Una breve introducción al Acid Western (III)

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Y, no podía faltar una de Clint Eastwood, un western sobrenatural: 

- Infierno de cobardes (High Plains Drifter, 1973). Reparto: Clint Eastwood, Verna Bloom, Marianna Hill, Mitchell Ryan, Jack Ging, Stefan Gierasch, Ted Hartley, Geoffrey Lewis, Billy Curtis, Scott Walker, Walter Barnes, Robert Donner, Anthony James, Buddy Van Horn. En 1870, un forastero (Clint Eastwood) pasa a caballo por la tumba de Jim Duncan, antiguo sheriff de la ciudad fronteriza de Lago, en el sudoeste de Estados Unidos. Los propietarios de la compañía minera, Dave Drake (Mitchell Ryan) y Morgan Allen (Jack Ging) lo contratan para que los defienda de tres pistoleros que, recién salidos de la cárcel, están a punto de llegar a la ciudad. El forastero acepta el trato a condición de hacer las cosas a su manera.

La película coquetea fuertemente con el género, debido a su atmósfera extraña, su protagonista sobrenatural (el espíritu vengador de un marshal) y un enfoque en la moralidad ambigua y existencial, alejándose del western tradicional, al mismo tiempo que introduce elementos de terror y fantásticos, creando una experiencia psicodélica y perturbadora. 

Y, finalizamos con dos películas emblemáticas: 

- Walker (1987). Dirección: Alex Cox. Reparto: Ed Harris, Richard Masur, Rene Auberjonois, Marlee Matlin, Keith Szarabajka. En 1853, el idealista William Walker (Ed Harris) es un médico, abogado y periodista que encabeza una cruenta y bárbara invasión de Nicaragua a petición de Cornelius Wanderbilt, un ambicioso capitalista. Apenas logrado su objetivo, Walker se autoproclamó presidente del país, guiado por la creencia de que los Estados Unidos tienen un derecho moral de ”proteger a nuestros vecinos de toda opresión”.

Como respuesta a ese pasado patriótico y en ocasiones racista del género, Alex Cox decidió reventarlo todo por los aires al igual que al biopic de las figuras americanas históricas. Con un estilo extremadamente punk y anacrónico, su visión del invasor William Walker pliega el tiempo para plasmar un 1853 no muy distinto de 1985, con Estados Unidos dinamitando gobiernos extranjeros para expandir su influencia. Radical, alucinada y fabulosamente salvaje, con un Ed Harris imperial al servicio de un mensaje antisistema.

- Dead Man (1995). Dirección: Jim Jarmusch. Reparto: Johnny Depp, Gary Farmer, Lance Henriksen, Crispin Glover, Iggy Pop. William Blake decide abandonar su puesto de contable en Cleveland (Ohio) después de recibir una oferta de trabajo en Machine, una inhóspita ciudad industrial en el Oeste de los EEUU. Sin embargo, cuando llega, resulta que su puesto lo ocupa otra persona. Charlie Dickinson, el hijo del propietario de la empresa, mata a su mujer cuando la encuentra en la cama con Blake, quien a su vez liquida a Charlie. De este modo, un simple contable de Cleveland se convierte en un "fugitivo" perseguido por tres cazadores de recompensas.

La reapropiación del término del western ácido llegó gracias a Jim Jarmusch, cuyas formas más contemplativas y relajadas quizá sean de puerta de entrada más agradable al estilo. Aun así, su visión crítica de la América profunda y “pionera”, marcada profundamente por la violencia, ofrece un visionado que se sale de lo convencional, aunque de maneras ocasionalmente gratificantes. Incluso aunque Johnny Depp se convierta en ocasiones en un peaje por el que pasar.

