Efemérides de cine: Asesinato en el Orient Express

El 21 de noviembre de 1974 se estrenó la película británica Asesinato en el Orient Express (Murder on the Orient Express), dirigida por Sidney Lumet e interpretada por Albert Finney, Lauren Bacall, Ingrid Bergman, Sean Connery, Jean-Pierre Cassel, Martin Balsam, George Colouris, Jacqueline Bisset, John Gielgud, Wendy Hiller, Anthony Perkins, Vanessa Redgrave, Rachel Roberts, Richard Widmark, Michael York, Denis Quilley, Colin Blakely. Productora: G.W. Films, EMI Films. Duración: 128 minutos.

Sinopsis argumental: Es el invierno de 1935. El detective belga Hércules Poirot (Albert Finney) ha resuelto un caso en Mesopotamia y regresa a casa en el Orient Express. En el viaje, Poirot se encuentra con su amigo Bianchi (Martin Balsam), que trabaja para la Compagnie Internationale des Wagons-Lits. Durante el trayecto entre Belgrado y Slavonski Brod, el tren atraviesa una tormenta de nieve en los Balcanes y finalmente queda detenido durante la noche. A la mañana siguiente es descubierto el cadáver del millonario estadounidense Samuel Edward Ratchett (Richard Widmark), que ha sido asesinado con varias puñaladas. Poirot, Bianchi, y el Dr. Constantine (George Coulouris), trabajan juntos para resolver el caso con la ayuda del francés Pierre Michel (Jean-Pierre Cassel), el encargado del coche.

Nominaciones y premios: Oscar: Mejor actriz secundaria (Ingrid Bergman). 6 nominaciones. Premios BAFTA: Mejor actor secundario (Gielgud), actriz secundaria (Bergman) y música. 10 nominaciones; Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director; Asociación de Críticos Norteamericanos (NBR): Nominada a mejores 10 películas  del año. 

Comentario: Adaptación de una de las novelas más conocidas de Agatha Christie, publicada en 1934. Inmejorable reparto para una película que consiguió un Oscar (mejor actriz secundaria: Ingrid Bergman) y seis nominaciones. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Mujeres de cine: Ingrid Bergman (II)

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Después de separarse de Lindström y tras el nacimiento de su hijo, la actriz y Rosellini se casaron el 24 de mayo de 1950. Con el director italiano tuvo además otras dos hijas en 1952, las gemelas Isabella e Isotta. Finalmente, se separó de Rossellini en 1957. Durante su estancia en Italia trabajó en cinco películas más dirigidas por su marido: Europa '51 (1950), Nosotras las mujeres (Siamo Donne, 1953), Ya no creo en el amor (Non credo piu all'amore (La paura), 1954), Te querré siempre (Viaggio in Italia, 1954) y Juana de Arco (Giovanna d'Arco al Rogo, 1954), ; en su momento, estas películas representaron fracasos de público y de crítica, aunque más tarde fueron revalorizadas, especialmente gracias a la crítica europea y a los creadores del movimiento francés Nouvelle vague.

Europa '51 (1952)

Los fracasos de su trabajo conjunto con Rossellini llevaron al matrimonio a una crisis artística y financiera. En 1956 Rossellini le permitió trabajar bajo las órdenes del director francés Jean Renoir en la película Elena y los hombres (Elena et les hommes) con la que volvió a tener éxito. En ese año protagonizó en Inglaterra la película Anastasia por la que ganaría su segundo Oscar como mejor actriz, que su amigo y colega Cary Grant recibió en su nombre. Redobló el éxito con su triunfo en las tablas en París, en Té y simpatía de Robert Anderson, durante la temporada 1956-1957. En 1959 volvió a Hollywood para presentar el Oscar a la mejor película en la 31.ª edición de entrega de los premios de la Academia. En la sala, el público la recibió con una ovación cerrada. El 23 de diciembre de 1958, se casó con el productor teatral sueco Lars Schmidt.

Elena y los hombres (1956)

A partir de entonces, comenzó a alternar sus actuaciones en películas en Estados Unidos y en Europa, así como apariciones ocasionales en dramas televisivos y en obras de teatro. De ese período destacan sus labores en Otra vuelta de tuerca (The Turn of the Screw, 1959), thiller televisivo dirigido por John Frankhenheimer, por la que recibe su primer premio Emmy; Hedda Gabler (1962), de Alex Segal, un drama también para la televisión; La visita del rencor (The Visit, 1964), de Bernhard Wicki, con Anthony Quinn; Stimulantia (1967) (episodio "El collar", filmado a fines de 1964 sobre un relato de Guy de Maupassant, en la cual se reunió con su antiguo compañero de la Escuela de Arte Dramático, Gunnar Björnstrand y el antiguo mentor de Bergman, Gustaf Molander, en la que fue su última labor para el cine); también para la televisión La voz humana (The Human Voice, 1966), de Ted Kotcheff; Flor de cactus (Cactus Flower, 1969), de Gene Saks; Nina también conocida como Cuestión de tiempo (A Matter of Time, 1976), junto a Liza Minnelli, dirigida por Vincente Minnelli, en la que actuaba su propia hija, Isabella Rossellini en su debut en las pantallas y era maquillada por su hermana gemela, Ingrid Isotta Rossellini; Sonata de otoño (Höstsonaten, 1978), dirigida por Ingmar Bergman y por la que recibió su última nominación a los Oscar. En 1974, la actriz recibió su tercer Oscar, esta vez en la categoría de mejor actriz de reparto, por su participación en la película Asesinato en el Orient Express (Murder on the Orient Express).

