Efemérides musicales: Primera sinfonía

La Sinfonía n.º 1 en do mayor, op. 21, es la primera de las nueve sinfonías de

Ludwig van Beethoven. Fue compuesta en Viena entre los años 1799 y 1800 y fue dedicada al barón Van Swieten, melómano y amigo de Wolfgang Amadeus Mozart.

Está escrita para una orquesta formada por cuerdas, dos flautas, dos oboes, dos clarinetes, dos fagotes, dos trompas, dos trompetas y percusión.

Se estrenó el 2 de abril de 1800 en el Burgtheater de Viena. A pesar de que tiene una estructura muy clásica, la obra fue criticada por su aspecto innovador: la obertura no comenzaba con la tonalidad principal (do mayor), tenía numerosas modulaciones, el tercer movimiento (falsamente titulado Menuetto) era demasiado rápido, etc. Se le achacaban demasiadas similitudes con la Sinfonía n.º 41 (Júpiter) de Mozart o con otras sinfonías de Haydn.

Tiene cuatro movimientos:

Adagio molto. Allegro con brio

Andante cantabile con moto

Menuetto – Allegro molto e vivace

Finale – Adagio, allegro molto e vivace

La Primera sinfonía es de alguna manera una introducción a todo lo que escribirá Beethoven más tarde: explora en efecto numerosos horizontes a menudo contrastados. Así, se define sucesivamente como lírica y serena (en los dos últimos movimientos), sombría y apasionada (en la introducción lenta), tensa y dramática (en la Allegro inicial), y con patetismo (en el movimiento lento). Parece por otro lado ser una premonición de los movimientos lentos de las sinfonías Tercera y Séptima. Para el final se inspiró en Haydn, cuya influencia se hace más evidente en las ejecuciones rápidas; de hecho, el movimiento más innovador de esta obra es el tercero, que es un scherzo, vivo y ligero, el cual usaría Beethoven de ahí en adelante en lugar del minueto tradicional.

Efemérides musicales: Sinfonía nº 5 y 6, Fantasía coral y el Concierto para piano nº 4

El 22 de diciembre de 1808, Ludwig van Beethoven estrena en Viena (Imperio Austro-Hungaro), la Sinfonía nº 5 y 6, Fantasía coral y el Concierto para piano nº 4.

La primera página autógrafa de la Quinta Sinfonía deBeethoven,
con el famoso "motivo del destino".

La Sinfonía nº 5 en do menor, op. 67, de Ludwig van Beethoven fue compuesta entre 1804 y 1808. Esta sinfonía es una de las composiciones más populares y conocidas de la música del Romanticismo (es erróneo considerar esta obra como clásica, ya que clasicismo se aplica a las obras comprendidas en el siglo XVIII cuyos máximos exponentes fueron Mozart y Haydn)y una de las sinfonías más interpretadas. Consta de cuatro movimientos: empieza con un allegro de sonata, continúa con un andante y finaliza con un scherzo ininterrumpido, que comprende las dos últimas partes. Desde su estreno en el Theater an der Wiende de Viena, dirigida por el compositor, la obra adquirió un notorio prestigio, que aún continúa en la actualidad. E. T. A. Hoffmann describió la sinfonía como "una de las obras más importantes de todos los tiempos". En España se estrenó la noche del 19 de diciembre de 1838, en el Teatro de Madrid, y un mes más tarde en el Liceo de Barcelona.

Manuscrito original de la sinfonía.

La Sinfonía n.º 6 en fa mayor, op. 68, "Pastoral", fue terminada por Ludwig van Beethoven en 1808. Es una de las pocas obras de música programática de Beethoven, y el compositor la subtituló Recuerdos de la vida campestre. La Sexta Sinfonía fue compuesta simultáneamente con la más famosa de Beethoven —y la más potente—Quinta Sinfonía. Fue estrenada junto a ésta en un exageradamente largo concierto en el Theater an der Wien de Viena. Fue recibida fríamente, sobre todo debido a su más brillante contraparte, la Quinta. Si bien la Sexta contiene algunos de los pasajes más hermosos del músico de Bonn, la gente deseaba otra obra cargada y aventurera, y la obra relativamente calmada e introspectiva no fue muy de su agrado. A pesar de su estreno poco auspicioso, la pieza se ha convertido poco a poco en una de las obras centrales del repertorio sinfónico. Es la favorita de muchos oyentes y es muy frecuentemente interpretada y grabada en la actualidad. La obra dura alrededor de 40 minutos.

La Fantasía para piano, orquesta y coro en Do menor, Op. 80, es una de las obras más singulares de Ludwig van Beethoven. Se estren, en un maratónico concierto, que fue la última aparición pública de Beethoven como solista, con las citadas al principio, el aria Ah, pérfido! y tres movimientos de la Misa latina en sol bemol Op. 86. Tres semanas antes del estreno, Beethoven consideró darle un final grandioso a la Op. 80 y compuso la parte del coro. La pieza completa fue escrita en muy poco tiempo; pero la introducción, sólo de piano, no estaba todavía en papel para el estreno, sino que Beethoven la improvisó. Antes de comenzar, el maestro olvidó decirle al coro que se saltara la segunda repetición —para ahorrar tiempo y porque, como la tinta todavía estaba fresca, no se sentía seguro de la obra—; pero, llegado el momento, siguió tocando. Reconoció que el error había sido suyo y empezaron de nuevo, desde el principio. Del extenuante concierto, ésta es sólo una anécdota famosa. El concierto de estreno debió ser algo desastroso; de acuerdo con el secretario del compositor, Anton Felix Schindler, "fracasó, simplemente", un resultado atribuible al poco ensayo. Sólo Ralph Vaughan Williams ha escrito otra pieza para piano, orquesta y coro.

