Las 30 mejores películas basadas en psicópatas y dónde verlas (I)

Un recorrido por el cine que mejor ha explorado la mente fría, manipuladora y perturbadora de los grandes psicópatas de la ficción y del mundo real.

En esta selección no se habla de ‘asesinos en serie’ en sentido estricto, sino de psicópatas cinematográficos, personajes cuya perturbación, manipulación, frialdad o perversidad marcan el pulso de cada historia. Por eso no todas las películas incluidas giran necesariamente en torno a muertes ni requieren un patrón homicida para explorar esa mente desviada que las define: algunas se centran en el control, otras en la obsesión, la violencia emocional o la imposibilidad de empatizar. Además de los títulos presentes, hay muchas otras obras que encajarían perfectamente en esta mirada al lado más oscuro de la condición humana, como El estrangulador de Rillington Place (1971), Maniac (1980), Copycat (1995), El coleccionista de amantes (1997), El talento de Mr. Ripley (1999) o Monster (2003), todas ellas ejemplos potentes de cómo el cine ha diseccionado la psicopatía desde ángulos muy diferentes.

1. M, el vampiro de Düsseldorf (M: Eine Stadt sucht einen Mörder, 1931)

Director: Fritz Lang. Reparto: Peter Lorre, Ellen Widmann, Inge Landgut, Otto Wernicke, Theodor Loos, Gustaf Gründgens.

La trama: Un asesino de niñas tiene atemorizada a toda la ciudad de Berlín. La policía lo busca frenética y desesperadamente, deteniendo a cualquier persona mínimamente sospechosa. Por su parte, los jefes del hampa, furiosos por las redadas que están sufriendo por culpa del asesino, deciden buscarlo ellos mismos.  El ambiente opresivo y la tensión creciente muestran el miedo colectivo.

Peter Lorre en M, el vampiro de Düsseldorf (1931)

Curiosidades: Una de las primeras obras maestras del cine sonoro alemán. En su penúltimo trabajo antes de exiliarse de Alemania, el maestro Fritz Lang describe el contexto social de inestabilidad e inseguridad que potenció el auge del nazismo. Lang reclutó a delincuentes reales para dar autenticidad al submundo que persigue al asesino, un rodaje que se complicó por las detenciones de algunos de sus ‘actores’. Ese retrato áspero llamó la atención de Goebbels, que quiso reclutar al director para el aparato propagandístico nazi, una propuesta que aceleró su huida. Disponible en Prime Video, Filmin.

2. La noche del cazador (The Night of the Hunter, 1955)

Director: Charles Laughton. Reparto: Robert Mitchum, Shelley Winters, Lillian Gish, James Gleason, Evelyn Varden, Peter Graves, Don Beddoe, Billy Chapin, Sally Jane Bruce. 

La trama: Tras realizar un atraco en el que han muerto dos personas, Ben Harper regresa a su casa y esconde el botín confiando el secreto a sus hijos. En la cárcel, antes de ser ejecutado, comparte celda con Harry Powell y en sueños habla del dinero. Tras ser puesto en libertad, Powell, obsesionado por apoderarse del botín, va al pueblo de Harper, convertido en un falso predicador, enamora a su viuda y se casa con ella. El contraste entre inocencia y maldad impulsa una historia inquietante con imágenes poderosas y un tono casi de cuento siniestro.

Robert Mitchum en La noche del cazador (1955)

Curiosidades: Laughton nunca volvió a dirigir después del fracaso inicial de la película, pero en ese único intento volcó una mirada muy personal marcada por su fascinación por el expresionismo alemán, una influencia que, junto al trabajo de Stanley Cortez, definió la estética de sombras extremas y atmósfera inquietante que hoy sostiene su condición de obra de culto. Se trata de un fascinante dibujo de los miedos infantiles. Ensoñación, cuento con ogros y hadas, título terrorífico y fábula moral. Basada en el libro de Davis Grubb. Disponible en Filmin.

3. Mientras Nueva York duerme (While the City Sleeps, 1956)

Director: Fritz Lang. Reparto: Dana Andrews, Rhonda Fleming, Ida Lupino, George Sanders, Howard Duff, Thomas Mitchell, Vincent Price, Sally Forrest, John Drew Barrymore, James Craig, Robert Warwick, Mae Marsh, Vladimir Sokoloff, Pitt Herbert, Ralph Peters, Sandra White. 

La trama: Los periodistas del Sentinel están a punto terminar la edición del periódico. En los pasillos y en las mesas se conspira y se intriga para hacerse con la dirección del diario. Mientras tanto, un criminal que se dedica a matar mujeres jóvenes, tras cada asesinato, deja a la policía un mensaje escrito con pintalabios. En el periódico se establece una feroz competición: el primero que consiga la noticia de la captura del asesino "del pintalabios", tendrá todas las de ganar. Un redactor sin ambiciones consigue convencer a una secretaria de la que está enamorado para que sirva de cebo a fin de atraer al asesino, contando, por supuesto, con vigilancia policial. El ritmo tenso muestra cómo la búsqueda de poder eclipsa la justicia.