Una breve introducción al Acid Western (II)

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También podemos integrar en este subgénero del western a películas como:

- Une aventure de Billy le Kid (1971). Director: Luc Moullet. Con Jean-Pierre Léaud, Marie-Christine Questerbert, Jean Valmont, Bruno Kresoja, Míchel Minaud, Bernard Piñón, Kathy Maloney, Luc Moullet. Este western impresionista muestra a Billy the Kid como alguien despiadado y torpe a la vez. Despiadado porque encuentra al testigo de un robo y lo mata a sangre fría. Torpe porque literalmente se tropieza con cosas durante el film. Y también es un tipo con suerte, ya que la chica de un hombre al que mató marcha junto a él bajo la puesta de sol, en lugar de ejecutar su plan de venganza. La película se desprende de todo contexto narrativo para concentrarse en la intensa y retorcida relación de un hombre y una mujer en una extraña tierra salvaje.

Al parecer el año 1971 fue excepcional para ver cómo el western se volvía extraño. Pocas películas son tan extravagantes como esta obra desenfadada de los confines de la Nouvelle Vague francesa, una reducción del género de bajo presupuesto en la que el actor fetiche del movimiento, Jean-Pierre Léaud, interpreta la leyenda de Billy el Niño. Con un tono afectuosamente paródico de los westerns estadounidenses, la película tiene poca trama y escasos diálogos inteligibles y con paisajes imponentes que forman parte de una estética visual deslumbrante, sus ritmos psicodélicos y sus divagaciones extrañas.

- Zacarías (Zachariah, 1971). Director: George Englund. Reparto: John Rubinstein, Patricia Quinn, Don Johnson, Elvin Jones, Dick Van Patten, Doug Kershaw. Zachariah, un joven inquieto, decide un día buscar su destino en la vida junto a su amigo Matthew. Así irá conociendo a diversos personajes como a Belle Starr y a un viejo ermitaño.

“¡Hola, forastero! ¿Qué te pasó? ¿Se te salió una rueda del caballo?” pregunta un Don Johnson irreconociblemente joven a su amigo Zachariah (John Rubinstein), reforzando el anacronismo anterior en el que una banda de rock psicodélico tocaba a todo volumen en el desierto mientras el aspirante a pistolero del título pasaba cabalgando, de camino a abrir su pistola comprada por correo. Presentada como "el primer western eléctrico", esta adaptación libre del texto contracultural omnipresente de Hermann Hesse, Siddhartha, es una especie de musical, que ambienta su narrativa de "conéctate, desconéctate y encuéntrate a ti mismo" con todo tipo de números extravagantes de artistas como Country Joe and the Fish. Encantadoramente simple y totalmente representativa de su época, vale la pena dedicarle un tiempo solo por la aparición del baterista de jazz Elvin Jones como el supervillano Job Cain, quien dispara a un hombre antes de dirigirse a su batería para tocar un solo espectacular.

- Glen and Randa (1971). Director: Jim McBride. Con Steve Curry, Shelley Plimpton, Woody Chambliss, Garry Goodrow. Glen y Randa son dos adolescentes que viven aventuras en el marco de un planeta Tierra devastado por la guerra nuclear. 

En el capítulo sobre el “acid western” en su monografía sobre Dead Man, Rosenbaum amplió su definición más allá de los parámetros del género cinematográfico histórico para incluir aquellas películas basadas en modelos «derivados del western… siendo una parte importante la sustitución del capitalismo por modelos alternativos de intercambio social propuestos por la contracultura que echó raíces durante la década de 1960. Glen and Randa de Jim McBride es uno de los ejemplos citados: una road movie postapocalíptica que, si bien está ambientada varias décadas en el futuro, parece existir fuera del tiempo, como si estuviera acechada por el fantasma del western. Ni utópica ni distópica, la película comienza con la pareja protagonista desnuda en el bosque, un Adán y Eva nacidos después de la caída de la civilización. En medio de los restos del colapso de Estados Unidos —aparentemente arrasado por una catástrofe ecológica— la pareja emprende un viaje en busca de Metrópolis,la ciudad sobre la que Glen ha leído en viejos cómics de Marvel. Con las antiguas formas de vida prácticamente olvidadas, estos dos ingenuos idealistas forjan sus propias definiciones en relación con el otro y con el mundo que los rodea, en un viaje para reconstruir un nuevo mundo entre las ruinas del siglo XX.

