“Los niños de Winton” y “La zona de interés”: dos grandes éxitos en las salas, dos maneras de contar la Shoá

Sofisticación formal para una, logro académico para la otra. En poco tiempo, el público francés se apasionó por dos películas británicas que abordan los horrores de la II Guerra Mundial y que difieren en todos los aspectos. 

Los niños de Winton (One Life, 2023), de James Hawes. 1987. Nicholas “Nicky” Winton es un anciano que vive junto a su mujer en su chalet de Maidenhead, en Inglaterra. Nicky mantiene aún vivos los recuerdos del pasado, cuando en 1938 puso en marcha con su madre y otros colaboradores el Comité Británico para los Refugiados en Checoslovaquia. La idea era ayudar a miles de familias checas que habían llegado a los suburbios de Praga en su huida de los Sudetes, zona recientemente anexionada al III Reich. Los niños de Winton es una película inspiradora, a la que le viene como un guante la célebre frase de Edmund Burke: “Para que triunfe el mal solo se necesita que los buenos no hagan nada”. Estamos ante una de esas historias en donde el modo de contarlas pasa a ser una cuestión secundaria, porque lo que de verdad importa son los sucesos heroicos que se narran, hechos que logran que el espectador siga creyendo en el ser humano.  

Romola Garai y Alex Sharp en Los niños de Winton (2023), de James Hawes.

A principios de año, sorprendió el entusiasmo del público por La zona de interés (The Zone of Interest, 2023), de Jonathan Glazer. Próxima por su elaborado estilo a una instalación de arte contemporáneo, esta crónica de la casa del director del campo de Auschwitz logró atraer a un gran número de espectadores a pesar de su estética altamente conceptual. El director inglés dialoga, de hecho, con las prohibiciones de representación decretadas por Claude Lanzmann, autor del documental-río Shoah. Todo el horror explícito del campo de concentración y exterminio está así contenido en el sonido de la película, un alboroto aterrador que la gente no parece escuchar. Cinta premiada en Cannes con el Gran Premio del Jurado, singular, inclasificable, que juega a romper el saque, subrayando la banalidad del mal y la indiferencia ante lo ajeno, que lo acompaña, nada importa sino el propio y egoísta interés personal, ni siquiera la supuesta causa a la que se sirve, que podría ser su contraria perfectamente.

La zona de interés (2023)

Romy Schneider y...: una retrospectiva en cuatro capítulos (II)

Romy Schneider y Alain Delon: en la vida, en la muerte

Hoy, el hombre que fue lo más importante de su vida, Alain Delon. El vínculo único que los unía sobrevivirá a su separación.

Alain Delon y Romy Schneider, invitados  de honor de la princesa Grace de Monaco en la Gala de Pascuas, International Sporting Club, Monte-Carlo, 1959

"El hombre más importante en mi vida fue y sigue siendo Alain Delon. Cuando lo necesito, siempre me da una mano. Incluso hoy, Alain es el único hombre con el que puedo contar. Vendría en mi ayuda en cualquier momento. Alain me hizo ser mujer. Antes de él no había nada. Es cierto que me dejó y me causó un gran sufrimiento, pero eso me hizo madurar. El resto es irrelevante".

Estos comentarios de Romy Schneider, extraídos de Moi, Romy: le journal d'une vie (Romy Schneider, ed. de la Seine, 1990) sirven de preludio a La Piscine, el fascinante y ricamente ilustrado libro del periodista Luc Larriba (ed. Cocorico) sobre absolutamente todo lo que uno sueña saber sobre la película homónima de Jacques Deray que, en 1969, sacralizaba a la pareja en un ambiente de fraterno reencuentro fuera de la pantalla y sensual tensión en la pantalla.

Una alianza mítica

Sólo un puñado de películas y una obra de teatro juntas: 

- Amoríos (Christine, 1958), de Pierre Gaspard-Huit. Una apsionante historia de amor entre un joven oficial y una cantante de ópera. Comedia dulzona y romántica que significó la primera de las cinco películas que rodaron la pareja Alain Delon-Romy Schneider. La cinta marcó el inicio de la carrera de Delon como gran galán del cine francés y también dio pie al intenso romance que vivieron sus protagonistas, que terminaría con gran pesar de la actriz vienesa.