Sonata de otoño (1978)

A finales de 1981, se trasladó a Israel para la filmación de la miniserie televisiva Una mujer llamada Golda (A Woman Called Golda), sobre la vida de la primera ministra de Israel Golda Meir. Las nueve semanas de rodaje, que concluyeron en Londres, significaron un enorme desafío para la salud debilitada de la actriz, por entonces en la etapa terminal del cáncer del cual moriría meses después de finalizada el rodaje, el día en que cumplía 67 años. Por su actuación recibió un Premio Emmy y el Globo de Oro a la mejor actriz de miniserie o telefilme.

A lo largo de su vida, tres directores marcaron su carrera cinematográfica: Gustaf Molander, quien la dirigió en siete películas y con el que fue proclamada mejor promesa del cine sueco en 1935; Rossellini, quien la dirigió en seis películas y fue su marido; y Alfred Hitchcock, que la dirigió en tres ocasiones: Recuerda (Spellbound, 1945), Encadenados (Notorious, 1946) y Atormentada (Under Capricorn, 1949), siendo ya una consolidada actriz.

Recibió el galardón italiano Ruban d'Argento a la mejor actriz extranjera en dos ocasiones, por las películas Stromboli, de 1950, y Europa 51, de 1952.

Mujeres de cine: Ingrid Bergman (I)

El 29 de agosto de 1915 nació en Estocolmo, Suecia, Ingrid Bergman, actriz sueca galardonada con 3 premios Oscar —igualada por Meryl Streep en 2012, Frances McDormand en 2021 y solo superada por Katharine Hepburn con cuatro estatuillas— y cinco Globos de Oro, además fue la primera ganadora del Premio Tony como mejor actriz. Considerada uno de los mitos del séptimo arte, según la lista realizada por el American Film Institute es la cuarta estrella más importante en la historia del cine. Es probablemente una de las actrices más prolíficas del siglo XX, debido en parte a que desarrolló su carrera en cinco idiomas (sueco, alemán, inglés, italiano y francés) y actuó en cine, teatro y televisión en Suecia, Alemania, Estados Unidos, Canadá, Inglaterra, Italia, Francia, España e Israel. Falleció el día de su 67.º cumpleaños, tras librar una larga batalla contra el cáncer de mama.

Decidió hacerse actriz para combatir su extrema timidez, «soy más yo misma cuando soy otra persona» —decía—​y dio sus primeros pasos en el cine como extra a los 16 años, pero su verdadera meta era el trabajo teatral. Su primera oportunidad para actuar se la dio Greta Danielsson, una antigua amiga de su padre, quien le ofreció un papel como extra. En 1933 fue elegida entre cientos de aspirantes para estudiar en The Royal Dramatic Theater School, donde también estudió Greta Garbo. Su padre, al morir, se lo dejó todo a su hija asegurándose de que ella tuviera dinero para convertirse en actriz.

Cuando Ingrid le dijo a su tío Otto que quería ser actriz, este se opuso, pues en aquella época ser actriz estaba mal visto. Él pensaba que como tenía buenas calificaciones en sus estudios de secundaria, no necesitaba ser actriz, pero como Ingrid insistía, su tío le prometió que si se presentaba para una audición y no era escogida, no lo volvería a intentar. La institución The Royal Dramatic Theater School requería a cada actor que representara tres piezas, después de lo cual, los jueces seleccionarían dos de ellas, si el aspirante era rechazado se le daba un sobre marrón y si era aceptado, un sobre blanco. Ingrid decidió representar una comedia. Mientras actuaba, los miembros del jurado no parecían verle la gracia, ni siquiera prestaban mucha atención. De pronto, tras la primera lectura, le dijeron que podía retirarse sin darle la oportunidad de la segunda.

Escena de su participación en su primera película,
El conde del puente del monje (1935) con 19 años

Su primera película fue El conde del puente del monje (Munkbrogreven, 1935), de Edvin Adolphson. En 1937 se casa con el dentista Petter Lindström, unión de la que nace su hija Pia Lindström. Petter la anima a hacer una película en Alemania. Durante el rodaje de El pacto de las cuatro (Die vier Gesellen, 1938), de Carl Froelich, Ingrid conoce al ministro para la Ilustración Pública y Propaganda de la Alemania nazi Joseph Goebbels, quien intenta convencerla para que haga películas para el III Reich, dado que era medio alemana y sabía el idioma, pero no aceptó. Su película Intermezzo (1936), de Gustaf Molander, tuvo mucho éxito e hizo que el productor cinematográfico estadounidense David O. Selznick comprara los derechos de la película para que Ingrid la volviera a protagonizar en idioma inglés.

En 1939, y después de protagonizar una docena de películas en Suecia, se traslada a los Estados Unidos para protagonizar la nueva versión de Intermezzo, dirigida por Gregory Ratoff con Leslie Howrad. En 1942 protagonizó junto a Humphrey Bogart la película de Michael Curtiz Casablanca, estrenada en 1942. En 1943, fue postulada por vez primera a los Oscar, en este caso por su brillante labor en la película Por quién doblan las campanas (For Whom the Bell Tolls, 1943), de  Sam Wood, con Gary Cooper, aunque no lo ganó. Sin embargo, Ingrid Bergman se mostró satisfecha con su labor y declara públicamente frente a la actriz Jennifer Jones, ganadora del premio: Tu Bernadette es mejor que mi María.... No obstante, al año siguiente obtiene el Oscar a la mejor actriz, esta vez por su papel en Luz que agoniza (Gaslight, 1944), de George Cukorcon Charles Boyer. En 1945 recibe su tercera candidatura consecutiva a los Oscar, esta vez por la película Las campanas de Santa María (Bells of St. Mary's), de Leo McCarey. La actriz recibiría su cuarta candidatura a los Oscar en la categoría de mejor actriz en 1948, por su papel en Juana de Arco (Joan of Arc), de Victor Fleming.

