobre los pormenores que rodearon las últimas penas de muerte en España.

Carlos Fonseca (Madrid, 1959) es periodista y escritor. Ha trabajado en los diarios Ya y El Independiente, la revista Tiempo y el digital El Confidencial, y colaborado en RNE, Onda Cero, la radiotelevisión vasca EiTB y numerosos medios escritos. Ha impartido también conferencias sobre periodismo y memoria histórica. Como escritor es autor del best seller Trece rosas rojas (2004), llevado al cine por el director Emilio Martínez Lázaro en 2007, Tipos infames (2014), Luz negra (2011), Tiempo de memoria (2009), Rosario dinamitera (2006), Garrote vil para dos inocentes (1998) y Negociar con ETA (1996).

Clásicos de libro: Tres sombreros de copa

Tres sombreros de copa

Miguel Mihura

Traductor/Adaptador: José Huerto

Almadraba Editorial

Barcelona

Colección: Almadraba

La historia transcurre en un hotel de provincias, en la «habitación de un hotel de segundo orden», «en una capital de provincia de segundo orden» de algún lugar de Europa, la noche en la que se hospeda en él Dionisio, su protagonista, a la espera de su boda que se celebrará al día siguiente. En el intervalo de esas horas llega a conocer a Paula, joven bailarina de una compañía de revistas de paso por la ciudad que actuará el ella también el día siguiente. La presencia de Paula y la troupe de la compañía le descubren un mundo que le era desconocido y hace que Dionisio reconsidere su intención de casarse para marcharse con Paula. Finalmente, resignado, sale del hotel en dirección a su boda.

Esta comedia, escrita originalmente por Miguel Mihura en 1932, aunque estrenada veinte años después, escenifica una denuncia de lo absurdo de ciertas situaciones de la vida cotidiana, así como de la vaciedad de los tópicos y las convenciones sociales. En la obra se enfrentan dos mundos y dos concepciones de la existencia: por un lado, el orden burgués y las normas y comportamientos establecidos; por otro, la alegría, la despreocupación y la espontaneidad de un grupo de artistas que representan la vida libre y sin compromisos. La presente edición consta de una completa introducción para situar la obra en el contexto histórico y cultural en el que surge, además de ofrecer un análisis claro de su composición, de su estilo y de su importancia en la historia de la literatura, que incluye un cuadro cronológico. A continuación, se inicia el estudio de la obra, que cuenta con numerosas notas aclaratorias, en su mayoría de carácter léxico. Finalmente, se propone una serie de actividades didácticas para facilitar la lectura y la comprensión del texto. 

Esta edición ha sido adaptada por José Huerto Castelló, licenciado en Filología Hispánica por la Universidad de Alicante. Es catedrático de Lengua y literatura castellana en el IES Barres i Ones de Badalona (Barcelona).