- A pleno sol (Plein Soleil, 1960), de René Clément, 1960). Primera adaptación de la novela de Patricia Highsmith, El talento de Mr. Ripley, de la que años más tarde Anthony Minghella rodaría una nueva versión, con un final fiel al de la novela y Matt Damon en el papel que aquí ocupa Alain Delon. La película de René Clement internacionalizó al actor francés gracias a su magnífica recreación del personaje más importante de la obra de la escritora, protagonista de toda una serie de relatos.

- La piscina (La Piscine, 1969), de Jacques Deray. Drama psicológico dirigido por Jacques Deray, realizador galo especializado en el género del cine negro, lo que llevó a los críticos a apodarlo "el Hitchcock del cine francés".

- Por último, El asesinato de Trotsky (The Assassination of Trotsky, 1972), de Joseph Losey. Considerada una de las peores películas de la historia del cine, se trata de una revisión de los últimos días de la vida de León Trotsky, uno de los dirigentes más relevantes de la Revolución Bolchevique que, por sus disidencias con el dictador Stalin, fue expulsado del partido en 1927, desterrado de la Unión Soviética en 1929 y  asesinado por el español Ramón Mercader (un sicario al servicio del Kremlin) durante su estancia en México en 1940. Sin embargo, todo comenzó a torcerse cuando el guionista seleccionado fue Nicholas Mosley, hijo del líder fascista Sir Oswald Mosley, que acabó escribiendo una serie de inconexas ideas que acabaron por destrozar la cinta.

Pero su alianza entre realidad y ficción sigue siendo quizás una de las más legendarias por su manera de transformar un fracaso amoroso en fidelidad en la vida y en la muerte, y, por supuesto, como la suma de dos fotogenias milagrosas.

“Belfast”, de Kenneth Branagh : “He hecho esta película para decir quien soy” (I)

Tenía 8 años cuando estalló el conflicto de Irlanda del Norte. Pero la ciudad de la que fue arrancado sigue viviendo en él, explica el cineasta, que puso las tripas en Belfast, ya en los cines, nominada siete veces a los Oscar.

Se prepara el golpe de efecto. Todavía quedan unos meses de espera antes de descubrirlo en la piel de Boris Johnson. Más bien pelirrojo y más bien esbelto en este hotel parisino donde lo conoces, Kenneth Branagh se ha hecho una figura panzuda y una mata de pelo amarillo pajizo para interpretar al Primer Ministro del Reino Unido en This Sceptred Isle, una miniserie que narra la acción del gobierno británico al comienzo de la pandemia de Covid, en la primavera de 2020. Este período siguió siendo crucial para el propio actor, de una manera completamente diferente. En el silencio sin precedentes del primer encierro, su memoria encontró sonidos lejanos. Los de su infancia en Irlanda del Norte. Los de un motín que le cambió la vida, en agosto de 1969...

En la calle de Belfast donde vivía su familia se mezclaban protestantes y católicos, hasta el día en que la violencia los separó, encerrados en dos clanes enfrentados. Este fue el comienzo del conflicto de Irlanda del Norte, que iba a durar treinta años. Y el fin de una era para los Branagh, los protestantes. “Después de este motín, es como si nos hubieran quitado el suelo de debajo de los pies”, dice el que entonces era un niño de 8 años. Los adoquines de nuestra calle también habían sido arrancados y caminábamos sobre la arena. Literalmente, nada de lo que conocíamos quedo en pie. Este enfrentamiento con un mundo trastornado siguió siendo único, hasta el confinamiento de esta primavera de 2020 cuando, de repente, se interrumpió el orden cotidiano de las cosas. Una ruptura reavivó la otra y Kenneth Branagh se puso a escribir el guión de Belfast. "Quería entender al niño que había sido. ¿Qué hizo de Belfast el lugar donde fui más yo mismo por el resto de mi vida? Hice esta película para decir quién soy."

