75 años del premio al mejor director en el Festival de Cannes: "Los olvidados"

Los olvidados es una película de crimen adolescente mexicana de 1950, dirigida y escrita por Luis Buñuel. Por su trabajo en esta película, el cineasta español obtuvo el premio al mejor director en el Festival de Cannes. Interpretada por  Roberto Cobo, Mario Ramírez, Alfonso Mejía, Estela Inda, Miguel Inclán, Alma Delia Fuentes, Francisco Jambrina, Efraín Arauz, Jorge Pérez, Javier Amézcua. Considerada la película más influyente del cine hispanoamericano, Los olvidados volvió a colocar a Luis Buñuel en la cumbre. Disponible en Amazon Prime Video. 

La trama: La película comienza con un prólogo compuesto por imágenes de varias ciudades, advirtiendo de que la historia que se va a narrar podría ocurrir en cualquier parte. A continuación, la cámara llega a un barrio marginal de la capital mexicana donde El Jaibo, un adolescente que escapa de un correccional y se reúne en el barrio con sus amigos. Unos días después, el Jaibo mata, en presencia de su amigo Pedro, al muchacho que supuestamente tuvo la culpa de que lo enviaran al reformatorio. A partir de entonces, los destinos de Pedro y el Jaibo estarán trágicamente unidos. 

El cineasta había acordado con el productor Óscar Dacigers la filmación de una película sobre los niños pobres de México D.F. Buñuel estuvo varios meses investigando el tema y conversando con niños, policías y hasta el personal de los reformatorios. A continuación escribiría el guión con el extremeño Luis Alcoriza, que volvería a colaborar con él en varias ocasiones. Les echó una mano el dramaturgo Max Aub, y el escritor mexicano Pedro de Urdimalas, que fue pieza clave para que los diálogos fueran creíbles en boca de personajes de su país.

A pesar del fatalismo habitual del cine de Buñuel, se muestra positivo en cuanto a la capacidad de redención del ser humano. Al tratarse de cine social, que describe con crudeza la situación de los niños marginales, se comparó en su día con el estilo cercano al documental del neorrealismo italiano. Pero lo cierto es que Buñuel se distancia muchísimo de cineastas como Rossellini. Introduce elementos surrealistas, como el sueño de Pedro, en que su madre le ofrece unas vísceras y Jaibo se las quita. Algunos temas, como la muerte y el padre ausente, son típicos del movimiento surrealista.

Harris Dickinson firma “Urchin”: “El tema del comportamiento destructivo me toca de cerca”

En Urchin (2025), su debut como director, interpreta a un drogadicto sin hogar. Una entrevista con un actor profundamente comprometido que interpretará a John Lennon en el cuadríptico de los Beatles de Sam Mendes.

Urchin (2025)

Con casi 1,90 metros de altura y ojos azules, Harris Dickinson encarna al galán hollywoodense por excelencia. Demostró su encanto en El triángulo de la tristeza (Triangle of Sadness, 2022), de Ruben Östlund, ganadora de la Palma de Oro en Cannes en 2022, y en Babygirl (2024) de Halina Reijn. En esos momentos, sus papeles como top model y sexy becario, respectivamente, cautivaron a muchos. A pesar de su floreciente carrera, el británico de 29 años ha demostrado ser igualmente hábil interpretando personajes oscuros y complejos.

Urchin (2025)

Encarna brillantemente a un atleta atormentado en El clan de hierro (The Iron Claw, 2024), de Sean Durkin y a un adolescente perdido en Beach Rats (2017) de Eliza Hittman, uno de sus primeros papeles cinematográficos. Lo descubriremos en abril de 2028 como John Lennon en la monumental película de cuatro partes de Sam Mendes, actualmente en producción. 

Urchin (2025)

En 2025, Harris Dickinson se puso tras la cámara para dirigir su primera película, Urchin, una crónica realista y a la vez poética de un drogadicto sin hogar, que recuerda a Ken Loach y Mike Leigh. Nos encontramos en las calles de Londres, Mike, un joven sin hogar, lucha por sobrevivir mientras enfrenta su pasado y busca una salida a su situación. Su vida transcurre entre la marginalidad y breves destellos de esperanza. A medida que se adentra en un camino de autodescubrimiento, surgen oportunidades inesperadas que podrían marcar un nuevo comienzo. Se estrenó en el Festival de Cine de Cannes, en la sección Un Certain Regard, donde Frank Dillane, su actor principal, ganó el premio a mejor actor. 

