Retrospectiva: Dioses y monstruos

Dioses y monstruos (Gods and Monsters, 1998), dirigida por Bill Condon con Ian McKellen, Brendan Fraser,Lynn Redgrave, Lolita Davidovich, David Dukes, Kevin J. O'Connor, Mark Kiely, Jack Plotnick, Rosalind Ayres, Jack Betts, Matt McKenzie, Amir Aboulela, Jesse Jamesby. 

Sinopsis: El director de cine James Whale vive un tranquilo retiro en una lujosa mansión. Pura apariencia. Su estado de salud es delicado, tras una apoplejía. La llegada a casa de Boone, apuesto jardinero, parece animar a un Whale que no oculta su homosexualidad. Enseguida le propone que pose para una serie de dibujos; mientras, el joven podrá escuchar fascinantes historias del viejo Hollywood.

Bill Condon adapta la novela de Christopher Bram, Father of Frankenstein. Su libreto, brillante, ganó un Oscar. El artificio de presentar a Whale como nuevo doctor Frankenstein que está diseñando en Boone un monstruo, es sólido. Condon también acierta en la realización: agilidad, buena partitura, planos llenos de poesía como la última película en que Boone imita al monstruo A esto suma una magnífica definición de personajes y relaciones, donde dominan amistad (la dedicatoria “Clayton Boone, ¿amigos?” es muy clara) y lealtad: no es extraño que Ian McKellen fuera premiado en San Sebastián por su papel de Whale; o que Lynn Redgrave, como asistenta del cineasta, haya recibido un Globo de Oro. 

Aunque con las licencias propias de una obra de ficción, Dioses y monstruos parte de un personaje real, el director de cine James Whale. Suyos son títulos tan conocidos como El doctor Frankenstein, La novia de Frankenstein y El hombre invisible. 

Retrospectiva: Cloud Atlas

El atlas de las nubes (Cloud Atlas, 2012), dirigida por dirigida por Tom Tykwer (también compositor de la banda sonora) y Lilly y Lana Wachowsk con Tom Hanks, Hugo Weaving, Jim Sturgess, Halle Berry, Susan Sarandon, Hugh Grant, Keith David, Ben Whishaw, Jim Broadbent, James D'Arcy, Bae Doona, Zhou Xun, David Gyasi, Robert Fyfe, Martin WuttkeEstá basada en la novela homónima de 2004 escrita por David Mitchell y fue estrenada en Estados Unidos el 26 de octubre de 2012.

La película se compone de seis historias interrelacionadas y entrelazadas que llevan al espectador desde el Pacífico Sur en el siglo XIX, hasta un futuro posapocalíptico. A diferencia de la novela original, la película se estructura, de acuerdo con el novelista David Mitchell, “como una especie de mosaico puntillista: Nos mantenemos en cada uno de los seis mundos solo el tiempo suficiente para que el gancho se hunda, y de ahí que los dardos de la película de un mundo a otro vayan a la velocidad de un plato giratorio, revisando cada narrativa durante el tiempo suficiente para impulsarlo hacia adelante”.

Resumen de las 6 historias:

The Pacific Journal of Adam Ewing (El diario del Pacífico de Adam Ewing)

editarThe Pacific Journal of Adam Ewing (El diario del Pacífico de Adam Ewing).

Sur del océano Pacífico, 1849. Adam Ewing, un abogado estadounidense de San Franciscodurante la fiebre del oro de California, ha llegado a las islas Chatham para concluir un acuerdo comercial con el reverendo Gilles Horrox por su suegro, Haskell Moore. Es testigo de la paliza dada a un esclavo moriori, Autua, que se esconde en la embarcación de Ewing, y lo convence para mantenerlo oculto, entonces Ewing aboga por él para que se uniera a la tripulación como un hombre libre. Mientras tanto, el Dr. Henry Goose lentamente envenena a Ewing, alegando que era la cura para un gusano parásito, con el objetivo de robar objetos valiosos de Ewing.

Letters from Zedelghem (Cartas desde Zedelghem).

Cambridge (Inglaterra) y Edimburgo (Escocia). En 1936, Robert Frobisher, un joven músico británico que es bisexual, encuentra trabajo como un copista para el famoso compositor Vyvyan Ayrs, lo que le permite el tiempo y la inspiración para componer su propia obra maestra, el Sexteto del atlas de las nubes. Una vez terminada esta, Ayrs quiere atribuirse el mérito de la obra, y amenaza con exponer el pasado escandaloso de Frobisher si no cumple. Frobisher se suicida poco antes de que llegue su amante, Rufus Sixsmith.

Half-Lives: The First Luisa Rey Mystery (Semivida: el primer misterio de Luisa Rey).

San Francisco, California, 1973. Luisa Rey es una periodista que por casualidad se encuentra con un viejo Sixsmith, ahora un físico nuclear. Rey apunta hacia Sixsmith por una conspiración en relación con la seguridad de un reactor nuclear nuevo, pero este es asesinado por el sicario Bill Smoke antes de que pueda darle a Luisa Rey el informe que lo demuestra.