La cuestión de la identidad puede dar un giro laberíntico con este transformista. Su infantil gusto por el disfraz casi llevaría a pensar que nunca creció. Basta, estos días, entrar en un cine en donde se proyecta Muerte en el Nilo para comprobarlo: convertido en Hércules Poirot, Kenneth Branagh se entrega a la alegría del corazón, recompone al buen hombre héroe de Agatha Christie como un trágico viudo, tan acosado por la muerte que pueda rastrearla. Darle estilo a sus personajes siempre ha sido la indulgencia de este fenómeno escénico que tomó por asalto a la Royal Shakespeare Company en la década de 1980 y los terminó haciendo su debut cinematográfico con una adaptación de la obra que lo hizo famoso, Enrique V.

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James Norton, un actor como ningún otro

En la hermosa película de Uberto Pasolini Cerca de tí (Nowhere Special, 2020), en cines a partir del 17 de diciembre de 2021, James Norton interpreta a un modesto a una modesta limpiador de ventanas de 35 años, dedica su vida a criar a su hijo Michael, un niño de cuatro años a quien su madre abandonó justo después de nacer. Ambos llevan una vida simple, elaborada a través de rituales diarios, en una relación de amor sin fisuras. Por desgracia, a John sólo le quedan unos cuantos meses de vida. Dado que no tiene familia, decide invertir los días que le quedan en buscar una nueva familia que adopte a Michael con el fin de salvar a su hijo de descubrir la terrible realidad de la vida. El discreto actor británico se encuentra entre los favoritos para convertirse en el próximo James Bond. 

Cerca de tí (Nowhere Special, 2020)

Sí, a pesar de este desgarrador resumen, Cerca de tí, de Uberto Pasolini no sería sino otro almibarado melodrama más que almibarado, pero se salva en gran parte gracias a la interpretación densa y reservada de James Norton.

James Norton y Robson Green en Granchester

A sus 36 años, el actor británico ya tiene una larga y ecléctica carrera a sus espaldas. Lo hemos podido ver en diversos papeles, entre otros, como sacerdote investigador en la serie inglesa Granchester, o como el marido de Emma Watson en Mujercitas (Little Women, 2019), de Greta Gerwig. James Norton ocupa un lugar especial en la sucesión de símbolos sexuales internacionales. Mandíbula cuadrada, ojos azules, rasgos regulares y varoniles, el hombre ciertamente corresponde en todos los sentidos a los cánones de Hollywood. Tanto es así que el rumor sigue creciendo: estaría en la primera línea para reemplazar a Daniel Craig con el esmoquin de James Bond.

Mujercitas (Little Women, 2019)

Zombies party (una noche... de muerte), zombis y música mortal

Simon Pegg y Edgar Wright, fanáticos del cine de George Romero, parodian las películas de los muertos vivientes en Shaun of the Dead (2004). Las buenas parodias se basan en un conocimiento profundo de los códigos de las que se burlan. A quien le guste se ríe bien. Cuando Simon Pegg y Edgar Wright en 2004 se dispusieron a rodar una comedia británica en tierra de zombis, Zombies party (una noche... de muerte) (Shaun of the Dead), sin duda recuerdan todos los componentes básicos de la película. Es por supuesto maquillaje, actitudes, dieta (caníbal) o líneas de guiones. Pero también música.

En 2004, Zombies party (una noche... de muerte), se  burló con cariño del sonido y los efectos visuales de las películas sangrientas

A finales de los años 1970, los compositores Fabio Frizzi, Stelvio Cipriani o el grupo de rock progresivo The Goblins habían determinado qué sonidos les parecían los más adecuados para los vagabundeos de los desenterrados amantes de la carne fresca (Zombi: El regreso de los muertos vivientes, Apocalipsis caníbal…). Disonancias, por supuesto, también efectos aterradores. Pero sobre todo, mucho, mucho sintetizador.

Siguiendo a estos visionarios italianos, los compositores estadounidenses y europeos, a su vez, se esforzaron por grabar bandas sonoras tan terribles como las criaturas a las que iban a acompañar. De estos efectos sintéticos, Zombies party (una noche... de muerte) ríe no sin ternura, como si los compositores Dan Mudford y Pete Woodhead reclutados por Edgar Wright no pudieran culparlos completamente de ser anticuados.