Hace 100 años: Bajo la máscara del placer

El 18 de mayo de 1925 se estrenó la película alemana Bajo la máscara del placer (Die Freudlose Gasse), dirigida por Georg Wilhelm Pabst e interpretada por Asta Nielsen, Greta Garbo, Agnes Esterhazy,, Werner Krauss, Henry Stuart, Einar Hanson, Karl Etlinger, Ilka Grüning, Loni Nest, Robert Garrison, Tamara Geva, Valeska Gert, Grigori Chmara, Jaro Fürth, Mario Cusmich, Raskatoff, Max Kohlhase, Silvia Torf, Max Pretzfelder, Ernst Broda, Elisabeth Pabst, Alexander Murski, Tolstoi Pines, Edna Markstein, Hertha von Walther, Otto Reinwald, Krafft Rasching, Renate Brausewette, Lya Mara, Ivan Petrovich, Maria Forescu. Productora: Sofar-Film-Produktion GmbH. Duración: 150 minutos. 

Sinopsis argumental: Viena, 1921. En el Barrio VII, uno de los más deprimidos de la ciudad, está la calle Melchior, donde el carnicero Geiringer impone su lascivia entre su clientela femenina y Frau Greifer atrae a las jóvenes necesitadas para que trabajen en su lujoso prostíbulo. Mientras tanto en el Barrio I, centro del lujo y del despilfarro, se encuentra el Hotel Carlton, lugar de reunión de especuladores y aventureros, que con sus jugadas en Bolsa consiguen grandes ganancias. En la calle Melchior viven las familias Lechner y Rumfort. Marie Lechner, enamorada de Egon Stirner, acepta trabajar para la Greifer, con objeto de conseguir dinero para su amado. Este está enamorado de Regina Rosenow, la hija de su jefe, pero ella le rechaza por no tener dinero. Decidido a conseguirlo seduce a Lia Leid, con quien se ha citado en el local de la Greifer. Descubiertos por Marie, esta mata a Lia en un arrebato de celos e incrimina a Egon, el cual es detenido por la policía. Mientras tanto en el Hotel Carlton, Rosenow y Canez diseñan una maniobra especulativa con las acciones de la minas de carbón de Petrowitz, para conseguir una gran cantidad de dinero. Franz Rumfort pierde todos sus ahorros en esa jugada especulativa, mientras su hija Grete es despedida del trabajo por no acceder a los requerimientos de su jefe. Para poder subsistir los Rumfort alquilan una habitación al teniente Davy, de la Cruz Roja norteamericana. Pero ante la acusación de que la pequeña Mariandl Rumfort le ha robado al teniente un par de latas de conserva, el padre, airado, echa al norteamericano de la casa. Desesperada ante la grave situación económica de la familia, Grete acude a la Greifer en demanda de dinero, resignada a todo. Por otro lado Marie, enferma de tuberculosis, decide confesar la verdad a la policía, para salvar a Egon de la acusación de asesinato. Cuando Grete se encuentra en un reservado, esperando a su primer cliente, irrumpen en la habitación su padre y Davy, los cuales comprenden la dramática decisión que había tomado la joven. Las gentes del barrio, desesperadas por tanta miseria e injusticia, apedrean el prostíbulo de la Greifer y descargan su ira sobre la carnicería de Geiringer.

Comentario: Crítico retrato social de la Viena en los días posteriores a la Primera Guerra Mundial que provocó cierto escándalo por el realismo y el atrevimiento de sus imágenes. Fue una de las primeras películas en las que intervino Greta Garbo. Es la adaptación cinematográfica más famosa de un trabajo de Hugo Bettauer.

“El pasado de Rumanía nos habla de coraje ante los abusos de poder”, comenta el director Bogdan Muresanu”

El año nuevo que nunca llegó (Anul Nou care n-a fost, 2024), ahora en cines, es una farsa histórica y coral que traza el final de la dictadura de Ceaucescu en 1989. El cineasta rumano detalla lo que su primera película nos dice sobre su país, tanto de ayer como de hoy.