The Ghastly Ordeal of Timothy Cavendish (El horrible calvario de Timothy Cavendish)

Reino Unido, 2012. Timothy Cavendish, un editor de 65 años de edad, tiene un golpe de suerte cuando Dermott Hoggins, el autor gánster cuyo libro él ha publicado, tristemente asesina a un crítico y es enviado a la cárcel. Cuando los socios del autor amenazan la vida de Cavendish para conseguir parte de los beneficios, Cavendish se dirige hacia su hermano Denholme por ayuda. Su hermano lo engaña y lo convence de esconderse en un asilo de ancianos, donde es retenido en contra de su voluntad y maltratado por la enfermera tirana Noakes.

An Orison of Sonmi-451 (Una oración de Sonmi-451)

Neo Seúl, Corea, 2144. Sonmi-451, una mujer fabricada por ingeniería genética (clon) que trabajaba en un restaurante de comida rápida, es entrevistada antes de su ejecución. Ella relata cómo fue liberada de su vida de servidumbre por el comandante Hae-Joo Chang, miembro de un movimiento rebelde conocido como Unión. Mientras está en la clandestinidad, ve una película basada en la aventura de Cavendish. Los rebeldes de la Unión le revelan que las clones como ella son sacrificados y «reciclados» como alimento para clones futuros.

Sloosha's Crossin' an' Ev'rythin' After (El cruce de Slusha, y todo lo que vino después)

Islas Hawaianas, en una tierra posapocalíptica, en 2321 (106 años después de la Caída). Un nativo, de nombre Zachry, lleva una vida primitiva después de que la mayor parte de la humanidad muriera en la llamada «Caída», acechado por constantes visiones de un «diablo», conocido por su gente como Old Georgie (Viejo Georgie). Este diablo parece alguna clase de entidad olvidada que existe solo dentro de la mente de Zachry. Después de que su cuñado fuera asesinado por el líder caníbal de la tribu rival kona, Georgie se le aparece seguidamente en varias visiones para manipularlo y hacerlo sucumbir al miedo. Luego de un tiempo, Zachry es visitado por Meronym, un miembro de los "Prescientes", los últimos sobrevivientes de una civilización tecnológicamente avanzada. A cambio de salvar a su joven sobrina envenenada, Zachry accede a guiar a Meronym a través de las montañas hasta el Mauna Kea en busca del "Cloud Atlas", una estación de comunicaciones desde donde se podría enviar un mensaje de ayuda a la gente que dejó la Tierra y que ahora vive en otros planetas colonizados.

Cinco películas de Derek Jarman, un visionario del pasado (I)

Un mundo fascista creado por multimillonarios, operaciones militares y totalitarias… El cineasta inglés, fallecido de sida en 1994, ya aludía a las amenazas actuales en las décadas de 1970 y 1980. Una obra de un espíritu libre y audaz que merece ser (re)descubierta en la gran pantalla.

Este cineasta británico emergió del anonimato para hablarnos de un mundo en crisis y de belleza, de la diferencia y las amenazas a las libertades, de la violencia y la poesía, con una energía magnífica y profundamente conmovedora. Provocador visionario, Derek Jarman se declaró vivo a través de las imágenes incandescentes que nos legó. Destacamos cinco de sus películas, un programa excepcional que hemos enumerado cronológicamente.

Sebastiane (1976)

Codirigida con Paul Humfress, la ópera prima de Derek Jarman es una epopeya latina en la que soldados romanos, en su mayoría desnudos, orquestan el martirio de San Sebastián, un soldado romano del siglo IV, canonizado en la Edad Media y que en el siglo XX se convirtió en icono y patrón de la cultura homosexual. La película se desarrolla dentro del género llamado cinéma vérité mostrando la vida cotidiana de los soldados del imperio romano en un lugar remoto dentro de los confines del imperio romano, dando una visión introspectiva del crecimiento emocional del hombre en contraposición con su fe y la experiencia de su propia naturaleza.

Elementos vanguardistas queer se entrelazan con momentos de pura y atemporal gracia. Fue una de las primeras películas británicas en mostrar imágenes positivas de los gays; el diálogo se desarrollaba completamente en latín. La película da nombre al Premio Sebastiane, que se da a la película que mejor trata los valores de gays, lesbianas, transexuales y bisexuales en el Festival de Cine de San Sebastián.

Retrospectiva: El conformista

El conformista (Il conformista, 1970), de Bernardo Bertolucci con Jean-Louis Trintignant, Stefania Sandrelli, Gastone Moschin, Enzo Tarascio, Fosco Giachetti, José Quaglio, Dominique Sanda, Pierre Clémenti, Yvonne Sanson, Milly, Alessandro Haber, Luciano Rossi, Massimo Sarchielli, Antonio Maestri, Giuseppe Addobbati, Pasquale Fortunato, Orso Maria Guerrini. 