Dana Andrews en Mientras Nueva York duerme (1956)

Curiosidades: La figura del “asesino del pintalabios”, inspirada en los crímenes reales de William Heirens, sirve aquí como punto de partida para un relato que Lang orienta más hacia la disección del poder mediático que hacia el propio thriller, mostrando cómo la carrera por controlar un imperio periodístico distorsiona ambiciones y lealtades hasta convertir la investigación en un juego de intereses. Prensa y cine negro unidos en un título imprescindible del Hollywood de los años 1950, rodada en tan solo cinco semanas utilizando el sistema panorámico conocido como "Superscope" magistralmente resuelto gracias a la poderosa fotografía en blanco y negro de Ernest Laszlo. Adaptación de la novela The Bloody Spur, de Charles Einstein, donde se narra el devenir diario del periódico New York Sentinel.

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“Metrópolis”, una influyente película futurista

El que ha entrado, 2026, se el año en el que Thea von Harbou ambientó su Metrópolis, la novela en la que su entonces marido, el gran Fritz Lang, basó la película homónima, todo un clásico del cine silente, la ciencia-ficción y el expresionismo alemán. Metrópolis (Metropolis, 1927), es básicamente eso, una distopía. Pero, en muchos aspectos, aquí y ahora nos toca mucho más de cerca que las demás.

La trama: Futuro, año 2026. En la megalópolis de Metrópolis la sociedad se divide en dos clases, los ricos que tienen el poder y los medios de producción, rodeados de lujos, espacios amplios y jardines, y los obreros, condenados a vivir en condiciones dramáticas recluidos en un gueto subterráneo, donde se encuentra el corazón industrial de la ciudad. Un día Freder (Alfred Abel), el hijo del todopoderoso Joh Fredersen (Gustav Frohlich), el hombre que controla la ciudad, descubre los duros aspectos laborales de los obreros tras enamorarse de María (Brigitte Helm), una muchacha de origen humilde, venerada por las clases bajas y que predica los buenos sentimientos y al amor. El hijo entonces advierte a su padre que los trabajadores podrían rebelarse. 

En el año 2010 se estrenó la versión íntegra -y original- de Metrópolis, tal y como la concibió Fritz Lang, con 25 minutos más de metraje. Tras su estreno alemán en 1927, la película fue editada por los estudios Paramount con 30 minutos menos que el montaje original de Fritz Lang. La UFA (Universum Film AG), el estudio cinematográfico más importante de Alemania durante la primera mitad del siglo XX, también la cortó para la exportación. El original se creyó perdido, hasta que en 2008, se descubrió que un museo de Buenos Aires tenía una copia adquirida a finales de los años 1920. Tras su restauración, finalmente se estrenó la Metrópolis original en el Festival de Berlín del 2010.

Las 30 mejores películas de ciencia-ficción y dónde verlas (I)

La ciencia-ficción siempre ha sido el género que mejor ha sabido mirar al futuro para hablar del presente. Desde que Stanley Kubrick redefiniera el lenguaje cinematográfico con 2001: Una odisea del espacio, el género ha evolucionado en múltiples direcciones: desde la distopía existencial hasta la épica espacial, pasando por la inteligencia artificial, los viajes en el tiempo o la colonización de otros mundos. Ridley Scott firmó dos de sus pilares con Alien y Blade Runner, mientras que Christopher Nolan ha sabido llevar la ciencia ficción al gran público sin renunciar a la ambición narrativa en títulos como Interestelar u Origen. Y en los últimos años, Denis Villeneuve ha devuelto la grandeza al género con su monumental adaptación de Dune, cuya segunda parte ha consolidado una de las sagas más importantes del cine moderno.

Pero más allá de los grandes nombres y presupuestos, la ciencia ficción también ha brillado en propuestas más íntimas y personales. Películas como Moon, de Duncan Jones, o Ex Machina, de Alex Garland, demuestran que el género puede ser tan introspectivo como espectacular, explorando la identidad, la conciencia y los límites de lo humano con una sensibilidad poco habitual. En este reportaje repasamos 30 películas esenciales de la ciencia ficción, ordenadas por fecha de estreno, que han marcado un antes y un después en la historia del cine. Además, te contamos dónde puedes verlas en streaming.

1. Metrópolis (1927), de Fritz Lang 

Futuro, año 2000. En la megalópolis de Metrópolis la sociedad se divide en dos clases, los ricos que tienen el poder y los medios de producción, rodeados de lujos, espacios amplios y jardines, y los obreros, condenados a vivir en condiciones dramáticas recluidos en un gueto subterráneo, donde se encuentra el corazón industrial de la ciudad. Un día Freder (Alfred Abel), el hijo del todopoderoso Joh Fredersen (Gustav Frohlich), el hombre que controla la ciudad, descubre los duros aspectos laborales de los obreros tras enamorarse de María (Brigitte Helm), una muchacha de origen humilde, venerada por las clases bajas y que predica los buenos sentimientos y al amor. El hijo entonces advierte a su padre que los trabajadores podrían rebelarse.

La anécdota: Joseph Goebbels, ministro de propaganda nazi, quedó tan impresionado por la película que ofreció a Fritz Lang dirigir el cine del Tercer Reich como “ario honorario”, soslayando la cuestión de que el director tenía ascendencia judía. Lang rechazó la propuesta y huyó de Alemania esa misma noche. Mientras el régimen censuraba la película por considerarla ideológicamente peligrosa, una copia íntegra sobrevivió en Argentina. Décadas después, ese hallazgo permitió restaurar la versión original. Disponible en Rakuten TV. 