El presidente de los Estados Unidos... esa estrella de cine (XX)

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21. X-Men (2000), de Bryan Singer

Con David Black como el presidente de los Estados Unidos. La raza humana ha experimentado un salto en la evolución que ha dado lugar a la aparición de seres dotados de poderes sobrehumanos muy peligrosos para el resto de ciudadanos. Mientras el senador Robert Jefferson Kelly aboga en el congreso por un estricto control de los mutantes, estos se agrupan en dos facciones. Una, liderada por el profesor Charles Xavier, intenta demostrar que no son un peligro. La otra, dirigida por el poderoso Magneto, apuesta por la confrontación total con el hombre. Adaptación cinematográfica del popular cómic creado por Stan Lee. Tanto su director, Bryan Singer como su productor ejecutivo, Richard Donner apostaron por una adaptación de corte clásico, presentando una historia donde el desarrollo de los personajes no estuviera supeditado a los efectos especiales. El bombazo en taquilla les dio la razón, germinando dos secuelas todavía más taquilleras. Para su actor principal, el australiano Hugh Jackman, este significó su primer papel importante en la industria de Hollywood.

22. Pánico nuclear (The Sum of All Fears, 2002), dirigida por Phil Alden Robinson 

Con James Cromwellcomo presidente Fowler. El analista de la CIA Jack Ryan debe enfrentarse a un grupo de neonazis que ha conseguido una cabeza nuclear norteamericana para hacerla explotar durante la Super Bowl, en Baltimore. Al partido asiste el presidente de Estados Unidos. El realizador y guionista Phil Alden Robinson fue el encargado de llevar a la pantalla una nueva entrega de las aventuras de Jack Ryan, que anteriormente habían encarnado Alec Baldwin y Harrison Ford. El célebre personaje de Tom Clancy, que trabaja para la CIA en los tiempos de la Guerra Fría entre estadounidenses y soviéticos, fue encarnado en esta ocasión por un actor más joven, Ben Affleck, una de las nuevas estrellas de Hollywood tras éxitos como Pearl Harbor o El indomable Will Hunting.

23. Love Actually (2003), de Richard Curtis

Con Billy Bob Thornton como el presidente de los Estados Unidos. El nuevo Primer Ministro de Gran Bretaña se enamora de un miembro de su gabinete, Natalie. Un escritor, huyendo de un fracaso amoroso, encuentra el amor de nuevo durante su retiro. Un padrastro que se ha quedado viudo intenta conectar con su hijo, a quien casi no conoce. Estas son algunas de las historias que se encuentran en Love Actually; todas ellas conforman un puzzle con un elemento en común, el amor. La película retrata diferentes tipos de amor: el del padre, el maduro, el incomunicado, lo imposible... pero siempre es el nexo en común y une a toda la gente, desde los más sencillos hasta los más poderosos. El director de la cinta es Richard Curtis, que debuta en esta faceta después de haber escrito el guión de grandes éxitos de la comedia romántica como Cuatro bodas y un funeral o El diario de Bridget Jones. En una especie de auto-homenaje, Curtis retoma la canción Love Is All Around como leit-motive de la película, recurso que ya utilizó en Cuatro bodas y un funera". Por lo que se refiere al reparto, encontramos un plantel de famosos actores británicos como Liam Neeson, Hugh Grant, Emma Thompson, Alan Rickman, y 'cameos' de, por ejemplo, Claudia Schiffer o Rowan Atkinson.

24. De incompetente a presidente (Head of State, 2003), de Chris Rock

Con Chirs Rock como candidato a la presidencia de los Estados Unidos. Mays Gilliam es un concejal de barrio de Washington D.C. que está apunto de quedarse sin empleo. Pero su suerte cambia con la muerte del cabeza de lista de su partido, y al final Gilliam acaba siendo el candidato a la presidencia de los Estados Unidos. Descubierto por Eddie Murphy, Chris Rock se convirtió en un famoso cómico estadounidense. Ya sea por sus apariciones en varias comedias de situación, por sus personajes del programa Saturday Night Life o por sus películas (Persiguiendo a Betty), Rock se convirtió en un rostro habitual para los estadounidenses. Eso provocó que la cinta fuera un éxito en el primer fin de semana de estreno en este país norteamericano.Como curiosidad, a los amantes del humor quizás les sonará el debate presidencial, pues está sacado, palabra por palabra, de un episodio de la mítica serie británica "Monty Python's Flying Circus".