El Concierto para piano y orquesta n° 4 en sol mayor, Opus 58 de fue compuesto entre in 1805 y 1806; de él no existen copias autógrafas. La obra está escrita para un piano solo y una orquesta que contiene: 1 flauta, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagots, 2 cornos, 2 trompetas, timbales y cuerdas. Como es usual en el concierto clásico, tiene tres movimientos: Primer movimiento: Allegro moderato; Segundo movimiento: Andante con moto y Tercer movimiento: Rondo (Vivace) El cuarto concierto fue estrenado por Beethoven como solista en un concierto privado dado en marzo de 1807 en el palacio de su patrón, el príncipe Lobkowitz. Sin embargo, el estreno público no fue hasta el 22 de diciembre de 1808 en el Theater an der Wien de Viena de nuevo con Beethoven al piano. Beethoven dedicó el concierto a su amigo, alumno y patrón el Archiduque Rudolf de Austria. Un comentario en el Allgemeine Musikalische Zeitung de mayo de 1809 dice que "[este concierto] es el más admirable, singular, artístico y complejo concierto que Beethoven haya escrito». Empero, después de su estreno la obra fue olvidada hasta 1836, cuando fue reflotada por Félix Mendelssohn. El primer movimiento comienza con un solo de piano, que toca acordes simples en la tónica principal antes de modular a la dominante. Sorprendentemente, la orquesta entra entonces en si mayor, lo que crea un cambio a un acorde de tercera que se revela en sí como un motivo del primer movimiento. Franz Liszt caracterizó el segundo movimiento como un diálogo entre el piano (Orfeo) y las Furias, representada por las cuerdas al unísono. Su quieto final en mi menor se enlaza sin pausa con los acordes de do mayor que comienzan el finale. El tercer movimiento es un Rondo con un tema muy rítmico, diferente en su carácter de aquél del primer movimiento, más en tono de diálogo y calmado. Emil Ludwig, el más importante biógrafo de Beethoven, lo considera también el "más perfecto concierto para solo instrumento jamás compuesto".

Efemérides de música: Il mondo della luna

Il mondo della luna (título original en italiano, significa El mundo de la Luna, Hob. 28/7) es una ópera bufa en tres actos con música de Joseph Haydn y libreto en italiano de Carlo Goldoni. Se estrenó en Eszterháza, en Hungría, el 3 de agosto de 1777.

El libreto de Goldoni había sido usado previamente por otros cuatro compositores, primero por el compositor Baldassare Galuppi e interpretado en Venecia en el carnaval de 1750. Fue luego adaptada para la versión de Haydn, que se representaría durante las celebraciones del matrimonio del conde Nikolaus Esterházy, el hijo menor del patrón de Haydn, el príncipe Nikolaus Esterházy y la condesa Maria Anna Wissenwolf.¹ A veces se interpreta como un singspiel bajo su título en alemán Die Welt auf dem Monde.

De manera similar que con el resto de las óperas de Haydn, Il mondo della luna no se ha hecho un hueco en el repertorio operístico habitual. Esta ópera se representa poco; en las estadísticas de Operabase aparece la nº 156 de las óperas representadas en 2005-2010, siendo la 23ª en Austria y la primera de Haydn, con 20 representaciones en el período.

En España, se estrenó el 14 de mayo de 1964, en el Palacio de las Naciones de Barcelona. Posteriormente, en 2004 tuvo lugar una serie de representaciones de esta ópera en el Teatre Lliure de Barcelona, dentro de la temporada del Gran Teatre del Liceu bajo la dirección musical de Josep Caballé-Domènech, al frente de la Orquesta de Cambra (cámara) del Conservatori del Liceu. En Argentina Il mondo della luna fue estrenado por la Ópera de Cámara del Teatro Colón el 14 de febrero de 1971, con la dirección musical de Enrique Sivieri, puesta en escena de Sara Ventura, escenografía y vestuario de Ariel Bianco y la participación de la Orquesta Estable del Teatro Colón.

Argumento

Ecclitico, un falso astrónomo, trata de liberar a Clarice y Flaminia así como a su criada Lisetta de su sobreprotector padre Buonafede, para que se puedan casar con los maridos que han elegido, Ecclitico, Ernesto y Cecco respectivamente. Ecclitico droga a Buonafede y lo lleva al jardín y le hace creer que está en la Luna. Una vez allí, Cecco aparece como el emperador de la Luna con Ernesto como sirviente. Las mujeres se unen a la acción con los hombres y cada pareja se promete el matrimonio antes de que Buonafede se dé cuenta de que está siendo engañado. Finalmente, en el último acto, las tres parejas se casan con el consentimiento de Buonafede.

Efemérides musicales: Las bodas de Fígaro

Las bodas de Fígaro (título original en italiano, Le nozze di Figaro) es una ópera bufa en cuatro actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart y libreto en italiano de Lorenzo da Ponte, basado en la pieza de Pierre Augustin Caron de Beaumarchais, Le mariage de Figaro. Fue compuesta entre 1785 y 1786 y estrenada en Viena el 1 de mayo de 1786 bajo la dirección del mismo compositor.

