Ingmar Bergman: 15 películas de una retrospectiva excepcional (II)

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8- Fresas salvajes (Smultronstället, 1957)

Como segunda obra maestra de un año excepcional, Fresas salvajes es la película más premiada de Bergman, según afirma el sitio web bien documentado de la Fundación Bergman. La magia de una vuelta atrás  en nuestra propia vida es el tema principal de esta road movie donde un anciano médico, durante un viaje en automóvil, va recorriendo y recordando los lugares de su juventud. Existe un lenguaje universal de las emociones, expresado por un solo actor: el cineasta sueco Victor Sjöström, a quien Bergman veneraba desde que dirigiera La carreta fantasma (Körkarlen, 1921). Pero también hay, en Fresas salvajes, la complejidad de nuestra relación atormentada en ese momento, cargada con nuestros errores y condenada a hacernos desaparecer: una dimensión que la puesta en escena hace muy impresionante, y que valdrá para la película ser citada por cineastas tan ambiciosos como David Cronenberg (Spider, 2002) y Desplechin (Esther Kahn, 2000), o influiría en películas como Otra mujer (Another Woman, 1988) y Desmontando a Harry (Deconstructing Harry, 1997), ambas de Woody Allen. Una obra cumbre.

9 .- El manantial de la doncella (Jungfrukällan, 1960)

Durante la Edad Media, en la campiña sueca, en el camino a la capilla donde va a encender velas, una joven comparte su comida con dos pastores. La violan, la matan y piden refugio, por la noche, en la casa que es, y no lo saben, la de sus padres. Una terrible violencia resuena en esta película que inspiró el primer largometraje de Wes Craven, una nueva versión en versión de puro horror - La última casa a la izquierda (The Last House on the Left, 1972)-. A la inhumanidad de los asesinos responde la implacable venganza del padre de la niña: con furia y sangre, Bergman cuestiona el castigo divino y el perdón, la caída del hombre y su elevación. Su forma única de mezclar lo material y lo espiritual lleva a la memorable imagen del padre luchando contra un joven abedul para doblarlo: este símbolo de una lucha existencial será retomado por Tarkovsky en Sacrificio (Offret, 1986). Permaneciendo a la sombra de sus obras maestras, El manantial de la doncella es una de las películas más importantes de Bergman.

10.- Como un espejo (Såsom i en spegel, 1961)

Trata de la historia de una joven esquizofrénica, que pasa el tiempo con su familia en una isla remota, y que tiene alucinaciones sobre Dios, quien se le aparece en forma de una araña monstruosa. Película  trascendental dentro de la filmografía de Bergman, a partir del que depuraría su estilo, reduciendo acción y personajes a una simple abstracción expresiva. Es una obra tan sincera como dura, conservando un admirable ritmo interno. Su carga existencial se expresa con tanta fuerza como dolor.

11.- Los comulgantes (Nattvardsgästerna, 1963)

Debatiéndose entre la idea de un Dios presente o ausente, Bergman ataca sus propias tergiversaciones en esta mordaz película en la que un pastor protestante, después de haber negado su fe, también se libera del falso amor que lo vinculaba a una mujer, la maestra Marta. Es un verdadero ajuste de cuentas, una prueba de la verdad despiadada por el escrutinio de un cine íntimo que mira a los personajes directamente a los ojos. La carta de la mujer repudiada, que escribió al pastor y leyó en voz alta y mirando a la cámara, sigue siendo uno de los momentos más imponentes en el cine de Bergman. Pero lo más sorprendente es que el juego cruel de la verdad y la aceptación de un mundo sin milagros, sin ilusiones, llevan, en Los Comulgantes, a un retorno de la fe. En Dios tal vez, en el hombre seguramente. Esta trayectoria inesperada, pero profundamente necesaria y sincera, hace que la película sea admirable.