Luz que agoniza (1944)

En 1949 Ingrid Bergman decidió escribir una carta​ dirigida al director italiano Roberto Rossellini expresándole su deseo de trabajar en alguna de sus películas. Cuando Rossellini recibe la carta va a Estados Unidos para conocer a Petter y a Ingrid. En 1949 se trasladó a Italia con 300 dólares pensando volver en unos meses, para rodar a las órdenes de Rossellini la película Stromboli, tierra de Dios (Stromboli (Terra de Dio), 1950), con Mario Vitale. Durante el rodaje, comenzó una relación con el director italiano. Fruto de esta relación, Bergman quedó embarazada. Su hijo Roberto Ingmar Rossellini nació el 2 de febrero de 1950, lo que provocó un gran escándalo en Estados Unidos. El vicepresidente y director de Códigos de Producción, Joseph Breen, le pidió que desmintiera los rumores de que estaba a punto de divorciarse y abandonar a su primera hija para casarse con Rossellini. Fue criticada por la Iglesia luterana de Suecia y sacerdotes de la Iglesia católica, sobre todo en Estados Unidos; también recibió cartas de personas que pensaban que debía ser quemada en la hoguera, no como Juana de Arco, sino como una bruja.​ El escándalo fue de tal magnitud que incluso provocó que la actriz fuera declarada persona non grata en territorio estadounidense, lo que hizo que se exiliara en Italia, dejando a su primer marido y a su primera hija en Estados Unidos.

Stromboli, tierra de Dios (1950)

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Retrospectiva de Roberto Rossellini: amor, miedo y exquisita humanidad (II)

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6.- Stromboli (Stromboli (Terra di Dio), 1950)

Con Ingrid Bergman como actriz principal. Es considerada como un ejemplo clásico del neorrealismo italiano. La película es el resultado de una famosa carta escrita a Rossellini por la actriz. En ella, le expresaba admiración por su trabajo y el deseo de trabajar con él. Es recordada, también, por la relación que se estableció entre Rossellini y Bergman a partir de su trabajo conjunto, así como por el hijo que tuvieron fuera de sus respectivos matrimonios. De hecho, la relación causó un gran escándalo en Estados Unidos, y Bergman fue reprendida por el senador Edwin C. Johnson. Además, su carrera en Hollywood se estancó durante algunos años, hasta que ganó el premio Óscar por la película Anastasia. La película tiene asimismo características de documental, como en la escena de pesca y de una verdadera evacuación del pueblo tras una erupción del volcán de Estrómboli. En su mayoría, quienes aparecen en la película como habitantes del pueblo de verdad habitaban allí. Emplear lugareños que no son actores para que representen personajes es un rasgo típico del neorrealismo.

7.- Francisco, juglar de Dios (Francesco, giullare di Dio, 1950)

Mediante la depuración plástica y el realismo ascético, Rossellini recrea algunos fragmentos de la vida del santo fundador de la Orden Franciscana antes del inicio de su predicación por el mundo. El relato, estructurado en episodios cuyos títulos anticipan lo que en ellos ha de acontecer, resulta diáfano en su sencilla narrativa salpicada de ironía y sentido del humor. 

8.- Europa ‘51 (1952)

Segunda colaboración entre Rossellini y Bergman que indaga en las obsesiones de la anterior: el drama de una mujer dominada por la soledad y situada en plena crisis existencial tras el suicidio de su hijo. Tras la muerte de este, esta decide marchar al extrarradio para ayudar a los más desfavorecidos. Allí ofrecerá apoyo a un delincuente que la pondrá bajo el radar policial. Otra obra mayúscula con un diseño de personajes primoroso.

9.- El general de la Rovere (Il generale Della Rovere, 1959)

El también actor Vittorio de Sica interpreta para Rossellini a este embaucador que se hace pasar por general para delatar a los miembros de la resistencia. Lógicamente, su humanidad y moral se va despertando poco a poco, haciendo que se tome su papel de héroe más en serio de lo que el enemigo esperaba. Está basada en la novela de Indro Montanelli basada así mismo en una historia real.

Retrospectiva de Roberto Rossellini: amor, miedo y exquisita humanidad (I)

Se editan nueve películas del gran cineasta italiano, todas restauradas. Clásicos neorrealistas como Paisà, Stromboli, Roma, ciudad abierta y otras, menos conocidas.

1.- Roma, ciudad abierta (Roma città aperta, 1945)

Junto con Ladrón de bicicletas (Ladri di biciclette, 1948), ​es considerada la obra maestra del neorrealismo italiano. La acción se desarrolla en Roma, en los últimos años de la ocupación nazi: 1943 y 1944. Se inspira en la historia verídica del sacerdote Luigi Morosini, torturado y muerto por los nazis por ayudar a la resistencia. En la Roma de 1943 y 1944, se entretejen las historias de varias personas relacionadas con la Resistencia. Durante la ocupación, el padre Pietro protege a los partisanos y, entre otros, da asilo a un ingeniero comunista: Manfredi. Pina, una mujer de pueblo, está de novia con un tipógrafo que lucha en la resistencia. Cuando la policía lo arresta, Pina corre desesperadamente tras el camión que se lo lleva, pero cae asesinada por una ráfaga de ametralladora ante los ojos de su hijo. Poco después, también el padre Pietro y el ingeniero -este traicionado por su examante drogadicta- son arrestados. Manfredi muere por las atroces torturas que le infligen los alemanes para que revele el nombre de sus compañeros de resistencia. El padre Pietro corre la misma suerte: lo fusilan en presencia de los niños de la parroquia, entre los cuales se encuentra el hijo huérfano de Pina.