Libreto del estreno de la ópera en Praga, 1786.

Escrita en italiano, es considerada como una de las mejores creaciones de Mozart y como una de las óperas más importantes de la historia de la música. A pesar de recibir muchas críticas en su época, logró grandes éxitos en sus representaciones. Las bodas de Fígaro es una de las óperas más destacadas del repertorio operístico estándar y aparece como la número 5 en la lista de Operabase de las óperas más representadas en todo el mundo para el período 2005-2010.

Argumento

Lugar y época: En el palacio del Conde y la Condesa Almaviva, en las cercanías de Sevilla, España, a fines del siglo XVIII.

Acto I

Susanna y Fígaro están preparando su boda (Duettino: Cinque, dieci...), y él arregla la habitación que el conde les ha regalado para su comodidad (Duettino con recitativo: Se a caso madama la notte ti chiama), pero ella no acepta: el Conde quiere tomar a Susanna antes que su esposo volviendo a un derecho que él mismo abolió, y se lo ha hecho saber por medio del maestro de música, Basilio. Así se inicia la acción: Fígaro decide ponerse en guardia contra el Conde (Cavatina: Se vuol ballare), de quien fuera cómplice para conquistar a Rosina, ahora Condesa. Mientras tanto Marcellina, el ama de llaves del palacio, y Don Bartolo, el doctor en leyes, planean casar a la dama con Fígaro, en cumplimiento a un contrato hecho tiempo atrás. Él la ayudará en venganza por su Rosinna perdida (Aria: La vendetta). Luego ambos enfrentan a Susanna, saliendo Marcellina herida en su orgullo: la edad (Duetto: Via resti servita). Aparece luego el paje Cherubino, quien está huyendo del Conde quien quiere castigarlo por haber hallado al paje con una de las vasallas favoritas del Conde, Barbarina, y cuenta a Susanna su confusión amorosa (Aria: Non so più). Entra el Conde, tratando de conquistar a Susanna, y luego Don Basilio, el maestro de música, quien enreda la situación al revelar que el Paje mira a la Condesa en una forma especial. El conde que estaba escondido sale enfurecido, y decide desterrar a Cherubino (Trío: Cosa sento!). El Conde explica lo de Barbarina y el paje, y al mostrar cómo lo encontró, lo descubre ahora escondido en la poltrona de Susanna. Van a avisar a Fígaro, pero Susanna amenaza con mostrar la moneda de oro que el conde le dio en su oferta amorosa. Entra Fígaro con los jóvenes del pueblo a pedir permiso para su boda (Coro: Giovani liete), el conde posterga la boda de mala gana y nombra a Cherubino primer oficial de castigo por lo que hizo.

Acto II

La Condesa lamenta las infidelidades de su esposo, Porgi, amor, qualche ristoro (Dame, amor, algún remedio). Llega Susanna, su doncella y le dice que le cuente lo que ha pasado, la condesa le dice a susanna que vaya por Fígaro, que le dice que le ha mandado al Conde una carta anónima en la que le hace creer que la condesa ha concertado una cita con otro hombre. Fígaro sugiere vestirán a Cherubino de chica para burlar al Conde y la condesa le pregunta a susanna que qué le parece; susanna le responde que no está mal. Sale Fígaro por cherubino, vestido de oficial. A instancias de Susana canta a la Condesa su amor, Voi che sapete che cosa è amor (Vos que sabéis qué es el amor). La Condesa y Susanna le disfrazan de mujer, y citan al Conde a una entrevista con Susanna, a la que en realidad asistirá Cherubino. En ese momento, aparece el Conde, y Cherubino se tiene que encerrar en una habitación. La condesa le dice al Conde que es Susanna quien se ha encerrado allí, y él intenta derribar la puerta. Mientras, Susanna, también escondida, aprovecha que el Conde y la Condesa se ausentan en busca de una llave maestra y ayuda a salir de la habitación a Cherubino y se pone en su lugar. Finalmente, la Condesa confiesa al Conde que es Cherubino quien está ahí, pero al abrir la puerta, aparece Susanna, y tanto la Condesa como el Conde se quedan muy sorprendidos. Entonces, la Condesa, reponiéndose, le dice que fue una artimaña para poner celoso al Conde. Entra Fígaro buscando a Susanna para ir a celebrar la boda pero el Conde le pide paciencia, quiere interrogarle. Entra el jardinero, Antonio, quejándose de que alguien rompió sus macetas al saltar de una ventana.Fígaro dice que fue él pero Antonio muestra un papel que perdió el que saltó por la ventana, que resulta ser las credenciales de Cherubino como oficial. Fígaro dice que es que Cherubino se lo había dado porque faltaba un sello pero el Conde no queda convencido con la explicación. En ese mismo momento, aparece Don Bartolo, Marcellina y don basilio de nuevo, que reclaman al Conde el cumplimiento de su demanda, su boda con Fígaro.

Acto III

El conde reflexiona sobre la situación confundido por los eventos precedentes. Incitada por la condesa, Susanna entra en escena y acuerda ver al conde más tarde esa noche, aunque en realidad es la misma condesa la que planea encontrarse con el conde disfrazada de Susana. Cuando Susana sale, el conde la escucha decir a Fígaro que ya ha ganado el caso (Hai giá vinta la causa). Dándose cuenta de que ha sido engañado, decide vengarse de Fígaro haciéndole casarse con Marcelina o pagar una gran cantidad de dinero.