Sinopsis: Marcello Clerici es un hombre italiano de carácter débil y sometido a numerosas humillaciones sociales que, después de cometer el asesinato de su mejor amigo, se convierte en un lacayo del servicio secreto fascista, aunque ciertas tendencias homosexuales le hacen dudar de su decisión. La misión más importante que se le encomienda en esa nueva ocupación consiste en viajar a París, donde deberá organizar el asesinato de uno de sus antiguos maestros en la universidad, el profesor Luca Quadri, que vive exiliado en Francia tras haberse convertido en un disidente político claramente antifascista. Marcello no duda en utilizar el viaje de luna de miel con su esposa Giulia como tapadera para ir al extranjero y así llevar a cabo el asesinato.

Bernardo Bertolucci adapta con talento la novela de Alberto Moravia, combinando la tensión propia de la historia con su nada disimulada mirada política. Para muchos es la mejor película de Bertolucci, y le valió una nominación al Oscar por el guion.

“Jim Queen”: una película de animación picaresca, divertida y con conciencia social sobre el mundo gay

En la comunidad gay parisina, Jim es el rey de Gym Queens, la comunidad más sexy y codiciada de las redes sociales. Un día, se da cuenta de que ha sido infectado por Heterosis, un extraño virus que diezma la comunidad y convierte a los gays en... ¡heterosexuales! Jim pierde su trono y es abandonado por todo su entorno. Todos menos un seguidor: Lucien, un escuálido joven virgen. Juntos, emprenden un viaje a través del Marais (el barrio gay parisino), en busca del misterioso doctor Ragoult, que afirma haber encontrado una cura para el virus. Esta cura no sólo podría salvar a Jim, sino también evitar la extinción de la homosexualidad. Una mirada hilarante y mordaz a la sociedad y la sexualidad.

Un espectáculo de fuegos artificiales queer, crudo y sin filtros, una hilarante película de animación para un público adulto, Jim Queen (2006) es diferente a todo lo que hayas visto, retratando a varios grupos del mundo gay contemporáneo como tribus fantásticas. Lucien, un joven frágil, soñador e inexperto que aún vive bajo el yugo de su madre autoritaria —que además es una política formidable y prejuiciosa— descubrirá estas microsociedades en el contexto de una catástrofe inminente. Un virus misterioso está transformando a las personas homosexuales en heterosexuales: ¡el desastre definitivo!

Jim Parfait, un icono sexy de la escena gay, todo músculos abultados, ya se ha contagiado y, en consecuencia, está perdiendo a sus seguidores uno a uno.

Para ver: "Ato noturno", erótico y queer

Ato noturno (2025), de Filipe Matzembacher y Marcio Reolon e interpretada por Gabriel Faryas, Cirillo Luna, Henrique Barreira, Ivo Müller, Kaya Rodrigues, Larissa Sanguiné, Gabriela Grecco. Dirigido por un dúo de cineastas brasileños, este thriller explora la interacción entre la ambición y los límites del deseo. Un drama inteligente sobre el precio insensato que una persona queer tiene que pagar para alcanzar un nivel de éxito en el ojo público. 

La trama: Matías, un ambicioso actor de 23 años, está ensayando una obra con una prestigiosa compañía de teatro. Él y su compañero de piso Fabio, también de 23 años, interpretan los papeles principales. Los dos llaman la atención de la agente de casting Pamela, que está buscando actores para una gran producción de una serie que se rodará en la ciudad. Sin embargo, sólo Fabio es invitado a la audición porque, a pesar de su talento, el comportamiento de Matías fuera de la pantalla no es bien recibido. Devastado, Matías se consuela al conocer a Rafael, un hombre misterioso de 35 años que se niega a revelar mucho sobre sí mismo. Juntos, descubren su fetiche por tener sexo en lugares públicos. Matías pronto descubre que Rafael es un político encubierto que se presenta a la alcaldía. Después de grandes esfuerzos, Matías finalmente gana el papel protagonista de la serie y Rafael gana ventaja en las encuestas. Pero cuanto más se acercan ambos a su ansiada fama, más temerarios se vuelven. Los amantes despiertan celos en Fabio y preocupación entre los patrocinadores de la campaña de Rafael y comienza un peligroso juego de éxito, placer y muerte.

"Guillaume y los chicos, ¡a la mesa!"; una versión ligera de un psicodrama orientado a resolver un complejo de Edipo

Guillaume y los chicos, ¡a la mesa! (Les Garçons et Guillaume, à table!, 2013), escrita, dirigida e interpretada por Guillaume Gallienne con la participación de Guillaume Gallienne, André Marcon, Françoise Fabian, Nanou Garcia, Diane Kruger, Reda Kateb, Götz Otto, Brigitte Catillon. 

Mientras regresa a los cines con Asesinato en la tercera planta (Le crime du 3e étage, 2026), redescubamos en streaming la ópera prima de Guillaume Gallienne como director, inspirada en su propia vida, ¡en la que interpreta tanto al protagonista como a su madre! Una pequeña joya, tan divertida como conmovedora, que rápidamente se convirtió en un clásico.

