“Dry Leaf”, un viaje insólito

Dry Leaf (Khmeli potoli, 2025), dirigida por Aleksandre Koberidze con David Koberidze, Otar Nijaradze, Irina Chelidze, Giorgi Bochorishvili, Vakhtang Panchulidze, Manu Tavadze. 

Sinopsis: Lisa, una fotógrafa, desaparece. La última información sobre ella es que ha estado fotografiando estadios de fútbol en siete pueblos distintos por toda Georgia. Su padre, Irakli, decide buscarla y viaja a esos lugares. Levani, el mejor amigo de Lisa y una persona invisible, parte también para ayudar. A medida que el paisaje cambia de un estadio a otro, también cambian las personas y sus historias. La tensión crece en esas aventuras simples y a veces divertidas, mientras que cada campo de fútbol y cada pueblo recorrido parecen reducir las posibilidades de encontrar a Lisa.

Filmada con un teléfono móvil, esta road movie de más de tres horas transforma paisajes rurales en imágenes fascinantes. Una enigmática aventura para cinéfilos pacientes.

Los 12 mejores wésterns de la década de los años 1960 (sin incluir ningún spaghetti) (II)

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5. El hombre que mató a Liberty Valance (The Man Who Shot Liberty Valance, 1962), de John Ford

Sinopsis: Ransom Stoddard (James Stewart), anciano senador del Congreso de los Estados Unidos, explica a un periodista por qué ha viajado con su mujer (Vera Miles) para asistir al funeral de su viejo amigo Tom Doniphon (John Wayne). La historia empieza muchos años antes, cuando Ransom era un joven abogado del este que se dirigía en diligencia a Shinbone, un pequeño pueblo del Oeste, para ejercer la abogacía e imponer la ley. Poco antes de llegar, fue atracado y golpeado brutalmente por Liberty Valance (Lee Marvin), un temido pistolero. 

Obra maestra definitiva de John Ford en la que están presentes los grandes temas de su filmografía como la construcción de nación, la confrontación entre el revolver y las leyes y el viejo y el nuevo Oeste, en definitiva, en torno a los personajes de James Stewart y John Wayne. Es una de las películas más rotundas del director en que deja de manifiesto su idea de la salvación y del hombre.

6. La conquista del Oeste (How the West Was Won, 1962), de Henry Hathaway, John Ford, George Marshall y Richard Thorpe

Sinopsis: La expansión hacia el Oeste protagonizada por los colonos, la anexión de Texas (1845) y la incorporación de Arizona, Nuevo México y California, tras una guerra con México que se salda con la victoria de los Estados Unidos (Tratado De Guadalupe-Hidalgo:1848) suponen un avance espectacular de la frontera norteamericana hacia el Pacífico. La película consta de cuatro episodios sobre la colonización del Oeste que tienen lugar entre 1830 y 1890. Los dos primeros y el último, fueron dirigidos por Hathaway, y el tercero, por Marshall, pero incluye también un interludio, dirigido por John Ford, ambientado en la guerra de Secesión (1861-1865), con un diálogo entre los generales nordistas Sherman (Wayne) y Grant (Morgan). Primera película rodada en Cinerama. El narrador es Spencer Tracy.

Película única por su magnitud, sus varias decenas de estrellas y sus cuatro directores, cuenta a lo largo de cuatro episodios y varias familias, sesenta años de construcción del Oeste. Una grandísima obra que ha pasado a la historia por su apartado técnico más que por la grandeza de su narración, pero que el tiempo y una nueva ola de fans ha conseguido reparar y situar en el lugar que merece.

7. Los profesionales (The Professionals, 1966), de Richard Brooks

Sinopsis: 1917. El millonario Joe Grant contrata a cuatro expertos mercenarios. Su misión consiste en rescatar a la mujer de Grant, secuestrada por Raza, un rebelde mexicano. Dos de los mercenarios habían luchado junto a Raza por la causa de ese país.

El choque del idealismo con la vida real y la lealtad son los temas que trata esta adaptación de la novela A Mule For the Marquesa, de Frank O'Rourke.Claramente influida por los códigos del spaghetti wéstern, es un poderoso wéstern político que reflexiona sobre el paso del tiempo, la edad y la necesidad de redención con Burt Lancaster, Lee Marvin, Robert Ryan, Jack Palance y Claudia Cardinale.

8. Un Hombre (Hombre, 1967), de Martin Ritt

Sinopsis: John Russell (Paul Newman) secuestrado y criado por los indios apache desde cuando era un niño, es ahora un hombre comprometido con su tribu a la que ha aprendido a apreciar y a respetar profundamente. Queriendo vender una casa que ha recibido como herencia, Russell viajará en una diligencia, en compañía de siete personas de diferentes rangos sociales, entre los cuales podrá ver una amplia radiografía de la sociedad a la que, con decisión, ha abandonado para siempre.

Espléndido trabajo de Paul Newman en el género en el da vida a un hombre blanco que ha sido criado por los indios y que cuando tiene la oportunidad de volver con los suyos renegará de la civilización por su crueldad y materialismo. De enorme éxito en su momento, fue una película comprometida y precursora de los grandes temas que el neowestern acabaría tocando unos años después.

