De “L'Emploi du temps” a “Enzo”, la fértil relación de Laurent Cantet y Robin Campillo

Laurent Cantet falleció antes de rodar Enzo, que terminó Robin Campillo. Recordamos, por orden  cronológico, las películas que escribieron y editaron juntos.

1. El empleo del tiempo (L’emploi du temp, 2001)

Vincent, un consultor en empresa, es despedido. Decide ocultarlo a su familia y entorno, inventandose un nuevo empleo en Ginebra. Para mantener la farsa, Vincent pasa el tiempo conduciendo por la zona, hablando por su móvil y mirando al vacío. Dado el momento incluso acaba entrando en un edificio y acudiendo a reuniones como si fues eun trabajador más. No está buscando un empelo nuevo, si no un lugar en el mundo. Obligado no sólo a encontrar dinero, sino también a encontrar cada vez más detalles sobre su empleo, Vincent cae en su propia trampa. Mentir a su familia se convierte en una ocupación a tiempo completo. La historia se basa en los hechos reales que rodearon la vida de un tal Jean-Claude Romand en 1993.

2. Hacia el sur (Vers le Sud, 2005)

Principios de los años 1980. Haití vive bajo el férreo gobierno de Baby Doc, lo cual no impide que sea un destino turístico muy solicitado. En el hotel "La petite anse", un auténtico edén tropical situado en una playa de las afueras de Puerto Príncipe, se alojan dos americanas de unos cincuenta años que buscan sexo y un poco de cariño. La devastadora pasión que despierta en ellas Legba, un jovencito bello como un dios, trastornará sus vidas. Estamos ante una película triste y sórdida, sobre mujeres desamoradas, que no juzga a sus personajes, pero sus acciones y la incapacidad de asumir con valentía sus propias vidas sólo pueden calificarse de patéticas.

3. La clase (Entre les murs, 2008)

François es un joven profesor de lengua francesa en un instituto conflictivo, situado en un barrio marginal. Sus alumnos tienen entre 14 y 15 años, y no duda en enfrentarse a ellos en estimulantes batallas verbales; pero el aprendizaje de la democracia puede implicar auténticos riesgos. Al comenzar el curso, los profesores, llenos de buenas intenciones, deseosos de dar la mejor educación a sus alumnos, se arman contra el desaliento. Pero la abismal diferencia de cultura y de actitud chocan violentamente en las aulas, que no son más que un microcosmos de la Francia contemporánea. Por muy divertidos que sean a veces los alumnos, sus comportamientos pueden cortar de raíz el entusiasmo de un profesor. La tremenda franqueza de François sorprende a sus alumnos, pero su estricto sentido de la ética se tambalea cuando los jóvenes empiezan a no aceptar sus métodos. Una magnífica película sobre el mundo de la educación escolar, Palma de Oro de 2008 en Cannes.

4. El taller de escritura (L’atelier, 2017)

La Ciotat, Francia. Antoine ha aceptado formar parte de un taller de escritura donde unos jóvenes, como parte de un programa de integración social, deben escribir una novela con la ayuda de Olivia, una conocida escritora. A raíz del trabajo en el taller, resurge el pasado obrero de la ciudad y el cierre del astillero hace 25 años, pero nada de esto interesa a Antoine. Volcado en preocupaciones más actuales, se opone al grupo y a Olivia con una violencia que alarma y seduce a la novelista. Más que interesante película que habla de nuestras actitudes, de las ideas que nos configuran, de conflictos personales y sociales.

5. Enzo (2025)

El nombre de la película lo refleja con transparencia: Enzo, habla del yo, de un yo adolescente definido por el carácter exacerbado de sus percepciones subjetivas, de unas emociones que ocupan su campo de visión y que subordinan todo cuanto se encuentra a su alrededor al orden de sus impulsos más caóticos. Para Enzo, el mundo es un almacén lleno de retazos vitales ajenos de los que disponer cuando sea necesario, un archivo abierto al que acudir cuando quiera apropiarse de la imagen del dolor de alguien, un parque de atracciones cotidianas en el que no existe una concepción de la solidaridad que no se encuentre embalsamada entre los caracteres de la consigna más vacía y, paradójicamente, egoísta.