La trama: Película biográfica con toques de comedia sobre el cineasta y artista Guillaume Gallienne. Se centra sobre todo en la estrecha relación que tenía con su madre. Un recorrido por las emociones, los recuerdos y la familia. El primer recuerdo que tengo de mi madre es de cuando tenía cuatro o cinco años: nos llamaba a mis dos hermanos y a mi a la mesa diciendo: «Niños, Guillaume, ¡a cenar!» y la última vez que hablé con ella por teléfono, colgó diciendo: «Cuídate, mi niña grande.» Y, bueno, entre estos dos momentos hubo un buen número de malentendidos.

Es una adaptación de la obra de teatro homónima y la primera película dirigida por el actor Guillaume Gallienne, miembro de la Comédie-Française.

La película se estructura como si fuera la escenificación gráfica de los capítulos de un monólogo biográfico que el propio Galliene interpreta en el escenario. Así da cuenta de un sinfín de situaciones, a menudo esperpénticas y siempre humorísticas, que ejemplifican el descomunal desconcierto vital del protagonista –él mismo–, sus dificultades para ser amado, sus dubitativos acercamientos sexuales, sus traumas edípicos y sus desventuras emotivas en diferentes lugares –un pueblo andaluz, un colegio religioso, un college de Oxford, unas vacaciones en Marruecos, una clínica–, en diversas épocas y con distintas personas, especialmente con su adorada madre. El material tiene mucho de 'sketch', donde prevalece el gesto corporal acompañado del diálogo cómico o la voz en off, sobre cualquier otro elemento externo. La libertad narrativa de Galliene se manifiesta en multitud de detalles, aunque destacan las proyecciones materno-mentales del protagonista y también las logradas transiciones que van del monólogo del escenario a su correspondiente recreación cinematográfica. Disponible en varias plataformas de streaming. 

“Un estupendo chico indio” una comedia romántica con final feliz

Un estupendo chico indio (A Nice Indian Boy, 2024), dirigida por Roshan Sethi e interpretada por Karan Soni, Jonathan Groff, Sean Amsing, Peter S. Kim, Sunita Mani,Zarna Garg, Harish Patel, SAS Goldberg. Unac coproducción indo-estadounidense que Habla del deseo, el amor y la familia desde la ternura.

La trama: Cuando Naveen lleva a su prometido Jay a casa para que conozca a su familia, sus tradicionales padres indios deben lidiar con la aceptación de su pareja blanca y ayudarles a planear la boda india homosexual más fabulosa que la zona haya visto jamás. 

Una divertidísima, cercana y simpática comedia romántica sobre Naveen, un chico indioestadounidense con una vida perfectamente ordenada... hasta que se enamora de Jay, un chico, igual de encantador que él e indio también, pero blanco, un problema para su tradicional familia.

Tensas cenas familiares, choques culturares, expectativas, tradiciones y mucho amor, "Un estupendo chico indio" es una auténtica historia de amor que desafía las expectativas de la comedia romántica.

"La hija pequeña", la conmovedora historia de la emancipación de una adolescente

La hija pequeña (La Petite Dernière, 2025), de Hafsia Herzi con Nadia Melliti, Park Ji-min, Amina Ben Mohamed, Melissa Guers, Rita Benmannana, Aloïse Sauvage, Nemo Schiffman, Vincent Pasdermadjian, Razzak Ridha, Louis Memmi, Sophie Garagnon, Olivia Courbis, Waniss Chaouki. 

Una película tierna y poderosa, protagonizada por una joven actriz que ganó el premio a la Mejor Actriz en el último Festival de Cannes. Es una adaptación de la novela de autoficción de Fatima Daas de 2020, The Last One. 

La pequeña hija es el tercer largometraje de Hafsia Herzi, tras su ópera prima en la Semana de la Crítica en el Festival de Cine de Cannes Mereces un amor (Tu mérites un amour, 2019) y su premiado en Un certain regard del mismo festival Good Mother (Bonne mère, 2021).

La trama: Fátima, de 17 años, es la pequeña de tres hermanas. Vive en los suburbios, en una familia franco-argelina feliz y amorosa. Buena estudiante, ingresa en la Universidad de París. Al comenzar su vida como mujer adulta, se emancipa de su familia y sus tradiciones. Sale con alguien, hace amigos y explora un mundo completamente nuevo, mientras se enfrenta a un dilema desgarrador: ¿Cómo mantenerse fiel a uno mismo cuando reconciliar diferentes aspectos de la propia identidad parece imposible?

Efemérides de cine: Saló o los 120 días de Sodoma

El 22 de noviembre de 1975 se estrenó la película italiana Saló o los 120 días de Sodoma (Salò o le 120 giornate di Sodoma), dirigida por Pier Paolo Pasolini e interpretada por Paolo Bonacelli, Giorgio Cataldi, Uberto Paolo Quintavalle, Aldo Valletti, Caterina Boratto, Elsa De Giorgi, Hélène Surgère, Sonia Saviange, Laura Betti, Dorit Henke. Productora: Coproducción Italia-Francia; Produzioni Europee Associate, Les Productions Artistes Associés. Duración: 145 minutos. 