2. King Kong (1933), de Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack

Un equipo de cine van a rodar una película a la misteriosa isla de Teschio, al este de Sumatra. Allí los recién llegados descubren la existencia de una civilización prehistórica y de una tribu ancestral que secuestra a la atractiva Ann, la actriz protagonista, para ofrecerla en sacrificio ritual a King, un gigantesco gorila.

La anécdota: La pelea entre Kong y el Tyrannosaurus Rex en King Kong (1933) no solo es uno de los momentos más memorables del cine fantástico, también fue una proeza técnica que rozó la obsesión. El animador Willis H. O’Brien tardó siete semanas en dar vida a la escena mediante stop-motion, ajustando cada gesto del gorila y del dinosaurio con precisión milimétrica. Pero no todo fue miniatura: para los primeros planos, el equipo construyó una cabeza mecánica gigante de Kong, capaz de mover los ojos y la mandíbula con sorprendente expresividad. Disponible en Amazon Prime y Apple TV. 

3. La invasión de los ladrones de cuerpos (Invasion of the Body Snatchers, 1956), de Don Siegel

En la ciudad de Santa Mira, en California, el médico Miles Bennell empieza a recibir quejas de varios pacientes sobre sus seres queridos, a los que acusan de ser unos impostores. El psiquiatra local, Dan Kauffman, considera que se trata de un episodio de histeria colectiva. No obstante, un amigo de Bennell, Jack Belicec, descubre en su casa un extraño cuerpo sin vida que aún no está desarrollado por completo. La misma situación va a experimentar Becky Driscoll, una antigua novia de Bennell, que halla una figura femenina. El médico llama a Kauffman para que observe el descubrimiento, pero los cuerpos han desaparecido y el psiquiatra sospecha que Miles es víctima de la misma histeria que están sufriendo sus pacientes de forma progresiva. Sin embargo, el hallazgo de unas insólitas vainas gigantes de las que parecen brotar los cuerpos corrobora la existencia de un misterio sin resolver que le dará un toque de intriga a la película.

La anécdota: El final no fue el que Don Siegel había imaginado. En su versión original, el protagonista corría desesperado por una autopista, gritando que “¡ya están aquí!”, mientras los coches pasaban sin prestarle atención. Era un cierre seco, inquietante, sin redención. Pero los ejecutivos del estudio no estaban dispuestos a dejar al público con esa sensación de desamparo. Obligaron a añadir un epílogo con voz en off, sugiriendo que la amenaza podría ser contenida. En el sensacional remake del 1978, Philip Kaufman cerró con un final más dramático y desalentador que el propuesto por Siegel. Está basada en la novela de Jack Finney The Body Snatchers. Disponible Prime Video, Netflix, Filmin y MUBI.

Hace 100 años: Crónicas de la Casa Gris

El 12 de febrero de 1925 se estrenó la película alemana Crónicas de la Casa Gris (Zur Chronik von Grieshuus), dirigida por Arthur von Gerlach e interpretada por Arthur Kraußneck, Paul Hartmann, Rudolf Forster y Lil Dagover, Rudolf Rittner, Gertrud Arnold, Gertrude Welcker, Josef Peterhans, Hermann Leffler, Ernst Gronau. Productora: Universum Film AG (UFA). Duración: 110 minutos. 

Sinopsis argumental: La narración se sitúa en el siglo XVII. Hinrich es el hijo del Señor de Grieshuus. Tras rescatar a la joven Barbara, hija del criado de su padre, Owe Heiken, queda prendado de ella. Su padre, al saber que quiere casarse con una criada, lo deshereda. Muerto su padre, Hinrich entra en una disputa con su hermano, Detlev, y su mujer, la condesa Gesina, por la herencia...

Comentario: También se conoce como En la Casa Gris. El guion de Thea von Harbou se basa en la novela de Theodor Storm, Un capítulo de la historia de Grieshuus.

Hace 100 años: El último

El 23 de diciembre de 1924 se estrenó la película alemana El último (Der Letzte Mann), dirigida por F. W. Murnau e interpretada por Emil Jannings, Maly Delschaft, Max Hiller, Emilie Kurz, Hans Unterkircher, Georg John, Olaf Storm, Hermann Vallentin, Georg John, Emmy Wyda. Productora: Universum Film AG (U.F.A). Duración: 90 minutos. 

Sinopsis argumental: La historia nos lleva a la entrada de un lujoso hotel en cualquier ciudad del mundo occidental. En ella nos encontramos al portero (Emil Jannings), un robusto y respetado hombre que no solo carga con las maletas de los clientes, sino que es el nexo de unión entre la entrada y salida de dos mundos muy diferentes. Los huéspedes le admiran, los trabajadores le idolatran, pero una vez en su barrio de clase media-baja, allí se convierte en un Dios. Saluda a todo el mundo portando aún su uniforme de portero de corte militar y siendo saludado (por no decir venerado) por la vecindad. Su orgullosa sobrina está a punto de casarse y habrá una celebración por todo lo alto. Mas el día de la boda por la mañana, cuando nuestro protagonista marcha hacia su trabajo, se encuentra que debido a su edad ha sido sustituido por un hombre mucho más joven y fuerte, mientras que a él le destinan al baño de hombres para trabajar como mozo. Toda una vida de orgullo y respeto se marcha por la taza del retrete que ha de dejar impoluta cada vez que es usada. El hombre, desmoralizado, decide ocultar la verdad a su sobrina por lo que vuelve a casa con el uniforme, el cual deja en una taquilla de la estación de tren antes de entrar, y vuelve a recoger al salir.