Mujeres de cine: Ida Lupino

Ida Lupino (Londres, Inglaterra, 4 de febrero de 1918​-Los Ángeles, California, Estados Unidos, 3 de agosto de 1995), fue una actriz, directora, escritora y productora británica. A lo largo de sus 48 años de carrera, apareció en 59 películas y dirigió ocho, trabajando principalmente en los Estados Unidos, donde se hizo ciudadana en 1948. 

Es ampliamente considerada como la cineasta más prominente que trabajó en la década de 1950 durante el sistema de estudios de Hollywood.​ Con su productora independiente, coescribió y co-produjo varias películas de mensajes sociales y se convirtió en la primera mujer en dirigir una película de cine negro, El autoestopista (The Hitch-Hiker), en 1953. Entre sus otras películas dirigidas, las más conocidas son Madres solteras (Not Wanted, 1949), sobre embarazos fuera del matrimonio (se hizo cargo de una director enfermo, Elmer Clifton, y rechazó el crédito de directora, posteriormente reconocido); Never Fear AKA The Young Lovers (1949), basada vagamente en sus propias experiencias de lucha contra la polio paralizante; Ultraje (Outrage, 1950), una de las primeras películas sobre violación; Hard, Fast and Beautiful (1951), que adaptó una novela de John R. Tunis; El bígamo (The Bigamist, 1953) (que fue nombrada en el libro 1001 Películas que debes ver antes de morir); y Ángeles rebeldes (The Trouble with Angels, 1966). Su corta pero inmensamente influyente carrera como directora, abordando temas de mujeres atrapadas en convenciones sociales, generalmente bajo coberturas melodramáticas o de cine negro, es un ejemplo pionero del cine protofeminista.

Como actriz, sus películas más conocidas son Sherlock Holmes contra Moriarty (The Adventures of Sherlock Holmes, 1939), dirigida por Alfred L. Werker, con Basil Rathbone; La pasión ciega (They Drive by Night, 1940), de Raoul Walsh, con George Raft, Ann Sheridan y Humphrey Bogart; El último refugio (High Sierra, 1941), de Raoul Walsh, de nuevo con Bogart; El lobo de mar (The Sea Wolf, 1941), de Michael Curtiz, con Edward G. Robinson y John Garfield; El misterio de Fiske Manor (Ladies in Retirement, 1941), de Charles Vidor, con Louis Hayward; Marea de luna (Moontide (1942), dirigida por Archie Mayo y Fritz Lang, con Jean Gabin; The Hard Way (1943), dirigida por Vincent Sherman; Deep Valley (1947), dirigida por Jean Negulesco, con Dane Clark; El parador del camino (Road House, 1948), de Jean Negulesco, con Cornel Wilde y Richard Widmark; Mientras Nueva York duerme (While the City Sleeps, 1956), dirigida por Fritz Lang, con Dana Andrews y Vincent Price; y El rey del rodeo (Junior Bonner, 1972), dirigida por Sam Peckinpah con Steve McQueen.

Dirigió más de cien episodios de programas de televisión en una variedad de géneros, incluyendo westerns, sobrenaturales, comedias, misterios de asesinatos e historias de gángsters. Ella fue la única mujer en dirigir un episodio de la serie original The Twilight Zone.

Muere Paul Vecchiali, cineasta extremo (II)

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Todo esto –y muchas cosas más: la infancia, el descubrimiento de la bisexualidad, el surgimiento de la cinefilia, las múltiples depresiones y alegrías inmortales– son evocados, detallados en este libro arrebatado, a la vez magistral y ameno, que leemos tal como lo escribió su autor. : febrilmente. Lo descubrimos allí tal como esperábamos que fuera: honesto hasta el exceso, valiente, quisquilloso, alterna ya la vez altruista y egoísta. Insoportable, también, por supuesto, pero con inocencia y garbo. Volvamos a los cinco amores de Paul Vecchiali.