Sinopsis argumental: Durante la República fascista de Saló, cuatro amigos crean un depravado documento que van a seguir a rajatabla; el reglamento va a regir cada una de sus vidas desde el momento de su creación. A partir de entonces, deciden escoger a ocho personas de ambos sexos que se van a convertir en víctimas de sus crueles y sanguinarias prácticas. El juego consiste en encerrar a esos ocho "cautivos" en una mansión donde no pueden romper las reglas del juego establecido por los señores; cualquier transgresión se penaliza con la muerte. Además, los creadores tienen en su poder las vidas de cada una de esas personas... en su juicio está decidir si viven o si mueren.  

Comentario: La película es una libre adaptación del libro de 1785 Los 120 días de Sodoma, del marqués de Sade. Ambientada durante la Segunda Guerra Mundial, fue la última obra de Pasolini. Esta película iba a ser la primera película de una trilogía conocida como la "Trilogía de la muerte", a la que precede la "Trilogía de la vida" (El Decamerón, Los cuentos de Canterbury y Las mil y una noches). El proyecto quedó interrumpido por el asesinato de Pasolini. Considerada una de las películas más polémicas de la historia del cine, tuvo su estreno prohibido en multitud de países. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

"Teenage Apocalypse Trilogy", de Gregg Araki regresa a los cines: por qué su universo basura sigue siendo un clásico de culto

Figura del cine independiente estadounidense, Araki filmó los amores y las andanzas de la juventud en los años 1990. Combinando irreverencia, humor y lujuria, tres de sus largometrajes punk merecen ser (re)descubiertos en versiones restauradas.

Es un cineasta norteamericano queer que escribe, dirige y edita sus propias películas. Retrata a jóvenes amantes marginales, y lo que pasa por sus cabezas... ¿Xavier Dolan? No, Gregg Araki, treinta años mayor que él. Cada generación tiene su cineasta Zeitgeist: Araki, ahora de 65 años, dirigió la mitad de sus películas en la década de 1990. Tres de los largometrajes del californiano, que forman una falsa trilogía llamada Teenage Apocalypse, se están reestrenando en cines en versiones restauradas.

¿Cómo resumir estas tres historias de amor y consternación, de deseo y miedo? Una especie de grito extravagante de rabia y lujuria, arraigado en los años 1990, tan sucio y surrealista como puede serlo.

Totally F***ed Up (Totally Fucked Up) (1993)

Narra la historia de un grupo de jóvenes homosexuales, gays y lesbianas, de Los Angeles. Sus padres les han echado de casa, están sin blanca y sus amantes les engañan. Están "totalmente jodidos", tanto que como solución a sus problemas algunos se llega a plantear el suicidio.... Araki describió su obra como una historia poco aconsejable sobre maricones y bolleras adolescentes. Es una especie de mezcla entre el cine experimental de vanguardia y una película gay de John Hughes.

Maldita generación (The Doom Generation, 1995) 

Amy Blue (Rose McGowan), Jordan White (James Duval), y Xavier Red (Johnathon Schaech) son un trío de jóvenes embarcados en una espiral de sexo y crímenes que acaba teniendo incluso cobertura televisiva. Una película independiente con semejanzas a Asesinos natos (Natural Born Killers, 1994), de  Oliver Stone, y autoproclamado por su director Araki como una "película criminal heterosexual". Dada sus profusas dosis de sexo y violencia, obtuvo una escasa distribución en todo el mundo. La película se exhibió en el Festival de Cine de San Sebastián de 1995. 

Nowhere (1997) 

Cerró la trilogía. Araki definió esta película como una versión lisérgica de un episodio de Sensación de vivir (Beverly Hills, 90210, 1990-2000). Transcurre durante un día y está centrada en un grupo de adolescentes que quieren salir de la rutina y dar emoción a sus vidas a través del consumo de drogas, la promiscuidad, el alcohol, etc. Dark Smith es un estudiante de 18 años obsesionado con el fin del mundo y desesperado por encontrar el amor verdadero. Está enamorado de Mel, una joven bisexual que mantiene una relación abierta con él y con su novia Lucifer. Mientras Dark fantasea con Montgomery, un misterioso compañero de clase, sus amigos navegan por un mundo de drogas, sexo y violencia en Los Ángeles.

Diez grandes películas que no podemos perdernos (I)

Aquí tienes nuestra selección de diez obras imprescindibles o menos conocidas para volver a ver o ver por primera vez antes de que acabe el verano.

Brillante: K-19: The Widowmaker (2002), de Kathryn Bigelow

El Capitán Mihhail Polenin (Liam Neeson), además de contar con la confianza y el cariño de sus hombres, es considerado y respetado como el capitán de submarinos con mayor experiencia de la Marina soviética. Sin embargo, es destituido del mando del K-19 porque sus superiores juzgan que no está en condiciones de ponerlo a punto para la hora y fecha previstas. Su sustituto es el Capitán Alexei Vostrikov (Harrison Ford), un oficial con una voluntad de hierro, que consigue que el K-19 emprenda la travesía exactamente a la hora programada: las 16:00 horas del día 18 de junio de 1961... Inspirada en hechos reales ocultados por el gobierno ruso durante décadas.. La claustrofobia está garantizada en esta emocionante película. El aplomo de Kathryn Bigelow, una directora de Hollywood sumamente original, da sus frutos una vez más. Disponible en Prime Vídeo y Netflix.