E

El Conde y Susanna, acto III.
Grabado de Heinrich Ramberg.

El notario Don Curzio exige a Fígaro el cumplimiento del contrato con Marcellina (É decisa la lite), o pagarle una gran suma de dinero, pero como éste no tiene, le obliga a casarse con ella. Fígaro se excusa diciendo que él es de familia noble, y que no puede casarse sin una autorización de sus padres desconocidos porque le robaron de pequeño unos bandidos y los espera encontrar en 10 años. Como prueba de esta nobleza, muestra una señal en su brazo derecho. Entonces, Marcelina dice que Fígaro es su hijo, que desapareció al poco de nacer, y que don Bartolo es su padre, así que ya no tiene que casarse con ella. Cuando llega Susanna, y ve abrazados a Marcellina y Fígaro, le golpea en la cara, y Marcelina le explica la nueva situación.

La Condesa dicta a Susana una carta para el Conde, para confundir a su marido. Mientras, entran un grupo de campesinas para ofrecerle flores a la Condesa, entre las que se encuentra Cherubino vestido de mujer. Antonio, el jardinero, y el Conde le descubren.

Se celebra la boda entre Fígaro y Susanna y entre Don Bartolo y Marcelina, y durante el baile, Susana pasa al conde la nota que escribió dictada por la Condesa, fijando una cita para esa noche. La aguja con la que está prendida la carta, debe ser devuelta, en señal de conformidad. El plan es que esa noche no se encuentre con Susanna o con Cherubino, sino que se encuentre con ella, con la Condesa, así que intercambia su ropa con Susanna.

Acto IV

Fígaro sorprende a Barbarina buscando la aguja que sellaba la carta, ya que el Conde se la había dado a Barbarina para que se la diera a Susanna, y ésta la había perdido. Fígaro entonces sabe que Susanna se ha citado con el Conde, pero ignora el plan. Enfadado, invita a don Bartolo y a don Basilio a ser testigos de esa cita, Llegan la Condesa y Susana, con los trajes intercambiados, y se produce un encuentro complicado.

Cherubino, que había quedado con Barbarina, ve a la Condesa, que iba disfrazada de Susanna, e intenta besarla, pero en ese momento llega el Conde, y es él quien recibe el beso. Éste le responde con un bofetón, que recibe Fígaro, que se había acercado para ver qué pasaba. Para vengarse del Conde, Fígaro comienza a cortejar a Susanna, pensando que era la condesa, pero cuando éste la reconoce, le declara su amor, y susanna se enfurece ya que no se dio cuenta que había sido reconocida por su esposo figaro. Cuando se da cuenta, la pareja se abraza, y esto enfurece al Conde, que confunde a Susanna con la Condesa. Cuando se descubre la situación, el Conde pide perdón a su esposa, por sus sospechas y por su mala conducta. La Condesa le perdona y acaba el acto con una alegre fiesta.

Libreto

El libreto Las bodas de Fígaro es obra de Lorenzo da Ponte. Fue el propio Mozart quien le sugirió el tema. El libretista se lo entregó al compositor en julio de 1785. Se inspiraba en la comedia Le mariage de Figaro de Pierre Augustin Caron de Beaumarchais, que se estrenó en 1784 en Viena.

El Emperador José II de Habsburgo concedió licencia para representarla como ópera, a pesar de estar prohibida como obra de teatro. Da Ponte y Mozart redujeron a cuatro los cinco actos del original y transformaron la historia, evitando las alusiones sociales y políticas que podían ser problemáticas; en su lugar, profundizaron en la caracterización de los personajes.

Efemérides musicales : Lully y Beethoven

1673: en Francia, Jean-Baptiste Lully estrena su ópera Cadmus et Hermione.

Cadmus et Hermione es una tragedia musical en un prólogo y cinco actos de Jean-Baptiste Lully. El libreto en francés es de Philippe Quinault, basado en Las metamorfosis de Ovidio. Se estrenó el 27 de abril de 1673, en la sala del Juego de Pelota de París.

El prólogo, en honor del rey Luis XIV, representa a Apolo matando al monstruo Pitón. La ópera en sí misma relata la historia de amor entre Cadmo, legendario fundador y rey de Tebas (Grecia), y Hermione, hija de Venus y Marte. Otros personajes incluyen a Palas Atenea, Cupido, Juno y Júpiter.

Con Cadmus et Hermione, Lully da origen a la forma de la tragedia en música (más conocida como tragedia lírica). Lully incorpora elementos de la ópera cómica veneciana, de los los cuales más tarde se aleja, dando origen a una lírica de rasgos propios.

Una transcripción contemporánea de la obertura por Jean-Henri d’Anglebert subsiste hasta hoy como parte del repertorio de clavicordio.

Esta ópera se representa muy poco. En las estadísticas de Operabase aparece con sólo 4 representaciones en el período 2005-2010.

Opéra Comique de París

1810: en Alemania, Ludwig van Beethoven compone su famosa pieza para piano, Para Elisa.