Comentario: Décimo quinto largometraje y primera con la UFA de F. W. Murnau. con guion de Carl Mayer, está inspirado en el cuento El capote, de Nikolái Gógol. Este clásico del cine mudo fue la primera película que explotó el movimiento de cámara.

Hace 100 años: El hombre de las figuras de cera

El 13 de noviembre de 1924 se estrenó la película alemana El hombre de las figuras de cera (Das Wachsfigurenkabinett), dirigida por Paul Leni, Leo Birinsky e interpretada por  Emil Jannings, Conrad Veidt, Werner Krauss, William Dieterle, Olga Belajeff, John Gottowt. Productora: Neptune-Film A.G. Duración: 84 minutos. 

Sinopsis argumental: Un joven escritor recibe el encargo de narrar las historias que le inspiran algunas de las imágenes expuestas en un pequeño museo de figuras de cera: La primera recreará la vida de un panadero, su mujer y del sultán que le quiere ver muerto. La segunda relatará la trágica historia de Iván el Terrible. Y para finalizar, la tercera parte será una ensoñación protagonizada por el célebre asesino Jack el destripador.

Comentario: Como se puede comprobar, el argumento sirve para enhebrar tres episodios diferentes, servidos muy imaginativamente por Paul Leni en su Alemania natal. Cuenta con grandes actores de la época, como Emil Jannings y Conrad Veidt. Además figura como actor el luego cineasta de renombre William Dieterle. 

Hace 100 años: Las manos de Orlac

El 24 de septiembre de 1924 se estrenó la película alemana Las manos de Orlac (Orlacs Hände), dirigida por Robert Wiene  e interpretada por Conrad Veidt, Alexandra Sorina, Fritz Kortner, Carmen Cartellieri, Fritz Strassny, Paul Askonas. Productora: Coproducción Alemania-Austria; Berolina Film, Pan Films. Duración: 92 minutos. 

Sinopsis argumental: Orlac, un pianista famoso, pierde ambas manos en un accidente. Los médicos deciden trasplantarle las manos de Vasseur, un asesino condenado a muerte. La operación es un éxito, pero desde ese momento el pianista comienza a verse embargado por impulsos criminales. Tiene pesadillas y ve el rostro de un hombre que cree que es Vasseur.

Comentario: La película se basa en un libro del escritor francés Maurice Renard publicado en 1920 y se trata una joya de la narrativa que mezcla el género policiaco y el gótico en un tenso relato que gana grandes dosis de suspense a medida que se desarrolla.

Hace 100 años: Los nibelungos - 2ª parte: La venganza de Krimilda

El 26 de abril de 1924 se estrenó la película alemana Los nibelungos - 2ª parte: La venganza de Krimilda (Die Nibelungen: Kriemhilds Rache (Die Nibelungen - Teil II), dirigida por Fritz Lang e interpretada por  Gertrud Arnold, Margarete Schön, Hanna Ralph, Paul Richter, Theodor Loos, Hans Carl Mueller, Erwin Biswanger, Bernhard Goetzke, Hans Adalbert Schlettow, Hardy von Francois. Productora: U.F.A, Decla Film. Duración: 130 minutos. 

Sinopsis argumental: Siegfried ha sido asesinado. Su amada Kriemhild (Margarete Schön) se considera una muerta en vida tras su desaparición. A lo largo de siete bellos y trágicos cantos, asistiremos al proceso por el que esta desarrollará la venganza para honrar la ausencia de su joven esposo, y al mismo tiempo volver a reunirse con él con dignidad.

Comentario: La leyenda de Los Nibelungos fue el origen de esta gran superproducción. Thea Von Harbou, esposa de Fritz Lang y autora asimismo de la novela Metrópoli", escribió un guión que dividió en dos partes: La muerte de Sigfrido y La venganza de Krimilda. En su etapa muda, el maestro Fritz Lang realizó una impresionante recreación del más célebre episodio de la mitología alemana. Estrenada en su día con un recorte de más de dos horas de duración, la película fue finalmente restaurada hasta completar sus casi cinco horas de metraje, si bien es cierto que repartidas en las dos partes diferenciadas ya citadas. Hay efectos especiales impactantes para la época, sobre todo en la escena del dragón.

Diez clásicos para aprender sobre cine (I)

Podemos aplicar el adjetivo "clásico" a aquellas obras cinematográficas calificadas como obras de arte según valores estéticos, técnicos, temáticos o éticos. En segundo lugar, en un sentido técnico, la expresión cine clásico hace referencia al cine que es resultado de utilizar las estrategias cinematográficas establecidas en la tradición estadounidense durante el periodo comprendido entre 1915 y 1959.

En este segundo sentido, el cine clásico sería aquel que respeta las convenciones visuales, sonoras, genéricas e ideológicas que emanaron durante dicho periodo. Es un cine tradicional, constituido por un sistema de convenciones que constituyen la tradición cinematográfica. Emplea siempre los mismos recursos tradicionales, sin introducir elementos rupturistas, a diferencia del cine independiente.

El cine clásico pretende ante todo construir una narración que simule ser lo real, dejando oculta la naturaleza del relato. El film clásico se caracteriza por la búsqueda de una transparencia que esconde la enunciación y por la economía de signos. 