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Las 25 mejores películas de Steven Spielberg y dónde verlas (I)

Nacido el 18 de diciembre de 1946 en Cincinnati (Ohio, Estados Unidos), Steven Spielberg no solo es una de los directores más reconocibles del cine contemporáneo, sino también un arquitecto clave del imaginario popular: un cineasta capaz de convertir el entretenimiento en acontecimiento y, a la vez, de tensar el plano emocional cuando la historia exige otra gravedad. Desde su irrupción en la era del Nuevo Hollywood hasta su consolidación como el cineasta más taquillero de la historia, su carrera ha marcado el pulso industrial y creativo de varias generaciones, alternando el cine como gran espectáculo con un instinto narrativo que, para muchos, lo sitúa entre los grandes narradores del medio.

En términos de trayectoria y palmarés, su peso es difícil de discutir: ha ganado tres Oscar, incluidos mejor director y mejor película por La lista de Schindler y mejor director por Salvar al soldado Ryan, y su filmografía como realizador recorre más de cinco décadas de cine en permanente diálogo con el público y con la propia historia del cine. Esa continuidad también se mide en números, ha dirigido 37 películas, un recorrido que va desde Firelight hasta proyectos recientes como El día de la revelación, y que explica por qué su nombre funciona como sinónimo de evento cultural y de oficio narrativo en su forma más depurada.

1. El diablo sobre ruedas (Duel, 1971)

Reparto: Dennis Weaver, Jacqueline Scott, Eddie Firestone. 

La trama: En una carretera californiana, David Mann, un vendedor de componentes electrónicos, conduce su coche en viaje de negocios. En su camino se encuentra un camión de grandes dimensiones que avanza muy despacio. Mann lo adelanta, pero el conductor del camión vuelve a pasarlo y ralentiza la marcha. El vendedor lo adelanta por segunda vez y lo deja atrás. El camión sigue a Mann hasta una estación de servicio próxima. De vuelta a la carretera, el viajante vuelve a toparse con el camión, que le bloquea el paso cada vez quiere pasarlo. Finalmente el misterioso conductor le hace una señal para que le supere, cuando el vendedor lo intenta se encuentra con un coche que viene de frente. El viajante advierte las intenciones del conductor del camión y lo adelanta de nuevo. A partir de ese momento se inicia una peligrosa persecución en la que el vendedor se ve obligado a huir a toda velocidad para no morir. El relato convierte un viaje cotidiano en una pesadilla asfixiante que muestra el talento temprano de Spielberg para el suspense.

Dennis Weaver en El diablo sobre ruedas (1971)

Curiosidades: La película le llegó casi por casualidad: su secretaria, Nona Tyson, le plantó en la mesa un Playboy con el relato de Richard Matheson y le pidió que leyera el cuento. Él lo vio claro, se lo vendió al productor George Eckstein como material de cine y, aun así, terminó convertido en telefilme para la ABC. Sin embargo, su brillantez estética e intrigante pulso narrativo consiguieron que esta primera y barata obra de un jovencísimo Steven Spielberg fuera exhibida en la pantalla grande. Convertida hoy casi en una película de culto, se trata de un trepidante relato que narra la persecución por carretera a la que se ve sometida un conductor por parte de un misterioso camión al que no consigue perder de vista. Esta es una imprescindible primera lección de un director magistral. Disponible en Amazon Prime Vídeo, Google Play y Apple TV.

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Para ver: "Allo la France", una road movie telefónica

Allo La France (2023), de Floriane Devigne. Reparto: Documental. Siguiendo la pista de las últimas cabinas telefónicas que quedan, Floriane Devigne nos ofrece un documental inesperado y de gran éxito, un viaje por las regiones francesas tan divertido como profundo. El telón de fondo explora el futuro de los servicios públicos y el concepto de "convivencia" y también una mirada divertida, crítica e irónica a nuestra sociedad en constante cambio.

La trama: La historia de la inocua desaparición de un servicio público que en cuarenta años se ha convertido en una antigualla: la cabina telefónica. Al ir en busca de la última de ellas, en la llamada 'periferia' de Francia, se exhuman estas ruinas del siglo XX para cuestionar nuestro tiempo y su evolución. Un entrañable y fantasioso documental de viajes por carretera. 

Las 30 mejores películas basadas en psicópatas y dónde verlas (VIII)

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22. No es país para viejos (No Country for Old Men, 2007)

Director: Joel y Ethan Coen. Reparto: Tommy Lee Jones, Javier Bardem, Josh Brolin, Woody Harrelson, Kelly Macdonald, Barry Corbin, Stephen Root, Garret Dillahunt, Kathy Lamkin.

La trama: En 1980, en la frontera de Texas, cerca de río Grande, Llewelyn Moss (Josh Brolin), un cazador de antílopes, descubre a unos hombres acribillados a balazos, un cargamento de heroína y dos millones de dólares en efectivo.Un hallazgo fortuito desata una persecución mortal en un paisaje árido donde reina la violencia. La historia muestra el choque entre un mundo cambiante y quienes ya no logran entenderlo.

Curiosidades: Los Coen encontraron en Bardem la forma de hacer que Chigurh se sintiera como un cuerpo extraño dentro del paisaje texano, un personaje concebido desde el principio como alguien “de fuera”, cuya presencia desplazada explicaba buena parte de su aura enigmática y amenazante. Esa condición de peligro se reforzaba con un extraño peinado rescatado de fotografías reales de los años 80 en la frontera. Disponible en: HBO Max, SKyShowtime, Movistar+ Ficción Total.

23. The Chaser (Chugyeogja, 2008)

Director: Na Hong‑jin. Reparto: Kim Yun-seok, Ha Jung-woo, Yeong-hie Seo, Ha Seong-kwang, Jung In-gi, Ko Bon-woong, Lee Jong-goo, Park Hyo-ju. 