Para Elisa WoO 59 (Für Elise, en alemán) es una bagatela para piano solo, compuesta en La menor por el compositor alemán Ludwig van Beethoven. Es una de las obras más conocidas del compositor. La pieza fue publicada por primera vez en 1867 en una transcripción de Ludwig Nohl, supuestamente basada en un manuscrito autógrafo de cuya existencia no existe prueba alguna. El musicólogo y pianista Luca Chiantore ha demostrado en su monografía Beethoven al piano (Barcelona, 2010) que existen pruebas suficientes como para afirmar que Beethoven no fue quien dio la forma definitiva a esta obra, y que Ludwig Nohl se basó, en realidad, en los esbozos del conocido manuscrito 116 de la Beethoven Haus.

Según una antigua teoría de Max Ünger, la pieza debería su popular nombre a la confusión de Ludwig Nohl a la hora de transcribir el manuscrito original. Debido a la mala legibilidad de la dedicatoria, donde parecía estar escrito «Elise» debe leerse, en realidad, «Therese». Así, la bagatela en realidad es Para Teresa (Für Therese). Therese podría ser Therese Malfatti von Rohrenbach zu Dezza [1792–1851], una joven alumna de Beethoven a la que éste se declaró en 1810 pero ella se casó con un noble y funcionario estatal austriaco, Wilhelm von Droßdik en 1816. Klaus Martin Kopitz apunta la posibilidad de que Elisa fuera Elisabeth Röckel (1793–1883), una soprano alemana y hermana de Joseph August Röckel.
Es, junto con la Sonata op. 27 n.º 14 «Claro de luna» y el primer movimiento de la Quinta Sinfonía, una de las más conocidas piezas de Beethoven, sin olvidar el cuarto movimiento (presto, la Oda a la Alegría) de la Novena Sinfonía.

Biografías literarias: Juan Meléndez Valdés

1754: nace Juan Meléndez Valdés, poeta jurista y político español.

Juan Meléndez Valdés,
 retratado por Goya en 1797

Era de un humilde origen; su padre era Juan Antonio Meléndez Valdés y su madre María de los Ángeles Díaz Cacho, y tuvo numerosos hermanos; tras su nacimiento la familia se instaló en Almendralejo y a los siete años de edad se quedó huérfano de madre. En 1767 viajó a la corte para estudiar bajo la tutela de su hermano mayor Esteban en el Colegio de Santo Tomás latín y filosofía, y más tarde ingresó en los Reales Estudios de San Isidro, donde aprendió filosofía moral y griego. Finalmente empezó Leyes en la Universidad de Salamanca en 1772 al par que escribe sus primeros poemas y frecuenta las tertulias poéticas, en especial la de fray Juan Fernández de Rojas, más conocido por Delio, y la de José Cadalso en 1773, quien le introdujo en la cultura francesa; en 1774 murió su padre y su carácter se volvió definitivamente melancólico. En 1775 obtuvo el grado de Bachiller en Derecho y en 1777 muere también su hermano Esteban. Se ocupa provisionalmente de la cátedra de lengua griega y conoce a Jovellanos. En 1780 obtiene el premio de poesía de la Real Academia Española con su obra Batilo. En 1781 vuelve a la Universidad de Salamanca con destino a la cátedra de Humanidades. En 1783 se doctora en derecho. En este tiempo escribe Las enamoradas anacreónticas y Los besos de amor y se casa con María Andrea de Coca. En 1784 Meléndez participa para uno de los tres premios ofrecido por la ciudad de Madrid para la mejor composición dramática, obteniendo uno de ellos por Las bodas de Camacho el rico. A estas alturas se encuentra ya con una gran fama por todo el país. Ha madurado y es conocido por todos los intelectuales, poetas y escritores de la época. El famoso impresor Joaquín Ibarra publica en 1785 el primer volumen de sus poemas con gran éxito, realizándose diversas ediciones. En 1798 comienza a ejercer de fiscal durante siete meses y con el favor de Jovellanos, obtiene los destinos sucesivos de juez de la corte en Zaragoza en 1789, canciller en Valladolid en 1791 y fiscal de la Sala de Alcaldes de la Casa y Corte en Madrid en 1797, cargo que ocupará apenas siete meses; escribe entonces sus Discursos forenses, que circularon de forma manuscrita hasta ser publicados durante el Trienio Liberal. Con la caída de Jovellanos, Meléndez se ve obligado a dejar Madrid el 27 de agosto de 1798, y le envían a supervisar las obras de un cuartel que se construía en Medina del Campo, lo que suponía en la práctica un castigo. Pero en 1802 se le devuelven sus emolumentos como fiscal y va a vivir a Zamora, donde se dedicó a proyectos sociales y al estudio. Marcha luego a Salamanca y a Madrid.

Tras la ocupación francesa, se pone al servicio de José I de España, ocupando puestos en el Consejo de Estado y la condecoración como Caballero de la Orden Real de España, lo que le acarreará graves problemas como afrancesado a la salida del rey tras la Guerra de la Independencia. Huido a Francia, residió sucesivamente en Toulouse, Montpellier, Nîmes, Alais y Montauban; su salud se deteriora y se ve aquejado de fuertes depresiones y cuatro años más tarde fallece en Montpellier. Sus restos volvieron a Madrid en 1900 y después de un breve paso por el Panteón de Hombres Ilustres reposan finalmente en un mausoleo conjunto con Goya, Moratín y Donoso Cortés, obra de Ricardo Bellver, en el Cementerio de San Justo.

Además de las ya reseñadas, otras obras del autor son "Poesías" (1785), "A Llaguno" (1794), "Sobre el fanatismo" (1795), "Alarma española" (1808), "Oda a José Bonaparte" (1810-1811), "Prólogo de Nimes" (1815) y "Discursos Forenses" (1821).

