"El mal no existe": una película misteriosa y desconcertante para recordar

El mal no existe (Aku Wa Sonzai Shinai, 2023), la nueva película de Ryūsuke Hamaguchi. Takumi y su hija, Hana, viven en un pueblo cercano a Tokyo. Su vida se verá profundamente afectada cuando descubren que cerca de su casa se va a construir un glamouroso camping para que los habitantes de la ciudad hagan escapadas cómodas a la naturaleza. Cuando dos representantes de una empresa de Tokio llegan al pueblo para celebrar una reunión, queda claro que el proyecto tendrá un impacto negativo en el suministro de agua local y provocará problemas. Las intenciones de la agencia ponen en peligro tanto el equilibrio ecológico de la meseta como su forma de vida, con consecuencias que afectan profundamente la vida de Takumi.

El motor dramático de El mal no existe se basa en una alteración del equilibrio: un padre camina por un bosque cerca de Tokio y le presenta a su pequeña hija la maravilla de la belleza de la naturaleza. Le enseña los nombres de los árboles, a reconocer las huellas de los animales. Todo es paz en este pequeño y encantador pueblo, hasta la llegada de dos perturbadores habitantes de la ciudad. Dos conexiones completamente aéreas ofrecen a los residentes un proyecto de “glamping”, un nuevo concepto de ocio que combina camping y confort de lujo para atraer a los habitantes de las ciudades.

Fue gran premio del Jurado en el Festival de Cine de Venecia y el premio a la mejor película en el BFI London Film Festival.

La película, dirigida y coescrita por Ryusuke Hamaguchi, elogiado responsable de Drive My Car, habla del oportunismo de los poderosos a la hora de sacar rédito de los ámbitos naturales y de la razonable oposición de quienes ven que su entorno y modo de vida va a cambiar drásticamente.

Ryusuke Hamaguchi, director de "Drive My Car": "Para esta película, la referencia fue el propio Haruki Murakami"

Premio al guión en Cannes en julio, la nueva película del director japonés, un espléndido fresco romántico adaptado de un cuento de Murakami, se estrenará este miércoles. 

Ryusuke Hamaguchi

Drive My Car (Doraibu mai kâ, 2021), se presentó en el 74º Festival de Cine de Cannes el pasado mes de julio obteniendo el premio al guión. Poco consuelo, para su autor, Ryusuke Hamaguchi, ya que esta gran película romántica, con su elegante escritura y puesta en escena, merecía la Palma de Oro. Mientras su productor le ofrecía adaptar una vieja historia de Haruki Murakami, el cineasta puso su mirada en otra historia corta del escritor japonés, incluida en la colección Hombres sin mujeres (Belfond, 2014), cuyos temas llama la atención de inmediato .

Hamaguchi, que provenía del cine independiente, se benefició de medios más sustanciales de lo habitual: “duplicamos con creces el presupuesto de Asako I & II (2018), que en sí mismo fue de cinco a diez veces mayor que el de mis primeros logros”, incluso si, nos asegura que la estimación de Drive My Car se mantiene en una escala "mucho más baja"al de las películas seleccionadas en los principales festivales internacionales. El rodaje, que comenzó en marzo de 2020 en Japón, tuvo que interrumpirse debido a problemas de salud. Mientras que los rodajes continuarían en Pusan, Corea del Sur, la epidemia de Covid obligó a la producción a buscar otro escenario: Hamaguchi retomó su guión para que la historia finalmente se desarrolla en un centro cultural en Hiroshima, donde el personaje principal, Kafuku, se encuentra a escenificando una producción muy particular del tío Vanya, de Chéjov.

El cine japonés contemporáneo en cuatro películas y un actor

Todavía en los grandes festivales y en las salas de cine, las películas japonesas siguen hoy marginadas. Por ello, en esta entrada trataremos de dar visibilidad a este cine con cuatro películas y un actor. 

Las películas

1.- Intimacies (Shinmitsusa, 2012), de Ryusuke Hamaguchi

Después de Netemo sametemo (2018), también conocida como Senses y Asako 1 y 2, el entusiasmo en torno a Ryûsuke Hamaguchi, un cineasta hasta ahora misterioso, no termina con otro de sus obras maximalistas, que hábilmente trabaja la dimensión teatral contenida en nuestra vida cotidiana. En cuatro horas y quince minutos, Hamaguchi entrega aquí una película en tres partes: los ensayos, luego la representación de una obra, seguida de un epílogo. La historia gira en torno a un hipotético conflicto militar con Corea del Norte, que interrumpe y modifica a cada una de las tres partes. Es la oportunidad de ver una vez más en una obra suya el método de este cineasta residente en Kobe que, a través de un sistema de variaciones y ecos, aprovecha el tiempo que se da para explorar realmente los sentimientos, liberar la palabra y decirnos que nada es seguro, que nada se ha conseguido: al principio, ansiosos por dar lo mejor de sí mismos, los actores cuestionan el principio mismo de su trabajo y expresan honestamente sus sentimientos, en un mundo donde las presiones sociales apenas lo permiten.