Nuestra selección sería: 

1. Amanecer (Sunrise, 1927), de F.W. Murnau 

La historia de Amanecer nos narra como la vida de una familia humilde que vive en una granja y trabaja día a día para subsistir se rompe por el deseo y la pasión. El protagonista (George O’Brien) vive junto a su esposa y su hijo de corta edad. El día a día no es fácil en un ambiente tan rural, pero el matrimonio se siente afortunado. Un día, llega al pueblo una hermosa mujer (Margaret Livingston) de ciudad y la rutina de la pareja se disuelve. El marido queda fascinado por la enigmática señora de buenos modales y descuida a su familia, su trabajo y su casa, llegando a gastarse el dinero que necesitaban para vivir. Cegado por el amor, el hombre idea un plan macabro para matar a su esposa y poder huir con su amante a la ciudad. Todo está preparado. La barca está en mitad del lago donde ahogará a la madre de su hijo, pero en el último momento se arrepiente. Su mujer queda horrorizada y huye a la ciudad. Hasta allí la sigue su esposo, que, profundamente arrepentido, le confiesa de nuevo su amor. La pareja aprovecha el viaje para renovar su matrimonio de nuevo. De vuelta a casa, la tragedia se pone de su parte. Una horrible tormenta hunde la barca en la que viajaban y, pese a los intentos del marido por salvar a su esposa, ésta se pierde. El hombre está desesperado. La mujer de ciudad cree que por fin se ha decido a llevar a cabo su plan, pero nunca más lejos de la realidad. Él está enamorado de su esposa y ahora cree que la ha perdido.

Margaret Livingston y George O'Brien en Amanecer (1927)

Quizá la película más romántica de todos los tiempos, que pese a ser muda tiene una fuerza inigualable en todos sus planos. El alemán F.W. Murnau rodó el film en Hollywood para la Fox. Por desgracia, murió con sólo 42 años en un accidente de tráfico, privándonos de más obras maestras. El guión es una adaptación por Carl Mayer del cuento La excursión a Tilsit de Hermann Sudermann. Murnau optó por utilizar el entonces nuevo sistema de sonido Movietone, Haciendo de Amanecer uno de los primeros largometrajes con una banda sonora y efectos sonoros sincronizados.​ Fue el primer triángulo amoroso de la Historia del cine. Y sin pronunciar una palabra. Esa joya fílmica de Murnau titulada Amanecer supo jugar, para contar su inmortal historia de amor, la carta del contraste. Contraste entre la dulce esposa y la arpía seductora, entre el idílico y tranquilo campo y la estresante y bulliciosa ciudad. Y fuertes contrastes también entre luces y sombras, en la hermosa fotografía que imprime a todo el relato un aire de ensueño. Es la primera película norteamericana del director alemán F.W. Murnau y nadie duda en incluirla entre los clásicos. 

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Hace 100 años: Los nibelungos - 1ª parte: La muerte de Sigfrido

El 14 de febrero de 1924 se estrenó la película alemana Los nibelungos - 1ª parte: La muerte de Sigfrido (Die Nibelungen: Siegfried (Siegfrieds Tod) (Die Nibelungen - Teil I), dirigida por Fritz Lang e interpretada por Gertrud Arnold, Margarete Schön, Hanna Ralph, Paul Richter, Theodor Loos, Hans Carl Mueller, Erwin Biswanger, Bernhard Goetzke, Hans Adalbert Schlettow, Hardy von Francois. Productora: U.F.A, Decla Film. Duración: 143 minutos. 

Sinopsis argumental: Adaptación de una serie de leyendas germanas sobre los nibelungos, seres que habitan entre la niebla. Narra la historia de Sigfrido, hijo de un rey, que, tras forjar una maravillosa espada y convertirse en un hábil herrero, debe volver al castillo de su padre. Sin embargo, impresionado por la historia de la bella princesa Krimilda, decide conquistarla. Abandona entonces el castillo paterno con el propósito de vencer a un dragón, cuya sangre hace invulnerable al que se baña en ella.

Comentario: La leyenda de Los Nibelungos fue el origen de esta gran superproducción. Thea Von Harbou, esposa de Fritz Lang y autora asimismo de la novela Metrópolis" escribió un guión que dividió en dos partes: La muerte de Sigfrido y La venganza de Krimilda. En su etapa muda, el maestro Fritz Lang realizó una impresionante recreación del más célebre episodio de la mitología alemana.  Estrenado en su día con un recorte de más de dos horas de duración, el film fue finalmente restaurado hasta completar sus casi cinco horas de metraje, si bien es cierto que repartidas en dos partes diferenciadas. Hay efectos especiales impactantes para la época, sobre todo en la escena del dragón.

Hace 100 años: Raskolnikow

El 27 de octubre de 1923 se estrenó la película alemana Crimen y castigo (Raskolnikow),  dirigida por Robert Wiene e interpretada por Gregori Chmara, Elisabeta Skulskaja, Alla Tarasova, Andrei Zhilinsk, Mikhail Tarkhanov, Mariya Germanova, Pavel Pavlov, Maria Kryshanovskaya, Toma, Petr Sharov, Ivan Bersenev. Productora: Leonardo-Film, Neumann-Filmproduktion. Duración: 135 minutos.

Sinopsis argumental: Un joven pobre y febril asesina a una vieja y luego, no sabe ni siquiera aprovecharse de la coartada y acaba cayendo en manos de la policía.

Comentario: Adaptación silente de la novela Crimen y castigo, de Fyodor Dostoyevsky. La historia de Dostoievski, sobre un empobrecido estudiante que comete un asesinato y se hunde por los remordimientos y el terror a ser atrapado, se prestaba especialmente para ser realizada bajo una óptica expresionista, y el resultado es ciertamente magnífico.