Biografías musicales: Fernando Sor

Fernando Sor

El 13 de febrero de 1778, nace en Barcelona Fernando Sor, guitarrista y compositor. Se le conoce a veces como el “Beethoven de la guitarra” en España.

Biografía

Nació en el seno de una familia bastante acomodada, ya que Sor descendía de una larga línea de militares (su padre era ingeniero de caminos, y su abuelo, nacido en el sur de Francia, lo fue en el ejército Francés). Intentó continuar esa tradición militar, pero se apartó de ella cuando su padre le introdujo en la ópera italiana. Se enamoró de la música y abandonó la carrera militar. Junto a la ópera, su padre también le orientó hacia la guitarra cuando, por entonces, era poco más que un instrumento tocado en tabernas, tenido por inferior a los instrumentos de la orquesta.

Al morir su padre en 1789, su madre no pudo seguir financiando sus estudios y el abad de Montserrat, Joseph Arredondo se ofrece a tomar al niño para estudiar gratuitamente en la Escolanía del Monasterio de Montserrat, próximo a Barcelona. El estudio allí giraba en torno a la música. Fue en este monasterio donde comenzó a escribir sus primeras piezas. Sin embargo sus profesores, sobre todo el padre Viola, no apreciaban la guitarra, y por tanto la formación de Sor para este instrumento es autodidacta, antes y después de su etapa en Montserrat.

En 1795 vuelve a Barcelona y empieza su carrera militar como subteniente bajo el General Vives en el ejército de Villafranca. El cargo le permite dar sus primeros conciertos de piano y guitarra y componer. En 1797 tuvo lugar en el Teatro de la Santa Cruz de Barcelona el estreno de su ópera Telémaco en la isla de Calipso.

En 1801 se traslada a Madrid, donde pretende acercarse a los círculos musicales de la Corte de Carlos IV y entrar en la Real Capilla o en la Real Cámara. No es bien acogido allí. Pero la XIII Duquesa de Alba lo acoge y protege en su círculo de artistas. Ésta muere poco después y es el Duque de Medinaceli quien le da un cargo de administrador de fincas en Barcelona, donde vuelve en 1802.

En 1808, cuando Napoleón Bonaparte invadió España, pasó a escribir música nacionalista para la guitarra, acompañada a menudo por líricas patrióticas. Después de la derrota del ejército español, Sor aceptó un puesto administrativo en el gobierno de ocupación, bajo la monarquía de José Bonaparte. Fue Prefecto de Policía en Málaga en cuya catedral hay expuestas algunas de sus obras. Tras la expulsión de los franceses en 1813, Sor y muchos otros artistas, aristócratas e intelectuales más importantes de la época que simpatizaban con la monarquía de José Bonaparte abandonaron España por miedo a las represalias y por la estima que tenían a Francia por sus ideas avanzadas.

Si bien no hay constancia de su pertenencia a ninguna Logia, la afiliación de las personas que más le ayudaron en la época deja pensar que pudo ser masón, iniciado por sus amistades durante la ocupación Francesa de España. Se fue a París, y nunca volvió a su país de origen. En París hizo amistad con muchos músicos, entre ellos el también guitarrista español Dionisio Aguado, también huido de España, colaborando estrechamente e incluso conviviendo juntos durante un tiempo en el Hôtel Favart, que hoy sigue en pie y en funcionamiento. Compuso un dueto para los dos (Op.41, Les Deux Amis, Los dos amigos, en el que una parte está marcada "Sor" y la otra "Aguado").

Comenzó a ganar renombre entre la comunidad artística parisina por sus habilidades para la composición y para tocar la guitarra, e inició ocasionales viajes a través de Europa, obteniendo considerable fama y convirtiendo a la guitarra en un instrumento de concierto. Estuvo en Inglaterra en 1815 donde fue reconocido como compositor de óperas y ballets. En 1823 viajó a Rusia, donde escribió y presentó exitosamente el ballet Hércules y Onfalia con motivo de la coronación del zar Nicolás I. En 1825 un ballet suyo, Cenicienta, inaugura el teatro Bolshoi. La prima ballerina es su amante o mujer del momento: Felicité Hullin. En 1827 se asentó y decidió vivir el resto de su vida en París. Esto es debido en parte a su edad madura y en parte a su pérdida de mecenazgo en Rusia, tras la muerte de la zarina madre Isabel. Durante esta etapa madura compuso muchas de sus mejores obras.

Los principales ingresos de un músico en la época de Sor eran los conciertos y la edición de partituras. Los conciertos se daban entre varios músicos en honor a uno de ellos y éste cobraba los honorarios. Esto se hacía de forma rotatoria por círculos de músicos afines y amigos. En cuanto a las partituras, publicadas por Jean Antoine Meissonnier, las piezas de Sor no eran precisamente vendibles a la masa de amateurs por su dificultad, y le exasperaba componer para amateurs poco esforzados. En cualquier caso acabó publicando piezas fáciles y evolutivas haciendo los mínimos sacrificios artísticos posibles.