Harrison Ford y Liam Neeson en K-19: The Widowmaker (2002)

Irreverente: Amén (Amén, 2002), de Costa-Gabras

Dos sistemas: por una parte, la maquinaria nazi y, por otra, la diplomacia del Vaticano y de los Aliados. Pero dos hombres luchan desde dentro. El primero es Kurt Gerstein (personaje real), químico y miembro de las SS que se encarga de suministrar el gas Ziklon B a los campos de la muerte. Pero eso no le impide denunciar los crímenes nazis a los aliados, al Papa e incluso a los miembros de la Iglesia alemana a la que pertenece, jugándose de este modo su vida y la de su familia. El segundo, Ricardo, es un joven jesuita que representa a todos los sacerdotes que supieron oponerse a la barbarie, pagando muchas veces con su propia vida. Kurt Gerstein sabía lo que estaba ocurriendo y quería que el mundo entero también lo supiera. La película denuncia la indiferencia de todos aquellos que sabían lo que estaba pasando y decidieron callarse. Inspirado en una obra de Rolf Hochhuth, este panfleto directo y eficaz, escrito por Costa-Gavras, es una historia cautivadora y conmovedora. Disponible en Netflix, Amazon Prime Video y Movistar Plus+.

Ulrich Tukur y Mathieu Kassovitz en Amén (2002)

Deslumbrante: El árbol de la vida (The Tree of Life, 2011) de Terrence Malik

Estados Unidos, años 50. Jack (Hunter McCracken) es un niño que vive con sus hermanos y sus padres. Mientras que su madre (Jessica Chastain) encarna el amor y la ternura, su padre (Brad Pitt) representa la severidad, pues la cree necesaria para enseñarle al niño a enfrentarse a un mundo hostil. Ese proceso de formación se extiende desde la niñez hasta la edad adulta. Es entonces cuando Jack (Sean Penn) evoca los momentos trascendentes de su infancia y trata de comprender qué influencia tuvieron sobre él y hasta qué punto determinaron su vida. Una película legendaria, ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2011. Disponible en Prime Vídeo y Netflix.

Jessica Chastain en El árbol de la vida (2011)

Autobiográfico: Dialogando con la vida (Le Lycéen, 2022), de Christophe Honoré 

A sus 17 años, Lucas ve cómo su adolescencia se hace añicos en un abrir y cerrar de ojos. Siente que su vida es una bestia salvaje que debe domar. Entre un hermano afincado en París y una madre con la que ahora vive solo, Lucas se verá obligado a luchar para reconquistar la esperanza y el amor. Entre el colapso y el renacimiento, Christophe Honoré relata un momento clave de su adolescencia, evocado en su obra teatral Le Ciel de Nantes,¿Una razón más para amar la película? Reveló el talento de Paul Kircher. Disponible en Amazon Prime Vídeo y Movistar+.

Paul Kircher en Dialogando con la vida (2022)

Conmovedora: El éxito de Youssef Salem (Youssef Salem a du succès, 2022), de Baya Kasmi

Hasta la fecha, Youssef Salem, de 45 años, siempre se las ha arreglado para fracasar como escritor... pero, qué mala pata, esta vez, con su libro "El choque tóxico", encuentra el éxito. Y es entonces cuando empiezan los problemas, ya que en la novela, Youssef no ha podido evitar reírse de su familia, a la que en realidad quiere enormemente, y provocar a su comunidad con sus obsesiones sexuales y alcohólicas. Un retrato familiar cálido y conmovedor, la película gira inteligentemente en torno a la libertad del artista y la asignación de una identidad. Disponible en Movistar+.

Ramzy Bedia en El éxito de Youssef Salem (2022)

(cont.)

“Desconocidos”, una película para llevar siempre consigo

Aspirante a ser un clásico del cine del siglo XXI, Desconocidos (All of Us Strangers, 2023), de Andrew Haigh, sigue los pasos de Adam, interpretado por Andrew Scott, un escritor que regresa a Londres tras la muerte de un familiar cercano. Este regreso lo hace enfrentarse con su propio pasado cuando, al visitar la casa de su infancia, se encuentra con algo inexplicable: sus padres, fallecidos años atrás, están allí, vivos y como si el tiempo no hubiera pasado.

Este desconcertante reencuentro desencadena una serie de eventos que llevan a Adam a cuestionarse la extraña naturaleza de esta experiencia, sino también los sentimientos de amor y pérdida que todavía no había superado. A medida que explora este inquietante fenómeno, su vida se cruza con la de Harry, interpretado por Paul Mescal, un hombre cuya conexión con Adam parece desafiar las leyes de la lógica. A través de una serie de conversaciones cargadas de tensión y gestos llenos de melancolía, la película construye una narrativa que combina elementos sobrenaturales con una poderosa reflexión sobre el duelo, el amor y las segundas oportunidades. Basada en la novela de Taichi Yamaha, la película se encuentra actualmente disponible en el catálogo de Disney+.