- La última película (The Last Picture, 1971). Direccion: Dennis Hopper. Con Durante el rodaje de una película en una aldea peruana, un actor muere al interpretar una escena peligrosa. Kansas decide entonces abandonar el cine y quedarse a vivir allí con una mujer del pueblo. Sin embargo, su sueño de llevar una vida idílica se ve truncado cuando el cura del pueblo le pide que le ayude a evitar un grave problema: los nativos del pueblo, que fingen rodar una película, se enfrentan violentamente entre sí, imitando lo que han visto durante el rodaje.

Tras el éxito sin precedentes de Easy Rider (1969), Dennis Hopper viajó a Perú para, sin saberlo, cavar la tumba de su carrera como director. Durante años, su segundo largometraje, La última película fue prácticamente imposible de ver, y su reputación se basaba en las historias casi míticas de locura que rodearon su producción. Bellamente restaurada en 2018, esta obra incomprendida del Nuevo Hollywood está ahora disponible para ser redescubierta y analizada.Editada a partir de unas 40 horas de metraje —con un primer montaje, supuestamente realizado por Alejandro Jodorowsky, que fue rechazado—, es innegable el carácter psicodélico de La última película, dada la cantidad de LSD que se consumió durante su creación. Un western —o mejor dicho, un western peruano— sobre el rodaje de un western, es un viaje infinitamente autorreferencial que explora temas como el ritual y la explotación. Stewart Stern escribió el guion que Hopper descartó, citando la máxima de Godard de que una película necesita “un principio, un medio y un final, pero no necesariamente en ese orden”. Una de las obras más desafiantes y vanguardistas de un importante cineasta de Hollywood de cualquier época, fue descrita por Hopper en una introducción filmada en 2007 como “una experiencia no muy agradable para la mayoría del público”. ¿Qué sabrá él?

- Greaser’s Palace (1972). Director: Robert Downey Sr. Reparto: Albert Henderson, Luana Anders, James Antonio, Allan Arbus,Toni Basil, Don Calfa, Woody Chambliss, Pablo Ferro, Stanley Gottlieb, Joe Madden, George Morgan, Ron Nealy, Michael Sullivan, Hervé Villechaize, Lawrence Wolf, Elsie Downey, Jackson Haynes, Alex Hitchcock, John Paul Hudson, Larry Moyer as Captain GoodDon Smolen, Rex King.

“Una visión estadounidense extraordinaria de algo indefinido”, así describió el director Jonathan Demme la película Greaser’s Palace, “[una película] sin ninguna pretensión comercial”. Estaba conversando con Paul Thomas Anderson, otro gran admirador de Robert Downey, en el Festival de Cine de Austin, intentando comprender los innumerables encantos de esta joya poco conocida. La valoración del trabajo de Downey ha sido fluctuante a lo largo de los años, aunque ahora se encuentra firmemente en el grupo de los redescubiertos y apreciados gracias a una edición de Criterion Eclipse de 2012. Surgió de la escena vanguardista neoyorquina y es más conocido por la película de culto Putney Swope (1969), además de ser el padre de cierto Iron Man, aunque con Greaser’s Palace se alejó de su habitual entorno urbano para rodar una parábola de Cristo (en cierto modo) en Nuevo México. Esta definición no logra transmitir la esencia de esta pequeña película de explotación, sucia, violenta e hilarante, repleta de planos largos, números musicales y con pocas concesiones a la cultura o el gusto popular. Una experiencia salvaje con un final impactante; a los fans de Inherent Vice (2014) les encantará.