2.- Paisà (Camarada)(Paisà, 1946)

La segunda de la trilogía de Rossellini formada por Roma, ciudad abierta, Paisà y Alemania, año cero.​ Se divide en seis episodios con el nexo común del avance de las tropas aliadas  en la campaña italiana durante la Segunda Guerra Mundial, cuando la Alemania nazi perdía la guerra contra los aliados. Un tema principal son los problemas de comunicación a causa de las barreras lingüísticas. Está protagonizada por actores no profesionales, lo que le infiere una realidad aún más palpable.

3.- Germania, anno zero (Alemania, año cero) (1948)

La tercera parte de la trilogía antes mencionada. La película explora la herida dejada por el nazismo, que afectó de forma terrible y profunda a una generación simbolizada por el protagonista, Edmund, un niño de doce años, intenta sobrevivir a las duras condiciones de la postguerra alemana, especialmente en Berlín, una ciudad que ha quedado completamente derruida tras la Segunda Guerra Mundial. Una película terrible, virulenta, amarga y a la par bellísima, reflexión de inaudita dureza sobre los horrores de la guerra.

4.- El amor (L'amore, 1948)

Hay dos películas en El amor. La primera es la adaptación de La Voix humaine, de Cocteau, este monólogo teatral en el que una mujer lastimada por una ruptura pretende, tras un intento de suicidio, mantener al teléfono a su amante fugitivo. Al ser este mediometraje demasiado corto para ser proyectado solo, Rossellini lo acompañó con El milagro, una fábula que su entonces asistente, un tal Federico Fellini, tuvo la idea: la historia, a la vez conmovedora e irónica, de una ingenua campesina, abusado por un pastor (el mismo Fellini) que se hizo pasar por San José. En ambas películas, Anna Magnani está prodigiosa.

5.-  La macchina ammazzacattivi (1952)

Una de las raras incursiones de Rossellini en el registro de la comedia, y una auténtica curiosidad. En un pueblo de la costa de Amalfi, un fotógrafo se da cuenta de que un simple clic de su cámara es suficiente para hacer desaparecer a personas no deseadas... Como su héroe, el cineasta dispara a todos: el alcalde codicioso, el usurero venal, los amantes andrajosos y esos estadounidenses quien regresó al lugar de desembarco en Italia para construir un hotel allí. Su puesta en escena alerta compensa la delgadez del escenario pegándose a los lados de los personajes, que no dejan de subir y bajar las escaleras del pueblo, como en el cine mudo. Una fábula sobre la desconfianza en el poder de la cámara (o del cine) para reproducir la vida.

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Sonata de otoño: el reencuentro eléctrico entre Ingmar e Ingrid Bergman

Sólo hubo una colaboración entre los dos monstruos sagrados del cine sueco, Ingmar e Ingrid Bergman: Sonata de otoño (Höstsonaten), rodada en 1977, el último gran papel de la actriz. De vuelta en un tenso reencuentro...

Ingmar Bergman e Ingrid Bergman en el set de Sonata de otoño. El último papel importante de la actriz sueca.

Tienen la misma nacionalidad, el mismo apellido (ciertamente bastante común en Suecia) y son dos leyendas del cine. Sin embargo, Ingmar e Ingrid Bergman casi nunca hicieron la más mínima película juntos. El encuentro tuvo lugar en el último minuto y solo hubo uno, en Noruega, en el otoño de 1977, en el plató de una película tan dura y áspera como el invierno, aunque se llamara Sonata de otoño.
En ese momento, Ingmar estaba casado con otra Ingrid von Rosen, el último y más grande amor de su vida, que no debe confundirse con la estrella de Hollywood que finalmente quiso rodar, Ingrid Bergman. Ni con Liv Ullmann, de hecho, la otra actriz de la Sonata de Otoño, con quien tuvo una hija, Linn, en 1966. ¿Es complicado? Sí, y tenso. Cuando dos monumentos se unen, se superponen o crean chispas. Para situar: Ingmar, de 59 años, ya ha sido galardonado en tres ocasiones en Cannes y dos en los Oscar. Ingrid, de 62 años, tiene tres estatuillas...

Ingrid Bergman y Liv Ullmann en Sonata de otoño

Tiene por argumento la relación entre una famosa pianista y sus hijas, Eva y Helena, a las que dejó de lado por desarrollar su carrera profesional internacional. La película fue galardonada con el Globo de Oro a la mejor película extranjera. Fue también candidata a dos premios Oscar, en la categoría de mejor actriz protagonista (Bergman) y al mejor guion original, aunque finalmente no obtuvo ninguno. La película fue el último proyecto cinematográfico en el que Ingrid Bergman estuvo involucrada (su última cinta, A Woman Called Golda, fue hecha para la televisión) antes de morir de cáncer de mama el 29 de agosto de 1982 (dicho cáncer le fue diagnosticado durante el rodaje de esta película).

Efemérides de cine: Flor de cactus

El 16 de diciembre de 1969 se estrenó la película estadounidense Flor de cactus (Cactus Flower), dirigida por Gene Saks e interpretada por Walter Matthau, Ingrid Bergman, Goldie Hawn, Jack Weston, Rick Lenz, Vito Scotti, Irene Hervey, Eve Bruce, Irwin Charone, Matthew Saks. Productora: Columbia Pictures. 

Sinopsis argumental: Julian Winston (Walter Matthau) es un soltero cuarentón que va por la vida de seductor. Su última amante es la caprichosa e infantil Tonie Simons (Goldie Hawn), a la que hace creer que está casado y tiene tres hijos, es decir, que no es libre para casarse con ella. Julian es dentista y tiene una recepcionista sueca llamada Stephanie Dickinson (Ingrid Bergman), que lleva diez años desviviéndose por él.