El final de su vida es acomodado pese a la leyenda (compartida por muchos artistas románticos) de la muerte en el olvido y la miseria. El último concierto en su beneficio lo da el 24 de abril de 1836 junto con Aguado. Un testimonio sobre el final de su vida lo dan sus amigos Eusebio Font y Moresco y Jaume Batlle i Mir en un articulo de la Opinión Publica de Barcelona de enero de 1850. Sin embargo su hija Carolina, arpista y pintora, muere el 8 de junio de 1837. Su última obra fue una misa en honor de ella. Esta muerte sumió al ya enfermo Sor en una seria depresión, y murió el 10 de julio 1839 de cáncer de la lengua.

Su tumba fue identificada en el Cementerio de Montmartre en los años treinta a iniciativa de Los Amigos de la Guitarra de Paris (André Verdier, Emilio Pujol y el danés Ostergaard entre otros). Fue restaurada para evitar la caducidad de 100 años de las concesiones que habría implicado el paso de los restos a una fosa común y la reutilización del nicho. Estaba enterrado en la tumba del noble español David del Castillo, amigo de Fernando Sor, cuya familia también huyó de España. En 1936 hubo dos ceremonias para inaugurar la tumba restaurada: La primera por el Gobierno de la República y al poco por el gobierno del general Franco. De nuevo en 1978, la tumba vuelve a estar en pésimo estado y es restaurada con el añadido de una escultura del canario afincado en Francia Ángel Peres. La tumba se puede seguir visitando en la división 24 del Cementerio de Montmartre, se puede ver fácilmente desde la avenida interna Samson.

Pese a haber nacido en Barcelona en la Calle Sant Pau (seguramente donde está el actual Liceo o muy cerca), no hay todavía una placa que lo recuerde.

Estilo

Su estilo se caracteriza principalmente por el uso de un lenguaje guitarrístico bastante avanzado para su época, pero, aun así sigue siendo considerado como un compositor totalmente clásico. Sin embargo, muchos intérpretes acostumbran hacer una interpretación de sus obras con un enfoque "romántico".

Incursionó en distintas formas musicales –como por ejemplo divertimentos, tema con variaciones, sonatas, fantasías, minuetos, duetos, así como diversa música vocal- haciendo muestra de su conocimiento en cuanto a las técnicas de composición de la época. Sin embargo, sus obras son claras y en cierto modo sencillas, lo cual permite una fácil asimilación para aquel que las escuche.

Hacía un uso frecuente de las tonalidades menores como preámbulo a sus piezas, un ejemplo claro es la introducción de las Variaciones sobre un tema de Mozart, la cual está en mi menor pero en el transcurso de ésta, modula para así mostrar el tema en Mi mayor. Otro ejemplo de esta característica es el "Gran solo", en donde el tipo de modulación es el mismo, solamente que en la tonalidad de Re.

Otra característica de su estilo compositivo es el sutil uso de "retardos armónicos" muy al estilo de Haydn y Mozart. Del mismo modo, es posible encontrar más similitudes con dichos compositores, pero esto se puede observar como resultado de la influencia del estilo predominante en su época, el Estilo Galante.

Desde su salida de la escuela de Monstserrat, Fernando frecuenta amateurs, profesionales y notables interesados en aprender el arte de la guitarra o de la armonía. Entre sus alumnos figuran Isabella Colbran y José de San Martín. En su etapa madura en Paris editó por sí mismo una obra didáctica, de referencia todavía hoy: Método para guitarra, publicado en 1830 y traducido a varios idiomas, incluido al castellano, en el año 2008, a los 178 años de su primera edición. Ha habido muchos apócrifos derivados, reeditados y vendidos de este método y es aconsejable informarse bien antes de seguir uno, siendo la consigna seguir el original de 1830, del que quedan pocos auténticos.

Obras

Óperas

• Telémaco en la isla de Calipso (1797)
• Don Trastullo

Ballets

• La feria de Esmirna (1821)
• El señor generoso (1821)
• Cenicienta (1822)
• El amante pintor (1823)
• Hércules y Onfalia (1826)
• El siciliano (1827)
• Hassan y el califa (1828)

Música vocal

• 25 Boleros o seguidillas
• 33 Arias

Música orquestal

• 3 Sinfonías
• Concierto para violín

Música de cámara

• 3 Cuartetos de cuerda (Perdidos)
• Tríos de cuerda con guitarra (Perdido)

Obras para guitarra

• 30 Divertimentos Op. 1, 2, 8, 13 y 23
• Variaciones Op. 3, 9, 11, 15, 16 y 20
• 11 Fantasías Op. 4, 7, 10, 12, 21, 30, 46, 52, 56, 58, 59 y 97
• 6 Piezas breves Op. 5
• 12 Estudios Op. 6
• 12 Minuetos Op. 11
• Gran solo Op. 14
• 3 Sonatas Op. 15, Op. 22 y Op.25
• 12 Valses Op. 17
• Variaciones sobre La flauta mágica (Mozart) Op. 9
• 8 piezas breves Op. 24
• Variaciones Op. 26, 27 y 28
• 12 Estudios Op. 29
• Estudios Op. 31 nº 20, 35, 44 y 60
• 24 Piezas breves Op. 32, 42, 45 y 47
• 6 Piezas de salón Op. 33 y 36
• 12 Valses Op. 51 y 57
• Variaciones Op. 40
• Serenata Op. 37
• 6 Bagatelas Op. 43
• 6 Piezas Op. 48
• Capricho Op. 50
• Duetos Op. 34, 38, 39, 41 "Les deux amis", 44, 45, 46, 47, 48, 49, 53, 54, 55, 61, 62 y 63.
• Seis aires escogidos de la opera la flauta mágica Op. 19

Efemérides musicales y cinematográficas: Wolfgang Amadeus Mozart

El 27 de enero de 1756: nace Wolfgang Amadeus Mozart, cuyo nombre completo era Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart, en Salzburgo,  fue un compositor y pianista austriaco, maestro del Clasicismo, considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia.