12.- Persona (1966)

Intento de un cineasta en crisis para darle sentido a su arte, Persona es la más comentada de las películas de Bergman, asegura el sitio web de su Fundación. La búsqueda de un nuevo significado a la profesión de director, por lo tanto, ha abierto una tremenda controversia y dio lugar a todas las interpretaciones a partir de un argumento bastante simple: una actriz que atraviesa una grave crisis personal y pierde el uso del habla. es enviada a una cura de reposo, supervisada por una enfermera que le cuenta su vida. Alrededor de estas dos mujeres, interpretadas por Liv Ullman y Bibi Andersson, se crea un efecto espejo infinito, desde la oposición hasta la fusión de sus rostros. Visualmente, este juego de mujeres es tan sorprendente que Persona encuentra un eco en todas las películas donde dos heroínas se reflejan peligrosamente en la otra (como la de Mulholland Drive, David Lynch). Como si no pudiera soportar dudar del cine y su poder, Bergman lo empuja, empujándolo casi al borde de la experimentación, y le arrebata nuevos secretos.

13.- Gritos y susurros (Viskningar och rop, 1973)

Después de una serie de películas que hicieron creer que que había ablandado, Bergman decide un nuevo tratamiento de choque, a la manera de Persona: sacude su forma de trabajar y el mismo financia un largometraje que sabía si podrá realizarse o no, Gritos y susurros. Un triunfo en todo el mundo y especialmente en los Estados Unidos, con cinco nominaciones al Oscar. Al buscar renovarse, el maestro, de hecho, ha llegado a la quintaesencia de su arte: reúne a mujeres, las imagina como hermanas, unidas por recuerdos de la infancia y por el enfoque de la muerte, y filma su complicidad, su rivalidad y sus deseos en decorados rojo, pura audacia. En resumen, Bergman crea su propia mitología: en esta película,  hace vibrar la idea de un mundo exótico, nórdico y femenino, donde las pasiones se consumen en un silencio desgarrado por gritos de sufrimiento. Un golpe maestro, experimenta, arrebata nuevos secretos.

14.- Secretos de un matrimonio o Escenas de la vida conyugal (Scener ur ett äktenskap, 1973)

Se rodó para la televisión sueca con el formato de una miniserie de cinco episodios. esta crónica de la desintegración de un matrimonio tuvo tal éxito que hubo de realizarse una versión cinematográfica más breve para su distribución en las sala de cines.  Al observar a Johan (Erland Jospehson) y Marianne (Liv Ullmann), perfectamente sincronizados y conducirlos a una prueba a la vez peligrosa y saludable, Bergman utiliza su propia experiencia de la vida de una pareja y sus fracasos amorosos: separado de Liv Ullman, se casó por quinta vez cuando aborda Secretos de un matrimonio. Él sabe de lo que habla que la película impone sin esfuerzo una autenticidad casi documental, que contribuyó mucho a su efecto en los espectadores de los años 1970, no acostumbrados a tanta franqueza en el tema de las relaciones románticas, también sexual. Pero la calidad del texto da una resonancia atemporal a esta reflexión pesimista y, sin embargo, generosa sobre la pretensión y los problemas reales de la vida en común.

15.- Sonata de otoño (Höstsonaten, 1978)

Atento a los críticos, que a menudo lo habían agotado, Bergman fue sensible a la reflexión de uno de ellos, juzgando que con Sonata de otoño, "Bergman era Bergman". Es cierto que esta reunión entre una madre, que dio todo a su carrera como pianista, y su hija, abandonada a la falta de amor, se desarrolla en un ambiente íntimo típico del cineasta. Y el elenco (Ingrid Bergman, la sueca sueca de Hollywood y Liv Ullmann) parece enfatizar también la voluntad de presentar nombres para su prestigio. Pero la violencia de la película es tal que da lugar a una emoción que no tiene nada de cálculo: Bergman no se complace en dominar, entra en el corazón de su sujeto y las estrellas que dirige. los usa por sus excepcionales cualidades de juego. Da todo por los personajes y esta pareja infernal madre-hija, lo hace vivir con todo el resentimiento posible. Ingrid Bergman llegó a esta conclusión muy precisa: "Hitchcock hizo películas con su cerebro. Bergman hace películas con su corazón".

