Llámame por tu nombre (Call me by your name, 2017), con Timothée Chalamet, una película romántica e intensa.
1983. Bajo el sol de Italia, Luca Guadagnino filma la pasión fulgurante entre un adolescente y un estudiante americano de paso por la villa familiar.
El marco es el norte de Italia en pleno verano, del lado de la gran burguesía, no tan privilegiada y amante de las artes, no muy distinta de la que aparece en El jardín de los Finzi-Contini (Il giardino dei Finzi-Contini, 1970). La historia, preferiría tener el carácter trágico de En terreno vedado (Brokeback Mountain, 2005), de Ang Lee: una breve pasión y compleja relación entre chicos. Pero una espera, una latencia, una languidez singularizan la película: durante un tiempo, este amor existe solo en el corazón de uno de los dos protagonistas, Elio, de 17 años. Es el único hijo, el tesoro viviente, de una pareja intelectual afortunada y cosmopolita que, cada verano, retorna a su magnífica villa del siglo XVII en el campo. Elio ya es un músico consumado y un erudito. Él cree saber todo sobre todo. El prodigioso Timothée Chalamet, nominado para el Oscar al mejor actor, le presta su graciosa figura. Pero él no será el mismo al final de la película.
Porque la seguridad estudiada de Elio no tiene nada que hacer frente a la desenvoltura e informalidad estadounidense, deportiva y adulta de Oliver (Armie Hammer, juiciosamente hollywoodiense), un estudiante que viene unas semanas para ayudar en el trabajo al padre de Elio, profesor de universidad. Oliver, al principio, molesta, luego fascina, y a continuación obsesiona a Elio, que lo observa constantemente, lo sigue tan a menudo como sea posible, inspecciona secretamente su habitación... En la novela homónima de André Aciman, también especialista de Proust, el narrador es este problemático adolescente que recuerda, varias décadas después, el verano más memorable de su vida. Para la adaptación, el realizador Luca Guadagnino destierra la convención de la voz en off y lo imperfecto del efecto de la reminiscencia. La historia tiene lugar en tiempo presente, pero durante el verano de 1983, reconstituido con un detalle fetichista: objetos, ropa, música, canciones.
Este presente logra una película más ligera y menos introspectiva de lo que es el libro. Pero, la inspiración proustiana permanece, entre otras cosas, en la pintura de una clase social cuyos miembros están liberados de cualquier restricción material por parte de afectuosos sirvientes domésticos. Y, por lo tanto, totalmente libre de dedicarse a las cosas del espíritu o de la carne. El estudio de la cristalización amorosa puede así desplegarse plenamente: la vida parece tan fácil que cada nueva emoción sentimental o sexual de Elio, a la conquista de Oliver, ocupa todo el espacio, constituye un giro inesperado en sí mismo.
Entre el neorrealismo italiano y la orientación hollywoodiense
La intensidad nacerá de la separación anunciada de los amantes. Y, por una vez, el orden moral y la razón familiar no tienen nada que ver con ello. Los padres de Elio (interpretados por Amira Casar y Michael Stuhlbarg) se muestran más que benevolentes: llegan incluso a transformar los últimos días del americano bajo el sol italiano en una breve luna de miel para él y su hijo. Pero los dos jóvenes no están en la misma etapa de sus vidas. Una hermosa secuencia de intoxicación etílica nocturna en un pueblo lombardo muestra a Oliver en plena epifanía, en el punto culminante de su alegría de vivir, mientras que el frágil Elio comienza a vomitar, es demasiada felicidad para él.
Luca Guadagnino traza una vía singular, entre una fidelidad italiana al neorrealismo (la verdad de los escenarios y los cuerpos, la duración de los planos) y el tropismo de Hollywood: todo se combina para seducir. Llámame por tu nombre (Call Me by Your Name), rodada en la región donde vive, es hasta hoy su película más lograda, fascinante incluso en esa escena tardía, puramente cinematográfica: la única cara de Elio, filmada durante un largo tiempo, refleja la entrada del personaje en una dimensión desconocida para él, la veneración de la memoria. Como si la película se detuviera donde comienza el libro.
11.- Los juicios de Oscar Wilde (The Trials of Oscar Wilde, 1960). Reino Unido. Dirección: Ken Hughes. Interpretación: Peter Finch, Yvonne Mitchell, James Mason, Nigel Patrick, Lionel Jeffries, John Fraser, Sonia Dresdel, Maxine Audley, James Booth, Emrys Jones, Lloyd Lamble, Paul Rogers, Ian (II) Fleming, Laurence Naismith, Naomi Chance, Meredith Edwards, Anthony Newlands, Robert Percival, Michael Goodliffe, Liam Gaffney, William Kendall, Ronald Cardew, Cicely Paget-Bowman, Derek Aylward, Campbell Singer, Victor Brooks, Alfred Burke, A.J. Brown, Charles Carson, David Ensor, Edward Evans, Howard Lang, Gladys Henson, John Welsh, Alexander Knox. Guion: Ken Hughes (Obra: John Furnell; Libro: Montgomery Hyde). Música: Ron Goodwin. Fotografía: Ted Moore. Productora: Viceroy Films Ltd./Warwick Film Productions. Drama. Biográfico. Histórico. Homosexualidad. Siglo XIX. Literatura. Drama judicial. Duración: 123 minutos. Película historico-biográfica que narra el sonado y escandaloso juicio al que Oscar Wilde (Peter Finch, en una excelente interpretación) fue sometido, bajo la acusación de corromper y mantener relaciones homosexuales con el joven Alfred Douglas, hijo del poderoso e influyente Lord Queensberry. Este hecho acabaría con la reputación del escritor, y marcaría el inicio de su declive personal y profesional. Presionado por el rigor de la sociedad victoriana de Londres, se refugió París, donde terminó sus días.