Nacido en Bucarest el 10 de agosto 1974, el director rumano Bogdan Muresanu revisita el momento histórico del fin de la dictadura en su país en 1989 en su primera película, El año nuevo que nunca llegó (en cines). Un fresco que mezcla tensiones y euforia en un mensaje de esperanza de bella resonancia.

Treinta y cinco años después de la muerte de Ceaucescu, es posible describir el fin de la dictadura no sólo como una tragedia. ¿Eso es lo que dice su película? Sí, hay una distancia. El tono y el estilo de El año nuevo que nunca llegó vienen de esta distancia. Se trata de una broma histórica. Esto significa que hoy hay libertad de ver algo.

Uno de los directores en auge del cine rumano actual firma una tragicomedia explosiva que ganó el premio a mejor película y el FIPRESCI de la Crítica en la sección Orizzonti del Festival de Venecia.

Hace 100 años: La huelga

El 28 de abril de 1925 se estrenó la película soviética La huelga (Stachka), dirigida por Sergei M. Eisenstein e interpretada por Maksim Shtráuj, Grigori Aleksándrov, Mijaíl Gomórov, A. Ivanov, Iván Klyukvin, Aleksandr Antónov, Yudif Glizer, Anatoli Kuznetsov, Vera Yanukova, Vladímir Uralsky, M. Mamin. Productora: Proletkult Production, Goskino. Duración: 94 minutos. 

Sinopsis argumental: Rusia zarista. Los obreros de una importante empresa están descontentos y, después de una reunión, deciden ir a la huelga. El director de la empresa informa de la situación a los responsables políticos y éstos envían a la policía para abortar la huelga. La tensión se dispara cuando un obrero se suicida al ser acusado injustamente de un robo. 

Comentario: La película describe una huelga ocurrida en 1903 por los trabajadores de una fábrica en la Rusia prerrevolucionaria. Fue el primer largometraje de Eisenstein, que un año después dirigiría la famosa película El acorazado Potemkin. La escena más famosa del film es la secuencia final donde, haciendo uso Eisenstein de sus innovadoras teorías de montaje, se alterna la masacre hacia los huelguistas e imágenes de bovinos sacrificados. Otro tema de la película, que es una de las mayores características del cine de Eisenstein, es el colectivismo frente al individualismo convencional en el cine occidental.

Mohammad Rasoulof: ‘La semilla de la higuera sagrada’, los críticos saludan la sed de libertad de quienes la crearon”

El cineasta iraní exiliado en Alemania recibió el 10 de febrero el premio a la mejor película extranjera otorgado por el Sindicato de Críticos de Cine de Francia por su último largometraje, que ya había sido premiado en Cannes y premio del público en el Festival de San Sebastián. Competirá primero por los César y luego por los Oscar. 

En mayo se cumplirá un año desde que Mohammad Rasoulof abandonó su país, Irán. Entre el exilio y la prisión, a la que estaba prometido, había elegido, con el corazón apesadumbrado, la primera opción. Desde que se fue a Alemania, donde vive bajo el estatuto de refugiado político, apenas ha tenido tiempo de plantearse preguntas existenciales sobre su futuro como narrador persa desarraigado: su última película, La semilla de la higuera sagrada (Danaye anjir-e moabad AKA The Seed of the Sacred Fig, 2024), premio especial en el último Festival de Cannes, sigue cosechando galardones. ¿Último trofeo hasta la fecha, este lunes? Premio a la mejor película extranjera otorgado por la Unión Francesa de Críticos de Cine (SFCC).

Y este trabajo a gran escala sobre el surgimiento del movimiento Mujer, Vida, Libertad en la vida familiar del juez de instrucción Iman se enfrenta a la paranoia en medio de los disturbios políticos de Teherán. Cuando su pistola desaparece, sospecha de su mujer y sus hijas, imponiendo medidas draconianas que tensan los lazos familiares a medida que las normas sociales se desmoronan, probablemente aún no haya terminado su vida en la alfombra roja. Nominada al César a la mejor película extranjera, compite sobre todo por el Óscar en la misma categoría, bajo bandera alemana. Hay muchas buenas razones para recibir noticias de este gran cineasta, siempre tan optimista.