La trama: Joong-ho, un antiguo detective convertido en proxeneta, tiene problemas financieros, ya que algunas de sus chicas han desaparecido. Al intentar encontrarlas, averigua que han sido reclutadas por un cliente que padece una oscura obsesión. La carrera contrarreloj y el clima opresivo elevan la tensión a cada minuto.

Curiosidades: La película hunde sus raíces en los crímenes de Yoo Young‑chul, un asesino cuya brutalidad marcó a la sociedad surcoreana y cuyos ecos resuenan en la figura escurridiza que persigue el protagonista; Na Hong‑jin tomó del caso real no solo rasgos del agresor, sino también el clima de pánico y desconfianza que generó, integrándolo en un relato que expone la fragilidad de un sistema policial desbordado. Thriller coreano que se colocó en el Top de las películas más taquilleras de la historia del país.

24. Encontré al diablo (Angmareul boatda, 2010)

Director: Kim Jee‑woon. Reparto: Lee Byung-Hun, Choi Min-sik, Jeon Gook-hwan, Jeon Ho-jin, Oh San-ha. 

La trama: Kyung-chul es un psicópata peligroso que mata por placer y que ha cometido varios asesinatos con unos métodos diabólicos difíciles de imaginar. Sus víctimas son chicas jóvenes. La policía lleva tiempo intentando capturarlo. Un día, aparece asesinada la hija de un jefe de policía retirado. El novio de la chica, un agente secreto, jura vengarse. El juego cruel entre ambos se intensifica hasta mostrar la degradación moral que ambos alcanzan.

Curiosidades: La película llegó a los cines coreanos tras pasar por la tijera. La censura obligó a Kim Jee‑woon a recortar algunas de las secuencias más extremas porque incluso para una calificación para adultos se consideraban excesivas, una decisión que ya hablaba de la ferocidad gráfica del material original. Ese impacto encontraba un eco todavía más oscuro, al igual que en la anterior película, en el trasfondo real que inspiró parte del guion: los crímenes de Yoo Young‑chul, cuya brutalidad estremeció al país a principios de los años 2000. Disponible en Movistar+.

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Las 30 mejores películas basadas en psicópatas y dónde verlas (V)

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13. Ocurrió cerca de su casa (C'est arrivé près de chez vous, 1992)

Director: Rémy Belvaux. Reparto: Benoît Poelvoorde, Jacqueline Poelvoorde-Pappaert, Nelly Pappaert, Hector Pappaert, Malou Madou, Willy Vandenbroeck, Rachel Deman. 

Benoît Poelvoorde en Ocurrió cerca de su casa (1992)

La trama: Un asesino en serie es seguido a todas horas por un equipo de televisión, que registra todas sus acciones y reflexiones para mostrarlas en un documental, al tiempo que el psicópata prosigue con sus criminales actividades.  La mirada directa a la cámara intensifica el impacto y cuestiona la complicidad del espectador.

Curiosidades: Belvaux, Bonzel y Poelvoorde levantaron la película asumiendo casi todas las tareas (dirección, guion, producción e incluso la interpretación del propio Ben), un enfoque artesanal que reforzó su tono realista y duro. Ese impulso creativo encontró reconocimiento inmediato cuando ganó en Sitges y empezó a consolidarse como obra de culto. Película que ganó, entre otros premios, el de mejor película y mejor actor en el Festival de cine de Sitges. Repleta de humor negro, se trata de una profunda denuncia de la insensibilidad del público ante la violencia que aparece diariamente en los medios de comunicación. Disponible en Movistar+.

14. Asesinos natos (Natural Born Killers, 1994)

Director: Oliver Stone. Reparto: Woody Harrelson, Juliette Lewis, Everett Quinton, Pruitt Taylor Vince, Edie McClurg, Jared Harris, Russell Means, O-Lan Jones, Rodney Dangerfield, Tom Sizemore, Lanny Flaherty, Robert Downey Jr., Maria Pitillo, Richard Lineback, Kirk Baltz, Sean Stone. 

Woody Harrelson y Juiette Lewis en Asesinos natos (1994)

La trama: Micky y Mallory, una pareja poco convencional de jovenes amantes, sienten que han nacido para matar: son dos despiadados criminales que tienen atemorizada a la población. El presentador de un programa sensacionalista decide aprovechar la fascinación que su personalidad ejerce sobre el público para convertir a los asesinos en héroes televisivos. La crítica social se mezcla con un estilo visual provocador.

Curiosidades: Tarantino terminó repudiando su guion al ver cómo Stone reformulaba su historia y desplazaba el enfoque hacia el espectáculo mediático, una decisión que lo llevó a exigir que su nombre quedara reducido a un simple “historia de”. Esa ruptura coincidió con la apuesta formal más radical de Stone, que desplegó un mosaico de formatos, texturas y distorsiones visuales para subrayar la crítica a unos medios capaces de convertir la violencia en entretenimiento. Disponible en Disney+.

15. Seven (Seven (Se7en), 1995)

Director: David Fincher. Reparto: Brad Pitt, Morgan Freeman, Kevin Spacey, Gwyneth Paltrow, R. Lee Ermey, John Cassini, Daniel Zacapa, Reg E. Cathey, John C. McGinley, Richard Roundtree, Richard Portnow, Peter Crombie. 