Nominaciones y premios: Oscar: Mejor actriz de reparto (Goldie Hawn); Globos de Oro: Mejor actriz de reparto (Goldie Hawn). 5 nominaciones; Premios BAFTA: Nominada a Mejor actriz (Goldie Hawn); Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión adaptado comedia.

Comentario: El guion es una adaptación de una obra de teatro de Broadway, escrita por Abe Burrows, que se basó en la obra francesa Fleur de cactus de Pierre Barillet y Jean-Pierre Grédy. La película fue la séptima película más taquillera de 1970. Existe una nueva versión de esta película rodada en 2011, denominada Just Go With It, protagonizada por Adam Sandler y Jennifer Aniston. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Historia de la moda a través del cine (XIX)

Juana de Arco (Joan of Arc, 1948). Estados Unidos. Dirección: Victor Fleming. Interpretación: Ingrid Bergman, José Ferrer, Francis L. Sullivan, Ward Bond, John Ireland, Richard Derr, Ray Teal, Roman Bohnen, Selena Royle. Guion: Maxwell Anderson, Andrew Solt. Música: Hugo Friedhofer. Fotografía: Joseph Valentine, Winton C. Hoch, William V. Skall. Productora: Walter Wanger Productions. Distribuidora: RKO Radio Pictures. Duración: 145 minutos. Drama. Religión. Biográfico. Siglo XV. Cine épico. 2 Oscar: Mejor fotografía color, vestuario color. 7 nominaciones. Está basada en la obra de teatro Joan of Lorraine de Maxwell Anderson, exitosamente representada en Broadway y que también protagonizaba Bergman, y fue adaptada a la pantalla por el propio Anderson, en colaboración con Andrew Solt. A diferencia de la obra Joan of Lorraine, que es un drama que muestra cómo la historia de Juana afecta a un grupo de actores que la interpretan, la película narra directamente la vida de la heroína francesa. Comienza con un plano obviamente pintado del interior de una basílica con un rayo de luz, que posiblemente desciende del cielo, brillando hacia abajo desde el techo, y una solemne voz fuera de la pantalla pronunciando la canonización de la Doncella de Orleans. Luego, se muestra en la pantalla la página inicial de lo que parece ser un manuscrito de la iglesia que narra la vida de Juana en Latín, mientras que una voz (del actor Shepperd Strudwick) establece la historia. La historia de Juana comienza entonces, desde el momento en que se convence de que ha sido llamada por orden divina a salvar a Francia, hasta que es ejecutada en la hoguera a manos de los ingleses y los borgoñones. El vestuario estuvo a cargo de Dorothy Jeakins. 

75º aniversario de Casablanca

El pasado 7 de diciembre de 2017 se conmemoró el septuagésimo quinto aniversario de la celebérrima película estadounidense Casablanca, dirigida por Michael Curtiz e interpretada por Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid, Claude Rains, Conrad Veidt, Sydney Greenstreet, Peter Lorre, S.Z. Sakall, Madeleine LeBeau, Dooley Wilson, Joy Page, John Qualen, Leonid Kinskey, Curt Bois, Ed Agresti, Marcel Dalio, Enrique Acosta, Louis V. Arco, Frank Arnold, Leon Belasco, Oliver Blake. Productora: Warner Bros. Pictures; Productor: Hal B. Wallis. Duración: 102 minutos. 

Sinopsis argumental: Años 1940. A consecuencia de la Segunda Guerra Mundial, Casablanca era una ciudad a la que llegaban huyendo del nazismo gente de todas partes: llegar era fácil, pero salir era casi imposible, especialmente si el nombre del fugitivo figuraba en las listas de la Gestapo, que presionaba a la autoridades francesas al mando del corrupto inspector Renault. En este caso, el objetivo de la policía secreta alemana es el líder checo y héroe de la resistencia Victor Laszlo, cuya única esperanza es Rick Blaine, propietario del 'Rick’s Café' y antiguo amante de su mujer, Ilsa Lund. Rick e Ilsa se habían conocido en París, pero la entrada de las tropas alemanas en la capital francesa les separó.

Nominaciones y premios: 3 Oscar: Mejor película, director, guión adaptado. 8 nominaciones; Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a Mejor Actor (Humphrey Bogart).

Comentario: La película, basada en la obra teatral Everybody comes to Rick’s (Todos vienen al café de Rick), de Murray Burnett y Joan Alison. Es una de las películas mejor valoradas de la cinematografía estadounidense, ganadora de varios premios Óscar. Es un película mítica y a la vez de culto, para los cinéfilos. 

Efemérides de cine: Stimulantia

El 28 de marzo de 1967 se estrenó la película sueca Stimulantia, dirigida por Hans Abramson, Hans Alfred, Arne Arnbom, Tage Danielsson, Lars Görling, Ingmar Bergman, Jörn Donner, Gustaf Molander, Vilgot Sjöman. Interpretación: Hans Abramson, Hans Alfredson, Harriet Andersson, Daniel Bergman, Ingrid Bergman, Gunnar Björnstrand, Gunnel Broström, Lars Ekborg,Glenna Forster-Jones, Lena Granhagen, Inga Landgré, Käbi Laretei,Birgit Nilsson, Hans Olivecrona, Sven-Bertil Taube, Stig Westerberg. Productora: Svensk Filmindustri (SF). Duración: 105 minutos.