Hace 100 años: Cazadores de almas

El 1 de febrero de 1925 se estrenó la película estadounidense Cazadores de almas (The Salvation Hunters), dirigida por Josef von Sternberg e interpretada por George K. Arthur, Georgia Hale, Bruce Guerin, Otto Matieson, Nellie Bly Baker, Olaf Hytten, Stuart Holmes. Productora: Academy Photoplays. Duración: 65 minutos. 

Sinopsis argumental: La historia se centra en un joven, que es un fracasado y un cobarde; una joven, acostumbrada a la dura vida en la orilla del río; y un niño, cuyos padres murieron en el río. Con el fin de "huir del barro," el joven convence a la chica para ir a la ciudad, llevando al niño con ellos. Allí se reunirán con el bruto, que les ofrece refugio sólo porque le gusta la chica.

Comentario: La película supuso el debut como director de Josef von Sternberg a los 31 años de edad y atrajo a los estudios más importantes de cine, incluyendo Metro-Goldwyn-Mayer y Paramount Pictures. Film Mercury la incluyó en su lista de las mejores diez películas de 1925. 

Barry Keoghan para "Bird”: “Para este papel, me he nutrido de mi infancia difícil”

Lo vimos llegar al cine en 2017 en El sacrificio de un ciervo sagrado, Yorgos Lanthimos, y Dunkerque, de Christopher Nolan, para luego asumir roles y géneros con otros directores. En Bird, escrita y dirigida por Andrea Arnold, interpreta a un padre joven y atrevido que cría a su hija entre la alegría y el caos.

Con el físico y el nerviosismo de un boxeador (deporte que practica asiduamente). A sus 32 años, el actor irlandés, descubierto por Nolan, ha asumido papeles y siempre está donde menos se le espera, Joker en The Batman (2022), de Matt Reeves, junto a su compatriota Colin Farrell en Almas en pena de Inisherin (2022) o completamente desnudo en Saltburn (2023).

Barry Keoghan y Nykiya Adams en Bird (2024)

Pero hacía tiempo que soñaba con trabajar con Andrea Arnold ("Ella es la directora que encabeza mi lista y haría cualquier cosa para volver a trabajar con ella", afirmó). Porque a la directora británica le gusta rodar con actores no profesionales en los que le encanta inspirarse. Quizás también porque no deja de describir ambientes de la periferia que tienen muchas “similitudes” con su juventud, él, el niño de los barrios pobres de Dublín, que pasó por numerosas familias de acogida.

“La histoire de Souleymane”, la inmigración ilegal filmada como un deporte de combate

El thriller social de Boris Lojkine es como una agotadora carrera de obstáculos en la que el héroe, un repartidor en bicicleta, se prepara, como un deportista, para su entrevista como solicitante de asilo. La histoire d Souleymane (2024), describe como, mientras pedalea por las calles de París para repartir comidas, Souleymane repite su historia. En dos días tiene que pasar la entrevista de solicitud de asilo, la clave para obtener papeles. Pero Souleymane no está preparado. Ganadora en el último Festival de Cannes de los premios Un Certain Regard: Premio del Jurado y mejor actor (Abou Sangare).

Abou Sangare interpreta al personaje del joven guineano indocumentado en la película de Boris Lojkine

En la vida real, mantienen un perfil bajo. Mantente fuera del radar, en segundo plano, como extras. Pero en el cine, como en la política, los inmigrantes, que siempre han sido espléndidos héroes de ficción (véase El emigrante, de Chaplin, 1917), ocupan cada vez más el primer plano. Un joven africano de camino a Inglaterra se encuentra con un traficante de cigarrillos (La tête froid (2023), de Stéphane Marchetti), un periodista acoge a un joven afgano en tránsito por Calais (Quelques Jours pas plus (2024), de Julie Navarro), una familia de sirios que huye de la guerra llega a un pueblo bretón (Les barbares, de Julie Delpy)... 