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Una breve introducción al Acid Western (I)

El Acid Western es un subgénero psicodélico y revisionista del cine del Oeste de las décadas de 1960 y 1970 que combina los elementos tradicionales del western con imágenes surrealistas, temas contraculturales e influencias del spaghetti western. Estas películas suelen explorar la desilusión, el existencialismo y los estados alterados por las drogas para deconstruir el mito estadounidense. Acuñado por la crítica Pauline Kael para referirse a El Topo de Alejandro Jodorowsky, este subgénero presenta antihéroes, imágenes oníricas y una visión más oscura y cínica del Viejo Oeste, desafiando el optimismo de los westerns clásicos.

He aquí algunos ejemplos: 

- El Topo (1970). Dirección: Alejandro Jodorowsky. Reparto: Alejandro Jodorowsky, Brontis Jodorowsky, Mara Lorenzio, David Silva, Paula Romo. En un Oeste imaginario, el pistolero Topo se enfrenta a una banda de fetichistas, dirigida por un coronel lascivo, que tiene atemorizada a una congregación franciscana. Fue la película que popularizó el término.

Kael empleó inicialmente el término del “acid western” con ánimo de defenestrar el experimento libre que Alejandro Jodorowsky realizó en su viaje surrealista por los arenosos códigos del género. Provocativa, obtusa y absolutamente a contracorriente, el chileno ofrece una relectura lisérgica y espiritual para responder a lo que consideraba imperialismo disfrazado de épica.

Con anterioridad se habían estrenado: 

- El tiroteo (The Shooting, 1966), de Monte Hellman. Con Millie Perkins, Jack Nicholson, Will Hutchins, Warren Oates, Charles Eastman, Brandon Carroll, Guy El Tsosie, B.J. Merholz, Wally K. Berns, James Campbell, William Mackleprang. Dos hombres aceptan guiar a través del desierto a una misteriosa desconocida que, aparentemente, viaja sola, aunque no saben a dónde se dirige.

Está considerado un acid western por su naturaleza atípica, introspectiva, existencialista y su crítica a las convenciones del género western, con una atmósfera de pesadilla y misterio que se aleja de la épica tradicional para adentrarse en un viaje psicológico y desolador.

- Y, A través del huracán (Ride in the Whirlwind, 1966). Dirección: Monte Hellma. Con Jack Nicholson, Cameron Mitchell, Millie Perkins, Katherine Squire, George Mitchell, Rupert Cross, Harry Dean Stanton, John Hackett, Tom Filer, B.J. Merholz, Brandon Carroll, Peter Cannon. Tres vaqueros (Nicholson, Mitchell, Tom Filer) acampan cerca de unos bandidos y son confundidos con ellos por una partida vengativa, desencadenando una persecución agotadora.

Un aclamado western minimalista y existencial rodado simultáneamente con El tiroteo, que explora temas de injusticia y supervivencia.

Ambas, a menudo, son citadas como antecedentes de este subgénero.

No podemos dejar de destacar dos influyentes westerns revisionistas de Sam Peckinpah: 

- Grupo salvaje (The Wild Bunch, 1969). Reparto: William Holden, Ernest Borgnine, Robert Ryan, Edmond O'Brien, Warren Oates, Jaime Sánchez, Ben Johnson, Emilio Fernández. Una banda de forajidos, liderados por Pike Bishop y disfrazados bajo unos uniformes militares, acuden a San Rafael, una pequeña ciudad en la frontera de Texas, dispuestos a asaltar el banco local. Pero Deke Thronton, un antiguo cómplice de Pike, ahora al servicio de la compañía del ferrocarril, les tiende una emboscada. Cuando Pike y los suyos se dan cuenta, ya es demasiado tarde. Se organiza un tiroteo en el que mueren muchos civiles. Pike y sus hombres descubren que los sacos que han robado contienen chatarra y no oro. Se ven obligados a cruzar la frontera y refugiarse en México, donde ofrecen sus servicios a Mapache, un general rebelde. Por encargo de él, asaltan un tren cargado de municiones y armas. La operación funciona a pesar de que Deke Thornton no cesa en su persecución. Tras la operación, Mapache no siente ninguna necesidad de pagar lo prometido a Pike y los suyos, y toma como rehén a Ángel, uno de los hombres de Pike, dejando a sus soldados que lo torturen.