Danielle Darrieux

Tiene 6 años. "Estaba aburrido en el hotel de Aix-les-Bains donde mi madre tomaba las aguas. Una revista se abrió a las páginas más leídas y me encontré cara a cara -es el caso de decirlo, porque era un primerísimo plano- con Danielle Darrieux . No sabía nada de Darrieux y Mayerling. Esa mirada me mató. Vi cuarenta mil cosas allí. Inmediatamente me comunicó el sueño para siempre. Vecchiali convertirá a la mujer de su vida en En haut des marches, luego en una película para televisión que él mismo considera inacabada: Le Front dans les nuages (1989). Jamás le perdonará al Centre national du cinéma et de l'image animée (CNC), al negarle financiación, por haberle impedido -dos veces- volver a dirigirla en un fabuloso guión, escrito para ella: La Marquise est à Bicêtre.

Jean Gremillon

Su "santo patrón", como él dice. "Un hombre de izquierda que nunca lo proclama. Pero se apega tanto a sus personajes que los vincula a su tiempo, y por lo tanto a la política de su tiempo. No tiene necesidad de rodar películas militantes –despreciables, además, como La vie est à nous de Renoir…" De su cineasta favorito, ama todo. Y especialmente Trailers (1941) con Jean Gabin y Michèle Morgan, que vio doscientas veces. "En cada visión, me siento recogido, sorprendido, molesto, enriquecido."

El estilo

Su caballo de batalla es el antinaturalismo: para él, es en el corazón de lo irreal que se encuentra lo verdadero. Y no importa la verosimilitud, de la que se burla, y la lógica, de la que mata. Si ama tanto las canciones en el cine de los años treinta (salpica con ellas, además, sus propias películas) es porque trascienden el realismo sacrosanto, que paraliza, según él, a tantos cineastas. Un ejemplo que suele citar: en Cœur de lilas (1932), de Anatole Litvak, Jean Gabin entra en un bar, ve a su novia coqueteando con otra persona y, en lugar de gritar y llamar a la puerta, pide una cerveza y canta la sorpresa de todos: "Este es el niño de goma!" Y es la letra de la canción la que refleja su rabia. Toda la estética del cineasta parte de ahí…

Los amigos

Fue para ellos que creó, en 1976, con su amiga Cécile Clairval, la productora Diagonale. Proyecto loco, idealista, al estilo de La Belle Équipe (1936), de Julien Duvivier, que huele a Frente Popular. “Tuve la idea, explica Vecchiali a su biógrafo, Matthieu Orléan, de crear dos departamentos: un departamento de catering y un departamento de cine, dentro del marco legal de la misma empresa, para que haya una circulación de dinero en el medio." Comida y cine, uno alimentando al otro, si nos atrevemos a decir… Y funciona: el catering gana dinero. Y se suceden las películas, modestas, pero originales: Les Belles Manners (1978), de Jean-Claude Guiguet, Simone Barbès o Virtue (1980), de Marie-Claude Treilhou, Buen tiempo pero tormentoso al final del día (1986), de Gérard Frot-Coutaz. Desgraciadamente, un buen día, las “diagonales” se separan: las utopías tienen un solo tiempo, todo el mundo lo sabe. De todos modos, como dijo Gabin al final de La Belle Équipe: “¡Fue una gran idea!". 

El público

Moderó mil doscientos debates durante su carrera. Y no todos apaciguados. A un espectador que le señaló que los personajes de Corps à cœur (1979) se contradecían de una escena a otra, le respondió: “¡Pero claro! Mienten… ¿Nunca mientes, tú, en la vida? A una señora que se queja de no haber entendido las motivaciones de los personajes, le lanza: “ ¿Y qué te impide llevar trabajo a casa? En el documental que le dedicó Emmanuel Vernières, Paul Vecchiali, en diagonales , precisa: "Esta mujer, posteriormente, me escribió. Nos escribimos durante años…” Y para agregar:“Estoy triste cuando los espectadores permanecen indiferentes. Quiero que mis palabras, mis imágenes las saquen de sí mismas. Si hacemos cine, es para ir al extremo. De lo contrario, no tiene sentido."