25. Scary Movie 3’ (2003), de David Zucker

Con Leslie Nielsen como presidente Harris. La periodista Cindy Campbell se propone encontrar una historia que destaque. No tarda mucho en descubrir que la Tierra se ve amenazada por una serie de hechos terroríficos. David Zucker, artífice de títulos como Top Secret, Aterriza como puedas o Agárralo como puedas, fue el responsable de la tercera entrega de Scary Movie, una saga que iniciaron los hermanos Wayans en el año 2000 y que, a base de parodiar los títulos más comerciales del cine contemporáneo (especialmente los del género de terror), consiguió alcanzar elevadas cotas de taquilla. Zucker volvió así a moverse en el terreno que tanto éxito le propició en la década de 1980 y, tomando como modelo películas como The Ring, Señales o Los otros, dirigió un filme en el que la parodia y la sal gruesa están a la orden del día. Pamela Anderson y la conejita de Playboy Jenny McCarthy encabezan el reparto, donde solo Anna Faris y Regina Hall repiten de las anteriores entregas. Como curiosidad, la cinta cuenta con la presencia de dos actores que fueron famosos por este tipo de cintas: Charlie Sheen y Leslie Nielsen, protagonistas de Hot Shots y Agárralo como puedas, respectivamente.

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“Sin tiempo para morir”, “ Kaamelott - Premier volet”, “L’origine du monde”... ¿Cuándo se estrenarán las películas postergadas por la crisis sanitaria?

Aplazados en cascada desde el confinamiento de marzo, los éxitos de taquilla estadounidenses ya no son las únicas víctimas colaterales de la pandemia. Desde los anuncios del toque de queda, la situación también se está deteriorando para los distribuidores españoles y amenaza los estrenos en cines. Explicaciones y horario.
Todavía tenemos tiempo de revisar las veinticuatro partes de la saga de James Bond y las seis temporadas de las aventuras del Rey Arturo. Uno de los eventos cinematográficos más importantes del año, Sin tiempo para morir (No time to Die, 2021) (último episodio de las aventuras de 007 con Daniel Craig) y Kaamelott - Premier volet, (la adaptación a la pantalla grande de la serie de Alexandre Astier) sufren la peor parte de la crisis de Covid. La primera película se ha pospuesto  su estreno dos veces desde el inicio de la pandemia mundial, la segunda se ha pospuesto sine die tras los anuncios del toque de queda en Francia. Por lo tanto, los fanáticos (y los cines) deberán ser pacientes.

Nomi (Lashana Lynch) y James Bond (Daniel Craig) en Sin tiempo para morir. El estreno del  vigésimo quinto episodio de las aventuras del agente 007 se retrasa hasta el mes de abril de 2021

El récord mixto de Tenet (335 millones de dólares en ingresos para un presupuesto de producción estimado en 200 millones), el éxito de taquilla de Christopher Nolan, ha empañado cualquier esperanza de un resurgimiento del cine al otro lado del Atlántico. En los estados de Nueva York y California, los cines permanecen cerrados. Y los espectadores ya no tienen motivos para dejar su sofá: las plataformas de transmisión de maratones, Netflix y Disney + a la cabeza, nunca ha sido tan atractivas. Convertidos en el refugio privilegiado de las películas fuera de los cines, los campeones de SVOD (Subscription Video on Demand) están tomando el relevo. Soul (2020), la nueva colaboración de Disney-Pixar, se estrenará directamente en línea para Navidad, una continuación lógica del caso de Mulan (2020), que se estrenó en España, el 4 de septiembre de 2020, por Internet, en Disney + el 4 de diciembre después de muchos aplazamientos.