Sinopsis argumental: Una mujer no tiene más objetivo en la vida que llegar lo más alto posible, sin importarle los medios para conseguirlo ni el daño que pueda hacerle a los demás. Sin embargo, a pesar del poder y la riqueza que va acumulando, hay algo que jamás alcanzará: la felicidad. 

Comentario: Largometraje antológico en ocho episodios. basado en el relato La Parure de Guy Maupassant. Los episodios son: Upptäckten, Dygdens belöning, Birgit Nilsson, Daniel, Dygdens belöning, Det var en gång två älskande, Konfrontationer, Smycket, Negressen i skåpet. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Noticias de libro: Ingrid Bergman. Biografía

Ingrid Bergman

Biografía

Donald Spoto

T & B Editores
Madrid
2015
430 págs. 

Adorada por el público, venerada por la crítica y respetada por todos los aficionados al cine, Ingrid Bergman fue la estrella más amada de los años cuarenta. Tenía una mirada dulce y serena, un rostro delicado de incomparable belleza y el porte elegante de una dama. Era espontánea y sincera. Y componía sus personajes con una claridad, precisión y profundidad asombrosos. Pero lo más prodigioso era su portentosa naturalidad, su maravillosa ductilidad. Nunca fue una diva glacial, sino una criatura vital y exquisita, e incluso en sus papeles más sofisticados desprendía una aureola de autenticidad.

Efemérides de cine: El Rolls-Royce amarillo

El 31 de diciembre de 1964 se estrenó la película británica El Rolls-Royce amarillo (The Yellow Rolls-Royce), dirigida por Anthony Asquith. Protagonizada por Ingrid Bergman, Rex Harrison, Shirley MacLaine, Jeanne Moreau, George C. Scott, Omar Sharif, Alain Delon, Art Carney, Joyce Grenfell, Edmund Purdom, Michael Hordern, Lance Percival, Roland Culver, Moira Lister, Harold Scott, Richard Pearson, Isa Miranda, Grégoire Aslan. Productora y distribuidora: Metro-Goldwyn-Mayer.

Sinopsis argumental: Ambientada en los años 20. Un lujoso Rolls Royce Phantom II de color amarillo va pasando, a través de los años, por las manos de los más extraños personajes. Así, será testigo de las pintorescas historias de amor que protagonizan sus dueños, todos ellos orgullosos de poseer tan elegante vehículo: un aristócrata inglés engañado por su esposa francesa, un gángster de Chicago que pasa las vacaciones en Italia con su prometida, y una intrépida millonaria americana.

Nominaciones y premios: Globos de Oro: mejor canción original. Nominada mejor banda sonora original.

Comentario: La vida de un Rolls Royce y sus propietarios durante diez años. Se cumple el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Efemérides de cine: Asesinato en el Orient Express

El 24 de noviembre de 1974 se estrenó la película estadounidense Asesinato en el Orient Express (Murder on the Orient Express), dirigida por Sidney Lumet. Protagonizada por Albert Finney, Lauren Bacall, Ingrid Bergman, Sean Connery, Anthony Perkins, Vanessa Redgrave, Jacqueline Bisset, Richard Widmark, Martin Balsam, Jean-Pierre Cassel, John Gielgud, Michael York, Wendy Hiller, Rachel Roberts. Productora: EMI Films production. Distribuida por Paramount Pictures.

Sinopsis argumental: Adaptación de una de las novelas más conocidas de Agatha Christie. Narra la historia de un asesinato perpetrado durante un viaje en el legendario Orient Express. La investigación del famoso detective belga Hercules Poirot (Albert Finney) tropieza con grandes dificultades, pues los ilustres pasajeros disponen de una coartada que los excluye como sospechosos. Nominaciones y premios: Oscar: mejor actriz secundaria (Ingrid Bergman) y seis nominaciones.

Comentario: Adaptación de una de las novelas más conocidas de Agatha Christie, con un inmejorable reparto

Efemérides de cine: Nosotras las mujeres

El 22 de octubre de 1953 se estrenó la película italiana Nosotras las mujeres (Siamo Donne), dirigida por Alfredo Guarini, Gianni Franciolini, Roberto Rossellini, Luigi Zampa, Luchino Visconti. Protagonizada por Ingrid Bergman, Anna Magnani, Isa Miranda, Alida Valli, Anna Amendola, Emma Danieli, Cristina Doria, Cristina Fantoni, Madeleine Fischer, Cristina Grado, Maria Grazia Jacomelli, Donatella Marrosu, Gina Mellucci, Mara Todisco. Productora: Titanus/Film Costellazione Produzione.

Sinopsis argumental: Retrato de la vida privada de cinco actrices que se interpretan a sí mismas: Ingrid Bergman (Rossellini), Anna Magnani (Visconti), Isa Miranda (Luigi Zampa), Alida Valli (Gianni Franciolini) y Emma Danieli (Alfredo Guarini). 

Comentario:Fugaces recuerdos sabiamente rodados y ensamblados, rostros universalmente conocidos expuestos al desnudo, mostrando diversos momentos personales y profesionales. Los inciertos comienzos, seguidos de espléndidas carreras consolidadas que dan paso a la cresta de la ola, lo cual no implica plenitud íntima en todos los casos. Hay artistas que no soportan bien o que acaban afectados por la dureza de ser famosos. La intensiva entrega a su imagen de divas/os de la pantalla conlleva su parte negativa. En este sentido, los episodios más dramáticos son los de Valli y Miranda: las consecuencias de ser quienes son. Pero otras lo llevan de una manera mucho más distendida, como Bergman y Magnani. Las promesas de futuro están en Amendola y Danieli: las puertas se les acaban de abrir y la incógnita se despliega como una alfombra roja de posibilidades.