Muere Paul Vecchiali, cineasta extremo (I)

Director con un público informado, Paul Vecchiali ha vivido con tenacidad setenta años de cine, autoproduciendo la mayoría de sus películas. En mayo había publicado sus Memorias. Una obra desbordante, donde contaba sus amores. Murió a la edad de 92 años, el 18 de enero de 2023. Nacido en Córcega en 1930, Vecchiali pasó su infancia en el sur de Francia. Sus primeras películas pueden enmarcarse sin esfuerzo en la explosión creativa de la Nouvelle Vague parisina, a la que sin embargo llegó profesando su amor hacia el cine francés de los años 30. Se dice que Truffaut adoró su primer largo, Les petit drames (1961), donde su admirada Danielle Darrieux hacía un cameo. Vecchiali pudo volver a darle un papel protagónico de altura décadas después en En haut des marches (1983).

Acaba de publicar sus Memorias: el cine francés. el amor y yo Grueso como una novela de Tolstoi. Y también tupida. Allí se cruzan las siluetas de su vida y sus películas –padres, amigos, amantes, cómplices, enemigos–, recreadas, probablemente embellecidas, por su pluma narradora. Paul Vecchiali tiene 92 años y podría hacer suya esta frase de Alfred de Musset (arrebatada a George Sand, por otra parte): "Sufrí, a menudo, me equivoqué, a veces, pero amé. Soy yo quien vivió y no un ser ficticio creado por mi orgullo y mi aburrimiento."

Les petits drames (1961)

El público en general no lo conoce bien, lo cual tiene sentido, ya que Vecchiali nunca le ha servido la sopa. Fue mucho tiempo, a sus ojos, ¡y todavía lo es! –, un aliado, un compañero de viaje al que trata como a un igual, pero al que exige mucho. Sus compañeros lo admiraban -Pier Paolo Pasolini, Jean-Luc Godard, Jacques Demy-, pero no todos, porque siempre fue duro en sus opiniones y en sus escritos. Y el rencor obstinado, a veces. Así, cuando el Centre national du cinéma et de l'image animée (CNC) -comisión estatal creada para ayudar a los cineastas independientes y marginales- le hace retroceder una y otra vez (¡cuarenta y ocho negativas de 1985 a 2014!), gira a toda velocidad, como de costumbre, y durante casi nada, a tu buen corazón : una farsa poética donde un viejo cineasta asesina, uno por uno, a los miembros de este comité canalla que ha perdido el alma...

Acaba de estrenarse su última película, Pas… de quartier . Ya está preparando otro… Porque, en su carrera de setenta años, a pesar de obstáculos y desánimos, al autoproducirse la mayor parte del tiempo, ha dado muchas vueltas. Cualquier cosa, a veces, pero nunca de todos modos. Películas corporativas, cortometrajes, largometrajes, telefilmes, series y, en medio de este flujo incesante, algunas obras maestras. Por lo general, se malinterpretan en su publicación, porque socavan el decoro y las buenas intenciones, políticas y morales.

Así, En lo alto de las escaleras (En haut des marches, 1983) –un homenaje a su madre– hace temblar a muchos. En particular, la respuesta de la heroína que, al evocar la Francia ocupada, asocia la resistencia con la resiliencia. “  Al sembrar papas ya nos estábamos mojando. Diez fueron arrancados de la tierra. Los alemanes nos quitaron tres. Entonces, por supuesto, éramos colaboradores de estos tres. Quedan siete, con eso sobrevivimos. Resistimos... Y es una gran resistencia sobrevivir. “ No pasa…

En lo alto de las escaleras (1983)

Una declaración de Charles Pasqua (habría definido el SIDA como un castigo divino) llevó a Vecchiali a rodar Encore (Once More) en 1988. Su mayor éxito, quizás: un himno a la pasión amorosa –homosexual, en el acontecimiento, universal, de hecho. Es la historia de un hombre de unos cuarenta años, que ha llegado a la mitad de su vida, y que se pregunta qué hará con el otro. Un viaje de diez años, por tanto, que Vecchiali ilustra en planos secuencia más o menos largos, magníficos, donde multiplica las elipses temporales. Pero afirmar, en medio de una epidemia, como un personaje de Robert Bresson, que un hombre puede alcanzar la gracia a través del sexo y que puede amar hasta la muerte es horroroso y repugnante. Re-escándalo…