Timothée Chalamet y Rebecca Ferguson en Dune, cuyo estreno se pospone hasta octubre de 2021

Pánico generalizado entre los distribuidores

Mientras tanto, los éxitos de taquilla previstos para el estreno en cines están luchando en la planificación... durante los próximos dos años. Pero cortésmente, porque los estudios tienen todo el interés en trabajar de la mano para no deleitar a sus espectadores con la competencia. Cada equipo también debe hacer malabarismos con la programación de sus propias películas para evitar superponerse y devorarse entre sí. Este juego de manos se ha convertido en la vida diaria de los estudios en los últimos meses: Marvel Studios (propiedad de Walt Disney Company) y Sony posponen incansablemente futuros episodios de los superhéroes en el Universo cinematográfico de Marvel (MCU; en inglés, Marvel Cinematic Universe), incluidos los spin-offs Viuda negra (Black Widow, 2021) y Spider-Man 3 (2021), mientras que Warner evita la colisión durante las vacaciones y desplaza la película Dune, de Denis Villeneuve, a octubre de 2021 (mientras que se anunció para mediados de diciembre de 2020) para dar paso a Gal Gadot en Mujer Maravilla 1984 (Wonder Woman 1984, 2020) cuyo estreno está programado, hasta nuevo aviso, entre Navidad y Año Nuevo.

Laurent Lafitte y Nicole Garcia en L’Origine du monde. El estreno de la película se ha retrasado al mes de febrero de 2021 

En España, el toque de queda, vigente desde el 25 de octubre hasta el 9 de noviembre y ahora extendido a ca todas las comunidades autónomas, aunque con claras diferencias entre ella, puede provocar el pánico generalizado entre las empresas distribuidoras (el caso de Peninsula es un ejemplo) que se plantean la pregunta: ¿mantener el estreno en cines sin proyección nocturna o esperar días mejores? Programada para noviembre, Kaamelott - Premier volet, de Alexandre Astier (sin fecha de aplazamiento por el momento) y L'Origine du monde (2020), de Laurent Lafitte (lanzamiento aplazado hasta febrero de 2021), se encuentran por lo tanto entre los primeros en preferir no arriesgarse a un estreno en cines ahora. Dependiendo de los próximos anuncios del gobierno, es posible que sigan más.

Noticias de libro: Historia del cine británico

Historia del cine británico

Christian Aguilera, Llorenç Esteve, Natalia Ardanaz, Tomás Fernández Valentí

T & B Editores
Barcelona
2013
520 págs.

Historia del cine británico representa la primera obra publicada en lengua castellana que atiende al detalle al recorrido cronológico por una cinematografía que presumiblemente sea la segunda más importante a escala planetaria. Más de 125 años de historia que han dado para numerosas propuestas genéricas, con especial predicamento por el bélico, el drama (en sus múltiples acepciones), la comedia so british, el terror (llegando inclusive a registrar la «marca» Hammer) y el documental. Una ambiciosa obra confeccionada por cuatro especialistas (Christian Aguilera, Natalia Ardanaz, Llorenç Esteve y Tomás Fernández Valentí) de una cinematografía de la que podemos extraer algunas figuras icónicas del Séptimo Arte, como el agente 007 James Bond, el «hombre de las mil caras» Peter Sellers o el conde Drácula hammeriano en la piel de Christopher Lee. Pero el cine británico ha ofrecido a lo largo del siglo XX y el primer tramo del siglo XXI infinidad de muestras de un arte que sigue resultando modélico desde diversos puntos de vista y en no pocas ocasiones de una “modernidad” arrebatadora.
ÍNDICE

1. SOMBRAS EN LA LUZ. El cine silente británico (1895-1929) 

2. EL INICIO DEL SONORO. Las diferentes alternativas en los años treinta 

3. LA ESCUELA DOCUMENTALISTA BRITÁNICA (1929-1950) 

4. VITALIDAD EN TIEMPOS DIFÍCILES. El cine en guerra (1939-1945) 

5. LA EDAD DE ORO. Cine de posguerra (1945-1949) 

6. EL TORMENTO Y EL ÉXTASIS. Los años cincuenta. Crisis, heterogeneidad y expansión del género 

7. FREE CINEMA. Mirando hacia atrás con ira 

8. EL CINE DE GÉNERO. Del reinado del terror al Servicio Secreto de su Majestad (1960-76) 

9. UN CINE EN TRANSFORMACIÓN. Años sesenta y setenta 

10. AIRES DE RENOVACIÓN. Años ochenta y noventa 

11. EL CINE BRITÁNICO ACTUAL. Final y principio (2000-2013)