12.- Diferente (1961). España. Dirección: Luis María Delgado. Interpretación: Alfredo Alaria, Manuel Monroy, Manuel Barrio, Julia Gutiérrez Caba, Gracita Morales, Jesús Puente, Agustín González, Enrique San Francisco. Guion. Alfredo Alaria, Luis María Delgado, Jorge Griñán, Jesús Sáiz (Historia: Alfredo Alaria). Música: Adolfo Waitzman. Fotografía: Antonio Macasoli. Productora: Águila Films. Musical. Drama. Homosexualidad. Blanco y negro. Duración: 102 minutos. Un joven perteneciente a la alta burguesia rechaza todos los valores que le han sido impuestos por su familia, que no acepta su forma de vida. A él le gusta el teatro, la música y estar con sus amigos. Pese a sus esfuerzos por agradar, trabajando en el negocio familiar, se entera que su hermano le tacha de inútil y afeminado. Destaca por ser una de las primeras películas que, sin ser censurada,3 muestran de manera explícita códigos simbólicos de la cultura homosexual en el cine español.4 La explicación más aceptada, aportada por el director, es que ni la junta censora ni las reseñas de prensa, a excepción del crítico del Diario Ya que la calificó como "una película sobre la desviación amorosa contra natura", se percataron de que la película trata sobre la temática homosexual. 
13.- Victima (Victim, 1961). Reino Unido. Dirección: Basil Dearden. Interpretación: Dirk Bogarde, Sylvia Syms, Dennis Price, Anthony Nicholls, Peter Copley, Norman Bird, Peter McEnery, Donald Churchill, Derren Nesbitt, John Barrie, John Cairney.Guion: Janet Green, John McCormick. Música: Philip Green. Fotografía: Otto Heller. Productora: Parkway Films/Allied Film Makers. Intriga. Drama. Homosexualidad. Blanco y negro. Duración: 95 minutos. Premios BAFTA: 2 nominaciones incluyendo a Mejor actor británico (Bogarde). Melville Farr (Dirk Bogarde) es un prestigioso abogado inglés felizmente casado con Laura (Sylvia Syms). Sin embargo, detrás de su apariencia conservadora se esconde un homosexual que busca escarceos con jovencitos, a pesar de que le había prometido a su mujer que esa etapa de su vida ya estaba clausurada. Ambientada en una época en la que la homosexualidad era todavía considerada un delito que podía implicar penas de cárcel.Aclamada y valiente película británica sobre los prejuicios y la homofobia, un film que en su época causó verdadero impacto por lo atrevido de su argumento -aunque hoy podría parecerer 'naif', pues no hay asomo de morbo o siquiera escenas atrevidas o subidas de tono-.
14.- La calumnia (The Children's Hour, 1961). Estados Unidos. Dirección: William Wyler. Interpretación: Audrey Hepburn, Shirley MacLaine, James Garner, Miriam Hopkins, Fay Bainter, Karen Balkin, Veronica Cartwright, Mimi Gibson, Debbie Moldow, Diane Mountford, William Mims, Sally Brophy. Guion: Lillian Hellman (Teatro: Lillian Hellman). Música: Alex North. Fotografía: Franz Planer. Productora: United Artists. Drama. Drama psicológico. Remake. Homosexualidad.Blanco y negro. Duración: 107 minutos. Karen (Audrey Hepburn) y Martha (Shirley MacLaine) son las directoras de una exclusiva escuela para niñas. Una alumna maliciosa y vengativa, despechada por un castigo que ha recibido, oye por casualidad un comentario y lo utiliza, distorsionándolo, para acusar a sus profesoras de una conducta reprobable. Los escandalosos rumores se extienden velozmente por la comunidad escolar, con repercusiones inmediatas y devastadoras. Basada en la obra de teatro homónima, escrita por Lillian Hellman y estrenada en 1934. En 1936, Wyler había dirigido These Three, otra adaptación cinematográfica de la misma obra teatral.
15.- La gata negra (Walk on the Wild Side, 1962). Estados Unidos. Dirección: Edward Dmytryk. Interpretación: Laurence Harvey, Capucine, Jane Fonda, Anne Baxter, Barbara Stanwyck, Richard Rust, Karl Swenson. Guion: John Fante, Edmund Morris (Novela: Nelson Algren). Producción: Charles K. Feldman. Música: Elmer Bernstein. Fotografía: Joseph MacDonald. Productora: Columbia Pictures. Drama. Homosexualidad. Prostitución. Gran Depresión. Años 1930. Celos. Blanco y negro. Duración: 114 minutos. Dove (Laurence Harvey) emprende un viaje a Nueva Orleans con el fin de encontrar a Hallie (Capucine), un viejo amor al que hace tres años que no ve. Al emprender su camino desde Tejas se encuentra con Kitty Twist (Jane Fonda) una joven con la que compartirá parte de su camino. Juntos conocerán a Teresina (Anne Baxter), quien acogerá a Dove en su motel mientras este trabaja para ella, aprovechando su tiempo libre para buscar a Hallie. Pero al encontrarla se encontrará con que Hallie es presa de una extraña situación en la que una mujer llamada Jo Courtney (Barbara Stanwyck) tiene gran parte de culpa. Un atrevido drama que cuenta con un magnífico equipo de actrices, donde destaca la imponente Barbara Stanwyck y una jovencísima Jane Fonda.