2.- Los niños lobos, o también Los niños lobo Ame y Yuki (Ookami kodomo no Ame to Yuki, 2012), de  Mamoru Hosoda
Ciertamente, el recuerdo de Miraï, mi hermana pequeña (Mirai no Mirai, 2018), la última película animada de Mamoru Hosoda, todavía está muy próxima. Pero solo podemos recomendar un encuentro con este autor en ascenso que, al frente de su propio estudio de animación, Chizu, tiene como única vocación el cine, que descuidan la mayoría de los otros estudios y -al hacerlo, surge su singularidad-, respondiendo a las demandas formuladas por la pequeña pantalla. Mamoru Hosoda también hizo su debut al revelarse a sí mismo capaz de dar un alma a múltiples comandos como Digimon Adventure o Dragon Ball Z, la película. Desde La chica que saltaba a través del tiempo (Toki wo Kakeru Shōjo, 2006), logra borra cada vez más la frontera entre lo real y lo onírico, y abordar temas complejos mientras sigue siendo asequible para el gran público. La película trata sobre la historia de Hana, una chica de 19 años de edad que se enamora de un hombre lobo. La película se desarrolla desde que se enamora de él hasta 13 años después.

3.- 0,5 mm (0.5 miri, 2014), de Momoko Andô

En su segundo largometraje, Momoko Andô realiza una comedia sobre la tercera edad (mayores de la etapa tardía) en Japón que evita la cortesía sumisa. El impertinente cineasta prefiere describir la odisea de una enfermera marginal, Sawa Yamagishi. La familia de un anciano le pidió a Sawa que durmiera con él, lo que la llevó a perder su trabajo y su casa. Criminal, sin ser realmente malvada, intenta comprender a unos ancianos solitarios o amargados, haciéndose cargo de su vivir diario y procura darles ganas de vivir, al tiempo que aligera sus ahorros. Momoko Andô mezcla de manera irreverente la apatía de Japón hacia sus ancianos, la inmensa riqueza financiera que poseen y la capacidad de todos para comprender una muerte inminente en su familia. Esta película, rica y con matices, es, a la vez, un asunto de intercambio intergeneracional como de un aprovecharse de la debilidad. El título se refiere, en cuanto a él, al famoso dicho de Confucio: "Si una persona sola fuera capaz de mover una montaña 0,5 mm entonces, si todos se pusieran a empujar la montaña realmente se moverían y podría comenzar una revolución". 

4.- Hanagatami (2017), de Nobuhiko Ôbayashi

Más excéntrico, pero también obsesionado por la guerra, este último largometraje de un cineasta que comenzó en la década de 1960, está situado temporalmente unas pocas semanas antes del ataque a Pearl Harbor. Nobuhiko Obayashi, ahora octogenario, se dedica aquí a la exploración del placer y la ligereza de una pandills de estudiantes japoneses de secundaria, más o menos conscientes de vivir sus últimos momentos de inocencia y bailar sobre volcán. Su película es un algo extravagante, todo en zooms, juega con los colores y el manierismo vanguardista heredado de la década de 1970. Su título se refiere tanto a una canasta de rosas rojas como a una obra de teatro en el teatro Nô (una de las manifestaciones más destacadas del drama musical  o lírico japonés que se ha realizado desde el siglo XIV), en la que hay dos amantes. Enloquecido por su separación. Hanagatami también se hace eco de la película más conocida de su autor, Hausu (1977), también recomendable su visionado, y en la que una casa, con vida propia, literalmente devora a sus habitantes.
El actor

Kōji Yakusho, Isahaya, 1 de enero de 1956, cuyo verdadero nombre es Kōji Hashimoto, un aclamado y famoso actor, guionista y director japonés. Su primer papel llegaría en la primavera de 1978 en una audición de Tatsuya Nakadai, donde sería uno de los cuatro elegidos de 800 solicitantes. Que sea un vagabundo, un samurai o un oficinista, este versátil actor nunca pasa desapercibido. Su reconocimiento internacional fue en aumento  con Memorias de una geisha (Memoirs of a Geisha, 2005) y Babel (2006) -en esta última actuó junto a Brad Pitt-. Ha sido el centro de atención durante más de veinte años, desde La anguila (Unagi, 1997), de Shohei Imamura, Palma de Oro en Cannes ese mismo año, hasta El tercer asesinato (Sandome no satsujin, 2017), de Hirokazu Koreeda, estrenada en Europa unos meses antes de que el director obtuviera la Palma de Oro por Un asunto de familia (Manbiki kazoku, 2018). Presunto asesino en El tercer asesinato, lo encontramos como un policía que comienza a parecerse un poco  a los maníaco a los que persiguen en The Blood of Wolves (Korô no chi, 2018).