Brad Pitt, Kevin Spacey y Morgan Freeman en Seven (1995)

La trama: El veterano teniente Somerset (Morgan Freeman), del departamento de homicidios, está a punto de jubilarse y ser reemplazado por el ambicioso e impulsivo detective David Mills (Brad Pitt). Ambos tendrán que colaborar en la resolución de una serie de asesinatos cometidos por un psicópata que toma como base la relación de los siete pecados capitales: gula, pereza, soberbia, avaricia, envidia, lujuria e ira. Los cuerpos de las víctimas, sobre los que el asesino se ensaña de manera impúdica, se convertirán para los policías en un enigma que les obligará a viajar al horror y la barbarie más absoluta. La atmósfera oscura y la tensión constante crean un thriller potente y emocionalmente devastador.

Curiosidades: Spacey aceptó desaparecer por completo de la promoción, ni nombre en los créditos iniciales ni rastro en la campaña, para que la identidad de John Doe estallara fuera una sorpresa. Ese compromiso con el impacto se repitió al defender el final: cuando el estudio quiso suavizarlo, Brad Pitt dejó claro que no habría película si se tocaba. Disponible en Netflix, Prime Video, HBO Max, Movistar+ Ficción Total, Filmin. 

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Las 30 mejores películas basadas en psicópatas y dónde verlas (III)

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7. La naranja mecánica (A Clockwork Orange, 1971)

Director: Stanley Kubrick. Reparto: Malcolm McDowell, Patrick Magee, Michael Bates, Warren Clarke, John Clive, Adrienne Corri, Carl Duering, Clive Francis, Miriam Karlin, Paul Farrell, Aubrey Morris, Sheila Raynor, Godfrey Quigley, Michael Gover, James Marcus, Madge Ryan, Anthony Sharp, John Savident.

Malcolm McDowell en La naranja mecánica (1971)

La trama: Gran Bretaña, en un futuro indeterminado. Alex (Malcolm McDowell) es un joven muy agresivo que tiene dos pasiones: la violencia desaforada y Beethoven. Es el jefe de la banda de los drugos, que dan rienda suelta a sus instintos más salvajes apaleando, violando y aterrorizando a la población. Cuando esa escalada de terror llega hasta el asesinato, Alex es detenido y, en prisión, se someterá voluntariamente a una innovadora experiencia de reeducación que pretende anular drásticamente cualquier atisbo de conducta antisocial. 

Curiosidades: Basada en la novela homónima de Anthony Burgess. Kubrick retiró la película del Reino Unido durante décadas tras comprobar cómo ciertos crímenes eran asociados a su influencia, un gesto tan drástico como revelador de su preocupación por el impacto social de la obra, y esa misma sensibilidad lo llevó también a introducir una serpiente en escena para acentuar el malestar real de McDowell, explotando su fobia para reforzar la perturbación que transmite el personaje. Disponible en HBO Max, Movistar+, Filmin. 

8. Terciopelo azul (Blue Velvet, 1986)

Director: David Lynch. Reparto: Isabella Rossellini, Kyle MacLachlan, Dennis Hopper, Laura Dern, Hope Lange, Dean Stockwell, George Dickerson, Frances Bay, Priscilla Pointer, Brad Dourif, Jack Nance. 

Laura Dern, Isabella Rossellini y Kyle MacLachlan en Terciopelo azul (1986)

La trama: Una mañana, Jeffrey Beaumont (Kyle MacLachlan), después de visitar a su padre en el hospital, encuentra entre unos arbustos una oreja humana. La guarda en una bolsa de papel y la lleva a la comisaría de policía, donde le atiende el detective Williams (George Dickerson), que es vecino suyo. Comienza así una misteriosa intriga que desvelará extraños sucesos acontecidos en una pequeña localidad de Carolina del Norte. El contraste entre apariencia y realidad sostiene un misterio inquietante lleno de atmósferas densas y personajes turbios.

Curiosidades: Lynch incorporó In Dreams pese al rechazo inicial de Roy Orbison, que descubrió su uso por sorpresa en una sala de cine, un gesto que subraya la confianza del director en la fuerza emocional de la escena. Utilizada para intensificar la atmósfera onírica y siniestra de la película. Su uso en la escena del club de Ben (Dean Stockwell), donde sincroniza los labios con la canción, crea un contraste inquietante entre el romanticismo melancólico y la obsesión oscura. Esa misma determinación lo llevó a pelear durante años con estudios que rehuían el guion por su violencia y su tono perturbador, hasta que De Laurentiis aceptó asumir el riesgo y darle forma a su visión. Disponible en Apple TV y Rakuten TV.

9. Carretera al infierno (The Hitcher, 1986)

Director: Robert Harmon. Reparto: Rutger Hauer, C. Thomas Howell, Jennifer Jason Leigh, John M. Jackson, Billy Green Bush, Jeffrey DeMunn.

Rutger Hauer en Carretera al infierno (1986)

La trama: El joven Jim Hasley (C. Thomas Howell) recoge con su cadillac a un autoestopista, John Ryder (Rutger Hauer), en una carretera de Texas. Cuando John le confiesa a Jim que es un asesino y que espera que le recojan y le lleven para matar, Jim lo deja en la cuneta y sigue adelante, pensando que lo ha dejado atrás. A partir de este momento, los dos empiezan a jugar al gato y al ratón. El asesino sigue matando y dejando pistas que inculpan al joven Jim de los asesinatos. La tensión se incrementa con cada encuentro, mostrando el miedo creciente y la imposibilidad de escapar del peligro.