Efemérides de cine: Atormentada

El 8 de octubre de 1949 se estrenó la película estadounidense Atormentada (Under Capricorn), dirigida por Alfred Hitchcock. Protagonizada por Ingrid Bergman, Joseph Cotten, Michael Wilding, Margaret Leighton, Cecil Parker, Denis O'Dea, Jack Watling, Harcourt Williams, John Ruddock, Bill Shine, Victor Lucas, Ronald Adam, Francis De Wolff, G.H. Mulcaster, Olive Sloane, Maureen Delaney, Julia Lang, Betty McDermott. Productora y distribuidora: Warner Bros. Pictures.

Sinopsis argumental: Australia, 1835. El sobrino del gobernador, Charles Adare (Michael Wilding), que acaba de llegar de Inglaterra, está invitado a cenar en casa de Sam Flusky (Joseph Cotten), un antiguo presidiario que ha hecho fortuna y que está casado con una de una prima de Charles, Lady Harrietta (Ingrid Bergman). Charles descubre que su prima, que se ha convertido en una alcohólica, está aterrorizada por su ama de llaves Milly (Margaret Leighton) y, al tratar de curarla, se enamora de ella... 

Comentario: Infravalorada película de Hitchcock, que en esta ocasión parece más preocupado por la psicología de los personajes que por la trama de suspense. Destaca la opresiva ambientación, lograda gracias a la brillante fotografía del maestro Jack Cardiff. Gira en torno al sacrificio, los celos y las relaciones sentimentales. Milly, la terrorífica ama de llaves, recuerda a la de Rebeca, una de sus películas anteriores.

Efemérides de cine: Nina

El 7 de octubre de 1976 se estrenó la película estadounidense Nina dirigida por Vincente Minnelli. Protagonizada por Liza Minnelli, Ingrid Bergman, Charles Boyer, Isabella Rossellini, Tina Aumont, Fernando Rey, Gabriele Ferzetti. Coproducción USA-Italia; American International Pictures (AIP)/Coralta Cinematografica/Deux Femmes Service Company/General International Film Company.

Sinopsis argumental: Nina es una joven camarera de un hotel romano de segunda categoría, donde se hospeda de forma permanente una anciana condesa que, en su juventud, gracias a su gran belleza, inteligencia y clase, llegó a ser amante de emperadores, reyes, artistas y escritores. En el mismo hotel reside un excéntrico guionista que se esfuerza por escribir una escena violenta, porque es lo que espera el caprichoso director al que quiere impresionar. Nina escucha embelesada las relatos de la vieja condesa sobre fiestas y pretendientes y disfruta imaginándose a sí misma como protagonista de esas historias. 

Comentario: Tras Cabaret (1976), Liza Minnelli se puso a las órdenes de su padre en este drama interesante, pero que no alcanza las expectativas deseadas. A pesar de todo, cuenta con la estimable presencia de otras estrellas de la talla de Ingrid Bergman y su hija Isabella Rossellini.

Adaptación de la novela de Maurice Druon.

Efemérides de cine: Te querré siempre

El 7 de septiembre de 1954 se estrenó la película italiana Te querré siempre (Viaggio in Italia), dirigida por Roberto Rossellini. Con Ingrid Bergman, George Sanders, Maria Mauban, Paul Muller, Anna Proclemer, Leslie Daniels. Coproducción Italia-Francia; Sveva Film/Junior Film/Italia Film/Les Films d'Ariane/Francinez.

Sinopsis argumental: Un matrimonio inglés viaja a Italia para vender una villa que ha heredado cerca de Nápoles. Al alejarse del ambiente londinense y encontrarse en un paisaje y en un mundo ajenos, la pareja experimenta sentimientos olvidados, como los celos y el resentimiento.

Comentario: Tercer largometraje de Rossellini protagonizado por Ingrid Bergman.

Es una obra singular e innovadora, que se separa del movimiento neorrealista impulsado por Rossellini, para focalizar la atención en el análisis del mundo interior de los personajes, de sus emociones íntimas, sus sentimientos, deseos e impulsos. A Rossellini le sigue preocupando la exploración de la realidad, sigue siendo un autor realista, pero su maduración como cineasta ha propiciado una evolución que le ha desplazado el foco de atención a la realidad interior del ser humano. La nueva etapa del autor prepara el camino de lo que será la “nouvelle vague”, se adelanta a Al final de la escapada (À bout de souffle, 1960), de Jean-Luc Godard y prefigura el advenimiento del cine moderno.

Opta por un cine sencillo, sobrio e intimista, en el que lo más importante es la mirada del espectador. La imagen ocupa espacios reservados en trabajos anteriores a la palabra, el diálogo, la banda sonora, el sonido ambiental. A través de la imagen explica el estado de ánimo de los protagonistas: los gestos exteriorizan la intimidad de los personajes, el entorno cumple funciones de descripción de sentimientos y deseos, etc. 

La imagen adquiere una nueva centralidad y gran trascendencia dentro del conjunto de los recursos expresivos. Con imágenes sugiere la distancia que separa a Alex de Katherine, la gran turbación emocional que afecta a Katherine (visita al Museo Arqueológico de Nápoles), los pensamientos que la embargan durante su paseo en coche por la ciudad, la frustración que siente por su rechazo de la maternidad, etc. La breve aventura de Alex en Capri se salda en fracaso, soledad y desolación (bar de copas, prostituta...).

Efemérides de cine: Encadenados

El 6 de septiembre de 1946 se estrenó la película estadounidense Encadenados (Notorius), dirigida por Alfred Hitchcock. Con Cary Grant, Ingrid Bergman, Claude Rains, Louis Calhern, Leopoldine Konstantin, Reinhold Schünzel, Moron iOlsen, Ivan Triesault, Alex Minotis, Wally Brown, Charles Mendl, Ricardo Costa, Eberhard Krumschmidt, Fay Baker. Productora y distribuidora: RKO Radio Pictures.