Película fundamental, considerado el epítome del western crepuscular o revisionista, y algo “acid western”. Un western áspero y violento que marca el fin de una era para los forajidos en el Viejo Oeste, con violencia gráfica y un tono cínico que redefinió el género.

- Pat Garrett y Billy El Niño (Pat Garrett & Billy the Kid, 1973). Con James Coburn, Kris Kristofferson, Bob Dylan, Richard Jaeckel, Katy Jurado, Chill Wills, Barry Sullivan, Jason Robards, R.G. Armstrong, Luke Askew, John Beck.William Bonney era conocido por todos como "Billy el Niño". Estando encarcelado en Lincoln, después de ser condenado a morir en la horca, llega a sus manos un colt 44, con el que intimida a los guardianes y consigue huir a México. El sheriff Pat Garrett, que en otros tiempos cabalgó junto a él, será el encargado de darle caza.

Considerada un clásico del subgénero “acid western”, ya que subvierte los tropos del western tradicional para explorar temas de desilusión, el fin de una era, y el choque entre el mito y la realidad, con un tono sombrío, poético y psicodélico, reflejando la contracultura de los años 1970 y la paranoia post-Vietnam/Watergate. 

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Noticias de libro: El Western en el siglo XX

Le Western au XXIe siècle

L'apogée d'un genre

Damien Ziegler

Editions LettMotif

La Madeleine

2024

410 págs.

330 fotografías

Antes aún que el género de capa y espada, el cine negro, la ciencia-ficción o incluso que la comedia musical, el western es el género más emblemático del cine americano, el único que tiene una relación directa con las raíces históricas de Estados Unidos y los orígenes de la civilización americana. Nacido al mismo tiempo que el cine, el western entusiasmó a la gente, con una producción floreciente durante la época dorada de Hollywood, antes de cansarse. La muerte definitiva del género se viene anunciando regularmente, como constatación tan obvia como implacable, al menos desde los años 1970. [...]

Noticias de libro: El polar francés

El polar francés 

1931-1982

Antonio José Borrego Navarro

Donostia Kultura

San Sebastián

2023

246 págs. 

Representaciones que van mucho más allá de la simple antropología del delito y del delincuente, del enfrentamiento entre el Bien y el Mal. El polar fílmico es, probablemente, una de las mayores aportaciones europeas al cine del género de la historia del cine, pues es el punto de encuentro entre las vanguardias europeas, las películas de Hollywood y la poética trágica, tremendista, sobre la marginación, sobre les bas-fonds, que nace de la novela naturalista francesa de finales del siglo XIX. Todo ello ligado a la fascinación por unas imágenes metafóricas, líricas o ferozmente realistas. De este modo, el polar se define como un cine ideológicamente diverso y estéticamente poliédrico. Un fenómeno transcultural, transhistórico y transgenérico, cuyo estilo visual definido pero, a la vez, dúctil en función de las inquietudes de sus autores, se convierte en miradas, pensamientos, emociones, alrededor del lado oscuro de la sociedad y, sobre todo, de sus individuos. Un género, el polar, dentro del cual encontraremos las mejores obras de cineastas de la categoría de Jacques Becker, Marcel Carné, Pierre Chenal, Claude Chabrol, Alain Corneau, Julien Duvivier, José Giovanni, Jean Grémillon, Jean-Pierre Melville, Jean Renoir o Henri Verneuil, entre otros.

¿Qué es una película de culto?

Desde Le père Noël est une ordure hasta The Rocky Horror Picture Show, desde El gran Lebowski hasta Star Wars, nos fascinan por mil y una razones: por sus cualidades y (sobre todo) por sus defectos, por sus mal gusto, por sus audaces universos y por su capacidad para consolidar comunidades, por su rareza y sus replicas impactantes... Pero, ¿qué es una "película de culto"? Intentamos realizar una definición.