La soledad y el vacío son así los protagonistas de esta película, que es como una sesión de terapia para el protagonista, quien a través de los diversos encuentros con sus padres, a modo de raras ensoñaciones, busca ese cariño que no obtuvo en su infancia, reparar desesperadamente de algún modo el daño sufrido en ese pasado angustioso mediante la recuperación del cariño de unos padres que él imagina ahora rebosantes de amor por él y arrepentidos con su comportamiento. Esos encuentros son sin duda lo mejor de Desconocidos.

El gánster, una de mafiosos

El gánster (Villain, 1971), dirigida por Michael Tuchner. Está basada en la novela de 1968 The Burden of Proof de James Barlow, protagonizada por Richard Burton.

Melodrama policíaco ubicado en los círculos criminales londinenses de los 1960. Vic Dakin (Richard Burton) es un implacable gángster homosexual, incapaz de conmoverse por nada ni nadie, excepto por su anciana madre, a la que profesa un profundo y patológico amor. Vic es el jefe de una banda peligrosa y violenta; nunca ha sido detenido, a pesar de que vive del crimen; colabora con casas de caridad; se codea con la gente más influyente de la ciudad y algún que otro político; sabe guardarse las espaldas y aquel que le traiciona, es automáticamente liquidado. Ahora, planea un decisivo golpe a una fábrica. El inspector Robert Matthews le sigue los pasos.

El gánster es todo lo que una película de gangsters debería ser: dura, violenta, sombría y llena de personajes odiosos que no tienen ningún rasgo redentor.

En “La trilogía de Oslo”, Dag Johan Haugerud filma el amor noruego (III)

Dreams (Sex Love) (Drømmer,  2024)

Johanne es una chica que se enamora perdidamente de su profesora de francés, experimentando su primer amor intenso. Deseando preservar sus sentimientos, la joven documenta sus emociones y experiencias por escrito. Cuando su madre y su abuela leen lo que ha escrito, al principio reaccionan con sorpresa ante su contenido íntimo, pero pronto quedan cautivadas por sus cualidades literarias. Mientras debaten sobre la moralidad y las posibles consecuencias de publicar los escritos de Johanne, ésta navega por el contraste entre los ideales románticos y la realidad, sumergiéndose en un viaje a través de las intensas emociones del autodescubrimiento, el amor y la sexualidad.

Haugerud dirigió la tercera entrega de la trilogía, Dreams (Sex Love), que tuvo su estreno internacional en febrero de 2025 en el 75º Festival Internacional de Cine de Berlín, donde la película ganó el Oso de Oro. Esta fue la primera vez que una película noruega ganó el Oso de Oro.

La isla de Arturo, una nostalgia profunda

La isla de Arturo (L'isola di Arturo, 1962), dirigida por Damiano Damiani e interpretada por Vanni De Maigret, Key Meersman, Reginald Kernan, Gabriella Giorgelli, Elvira Tonelli, Luigi Zerbinati, Michele Barone, Aldo Vinci. Adaptación de la novela homónima de la escritora italiana Elsa Morante.

Arturo es un joven que vive completamente solo en una isla. De vez en cuando, su padre va a verlo, pero él lo adora pese a que no le muestra ningún cariño. Un día, llega acompañado de su segunda mujer, y el joven empieza a sentirse atraído por ella. Arturo Gerace recupera la memoria de sus primeros dieciséis años transcurridos en una isla del sur de Italia, Prócida: una isla real y a la vez idílica, como idílico es siempre el paraíso perdido de la infancia, antesala del descubrimiento del mundo.

La película de Damiano Damiani se caracteriza por una atmósfera de tensión sexual establecida entre Wilhelm, Nunziata y Arturo. Percibimos la electricidad en el ambiente, siempre a punto de estallar, siempre al borde de alcanzar al triangulo –y a los demás que los rodean-, en un nudo corredizo. Recomendable. Se puede ver en Apple TV+. 

Películas que no podemos perdernos (I)

He aquí una selección de películas que no debemos dejar de ver. 

1. Fragmentos de una biografía amorosa (Frammenti di un percorso amoroso, 2023), de Chloé Barreau

A lo largo de nuestra vida, nos enamoramos de personas muy distintas. Enamoramiento adolescente, amor a distancia, pasión carnal, vínculo profundo: cada historia es distinta, cada experiencia es única. Desde los 16 años, entre París y Roma, Chloé Barreau –cineasta – ha filmado todos sus amores. Mientras mantenía una relación, ya estaba construyendo su recuerdo: filmar, fotografiar, escribir. Pero cada historia tiene al menos dos puntos de vista... ¿Qué recuerdan a tus ex? ¿Cuál es su versión de los hechos? 

Anna Mouglalis en Fragmentos de una biografía amorosa (2023)

2. Kneecap (2024), de Rich Peppiat

En Irlanda hay 80.000 hablantes de irlandés, 6.000 viven en el norte y tres de ellos lo van a poner todo patas arriba cuando formen un trío de rap llamado Kneecap. Anárquicos, salvajes y dispuestos a todo para salvar su lengua materna.