Las veinte mejores películas de John Ford (V)

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5. ¡Qué verde era mi valle! (How Green Was My Valley, 1941)

En un pueblo minero de Gales viven los Morgan, todos ellos mineros y orgullosos de serlo y también de respetar las tradiciones y la unidad familiar. Sin embargo, la bajada de los salarios provocará un enfrentamiento entre el padre y los hijos; porque mientras éstos están convencidos de que la unión sindical de todos los trabajadores es la única solución para hacer frente a los patronos, el cabeza de familia, en cambio, no quiere ni siquiera oír hablar de sindicatos ni de socialismo.

Roddy McDowall, Donald Crisp, Barry Fitzgerald, Richard Fraser, John Loder y Rhys Williams en ¡Qué verde era mi valle! (1941)

Ciudadano Kane (Citizen Kane), de Orson Welles, sin duda una obra clave y revolucionaria de la historia del cine, no fue la ganadora del Oscar a la mejor película del año 1941: perdió ante este magistral melodrama que narra la vida de una familia minera de Gales, vista bajo los ojos de su miembro más joven, un pequeño Roddy McDowall estupendo como protagonista y narrador. Un bello canto a los valores familiares que arrancó el alma del best-seller de Richard Llewellyn.

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Las veinte mejores películas de John Ford (II)

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2. Las uvas de la ira (The Grapes of Wrath, 1940)

Cuenta la odisea de una familia rural en su intento por cruzar el país para llegar a California, donde se dice que hay trabajo. Ambientada en la Gran Depresión, Henry Fonda encarna a uno de los personajes más fuertes de toda la filmografía de Ford, tanto por su mentalidad como por su convicción de lo correcto. Una película que, a pesar de tener más de 80 años, sigue siendo tremendamente moderna.

Dorris Bowdon, Jane Darwell y Henry Fonda en Las uvas de la ira (1940)

El maestro Ford lleva al cine la maravillosa novela de Steinbeck, retrato de la odisea de una familia norteamericana que huye de la pobreza en busca del dorado prometido en la soleada California. Una apabullante oda a la dignidad de los millones de desamparados que durante la Gran Depresión se pusieron en carretera rumbo a un incierto porvenir. Y una lección de cine que quita el aliento, repleta de escenas de esplendorosa belleza y amargura. Imprescindible.

“Richelieu”, un gran drama social en la tradición de Ken Loach y los hermanos Dardenne

Su director Pier-Philippe Chevigny trata de descifrar con sutileza el equilibrio de poder en una economía que aplasta tanto a los dominados como a los dominantes.

En el valle de Richelieu, una región agrícola de Quebec, Ariane es contratada como traductora en una fábrica. Rápidamente se dio cuenta de las deplorables condiciones laborales impuestas a los trabajadores guatemaltecos. Desgarrada, emprende una resistencia diaria bajo su propia responsabilidad para luchar contra la explotación de la que son víctimas.

La película supuso el debut como director de largometrajes de Pier-Philippe Chevigny.

Clásicos de cine: Lazzaro feliz

Lazzaro feliz (Lazzaro felice, 2018), de Alice Rohrwacher 

Una película mágica. La bondad humana rebosa en Lazzaro, un joven campesino que vive atrapado en un pueblo aislado del mundo exterior. Cuando sus habitantes logran escapar de ese entorno en el que se dan todo tipo de desigualdades, empieza este cuento de hadas que te hará saltar las lágrimas. Lazzaro, un joven campesino de excepcional bondad, vive en La Inviolata, una aldea que ha permanecido alejada del mundo y es controlada por la Marquesa Alfonsina de Luna. Allí, la vida de los campesinos no ha cambiado nunca, son explotados y, a su vez, abusan de la bondad de Lazzaro. Un verano, se hace amigo de Tancredi, el hijo de la Marquesa. Entre ellos surge una amistad tan preciosa que hará viajar a Lazzaro a través del tiempo y lo llevará a conocer el mundo moderno.

Lazzaro Feliz es la historia de una santidad menor, sin milagros, sin poderes o superpoderes. Sin efectos especiales. Es la virtud de vivir en este mundo sin pensar mal de nadie y simplemente creer en los seres humanos. Porque otro camino es posible, el camino de la bondad, que los hombres siempre han ignorado, pero que siempre reaparece para cuestionarles. Algo que pudo haber sido pero que ni nos atrevimos a desear.