La obra mozartiana abarca todos los géneros musicales de su época y alcanza más de seiscientas creaciones, en su mayoría reconocidas como obras maestras de la música sinfónica, concertante, de cámara, para piano, operística y coral, logrando una popularidad y difusión universales.
En su niñez más temprana en Salzburgo, Mozart mostró una capacidad prodigiosa en el dominio de instrumentos de teclado y del violín. Con tan solo cinco años ya componía obras musicales y sus interpretaciones eran del aprecio de la aristocracia y realeza europea. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles. En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevadas a la categoría de mito.
En palabras de críticos de música como Nicholas Till, Mozart siempre aprendía vorazmente de otros músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que abarcó desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasión —todo bien fundado por una visión de la humanidad «redimida por el arte, perdonada y reconciliada con la naturaleza y lo absoluto»—. Su influencia en toda la música occidental posterior es profunda; Ludwig van Beethoven escribió sus primeras composiciones a la sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn escribió que "la posteridad no verá tal talento otra vez en cien años". 

Y, por supuesto, un genio de esta envergadura no podía faltar en el cine. Su vida pero sobre todo su obra han aparecido en algunas películas, veamos algunas de ellas.

• Zehn Minuten Mozart (Ten Minutes with Mozart, 1930) de Lotte Reiniger, cortometraje animado que desarrolla una historia utilizando únicamente composiciones de Mozart.

• Mozart-Aufzeichnungen einer Jugend (Mozart, las grabaciones de juventud, 1976) de Klaus Kirschner, Realizado para la televisión alemana, este semi-documental sobre la vida de Wolfang Amadeus Mozart consta de las cartas escritas por el compositor mientras los artistas actúan al margen de los acontecimientos que aparecen en pantalla. La película cubre la producción creativa de Mozart entre los siete y los veinte años. 

• From Mao to Mozart: Isaac Stern in China (1979) de Murray Lerner. Documental. Retrata la entrada de la cultura occidental en China, a través de los conciertos que dio Isaac Stern, el primer violinista que visitó el país y colaborador de la China Central Symphony Society.

• Bröderna Mozart (Los Hermanos Mozart, 1986) dirigida por Suzanne Osten. El tema de la película es la vida del artista, el veneno del teatro, vivir para el teatro y nada más que para él. Una compañía teatral está preparando una nueva producción de Don Giovanni de Mozart, bajo la dirección de un joven y prometedor director, de revolucionarias ideas en cuanto al montaje escénico. Sus innovaciones provocan enfrentamientos con los artistas aunque su magnetismo personal les obliga, sin embargo, a seguir sus deseos y la ópera se convierte en una gran producción.

• For Ever Mozart (Por siempre Mozart, 1996) de Jean-Luc Godard. Una compañía francesa de teatro se propone representar una obra en Sarajevo, pero sus miembros son capturados y recluidos en un campo de prisioneros de guerra. Entonces pedirán ayuda a sus amigos más influyentes para que gestionen su liberación.

• Peterburgskiy dnevnik: Mozart. Rekviem (TV) (El diario de San Petersburgo. Mozart. Réquiem (TV), 2003) de Alexander Sokurov. Documental. El estreno del Requiem de Mozart organizado por Sokurov, bajo la dirección de Valentina Kopylova-Pantchenko y con los coros "Rossica" de San Petersburgo, tuvo lugar en la Filarmónica de San Petersburgo a finales de 2003. El coro desempeña un papel esencial, es el actor principal. 
• Mozart in China (Mozart en China, 2008) de Bernd Neuburger, Nadja Seelich. Danny y Ly Wei, dos niños de diez años que viven en Salzburgo, pasan un verano lleno de aventuras en Hainan, una isla meridional de China. Con la ayuda de una obra Mozart y de una princesa china se las arreglarán para salvar un viejo teatro codiciado por una cadena hotelera.

Mención aparte merece Amadeus (1986) de Milos Forman, Impresionante adaptación de la obra de Shaffer sobre la vida de W.A. Mozart, narrada a través de un Salieri -inmenso Murray Abraham- consumido por los celos artísticos ante tanto talento. El cine tiene aquí el mejor retrato de uno de los más comunes de los sentimientos humanos: la admiración con espuma de envidia. Como muestra de inigualable sutileza, atención a la escena en la que Salieri encuentra un manuscrito inédito y sin tachaduras de Mozart... Por lo demás, 8 Oscar consagraron una de las mejores películas de los años ochenta.

La trama es la siguiente: Antonio Salieri es el músico más destacado de la corte del Emperador José II de Austria. Entregado completamente a la música, le promete a Dios humildad y castidad si, a cambio, conserva sus extraordinarias dotes musicales. Pero, después de la llegada a la corte de un joven llamado Wolfang Amadeus Mozart, Salieri queda relegado a un segundo plano. Enfurecido por la pérdida de protagonismo, hará todo lo posible para arruinar la carrera del músico de Salzburgo. Mientras tanto, Mozart, ajeno a las maquinaciones de Salieri, sorprende a todos con su genialidad como músico, pero también con sus excentricidades.