En estos tiempos de cinefilia confinada, los medios y las plataformas de VOD entierran al espectador bajo las propuestas de obras calificadas como  películas de "culto". Pero, ¿qué significa esta expresión, utilizada para películas tan diferentes como Casablanca, de Michael Curtiz, la citada The Rocky Horror Picture Show, de Jim Sharman, o C’est arrivé près de chez vous, de Rémy Belvaux, André Bonzel y Benoît Poelvoorde? Si uno admite su connotación religiosa, la "obra de culto" pertenece a una congregación de seguidores que la aman irracionalmente, incluyendo (¿y sobre todo?) por sus defectos ... Ya que es una relación subjetiva con el trabajo, cualquier definición resulta ilusoria. "¡Buena suerte!" afirma divertido Jean Ollé-Laprune, distinguido historiador y creador de cine, en 2008, de la plataforma SVOD FilmoTV, que, en estos días, ha triplicado su actividad. El término le molesta: "Antes, solo se aplicaba a películas que se veían en sesiones de medianoche, como la tan peculiar Cabeza borradora, de David Lynch, pero hoy el término está distorsionado. Por eso, en muchos medios se prohíbe el uso del mismo a los críticos y se les recomienda encontrar y emplear otros sinónimos. "Bertrand Tavernier también odia esta expresión: "¡Se usa igual de bien para películas malas que para una desconocida obra de Ozu! Personalmente, tengo películas de cabecera o más bien cineastas a los que siempre vuelvo, y eso es todo."

Nos atrevemos a definirlo: Películas a las que se les profesa gran admiración por parte de un grupo específico -y numeroso- de personas -bien cinéfilos u otros colectivos-. A menuda películas ignoradas en su estreno y posteriormente reivindicados por crítica y/o público. Algunas definiciones de "título de culto" incluyen películas de grandes estudios y películas de éxito, mientras que otras sólo admiten películas menores con las particularidades mencionadas, pero que no han tenido gran alcance popular ni triunfado en taquilla a nivel masivo.

Noticias de libro: When Were Young

When Were Young

Magical Films that Made US Dream

VV.AA.

Inst. Monsa de Ediciones

2020

112 págs.

Ya sea de aventuras, comedia, acción o fantasía, el cine de los 80 (finales de los 70 y principios de los 90 incluidos) es simplemente mágico. No importa si algunas han envejecido mejor que otras, películas como The Goonies, Indiana Jones, Ghostbusters, Rocky... están creadas no solo con pretensiones económicas, sino también con una pasión descomunal, transmitiendo una mística difícil de describir, y que solo los que vivieron aquella época saben apreciar plenamente. En When We Were Young, no están todas las que son (sería imposible), pero sí son todas las que están. Y si te aterrorizaron los Gremlins, si aprendiste del señor Miyagi, si lloraste cuando el pequeño Elliot se despidió de E.T. o cuando Thelma & Louise comienzan a volar con su descapotable... te invitamos a este viaje nostálgico a través de geniales ilustraciones y posters alternativos de la mano de artistas de talla mundial, acompañadas de curiosidades y frases míticas de las mejores películas de un tiempo maravilloso. 

Noticias de libro: El cine

El cine 

Antonín Artaud

Alianza Editorial

Madrid

2010

144 págs. 

Las relaciones de Antonín Artaud (1896-1948) con EL CINE tuvieron siempre un carácter ambiguo y complejo: como indica uno de sus biógrafos, siempre osciló entre la sospecha de que la naciente industria sólo era un medio poco honrado de ganarse la vida ­ "no puede uno trabajar en el cine sin avergonzarse" ­ y la esperanza de que esta nueva forma de expresión que pudiera permitirle el descubrimiento de un lenguaje auténticamente creador y revolucionario. Actor y guionista, como teórico planteó problemas y adivinó perspectivas que resultan hoy día más actuales que nunca. El presente volumen incluye una selección de sus reflexiones sobre el cine (expresadas en críticas, entrevistas, ensayos y cartas) y siete sinopsis, entre las que destaca la de "La Concha y el Reverendo" , único guión suyo llevado a la pantalla de forma específica.