Curiosidades: Rutger Hauer convirtió a John Ryder en un villano inolvidable gracias a una presencia que imponía incluso antes de hablar, un depredador sin fisuras que marcó la identidad visual y emocional de la película. Esa decisión de mantenerlo sin pasado ni motivaciones responde a la apuesta de Harmon por un mal absoluto, inexplicable y por eso mismo más inquietante. Carretera al infierno provocó en 1986 más de una pesadilla. La película se inscribe en la tradición de historias de miedo que transcurre en esas interminables carreteras rectas donde apenas circula un alma, tan abundantes en Estados Unidos. Con una historia así, El diablo sobre ruedas (1971), dio el golpe Steven Spielberg cuando era un desconocido. Y títulos recientes como Nunca juegues con extraños (2001) y Jeepers Creepers (2002) siguen esta estela terrorífica. Incluso esta película dio lugar a una secuela en 2003, Carretera al infierno II. Disponible en: Prime Video, Filmin. 

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Efemérides de cine: En el curso del tiempo

El 4 de marzo de 1976 se estrenó la película alemana En el curso del tiempo (Im Lauf der Zeit), dirigida por Wim Wenders e interpretada por Rüdiger Vogler, Hanns Zischler, Lisa Kreuzer, Rudolf Schündler, Marquard Bohm, Hans Dieter Trayer. Productora: Westdeutscher Rundfunk (WDR). Duración: 176 minutos. 

Sinopsis argumental: Bruno es un ingeniero experto en salas y proyectores de cine, que recorre los cines en la frontera entre Alemania occidental y oriental. Prácticamente vive en la caravana donde tiene todos los artilugios que requiere su profesión. El tipo acogerá a Robert, desorientado vitalmente y que acomete lo que parece un intento suicida al lanzarse con su auto en el río Elba.

Comentario: Larga y curiosa road movie en blanco y negro de Wim Wenders, que crea una atmósfera lánguida muy adecuada a su descripción de las existencias de unos personajes desnortados y solitarios. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Quince películas imprescindibles que mezclan comedia y acción (III)

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7. Dos policías rebeldes (Bad Boys, 1995), de Michael Bay

Un  alijo de heroína valorado en unos 100 millones de dólares es robado del mismísimo depósito de la policía de Miami. El caso le será asignado a los agentes Mike Lowery (Will Smith) y Marcus Burnett (Martin Lawrence), una pareja muy peculiar por los métodos que utilizan. La única pista que tienen para comenzar es la de una joven testigo (Tea Leoni), informante de la policía, que les ayudará a identificar a los atracadores, y a la que tendrán que proteger.

La película se inscribe en las llamadas buddy movies o películas de colegas del tipo Arma letal o Límite: 48 horas. El argumento se desarrolla con agilidad siguiendo dos líneas principales: una policiaca, más o menos convencional, con algunos animados momentos de acción; y otra de comedia, en la que se acude al clásico recurso de intercambio de personalidades.

8. Airbag (1997), de Juanma Bajo Ulloa

Juantxo pertenece a la alta sociedad; tiene dinero, una carrera universitaria acabada con 30 años, un magnífico trabajo de abogado y una novia guapa y rica, pero es un auténtico pardillo. Mientras celebra su despedida de soltero junto a dos mejores amigos en un prostíbulo, Juantxo pierde su anillo de compromiso. Será el inicio de una accidentada aventura en la que los tres se cruzarán con cargamentos de cocaína y mafiosos, a la búsqueda de la joya en un trepidante viaje lleno de vicio, corrupción y delirio.

Una de las películas españolas de mayor éxito popular de finales de los años 1990. Juanma Bajo Ulloa, uno de los directores españoles más personales, juega en esta película con temas serios y logra obtener algunas secuencias llenas de negra comicidad dentro de esta película extraña y desconcertante. Los actores están perfectos, en especial la fantástica actriz portuguesa María de Medeiros.

9. Shaolin Soccer (Siu lam juk kau,  2001), de Stephen Chow

Sing es un discípulo del Shaolin cuya ambición es popularizar el kung fu en la sociedad moderna. Un día se encontrará con Fung, antiguo futbolista fracasado. Ambos tendrán la idea de formar un equipo que mezcle fútbol con artes marciales.

El cómico chino Stephen Chow protagonizó, dirigió y escribió el guión de esta espectacular cinta, inspirada –según ha comentado el propio Chow– en la serie de animación Campeones. Los personajes hacen las mismas piruetas que los personajes de la serie, los famosos Oliver y Benji, con la particularidad de que se trata de una cinta de imagen real. Sigue el esquema típico del cine deportivo, pues presenta a un equipo que triunfa poco a poco hasta que llega al partido decisivo. Aunque el argumento es sencillo y pueril, el tono es bastante amable, y algunos de los enfrentamientos de los personajes con equipos rivales son muy divertidos, gracias al uso de unos convincentes efectos especiales.

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"Teenage Apocalypse Trilogy", de Gregg Araki regresa a los cines: por qué su universo basura sigue siendo un clásico de culto

Figura del cine independiente estadounidense, Araki filmó los amores y las andanzas de la juventud en los años 1990. Combinando irreverencia, humor y lujuria, tres de sus largometrajes punk merecen ser (re)descubiertos en versiones restauradas.

Es un cineasta norteamericano queer que escribe, dirige y edita sus propias películas. Retrata a jóvenes amantes marginales, y lo que pasa por sus cabezas... ¿Xavier Dolan? No, Gregg Araki, treinta años mayor que él. Cada generación tiene su cineasta Zeitgeist: Araki, ahora de 65 años, dirigió la mitad de sus películas en la década de 1990. Tres de los largometrajes del californiano, que forman una falsa trilogía llamada Teenage Apocalypse, se están reestrenando en cines en versiones restauradas.

¿Cómo resumir estas tres historias de amor y consternación, de deseo y miedo? Una especie de grito extravagante de rabia y lujuria, arraigado en los años 1990, tan sucio y surrealista como puede serlo.