Cumplió 25 años: Barrio

El 2 de octubre de 1998 se estrenó la película española Barrio, dirigida por Fernando León de Aranoa e interpretada por Críspulo Cabezas, Timy, Eloi Yebra, Marieta Orozco, Alicia Sánchez, Francisco Algora, Enrique Villén, Chete Lera, Alicia Sánchez, Daniel Guzmán. Productora: Sogetel, MGN Filmes, Elías Querejeta P.C. Duración: 94 minutos.

Sinopsis argumental: En uno de esos barrios situados al sur de las grandes ciudades, a los que no llega ni el metro ni el dinero, Javi, Manu y Rai son compañeros de instituto, pero, sobre todo, amigos. Tienen esa edad en la que ni se es hombre ni se es niño, en la que se habla mucho de chicas y muy poco con ellas. Comparten también la vida en el barrio, el calor del verano y un montón de problemas. El primero es el propio barrio, un lugar de grandes bloques de viviendas sociales, de ladrillo oscuro y arquitectura deprimente y depresiva. Allí hay pocas cosas que hacer, y en agosto aún menos. El centro de la ciudad queda lejos y las comunicaciones son malas, así que los tres amigos pasan la mayor parte del tiempo por las calles del barrio. 

Nominaciones y premios: Festival de San Sebastián: Concha de Plata: mejor director; 3 Premios Goya: mejor director, guión y actriz revelación (Marieta Orozco); Premios Forqué: Mejor película.

Comentario: Una película muy interesante y como sucedía en la estupenda Familia (1996), el director insiste en el tema de la búsqueda de la felicidad. En esta ocasión quizá, con tonos algo sombríos. La metáfora de los barrotes del puente de la M-40 (autovía de circunvalación de Madrid) es muy expresiva. 

Cumplió 25 años: American History

El 1 de julio de 1998 se estrenó la película estadounidense American History X, dirigida por Tony Kaye e interpretada por Edward Norton, Edward Furlong, Beverly D'Angelo, Jennifer Lien, Ethan Suplee, Fairuza Balk, Avery Brooks, Elliott Gould, Stacy Keach, William Russ, Guy Torry, Joseph Cortese, Jason Bose Smith, Antonio David Lyons, Alex Sol, Keram Malicki-Sánchez, Giuseppe Andrews, Cleo Adell, Jonathan Fowler Jr., Christopher Masterson, Nicholas R. Oleson, Jordan Marder, Paul Le Mat. Productora: New Line Cinema. Duración: 119 minutos. 

Sinopsis argumental: Derek (Edward Norton), un joven "skin head" californiano de ideología neonazi, es encarcelado por asesinar a un negro que pretendía robarle su furgoneta. Cuando sale de prisión y regresa a su barrio dispuesto a alejarse del mundo de la violencia, se encuentra con que su hermano pequeño (Edward Furlong), para quien Derek es el modelo a seguir, sigue el mismo camino que a él lo condujo a la cárcel.

Nominaciones y premios: Nominada al Oscar: Mejor actor (Edward Norton); Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor actor (Edward Norton); Satellite Awards: Mejor actor (Norton). Nominado guion y actriz secundaria (D'Angelo).

Comentario: La película cuenta una historia relacionada con los valores, centrada en diversos problemas como las ideologías discriminatorias inspiradas en el racismo, el odio y la violencia. Sirve como herramienta para analizar de forma detallada cómo un flagelo social destruye gradualmente la vida de una persona y la estabilidad familiar.

Cumplió 25 años: Estación Central de Brasil

El 16 de enero de 1998 se estrenó la película brasileña Estación Central de Brasil (Central do Brasil), dirigida por Walter Salles e interpretada por Fernanda Montenegro, Vinicius de Oliveira, Marilia Pêra, Soia Lira, Othon Bastos, Otávio Augusto, Stela Freitas, Caio Junqueira, Matheus Nachtergaele. Productora: MACT Productions, VideoFilmes, Arthur Cohn Productions. Duración: 115 minutos. 

Sinopsis argumental: En los asfixiantes pasillos de la Estación Central, en Río de Janeiro, una antigua maestra se gana la vida escribiendo las cartas que le dictan los analfabetos. Endurecida por la soledad y por la adversidad, Dora ha ido cayendo en una estoica indiferencia. Sin embargo, cuando una de sus clientes muere atropellada a la salida de la estación, decide hacerse cargo de su hijo y llevarlo a casa de su padre en una remota zona del nordeste de Brasil.