Noticias de libro: Me gusta el cine: El Western

Me gusta el cine: El Western

José María Morera Bosch

Vivelibro

Madrid

2017

222 págs. 

Me gusta el cine: El Western desea contribuir con un pequeño grano de arena al mejor conocimiento de este género cinematográfico, que en sí mismo quiere retratar a través de episodios y aventuras la historia de la constitución y expansión de los Estados Unidos de América durante el siglo XIX. En un anexo se recoge un resumen de la historia de este país, con algunos de sus hechos más relevantes, vinculando los mismos a películas rodadas en ese contexto. En las páginas del libro encontrarás tus actores y actrices favoritos, y los directores que hicieron grande este género. Se habla del paisaje y la música, siempre compañeros de viaje. También se hace un repaso a los Oscar concedidos, así como las nominaciones a estos premios otorgados por la Academia de Hollywood en todas sus categorías a las películas del género recogidas en esta colección. Espero que disfrutes al leerlo. Yo lo he hecho al escribirlo.

Noticias de libro: Cine

Cine

Toda la historia

Philip Kemp, Sir Frankling Christopher 
Blume
Barcelona
2013
576 págs.

Si alguna vez le ha fascinado una película, un director o una buena fotografía, este libro es el indicado. Descubra los géneros y los movimientos cinematográficos más destacados.

Las películas constituyen una guía accesible e inspiradora sobre la historia del cine, que se completa con unos fascinantes análisis sobre las grandes obras maestras, ilustradas con las fotografías más representativas.

Una obra de referencia para todos los amantes del cine que les permitirá conocer el significado de las más conocidas producciones.

Este volumen consta de una concisa presentación histórica que permite ubicar el cine en el contexto de los cambios sociales y culturales de cada etapa de su desarrollo. Organizado cronológicamente, el libro traza la evolución del cine, desde los más tempranos espectáculos de los farolillos mágicos, pasando por la era dorada de las salas cinematográficas, los autocines, los espectáculos al aire libre y los complejos multisalas.

Profusamente ilustrado y con un texto claro y documentado, abarca cada uno de los géneros cinematográficos, desde los primeros filmes mudos, el cine de propaganda, los noticiarios, los lujosos musicales, las grandes producciones de Hollywood y Bollywood, las películas de culto, los éxitos de películas de bajo presupuesto o las comedias clásicas. Asimismo, el libro muestra una valoración de las ideas y trabajos de guionistas, directores y autores clave.

Philip Kemp colabora en las publicaciones Sight&Sound, Total Film y DVD Review. Asimismo, es profesor de crítica de cine en las universidades de Leicester y Middlesex (Inglaterra) y es autor de Letal Innocence: The Cinema of Alexander Mackendrick.

Sir Christopher Frayling fue, hasta hace poco tiempo, rector del Royal College of Art y director del Arts Council of England y del Design Council. Historiador y crítico premiado, ha publicado un total de dieciocho libros, así como numerosos artículos y ensayos sobre distintos ámbitos de la historia cultural y en especial sobre cine.

Noticias de libro: El cine negro de la RKO

El cine negro de la RKO

En el corazón de las tinieblas

Gonzalo M. Pavés
T & B Editores
Madrid
2010
288 págs. 