Totally F***ed Up (Totally Fucked Up) (1993)

Narra la historia de un grupo de jóvenes homosexuales, gays y lesbianas, de Los Angeles. Sus padres les han echado de casa, están sin blanca y sus amantes les engañan. Están "totalmente jodidos", tanto que como solución a sus problemas algunos se llega a plantear el suicidio.... Araki describió su obra como una historia poco aconsejable sobre maricones y bolleras adolescentes. Es una especie de mezcla entre el cine experimental de vanguardia y una película gay de John Hughes.

Maldita generación (The Doom Generation, 1995) 

Amy Blue (Rose McGowan), Jordan White (James Duval), y Xavier Red (Johnathon Schaech) son un trío de jóvenes embarcados en una espiral de sexo y crímenes que acaba teniendo incluso cobertura televisiva. Una película independiente con semejanzas a Asesinos natos (Natural Born Killers, 1994), de  Oliver Stone, y autoproclamado por su director Araki como una "película criminal heterosexual". Dada sus profusas dosis de sexo y violencia, obtuvo una escasa distribución en todo el mundo. La película se exhibió en el Festival de Cine de San Sebastián de 1995. 

Nowhere (1997) 

Cerró la trilogía. Araki definió esta película como una versión lisérgica de un episodio de Sensación de vivir (Beverly Hills, 90210, 1990-2000). Transcurre durante un día y está centrada en un grupo de adolescentes que quieren salir de la rutina y dar emoción a sus vidas a través del consumo de drogas, la promiscuidad, el alcohol, etc. Dark Smith es un estudiante de 18 años obsesionado con el fin del mundo y desesperado por encontrar el amor verdadero. Está enamorado de Mel, una joven bisexual que mantiene una relación abierta con él y con su novia Lucifer. Mientras Dark fantasea con Montgomery, un misterioso compañero de clase, sus amigos navegan por un mundo de drogas, sexo y violencia en Los Ángeles.

Prime Vídeo: El mapa que me lleva a ti

Una película absolutamente cautivadora, El mapa que me lleva a ti (The Map That Leads to You, 2025), de Lasse Hallström con Madelyn Cline, KJ Apa, Sofia Wylie, Madison Thompson, Orlando Norman, Josh Lucas, JR Esposito, Marilyn Cutts, Joseph William Evans, Diego Ross, Ana Hernández Sanchiz, Javier Barandiaran, Emilio Linder, Albar Cirarda, Clara Vinyals, Álvaro Cobas, Fiorella Pedrazzini, Giuseppe Schillaci, Xavi Siles, Tora Hallström, Tor Miller. Basada en la novela de J.P. Monninger.

Heather es una joven con la vida perfectamente planificada que emprende un viaje por Europa con sus mejores amigos antes de asentarse. Pero todo cambia cuando conoce a Jack, un desconocido magnético que despierta en ella una conexión instantánea e inesperada. Lo que comienza como una chispa se convierte en un viaje emocional profundo, lleno de secretos, decisiones difíciles y verdades ocultas. A medida que su vínculo se fortalece, Heather deberá replantearse su futuro y enfrentarse a un destino inesperado.

Nuevas películas para toda la familia (VI)

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21. Mufasa: El rey león (Mufasa: The Lion King, 2024), de Barry Jenkins

Rafiki, Timón y Pumba le cuentan la leyenda de Mufasa a la joven cachorro de león Kiara, hija de Simba y Nala. La historia se cuenta en flashbacks y presenta a Mufasa como un cachorro huérfano, perdido y solo hasta que conoce a un simpático león llamado Taka, heredero de un linaje real. Este encuentro casual pone en marcha un viaje de un extraordinario grupo de inadaptados que buscan su destino. Y sus vínculos se pondrán a prueba mientras trabajan juntos para escapar de un enemigo amenazador y letal.

Una precuela del éxito de Disney de 2019 El rey León. En streaming en Disney+. 

22. Paddington: Aventura en la selva (Paddington in Peru: Lost in The Jungle, 2024), de Dougal Wilson

Paddington y la familia Brown visitan a la tía Lucy en Perú, pero un misterio los envía a la selva amazónica y a las montañas peruanas.

23. Alexander y el viaje terrible, horrible, espantoso, horroroso (Alexander and the Terrible, Horrible, No Good, Very Bad Road Trip, 2025), de Marvin Lemus

Alexander, un niño de 11 años, y su familia mexicano-americana, que ha perdido recientemente la conexión entre sí y con sus raíces, se embarcan en unas vacaciones de primavera de ensueño a Ciudad de México, pero todos sus planes salen terriblemente mal cuando descubren un ídolo maldito. La familia es puesta a prueba hasta que deciden devolver el ídolo a su legítimo hogar.

En streaming en Disney+. 

24. Vaiana 2 (Moana 2, 2024), de David G. Derrick Jr., Jason Hand y Dana Ledoux Miller

Tras recibir una inesperada llamada de sus antepasados, Vaiana debe viajar a los lejanos mares de Oceanía y adentrarse en peligrosas aguas perdidas para vivir una aventura sin precedentes. 

Secuela de Vaiana. En streaming en Disney+. 

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"Sirat. Trance en el desierto", una experiencia espectacular en las montañas del sur de Marruecos

Un padre y un hijo buscan a su hija y hermana en fiestas rave de mala muerte al pie de las montañas, mientras la guerra amenaza. Una película impredecible, de la que emana una intensa energía física y mística. Y una necesidad de volarlo todo por los aires.