Hace 100 años: La calle

El 25 de abril de 1923 se estrenó la película alemana La calle, también conocida como La calle mayor (Die Straße), dirigida por Karl Grune e interpretada por Anton Edthofer, Aud Egede Nissen, Leonhard Haskel, Lucie Höflich, Eugen Klöpfer, Max Schreck. Productora: Stern-Film. Duración: 74 minutos. 

Sinopsis argumental: La calle, es un testimonio directo de la crisis moral que atraviesa la nación alemana.Es la historia de un funcionario que se ahoga en su vida familiar y se siente irresistiblemente atraído por la vida nocturna donde es seducido por una joven. El drama se desarrolla en una sola noche en la cual, el protagonista es acusado de asesinato.

Comentario: Alucinante recreación de la agitada vida nocturna en el Berlín de principios de los años 1920. Sugerente e inolvidable película que combina influencias de las dos grandes tendencias del cine artístico alemán de la época: el realismo del kammerspielfilm y el expresionismo. Encontramos el realismo en el hecho de centrar la acción en unos personajes de clase obrera así como en la elección del tema, un brutal retrato de la decadente capital germana y de la bulliciosa vida nocturna que arrastra consigo al protagonista. Como era habitual también en este tipo de películas, los personajes no tienen nombre, aunque por otro lado la práctica ausencia de rótulos lo hace innecesario.

Hace 100 años: El tesoro

El 26 de febrero de 1923 se estrenó la película alemana El tesoro (Der Schatz), dirigida por Georg Wilhelm Pabst e interpretada por Albert Steinrück, Lucie Mannheim, Ilka Grüning, Hans Brausewetter, Werner Krauss. Productora: Carl Froelich-Film GmbH. Duración: 78 minutos. 

Sinopsis argumental: La casa de un fundador de campanas Bathasar y su familia posee una extraña arquitectura. Al parecer fue destruida en un incendio durante el asedio de los turcos. La edificación se levantó de nuevo en 1683 y junto a ella la leyenda de un tesoro escondido.

Comentario: Opera prima de Georg Wilhelm Pabst, basada en la novela  de Rudolph Hans Bartsch. 

Hace 100 años: Phantom (El nuevo Fantomas)

El 13 de noviembre de 1922 se estrenó la película alemana Phantom (El nuevo Fantomas) (Phantom), dirigida por F.W. Murnau e interpretada por Alfred Abel, Grete Berger, Lil Dagover, Lya De Putti, Wilhelm Diegelmann, Anton Edthofer, Aud Egede Nissen, Olga Engl, Karl Etlinger, Ilka Grüning, Hans Heinrich von Twardowski, Frida Richard, Adolf Klein, Heinrich Witte, Gerhart Hauptmann. Productora: Uco-Film. Duración: 125 minutos. 

Sinopsis argumental: La acción dramática tiene lugar en Breslau (Alemania) y en un pequeño pueblo del idílico valle de Hirschberg (Alemania). Lorenz Lubota (Abel) es un modesto empleado administrativo del Ayuntamiento. Es inocente, honesto y juicioso. Dedica su tiempo libre a escribir poemas. Es fantasioso y soñador: vive más en un mundo imaginario que en el real. Ambiciona adquirir fama y ganar mucho dinero con sus versos. Su frágil equilibrio emocional y mental se pone de manifiesto cuando se comporta como si fuera el poeta más importante del país. Vive pobremente con su madre (Richard), su hermano Hugo (Twardowski) y su hermana Melanie (Nissen). Sienten afecto por él el encuadernador Starke (Ettlinger), su hija Marie (Dagover) y la rica prestamista Schwabe (Berger), tía suya. Cuando conoce a Veronika (Putti), joven hija de un rico comerciante de la localidad, queda fascinado y pierde el control sobre sí mismo.

Comentario: Adaptación de la novela Phantom, de Gerhard Hauptmann (1862-1946), publicada originalmente en el Berliner Illustrierte Zeitung”,que mediante la historia de amor no correspondido de un contable opone a la sordidez del mundo proletario y pequeño burgués con el ambiente cosmopolita de los ricos.

El gabinete del doctor Caligari en imágenes (III)

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(1) Sentado en un banco del parque , Francis le cuenta su historia a un compañero. 

(2) En la ciudad de Holstenwall, situada al norte de Alemania, aparece de repente una feria ambulante, y Francis convence a su amigo Alan, estudiante, para que vaya a verla con él.

(3) El doctor Caligari, uno de los componentes de la feria, le pide a un empleado del Ayuntamiento que le consiga los necesarios permisos. El empleado se burla de él y al día siguiente aparece asesinado. Francias y Alan, que están en la feria acuden a ver al doctor Caligari y a su sonámbulo Cesare.

(4) Cesare le lee a Alan su provenir; vivirá hasta el amanecer. Al día siguiente Alan aparece muerto exactamente de la misma manera que el empleado. Francis, que sospecha de Caligari, lleva al padre de Jane, la mujer a la que ama, y que es médico que reconozca a Cesare, pero el doctor no logra encontrar en él nada raro. 

(5) Francis continúa sin embargo sus indagaciones y se dedica a vigilar a Caligari, sin saber que éste ha reemplazado Cesare por un muñeco, que descansa ahora en el féretro, mientras que el sonámbulo se dedica a cumplir las órdenes de su jefe. Enviado a matar a Jane, Cesare decide raptarla y se ve perseguido por la familia de la joven. 