Sinopsis argumental: Tras la II Guerra Mundial (1939-1945), el padre de Alicia Huberman, un espía nazi, es condenado por traición contra los Estados Unidos. Después del juicio, Alicia da una fiesta en la que aparece un apuesto desconocido llamado Devlin. Se trata de un agente de los servicios de inteligencia que reclama su colaboración para atrapar a Alexander Sebastian, el cerebro de los nazis en Brasil. Al principio se muestra reacia, pero finalmente accede, sobre todo, porque se ha enamorado del atractivo agente americano. Una vez en Brasil, Alicia se gana la simpatía de Sebastian y se va a vivir a su casa. Pero su implicación en el asunto acaba poniendo en peligro su vida. 

Nominaciones y premios: 2 nominaciones al Oscar: Mejor actor de reparto (Claude Rains), guión original. Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)

Comentario: Película que manifiesta el talento de Alfred Hitchcock  en varios aspectos: en la utilización equilibrada de la estética como énfasis del contenido sentimental, en su capacidad como director de intérpretes, en la intensidad y profundidad que concede a los personajes y al asunto gracias a la absorbente narrativa sobre una intrigante trama con centro en una pasional historia romántica.

Efemérides de cine: ¿Por quién doblan las campanas?

El 14 de julio de 1943 se estrenó la película estadounidense ¿Por quién doblan las campanas? (For Whom the Bell Tolls),  dirigida por Sam Wood. Protagonizado por  Gary Cooper, Ingrid Bergman, Akim Tamiroff, Arturo de Córdova, Vladimir Sokoloff, Mikhail Rasumny, Fortunio Bonanova, Eric Feldary, Victor Varconi, Katina Paxinou, Joseph Calleia, Lilo Yarson, Alexander Granach, Adia Kuznetzoff, Leonid Snegoff, Leo Bulgakov, Duncan Renaldo, Frank Puglia, Pedro de Cordoba, Michael Visaroff, Martin Garralaga, Jean Del Val, John Mylong. Productora y distribuidora: Paramount Pictures.

Sinopsis argumental: El estadounidense Robert Jordan (Gary Cooper), apodado "El inglés", que lucha en la guerra Civil Española (1936-1939) dentro de la Brigada Lincoln, es un experto en acciones especiales detrás de las líneas enemigas: ha volado trenes, redes eléctricas, depósitos de armas... En vísperas de una gran ofensiva, el mando republicano le encarga la destrucción de un puente, la principal arteria logística del ejército de Franco. María (Ingrid Bergman), una joven salvada del pelotón de ejecución, y Pilar, la esposa de Pablo, un hombre rudo y testarudo, participarán en la operación y mantendrán el espíritu de lucha hasta el final de la contienda. 

Nominaciones y premios: Oscar: Mejor actriz secundaria (Katina Paxinou). 9 nominaciones. Globos de oro: Mejor actor de reparto (Tamiroff) y actriz de reparto (Paxinou). Círculo de críticos de Nueva York: Nominada a Mejor Actriz (Katina Paxinou).

Comentario: Adaptación de la novela homónima de Ernest Hemingway. Este drama romántico está ambientado en la turbulencia violenta Guerra Civil española.Está llena de emoción, poniendo en alza un heroísmo idealista, sin olvidar las conmovedoras escenas de amor. La música de Victor Young es excelente.
La película llegó a nuestro país en 1978.

Efemérides de cine: Luz que agoniza

El 5 de mayo de 1944 se estrenó la película estadounidense Luz que agoniza AKA Luz de gas (Gaslight), dirigida por George Cukor. Protagonizada por Charles Boyer, Ingrid Bergman, Joseph Cotten, Dame May Whitty, Angela Lansbury, Barbara Everest, Emil Rameau, Edmund Breon, Halliwell Hobbes, Tom Stevenson, Heather Thatcher, Lawrence Grossmith, Jakob Gimpel, Gary Gray, Terry Moore. Producción y distribución: Metro Goldwin mayer (MGM).

Sinopsis argumental: Paula (ingrid Bergman), una delicada y sensible joven que parece haber encontrado un marido ideal en el aparentemente galante y educado Gregory Anton (Charles Boyer). No obstante éste es en realidad un ladrón obsesionado en la búsqueda de un antiguo botín oculto en casa de Paula, dispuesto a todo con tal de recuperarlo. Paula se convierte en la víctima de este hombre sin escrúpulos que la llevará al borde de la locura.
Nominaciones y premios: 2 Oscar: Mejor Actriz (Ingrid Bergman), decorado (Blanco y negro). 7 nominaciones. Globos de Oro: Mejor actriz (Ingrid Bergman).

Comentario: Luz que agoniza es un excelente thriller dirigido por George Cukor en el que la intriga y el suspense están presentes en todo momento gracias a una elaborada estructura narrativa, acompañada de una inquietante banda sonora y unos magníficos actores. Tal impacto causó en su día que popularizó la expresión 'hacer luz de gas', como forma de presionar a alguien haciéndole creer que algo ocurre de modo distinto a lo que sucede en realidad.

Este trabajo cinematográfico, que se estrenó en Gran Bretaña con el título Murder in Thornton Square, fue el comienzo de la carrera cinematográfica de Angela Lansbury, que tenía entonces dieciocho años.
Todo un clásico del thriller psicológico que adapta la obra de teatro de Patrick Hamilton, ya llevada a la pantalla en el Reino Unido, Luz de gas (Gaslight), en 1940, por el director Thorold Dickinson.