Un tipo que evoca la "escandalosa belleza del fuego" no puede ser malo. Estas son las palabras que Oliver Laxe utilizó para describir Lo que arde en 2019. El fuego, especialmente el fuego musical, sigue siendo un tema de discusión en Sirat. Trance en el desierto (Sirât, 2025), que nos dejó aturdidos, aturdidos e ingrávidos. Un padre (Sergi López) llega con su coche a una fiesta rave prohibida al pie de las montañas del sur de Marruecos. Está buscando a su hija joven adulta, Mar, quien está desaparecida desde hace varios meses y que solía frecuentar este tipo de fiestas salvajes. Él está con su hijo. Distribuyen una hoja de papel con la foto de Mar impresa a todas las personas que conocen. Nadie la ha visto.

Al enterarse de que se planea otra fiesta aún más al sur, hacia el desierto, el padre decide quedarse un tiempo. Los asistentes a la fiesta levantaron un muro de seguridad. No estamos en Ibiza. Es techno brutal, experimental y trashy (firmado por Kangding Ray). ¿Ravers? Vagabundos celestiales, destrozados, marginados con aspecto punk, víctimas de quemaduras, lisiados por la vida... uno lleva una prótesis improvisada, una muleta en lugar de pierna, lo que no le impide bailar como un loco...

Estamos aquí al borde de un punto de inflexión. ¿El fin del mundo? En la radio escuchamos varias veces noticias alarmantes sobre la guerra en el país, quién sabe si no se difundirán. De ahí la absoluta necesidad de volarlo todo por los aires, de celebrar lo colectivo una última vez, de comulgar bailando hasta caer rendidos. El director franco-español da cuerpo y sustancia a la música, a sus ondas, a sus vibraciones. Lo conecta con la montaña, el desierto, buscando crear paisajes sonoros – en varias ocasiones vemos pies descalzos en contacto con la tierra arenosa extrayendo la energía que de ella emana. Fuerzas telúricas, danza, trance, misticismo: Sirat. Trance en el desierto busca unir lo físico y lo metafísico. Es una idea atrevida, a veces inestable, porque también es trivial. Su carácter ultrasensorial es tosco: no estamos ante un heredero de Antonioni o Sokourov, sino más bien del lado de Herzog . Porque entonces llega el momento en que padre e hijo huyen a toda prisa con un grupo de fiesteros, tras la intervención del ejército. Se adentrarán en el desierto y se enfrentarán a una gran violencia. Aventura extrema, viaje de sacrificio, caminar por un campo minado, en el sentido literal de la palabra. En términos de acción pura, la película es espectacular. Y sorprendentemente impredecible.

Según el Islam, "sirât" se refiere a un puente que conecta el infierno y el paraíso y que debe ser cruzado en el Día del Juicio. Laxe lo ve como "un camino interior que te empuja a morir antes de morir". Esto significa que su película nos lleva muy lejos, a las áridas profundidades de una experiencia extraordinaria. Dejando emerger hacia el final un magnífico ambiente cristalino, que provoca un movimiento inverso, haciéndonos literalmente despegar. No hacia la felicidad, aquí no existe. Digamos hacia una vida nueva, desconocida, sabiendo que acabamos de vivir una travesía que nos ha hecho diferentes.

"Thelma & Louise”: cómo Brad Pitt se convirtió en el autoestopista y otros secretos de producción

La película de culto de Ridley Scott se proyecta en varias cadenas televisivas y plataformas de streaming. También puede  verse los documentales  Thelma & Louise: El último viaje  (Thelma & Louise: The Last Journey, 2002), dirigido por Charles de Lauzirika, y Catching Sight of Thelma & Louise (2017), dirigido por Jennifer Townsend. En el primero, un documental 'making of' de la popular película Thelma & Louise (1991). Casi todos los elementos principales de la realización de la película se examinan aquí, desde cómo se escribió el guion hasta cómo se involucró el director Ridley Scott, y cómo se produjo la gran explosión del buque tanque. Se comparten algunas historias divertidas y algunas curiosidades sobre lo que se improvisó en el set y se dejó en la película. En el segundo caso, se trata de un documental que compara la visión de los mismos espectadores sobre la película el día del estreno, en 1991, y 25 años después.

Cuando un documental repasa la génesis y los detrás de escena de Thelma y Louise, de Ridley Scott, no podemos evitar compartir algunas pequeñas anécdotas (¿un poco menos conocidas?) sobre esta sorprendente road movie feminista que, treinta y cuatro años después, sigue resonando con fuerza sobre la violación, la libertad del patriarcado y para celebrar, para siempre, la amistad femenina.

En entrevista tras entrevista, la guionista Callie Khouri, a quien la idea de la película le llegó como una epifanía un día mientras aparcaba frente a su casa en Santa Mónica, no dejaba de repetir una frase que resume perfectamente la película: "Thelma y Louise son demasiado grandes para que el mundo pueda contenerlas". 

Después de un muy meditado dueto Jodie Foster-Michelle Pfeiffer, Ridley se reunió con todas las actrices de Hollywood, incluida Meryl Streep quien, preocupada por el final de la película, se preguntó si, al menos, Louise no podría empujar a Thelma fuera del auto antes de la caída al cañón. Por otro lado, cuando Ridley Scott se decantó por Susan Sarandon, una actriz de la vida real, anunció que sólo firmaría si el trágico final se mantenía como estaba.