(6) Cae finalmente agotado. La policía descubre el muñeco en el féretro, pero Caligari logra escapar.

(7) Francis persigue a Caligari hasta un manicomio y al entrar en él, descubre que es el director. 

(8) A la mañana siguiente, Francis y tres empleados del manicomio examinan los papeles del director y descubren un relato sobre un "showman" italiano del siglo XVII, llamado Caligari, que utilizaba a un sonámbulo, Cesare, para matar a la gente. 

(9) Francis enfrenta al director con el cadáver de Cesare, pero es atado con una camisa de fuerza. Tras finalizar su relato, Francis vuelve al patio del manicomio, en el que tanto él, como Jane y Cesare están internos. Aparece el director y Francis le ataca. Los enfermeros le reducen y el director dice que por fin se ha dado cuenta de que Francis le toma por Caligari, con lo que podrá curarle de su locura. 

El gabinete del doctor Caligari en imágenes (II)

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Robert Wiene

De lo que no cabe la menor duda es que El gabinete del doctor Caligari es una película expresionista. Pero ¿en qué medida? El Expresionismo constituía un movimiento artístico ya antes de la I Guerra Mundial. En él participaron sobre todo pintores, cuya obra se caracteriza por el subjetivismo, la emoción y el antinaturalismo. Esto resulta significativo, ya que Hermann Warm, Walter Reimann y Walter Röhrig, que diseñaron los decorados de El gabinete del doctor Caligari, eran pintores expresionistas. El Expresionismo abarcaba temas como la alienación, el antiautoritarismo, el pacifismo y la redención a través del amor y la hostilidad hacia la sociedad burguesa. Algunos de esos elementos se encontraban ciertamente presentes en el guión original, pero se vieron negados por el recurso a un prólogo y un epílogo. 

Werner Krauss

El estilo visual de la película es claramente expresionista, con telones pintados, dominados por las curvas y las formas cúbicas, las perspectivas deliberadamente distorsionadas y unos muebles exageradamente alargados. El efecto que se perseguía con todo ello era el de desorientar al espectador, a loq ue contribuyó también la forma expresionista de interpretar. Como el doctor Caligari, Werner Krauss, realizó una actuación antinaturalista y gesticulante, convirtiéndose así en una presencia totalmente maligna; mientras que Conrad Veidt, como el sonámbulo Cesare, es un ser filiforme, con la cara  cenicienta y los ojos hundidos, más un cadáver viviente que un hombre de carne y hueso. En la Historia del Cine ha habido muy pocas películas totalmente expresionistas, con temmas, estilos y motivos visuales extraídos directamente de dicho movimiento; pero los elementos expresionistas en los decorados, la manera de interpretar, la iluminación, etc., se convirtieron en rasgos característicos del cine aleman hasta finales de la década de 1920. 

A lo largo de los años se ha prestado bastante atención a la importancia política, psicológica y artística de El gabinete del doctor Caligari, pero desde los años 1980la crítica empezó a darse cuenta de su aspecto más importante, el de precursora del posterior cine de terror. La película constituía, además, una de las últimas muestras del Romanticismo alemán, con antecedente que se remontan hasta E. T. A. Hoffman, los folkloristas Jakob y Wilhelm Grimm y el dramaturgo y poeta Schiller. De esas raíces surgen todos los temas típicos de toda una serie de clásicos del terror alemán. 

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El gabinete del doctor Caligari en imágenes (I)

Tras su estreno El gabinete del doctor Caligari (Das Cabinet des Dr. Caligari, 1920), dirigida por Robert Wiene, fue considerada "como la mayor aportación  europea al arte cinematográfico". Pero tanto la producción de la película como su significado siguen siendo motivo de controversia, que se ve aumentada por las versiones a veces conflictivas de quienes participaron en ella. 

Evidentemente Hans Janowitz y Carl Mayer, los dos escritores jóvenes, escribieron un guión en el que se mezclaban sus propios recuerdos sobre un famoso asesino psicópata de Hamburgo y los de Carl  acerca de un antipático psiquiatra que había conocido en el ejército con temas arquetípicos del Romanticismo alemán. En teoría, se planteaba realizar una especie de parábola moderna de la que Cesare debía simbolizar al Pueblo y el Dr. Caligari al Estado, aparentemente benigno y respetable, pero que manda a la gente a matar (en las guerras). El significado del final en el que Caligari se ve desenmascarado y derrotado, era claramente antiautoritario. 

Erich Pommer, que estaba al frente de la Decla, una productora modesta, se mostró de acuerdo en producir una película sobre esa historia, y pensó en Fritz Lang para dirigirla. Pero cuando el trabajo de Lang en Las arañas, parte 1 (Las arañas 1: El lago de oro) (Die Spinnen, 1. Teil - Der Goldene See, 1919) se prolongó más de lo previsto, la responsabilidad recayó sobre Robert Wiene, al que consideraba preparado para dirigir una historia que giraba en torno a la locura
debido a que su padre, en otros tiempos un famoso actor, se había vuelto loco hacia finales de su vida. Entonces, Pommer o Wiene (o ambos a la vez) insistieron en añadir a la película un prólogo y un epílogo, que la convertían en una historia contada por un loco. El resultado es el de darle completamente la vuelta a la historia ooriginal, despojándola de su sentido subversivo. 