Kneecap (2024)

3. Adorable (Elskling, 2024), de Lilja Ingolfsdottir

María intenta mantener el equilibrio entre su exigente carrera profesional y la crianza de sus cuatro hijos, mientras su segundo marido, Sigmund, pasa la mayor parte del tiempo fuera de casa por su trabajo. La presión acumulada estalla por los aires cuando una fuerte discusión entre ambos desencadena una decisión inesperada: Sigmund le pide el divorcio. Con su vida personal y familiar en crisis, María se enfrenta al desafío de reconstruir su vida sin perder el rumbo ni dejar atrás a quienes dependen de ella.

Oddgeir Thune y Helga Guren en Adorable (2024)

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En la obra de François Ozon, el bello otoño de las actrices de "Cuando cae el otoño", "8 mujeres" o "Bajo la arena" (II)

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Ozón, una bendición

Lo de Ozon son las abuelas peculiares: tres años después de Ocho mujeres, Jeanne Moreau interpretó a la abuela de Melvil Poupaud en El tiempo que queda (Le Temps qui reste, 2005). La entonces actriz de 77 años comenzó respondiendo: "¡Te lo advierto, no quiero interpretar a una abuela!". Antes de deleitarse con este papel deliciosamente amoral, François Ozon podría ser criticado por elegir solo estrellas, pero para él, todo depende ante todo del apoyo del público: cuando le dio el papel principal de Potiche, mujeres al poder (Potiche, 2010) a Catherine Deneuve, jugó inmediatamente con su imagen mostrándola haciendo jogging en chándal. Por otro lado, cuando necesita una anciana inmediatamente creíble, elige a Hélène Vincent, una gran actriz, pero menos influenciada por el glamour del cine francés.

8 mujeres (2002)

Para Catherine Piffaretti, actriz y representante de la comisión Tunnel para actrices mayores de 50 años de la Aafa (Actrices & acteurs de France associés), Ozon es una bendición en el panorama cinematográfico francés, donde las cifras siguen siendo alarmantes: "En 2023, solo el 9% de todos los papeles, desde la estrella hasta la silueta de una dama con un perrito, se asignaron a actrices mayores de 50 años. Mientras que para los actores de la misma edad, la cifra es del 19%. Es simple: una de cada cuatro personas adultas en la sociedad francesa es mujer mayor de 50 años. Pero en el cine, solo representa un papel de cada once, mientras que la proporción es de uno de cada cinco para los hombres. ¡Es repugnante!".

Para ella, la cuestión de las estrellas es compleja, ya que Isabelle Huppert, Catherine Deneuve o Karin Viard, un pequeño puñado de actrices "financiables", son los árboles que esconden el bosque... ¡pero afortunadamente están ahí! Por otro lado, insiste en una condición necesaria: "Hay que ver cómo les permitimos envejecer en la imagen, reflejar verdaderamente su edad para que los espectadores puedan identificarse con ella".

Melvil Poupaud y Jeanne Moreau en El tiempo que queda (2005)

El cine es un vector de normas: el riesgo, si las mujeres mayores de 50 años no están suficientemente representadas, es que acaben desapareciendo del inconsciente colectivo y chocando contra el techo de cristal en la vida real, QED. Catherine Piffaretti también señala otra trampa, aún más insidiosa: «Invisibilizar a las actrices mayores de 50 años significa privar a las jóvenes de representaciones de mujeres mayores y, por lo tanto, privarlas... de un futuro. De la posibilidad de madurar. Como si estuvieran programadas para desaparecer». Afortunadamente, existe François Ozon, pero también, por ejemplo, Robert Guédiguian, quien nos ha permitido ver a Ariane Ascaride envejecer magníficamente en la pantalla durante décadas, o incluso a actrices muy destacadas, como Cécile de France, Agnès Jaoui o Sandrine Kiberlain, que retoman, en los medios, el discurso de la comisión Aafa.

Judith Godrèche y Catherine Deneuve en Potiche, mujeres al poder (2010)

Pero entonces ¿cómo podremos seguir existiendo en una pantalla? Algunas actrices optan por “no envejecer” gracias a la cirugía estética. Catherine Piffaretti entiende esta estrategia de supervivencia, aunque sea un arma de doble filo: "A las actrices se les pide que se mantengan jóvenes a toda costa, ¡y luego se les dice que están demasiado exageradas!"  François Ozon, por su parte, lamenta que las actrices francesas que no se han retocado, "alisado " el rostro, sean invisibilizadas en el cine francés: "Cuando observas de cerca a un personaje, descubres su belleza, incluso, y sobre todo, en las arrugas de su rostro. Tomemos como ejemplo a las actrices estadounidenses: mediante la cirugía, algunas se han convertido en criaturas, y es complicado escribir papeles realistas para criaturas". En Francia, aunque todavía queda un largo camino por recorrer para que las actrices "envejecidas" salgan del túnel, el otoño sigue siendo una estación más hermosa que en otros lugares. Entonces, la próxima película de Rebecca Zlotowski, Vida privada (Vie privee, 2025) estará protagonizada por Jodie Foster, de 62 años, y las arrugas naturales más bellas del mundo.