Para el papel de JD (como James Dean), el sexy autoestopista (por decir algo), el novato Brad Pitt no fue el único que audicionó. Fue elegido gracias a la recomendación de Geena Davis quien al darle la señal durante la audición había olvidado sus propios diálogos, boquiabierta ante el carisma del joven actor. Antes de la divina rubia, se encontró con unos jóvenes morenos que tampoco estaban nada mal: Mark Ruffalo y un actor al que no conocía, llamado... ¡George Clooney!. 

La toma en la que un avión fumigador pasa rozando el T-Bird de las dos novias fue improvisada, como homenaje a Con la muerte en los talones (North by Northwest, 1959), de Hitchcock . Ridley Scott había visto el avión sobre un campo cercano y envió a un asistente a ofrecerle al piloto 200 dólares para volar "un poco para la película".

La carretera como hilo conductor de la película.

El vuelo final de estas dos mujeres que no tienen nada que perder y a las que no les importa la gravedad no se filmó en el Gran Cañón, que Ridley encontró demasiado... grande. Fue en el borde de Dead Horse Point, en un parque nacional en el sur de Utah, donde la escena solo requirió una toma, y ​​Susan Sarandon decidió que en lugar de mucho diálogo innecesario era más fuerte que Louise besara a Thelma. Nos quitamos el sombrero ante ti, Susan.

Efemérides de cine: El reportero

El 28 de febrero de 1975 se estrenço la película italiana El reportero (Professione: Reporter AKA The Passenger), dirigida por Michelangelo Antonioni e interpretada por Jack Nicholson, Maria Schneider, Jenny Runacre, Ian Hendry, Steven Berkoff, Ambroise Bia, José María Caffarel. Productora: Coproducción Italia-Francia-España; Compagnia Cinematografica Champion, C.I.P.I. Cinematográfica, Les Films Concordia. Duración: 119 minutos.

Sinopsis argumental: David Locke (Jack Nicholson) es un desilusionado periodista que emprende una peligrosa investigación sobre las intrigas políticas internacionales que facilitan la implantación de regímenes dictatoriales en algunos países africanos, lo que le hará vivir situaciones muy arriesgadas. 

Nominaciones y premios: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película); Asociación de Críticos Norteamericanos (NBR): Nominada a Mejores 10 películas del año; Premios Sant Jordi: Mejor interpretación extranjera.

Comentario: Antonioni ofrece una extraña intriga, a ratos algo lenta y aburrida, aunque siempre resulte interesante la interpretación de un desconcertado Jack Nicholson. El director se luce con el largo plano secuencia final. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides. de cine: Alicia ya no vive aquí

El 9 de diciembre de 1974 se estrenó la película estadounidense Alicia ya no vive aquí (Alice Doesn't Live Here Anymore), dirigida por Martin Scorsese e interpretada por Ellen Burstyn, Alfred Lutter III, Kris Kristofferson, Diane Ladd, Harvey Keitel, Billy Green Bush, Lelia Goldoni, Jodie Foster, Lane Bradbury. Productora: Warner Bros. Duración: 113 minutos. 

Sinopsis argumental: Alice Hyatt, casada con un repartidor y madre de un rebelde hijo de once años, lleva una vida mediocre en Socorro (Nuevo México). Un día, conversando con su confidente y vecina, recibe la noticia de que su marido ha fallecido en un accidente de tráfico. A partir de ese instante se plantea cambiar totalmente de vida y, tras vender sus escasas pertenencias, ella y su hijo se dirigen a Monterrey (California), su ciudad natal y el único lugar donde Alice cree que podrá hacer realidad el sueño de su vida: cantar. 

Nominaciones y premios: Oscar: Mejor actriz (Burstyn). Nominada a actriz secundaria (Ladd) y guion original; 2 nominaciones al Globo de Oro: Actriz (Burstyn), actriz secundaria (Ladd); Premios BAFTA: Mejor película, actriz (Burstyn), guion y actriz secundaria (Ladd). 7 nominaciones; Círculo de Críticos de Nueva York: 2 nominaciones, incluida mejor actriz (Burstyn); Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guion original drama; Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película). 

Comentario: Primer trabajo de cierta entidad en Hollywood de Martin Scorsese, alejado de los ambientes barriobajeros y gangsteriles que el cineasta conoció de primera mano, pero al mismo tiempo pegado a esos mismos tipos humanos populares, pues pinta bien el ambiente de carretera, los moteles y cafeterías, el mundo de camareras desbordadas. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Las veinte mejores películas de John Ford (XVII)

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17. Caravana de paz (Wagon Master, 1950)

En 1849, una caravana de mormones se dirige rumbo a Utah a través del desértico territorio salvaje del lejano Oeste. En su camino hacia las orillas del río San Juan les dirige el pastor Wiggs y dos vendedores de caballos a los que contratan como guías, Travis Blue y Sandy Owens. Durante la travesía se van encontrando con peculiares compañeros de ruta, como los miembros de un espectáculo itinerante de circo o una tribu de indios navajos. Aunque en un primer momento los nativos americanos invitan al grupo a su campamento, uno de los revoltosos miembros de la familia Clegg, ya sospechosa de un atraco y otros crímenes, ataca a una de las mujeres navajo y la tribu se pone en contra de la caravana. El jefe Shiloh planea una venganza, ante la que Travis y Sandy son los únicos que pueden proteger al grupo y guiarlo a su destino.

Otras de las muchas “road movies” de John Ford y uno de los westerns menos conocidos del director, pero igualmente fantástico. Contiene todas las obsesiones de su mítico director: el tratamiento épico de los paisajes y los personajes, aunque profundizando también en la sencillez y naturalidad de las costumbres del antiguo Oeste, el gusto por lo cotidiano, los inevitables toques de humor...

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