Ingmar Bergman : 15 películas de una retrospectiva excepcional (I)

El pasado julio (concretamente, el 14) se cumplió el primer centenario del nacimiento de uno de los directores de cine clave de la segunda mitad del siglo XX, el sueco Ingmar Bergman. Desde este blog queremos hacerle un pequeño homenaje a través de sus películas más emblemáticas. Desde Música en la oscuridad a Sonata de otoño, descubriremos, por orden cronológico, la filmografía de este cineasta. 

Ingmar Bergman con Birger Malmsten en una proyección privada

1.- Tortura (1944)

Un profesor de latín, apodado Calígula por su carácter paranoico, goza persiguiendo a uno de sus alumnos y satisface su sadismo en una joven vendedora de un estanco. Primer guión escrito por un joven Ingmar Bergman, poco después convertido en uno de los grandes cineastas de la segunda mitad del siglo XX. Casualmente y debido a una repentina enfermedad del realizador Alf Sjöberg, Bergman tuvo que sustituirlo dirigiendo la última secuencia de la película, iniciándose de esta forma tan improvisada como director. El estreno sueco de la película provocó un fuerte escándalo debido a su crítica al programa educativo escandinavo.

2.- Música en la oscuridad (Musik i mörker, 1948)

Representativa película de los comienzos de Bergman, entonces un joven realizador sometido a la buena voluntad de los productores, Música en la oscuridad es una película que acepta dirigir a regañadientes y de la que sólo se atrevió a decir: "Todo lo que recuerdo, es que me decía durante el rodaje, asegúrate que no sea muy aburrida. Era mi única ambición". El resultado es mucho más interesante de lo que esperaba, a pesar de un guión de fotonovela, entre el melodrama y la tragedia: Un soldado, que se ha quedado ciego a causa de un accidente, encuentra trabajo como pianista en un restaurante, pero no consigue acostumbrarse a que lo vean como un inválido. Una joven obrera se fijará en él y tratará de reconfortarlo... De la ceguera y la lágrima simple, Bergman se sirve para sugerir que el cine puede ser, y lo demostrará, una cuestión de alma, de invisibilidad. Y la pasión por la música, que atraviesa transversalmente toda su obra, resuena ya aquí con autenticidad. Una película que tiene el atractivo de la curiosidad y la fuerza de una hermosa promesa. 

3.- Prisión (Fängelse, 1949)

Para la primera película que Svensk Filmindustri, el gran estudio para el que trabaja, le autoriza a ser director y también guionista, Bergman imagina una historia curiosa: en un estudio de cine, un joven director recibe la visita de un ex profesor de matemáticas que le propone el desafío de hacer una película sobre el tema: "Nuestro mundo es el infierno y el diablo lo dirige todo"... Pero, lejos de proyectores, es "la vida real" (primer título previsto) lo que resulta ser infernal, con la historia de una joven prostituta obligada a abandonar a su hijo. Llena de ideas y deseos de luchar con el bien y el mal, Prisión es un melo drama empujado por un gran apetito de cine, que se expresa de una manera ecléctica, desde el realismo puro hasta el onirismo muy inspirado. Un Bergman desconocido pero ya se dibuja incipientemente el gran creador. 

4.- Juegos de verano (Sommarlek, 1951)

Una bailarina de ballet recibe en su camerino, de un misterioso portador, el diario personal del hombre que fue su primer amor. Ella recuerda su verano juntos... Si el aroma de un antiguo cine sentimental se cierne sobre Juegos de Verano, la sorpresa es constante. Los recuerdos solares en los que la heroína se sumerge se revelan llenos de sombras, el frío gana a los amantes, la tragedia amenaza, la muerte aparece bajo los rasgos de una anciana mujer enferma... Audaz confrontación entre felicidad y desgracia, Juegos El verano es una película fundamental que anuncia tanto a Monika (donde encontraremos el paisaje del archipiélago de Estocolmo, la fusión con la naturaleza), El Séptimo Sello (interrogante sobre la muerte) y Fresas salvajes (la reminiscencia como principio narrativo y soledad en la nostalgia). Comprendemos porque Bergman, tan duro con él mismo, siempre ha apreciado esta obra de juventud.