Nominaciones y premios:Oscar: Nominada a película de habla no inglesa y actriz (Montenegro); Globo de Oro: Mejor película de habla no inglesa. 2 nominaciones; Premios BAFTA: Mejor película de habla no inglesa; Festival de Berlín: Oso de Oro y Oso de Plata - mejor actriz (Montenegro); Festival San Sebastián: Premio del Público. Premio de la juventud; Festival de Sundance: Mejor guion; Premios Cesar: Nominada a mejor película extranjera; National Board of Review: Actriz (Fernanda Montenegro) y película extranjera; Círculo de Críticos de Nueva York: 2 nominaciones incluida mejor actriz (Montenegro); Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor actriz (Montenegro). 2 nominaciones; Premios Independent Spirit: Nominada a mejor película extranjera; Premios David di Donatello: Nominada a mejor film extranjero.

Comentario: Drama social de primera calidad. Fernanda Montenegro compone un formidable personaje: ella es una mujer que, pese a ayudar a la gente con sus cartas, se ha endurecido, olvidando que detrás de la miseria hay individuos que sufren. Y el niño le ayuda a recapacitar, a confiar en la fe, el amor y la solidaridad. Walter Salles, el director, cree que es una película de búsqueda: "Un niño que busca a su padre, una mujer que busca su corazón y una nación que busca sus raíces"; y continúa: "Dora representa un orden que, para mí, es necesario cambiar. El niño representa la posibilidad del cambio. Cuando muere su madre, recusa su destino de "niño de la calle" y reescribe su propia historia a través de la búsqueda de su padre".

Tiempos modernos, la película en imágenes (III)

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(6) Sin embargo, la vida fuera de la cárcel está llena de peligros, e intenta en vano que lo detengan de nuevo. Cuando una joven huérfana, que huye de las autoridades, roba una barra de pan, hace todo lo posible porque le echen a él la culpa. 

(7) Luego los dos deciden unir sus fuerzas. Un trabajo como vigilante nocturno en unos grandes almacenes termina de nuevo en desastre y encarcelamiento. Tras volver a la libertad encuentra nuevamente trabajo en la fábrica, pero una huelga vuelve a ponerlo en la calle. 

(8) Mientras tanto la chica se ha hecho bailarina  de un cabaret, en donde le dan trabajo como camarero-cantante. Cuando todo acaba nuevamente mal. 

(9) Charlot y la huérfana huyen perseguidos por las autoridades. En el último plano se les ve caminando por una carretera campestre cogidos de la mano. 

Tiempos modernos, la película en imágenes (II)

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(1) Charlot interpreta a un trabajador fabril cuya misión consiste en ir apretando las tuercas de una inacabable serie de piezas que le van llegando sobre una cinta transportadora.

(2) Le utilizan como un conejillo de Indias para probar un nuevo mecanismo destinado a aumentar la productividad, una máquina que alimenta automáticamente a los hombres mientras trabajan. 

(3) Finalmente se derrumba a causa de la tensión, se pone como un loco y le envían a un sanatorio mental. 

(4) Una vez dado de alta, entra a formar parte del gran ejército de los desempleados. recoge una bandera roja que se ha caído de un camión, y sin darse cuenta, congrega tras de sí una gran manifestación, por lo que es detenido bajo la acusación de ser un agitador comunista. 

(5) En la cárcel, impide accidentalmente un motín, por lo que le devuelven la libertad. 

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Tiempos modernos, la película en imágenes (I)

Chaplin consideraba al cine sonoro como la ruina de "el arte más antiguo del mundo, el arte de la pantomima". En su opinión, las películas habladas aniquilaban " la gran belleza del silencio". Tiempos modernos (Modern Times, 1936), como una película muda con la única excepción de la voz del propio Chaplin, al que se oyó por primera vez en la pantalla cantando una canción sin pies ni cabeza, las únicas voces de la película eran las que surgían de pantallas de televisión o altavoces. Tiempos modernos fue, asimismo, la última aparición de Charlot, el famosísimo vagabundo, vestido con unos pantalones demasiado grandes, una chaquetilla ajustada, bombín y un cuello blanco y un deportivo bastón que parecía indicar su caballero arruinado. Este personaje que había aparecido por primera vez en la gran pantalla veintidós años antes, concretamente en 1914, y había alcanzado una aceptación universal superior a la de cualquier imagen humana de ficción conocida hasta entonces. 