En su conocido libros De Caligari a Hitler: Una historía psicológica del cine alemán (1985), Kracauer elaboró la teoría de que el cine alemán reflejaba la mentalidad del pueblo alemán y anunciaba el ascenso al poder de los nazis. Curiosamente, aunque el Hollywood de los años 1930 produjo algunas películas de terror del mismo estilo y con los mismo temas que las de la Alemania de los años 1920, nadie sugiere que los norteamericanos sean un pueblo especialmente pesimista o "maldito". Parece probable que la popularidad de las historias de terror en la Alemania de la República de Weimar y la Norteamérica de la Gran Depresión tuviese la misma causa : una vuelta a los horrores irreales y estilizados como huida de los horrores reales y palpables de la pobreza y la inflación. 

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Hace 100 años: El doctor Mabuse

El 27 de abril de 1922 se estrenó la película alemana El doctor Mabuse (Dr. Mabuse, el jugador) (Dr. Mabuse, der Spieler), dirigida por Fritz Lang e interpretada por Rudolf Klein-Rogge, Alfred Abel, Aud Egede Nissen, Bernhard Goetzke, Paul Richter, Gertrude Welcker. Productora: U.F.A. Duración: 272 minutos. 

Sinopsis argumental: El Dr. Mabuse es un genio del crimen, un hombre que gracias a sus poderes hipnóticos y telepáticos y un enorme manejo del disfraz ejerce un gran control sobre todos los que le rodean. Aunque Mabuse utiliza sus habilidades para obtener el dinero que le permite financiar sus oscuros planes, se trata de un ser despiadado que no está interesado en el capital, si no en jugar con el destino y la vida de las personas.

Comentario: Este clásico del impresionismo alemán dirigido por Fritz Lang y basado en el personaje del escritor luxemburgués Norbert Jacques contó con dos secuelas más El testamento del Dr. Mabuse (1933) y Los crímenes del Dr. Mabuse (1960). Además, sus más de cuatro horas de duración hicieron que la cinta se dividiera posteriormente en dos partes: El gran jugador y El infierno.

Hace 100 años: Nosferatu-una sinfonía del horror

EL 16 de febrero de 1922 se estrenó la película alemana Nosferatu-una sinfonía del horror (Nosferatu-eine Symphonie des Grauens), dirigida por F.W. Murnau con Max Schreck, Alexander Granach, Gustav von Wangenheim, Greta Schröeder, GH Schnell, Ruth Landshoff, John Gottowt, Gustav Botz. Productora: Prana-Film GmbH. Duración: 91 minutos. 

Sinopsis argumental: Año 1838. En la ciudad de Wisborg viven felices el joven Hutter y su mujer Ellen, hasta que el oscuro agente inmobiliario Knock decide enviar a Hutter a Transilvania para cerrar un negocio con el conde Orlok. Se trata de la venta de una finca de Wisborg, que linda con la casa de Hutter. Durante el largo viaje, Hutter pernocta en una posada, donde ojea un viejo tratado sobre vampiros que encuentra en su habitación. Una vez en el castillo, es recibido por el siniestro conde. Al día siguiente, Hutter amanece con dos pequeñas marcas en el cuello, que interpreta como picaduras de mosquito. Una vez firmado el contrato, descubre que el conde es, en realidad, un vampiro. Al verle partir hacia su nuevo hogar, Hutter teme por Ellen.

Comentario: Se trata de la primera película relacionada con la novela de Bram Stoker Drácula. Inicialmente no aceptada por la viuda de Bram Stoker, que interpuso una demanda, pero pronto se convirtió en una película de culto.

En Netflix, "Metropolis" de Fritz Lang aterriza en su versión milagrosamente restaurada

Hace veinte años, la obra maestra de ciencia ficción de Fritz Lang, Metropolis (1927) se estrenó en los cines. Una versión completa que creíamos desaparecida, fiel al montaje deseado por el cineasta, y dotada de veintiséis minutos más. Para ver en Netflix.

Aquí está el mundo de 2026 como se imaginó en Alemania hace casi un siglo: una ciudad gigantesca, gobernada por un tirano, donde los proletarios trabajan hasta la muerte bajo tierra para garantizar el bienestar de los ricos. Freder, el hijo del déspota Fredersen, descubre accidentalmente este mundo subterráneo mientras sigue a María, una joven que viene a consolar a los necesitados. Mientras tanto, el científico loco Rotwang desarrolla un robot que empuja a los trabajadores a la rebelión...

Es un clásico renacido. Todos los cinéfilos creían en la versión íntegra de Metrópolis había desaparecido para siempre. ¿No se había destruido el negativo de las escenas recortadas después del desastroso estreno de la película en Berlín en 1927? Pero en 2008, los responsables del Museo del Cine de Buenos Aires descubrieron, en sus archivos, una copia de la película en 16 mm muy dañada. Era un milagro, la edición original deseada por Fritz Lang... Los veintiséis minutos de escenas encontradas (y restauradas de alguna manera) de este clásico de ciencia ficción fueron incorporadas a la versión supervisada en 2001 por el historiador Enno Patalas. Descubrimos en particular un enfrentamiento entre el "maestro" Fredersen y el "erudito" Rotwang que explica su rivalidad, una visita en automóvil por la ciudad que ofrece nuevos ángulos de visión sobre el impresionante paisaje de Erich Kettelhut.