5.- Un verano con Mónica (Sommaren med Monika, 1953)

Es la primera película mítica de Bergman, en principio debido a su curioso destino: considerada una obra menor con aromas de un vulgar erotismo, Un verano con Mónica se convirtió en la joya para los directores de la Nouvelle Vague. Truffaut le citará en Los cuatrocientos golpes (Les quatre cents coups, 1959) y Godard decretará que es: "la película más original del más original de los cineastas". Rodada en exteriores, en el archipiélago de Estocolmo, con medios escasos, un guión depurado (una chica ama a un chico para después abandonarlo), todos los principios del cine moderno, despojado de cualquier convención, están ya presentes en esta obra. Para simbolizar esta nueva libertad, vemos la famosa mirada que  Monika  dirige a la cámara, a nosotros y también, en principio, enamorado de su actriz, Harriet Andersson. Una película en estado de gracia. 

6.- Sonrisas de una noche de verano (Sommarnattens Leende, 1955)

Para conseguir de la Svensk Filmindustri el derecho de hacer películas que no se valoraran exclusivamente por el éxito, Bergman debió durante mucho tiempo rodar comedias que reportarán dinero al estudio.  Esta es tan hermosa que se cuenta entre los clásicos del director. Es una trama amorosa, orquestada de forma brillante: El abogado Fredrik Egerman (Gunnar Björnstrand) es un hombre maduro que vive una relación platónica con Anne (Ulla Jacobsson), su joven y virginal esposa. Henrik, hijo de un matrimonio anterior, persigue a Petra (Harriet Andersson), la doncella de la familia. Una actriz llamada Desiree (Eva Dahlbeck), antigua amante de Fredrik, está en la ciudad y él la visita, pero ahora ella tiene un nuevo amante, el Conde Malcom, casado con Charlotte. Todos estan invitados a una fiesta durante un fin de semana en la propiedad de la madre de Desiree. Charlotte intenta seducir a Fredrik para vengarse de Desiree. Mientras tanto, Anne, la casta esposa de Fredrik, se da cuenta de lo mucho que le atrae su hijastro. Inspirada en la obra teatral de Shakespeare, El sueño de una noche de verano, por Shakespeare, y por Marivaux, la película está magníficamente escrita: ingeniosos, los diálogos giran alrededor de los juegos de roles entre hombres y mujeres. En el Festival de Cine de Cannes de 1956, Sonrisas de una noche de verano recibió el Premio al Humor Poético. Una forma de distinguir su mezcla de ligereza y refinamiento.

7.- El séptimo sello (Det sjunde inseglet, 1957)

La imagen de la Muerte, que aparece desde los primeros minutos hasta un caballero que regresa de las Cruzadas, fue suficiente para introducir a El Séptimo Sello en la historia del cine. Pero toda la película es sorprendente, un fresco desenfrenado que muestra a una humanidad atrapada por el miedo: la peste negra, la bruja, un cielo amenazador, el infierno presente en la tierra pero la perspectiva de morir sigue siendo insoportable de todos modos... Para estos mortales asustados, la muerte no tendrá problemas para hacerlos jugar y engañarlos, antes de conducirlos a un baile macabro que queda grabado, también, en la memoria del séptimo arte. La fuerza de El Séptimo Sello es ser tanto una especie de un relato bíblico como una confesión eminentemente personal: son sus propios demonios los que Bergman proyecta aquí, quien no temía que le llamasen miedoso. El lugar que le da a los artistas en este apocalípsis sugiere que sólo ellos han encontrado una manera de sobrevivir a las perspectivas más oscuras. La película de un cineasta capaz, al mismo tiempo que afirma su talento visionario, nos abre su alma.

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