Tiempos modernos no fue muy bien recibida por los críticos de la época. Se acusó a Chaplin de intentar ser algo más que un "clown", y de querer convertirse en algo así como un filósofo popular. Al mismo tiempo, se le reprochó que se había quedado anticuado al no aceptar el sonido; después de todo, aquella era la etapa de los actores cómicos como los hermanos Marx, Mae West y W. C. Fields. Los críticos señalaron que, en lo que se refería a la técnica cinematográfica, había aprendido muy poco desde 1914. También fue inevitable que se atribuyesen implicaciones. 

Pero el arte de Chaplin ha sobrevivido a todas estas críticas. Tiempos modernos parece más fresca y original actualmente que en el momento de su estreno. La principal cualidad de la película (una característica de la mejor obra de Chaplin), no es tanto su "modernidad" como su "intemporalidad". El universo de Chaplin no corresponde a ninguna época concreta, sino que parece pertenecer a cualquier momento. 

Aunque el mundo de Tiempos modernos es el mundo de la Gran Depresión americana de 1929, todo lo que en ella se cuenta, trabajo en cadena, huelgas, disturbios, drogas, manifestaciones, contaminación urbana, la inhumana rigidez de las burocratizadas instituciones sociales, etc., tiene que ver con la realidad cualquier tiempo presente. Al mismo tiempo, y mientras los temas de la película son los típicos de ahora o de hace 50 años, los personajes y los sentimientos son más propios del siglo XIX. Cuando Chaplin habla de los pobres y desposeídos, muestra las duras condiciones de vida de la clase obrera o habla del personaje de la joven extraviada la por entonces su esposa Paulette Goddard, se está remontando a El chico (The Kid, 1921), y todavía más allá, a su propia niñez en los barrios pobres y orfelinatos de la Inglaterra victoriana. 

Pero donde el genio de Chaplin se revela en todo su esplendor es en la escena en la que, queriendo mostrarse amable, recoge la bandera roja que se acaba de caer de un camión y empieza a correr detrás de él sin darse cuenta que a sus espaldas se va formando una gigantesca manifestación. Resulta imposible decir si la escena es cómica o trágica. En cualquier caso, sigue siendo una de las grandes representaciones simbólicas del hombre como víctima de su destino.

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Efemérides de cine: Ya no basta con rezar

El 28 de septiembre de 1972 se estrenó la película chilena Ya no basta con rezar, dirigida por Aldo Francia e interpretada por Marcelo Romo, Tennyson Ferrada, Leonardo Perucci, Roberto Navarrete, Claudia Paz, Ruben Sotoconil, Mario Montilles, Eugenio Guzmán, Mónica Carrasco, Osvaldo Rodríguez. Productora: Cine Nuevo Viña del Mar, Emelco Chilena. Duración: 87 minutos.

Sinopsis argumental: La película cuenta la historia de un sacerdote enfrentado a la pobreza y desórdenes sociales que sucedieron en el marco del gobierno de Eduardo Frei Montalva. El protagonista, el Padre Jaime, debe luchar constantemente entre su obediencia a la jerarquía de la Iglesia y sus deseos de tomar un papel más activo en la revolución obrera que se está planeando en el puerto de Valparaíso en 1967.

Nominaciones y premios: Festival de Cine Iberoamericano de Huelva: Colón de Oro a la mejor película. 

Comentario: La película retrata en años previos al triunfo de la Unidad Popular, el proceso interno de un sacerdote católico que, enfrentado a las injusticias que observa en el entorno parroquial y ante la indolencia de la jerarquía eclesiástica, decide emprender por su cuenta el cambio social. El cartel promocional de la película fue bastante controvertido, dado que muestra a un sacerdote empuñando la mano izquierda y a punto de lanzar una piedra con la otra mano. Incluso hoy en día se pueden ver reproducciones del cartel en stencils y grafitis callejeros en Santiago. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.