Si existe algún hecho fílmico que haya suscitado mayor atención entre los especialistas y estudiosos del Séptimo Arte, este es, sin lugar a dudas, el conjunto de películas que se ha venido agrupando bajo el término "film noir" o cine negro. Cuando en el verano de 1946, el crítico francés Nino Frank escribía, todavía conmocionado por las impactantes imágenes de películas como Perdición, Laura o Historia de un detective, el artículo donde acuñó la expresión "film noir", nunca imaginó la importancia y difusión que aquel concepto iba a alcanzar con los años. En la actualidad, gracias a las constantes aportaciones que desde los años setenta han realizado críticos, cinéfilos y teóricos, esta peculiar categoría cinematográfica ha calado tan hondo en el imaginario colectivo que, basta sugerir la palabra "film noir", para que nuestra imaginación sobrevuele por el universo oscuro de este "género" cinematográfico.

Pero, en realidad, el propio concepto de "film noir" es una construcción teórica, elaborada a posteriori que, rara vez, ha sido sometida al análisis desde el punto de vista de la Historia. La novedad de esta obra, es precisamente la de abordar el problema desde planteamientos históricos, tratando de descubrir en el estudio de las fuentes documentales las claves que nos permiten dar respuesta a alguno de los interrogantes que, de forma habitual, se formulan con respecto al film noir. A pesar de su corta existencia, la RKO fue la compañía que más películas de cine negro produjo durante aquellos años, algunas de las cuales constituyen claros ejemplos de lo que hoy entendemos por "film noir". Historia de un detective, Encrucijada de odios, Retorno al pasado, Los amantes de la noche o La escalera de caracol fueron productos RKO. Pero poco sabíamos acerca de los condicionantes y los procedimientos seguidos por esta productora en la elaboración de su cine negro. Con El cine negro de la RKO se ha tratado de proyectar algo de luz sobre uno de los capítulos más apasionantes de la historia del cine norteamericano, desvelando aspectos que hasta este momento habían estado agazapados en la oscuridad.

Noticias de libro: Vidas de cine. El biopic como género cinematográfico

Vidas de cine

El biopic como género cinematográfico

Gloria Camarero

T & B Editores

Madrid

2011

303 págs.

85 fotografías en blanco y negro y color

La biografía cinematográfica o biopic goza de buena salud y mantiene su vigencia en las carteleras. Por ello, este libro resulta sumamente oportuno y pertinente. En él, diez especialistas de reconocido prestigio en el tema reflexionan sobre las peculiaridades del género en toda su extensión y desde los más variados puntos de vista. Son otras tantas "miradas" del cine a las "vidas del otro" o a la "vida de los otros". Algunos de estos artículos estudian los biopics de personajes que integran determinados grupos o colectivos, como músicos, artistas plásticos o santos, y otros lo hacen respecto a los de personas individuales, y , así, se analizan los de figuras tan diversas como Hipatia, Tomas Moro, Ana de Mendoza, Eugen Sandow, Camille Claudel, Séraphine de Louis, Dora Carrington, Frida Kahlo, Cole Porter, Agnes Varda o Francisco Franco, en las películas Ágora (Alejandro Amenábar, 2009), Un hombre para la eternidad (Fred Zinnemann, 1966), That Lady (1955), The Great Ziegfeld (Robert Z. Leonard, 1936), Séraphine (Martin Provost, 2008), La pasión de Camille Claudel (Bruno Nuytten, 1988), Carrington (Christopher Hampton, 1955), Frida, naturaleza viva (Paul Leduc, 1982), Frida (Julie Taymor, 2002), Night and Day (Michael Curtiz, 1946), De-Lovely (Irwin Winkler, 2004), Las playas de Agnès (Agnes Varda, 2008) o Raza (J.L. Sáenz de Heredia, 1941). En todos los casos, se pone de manifiesto las diferencias que hay entre lo realmente vivido por los protagonistas y su representación y cómo éstas varían en el tiempo y en el espacio en los que se realizaron las películas, en base siempre a la escala de valores imperantes en cada momento. El estudio de la biografía fílmica alcanza la mayoría de edad con esta publicación, verdaderamente pionera, que permite, sin duda, un mayor y mejor conocimiento de la misma.