Encore (1988)

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Mujeres de cine: Thea von Harbou

El 27 de diciembre nació Thea von Harbou en Tauperlitz, Döhlau (hoy Baviera, Alemania), escritora alemana. Se la conoce especialmente como la guionista de la película de ciencia ficción clásica Metrópolis y la historia en la que se basaba. Harbou colaboró como guionista del director Fritz Lang, su esposo, durante el período de transición del cine mudo al sonoro.

Sus primeras obras, una historia corta publicada en una revista y un volumen de poemas publicado privadamente, se centraba en percepciones de arte, temas considerados poco habituales en una niña de trece años. En 1905 publicó su primera novela. A pesar de su infancia privilegiada, Harbou quería ganarse la vida por sí misma, lo que le llevó a convertirse en actriz a pesar de la oposición de su padre.3​ En 1906 debutó como actriz en Düsseldorf.

Después de su debut en 1906, en Aquisgrán conoció a su primer marido, el actor y director Rudolf Klein-Rogge (1885-1955) con quien estuvo casada entre 1914 y 1920. En el año 1917, ella y Klein-Rogge se trasladaron a Berlín donde Harbou se dedicó a construir una carrera como escritora. Le atraía escribir mitos épicos y leyendas con un tono abiertamente nacionalista. Según estima un historiador, "sus novelas se hicieron patrióticas y elevaban la moral, instando a las mujeres al sacrificio y el deber al tiempo que promovían la eterna gloria de la madre patria".

Su primera interacción estrecha con el cine vino cuando el director alemán Joe May decidió adaptar una pieza suya de ficción, Die heilige Simplizia. Desde ese momento en adelante, "Su producción de ficción se ralentizó. En poco tiempo se convertiría en una de las más célebres guionistas alemanas, no solo por su colaboración con Fritz Lang, sino también por escribir guiones para directores como F. W. Murnau, Carl Dreyer, E. A. Dupont, y otras luminarias alemanas".

Su hermano, Horst von Harbou, fue a trabajar para la UFA como fotógrafo y terminó trabajando estrechamente con Thea y Fritz Lang en muchas de sus más famosas producciones. Entre 1922 y 1933 fue esposa del director cinematográfico Fritz Lang, con el que colaboró y escribió muchos de los guiones de sus películas.

La primera colaboración de Thea von Harbou con Fritz Lang estuvo marcada por el interés mutuo en la exótica India. Mientras Harbou trabajaba en una adaptación de su novela de 1918 Das indische Grabmal (La tumba india), Joe May encargó a Lang que la ayudara a escribir el guion y resolver los detalles de la producción.​ Ensalzando las habilidades de Thea, Erich Kettelhut recordaba, "No solo la apreciaban mucho sus colegas, pero también como una fuerza creativa, tan altamente motivada como eficiente, como su esposo. Su encantadora personalidad fue crucial para el equipo profesional. La habilidad de Harbou de llegar a la gente y llegar a compromisos en las peores situaciones fue un recurso vital".

Harbou y Lang comenzaron un affair por esta época, y ella se divorció de Klein-Rogge en 1920. Después del éxito de Dr. Mabuse, der Spieler-Ein Bild der Zeit (El Dr. Mabuse) y la muerte de la primera esposa de Lang, se casaron en 1922.​ Emprendieron el trabajo en un guion que reflejaba su orgullo por la herencia alemana, Die Nibelungen, que acrecentó la reputación de Harbou como escritora para la pantalla. Fue conocida por la costumbre de lucir siempre el mismo vestido a lo largo del rodaje, incluso cuando cocinaba comidas calientes para el equipo por la noche.​ En esta época de pobreza en la Alemania de los años veinte, Harbou intervino activamente en adquirir comida para su equipo, como recordaba un amigo, "Era capaz incluso de convencer a la UFA para que asumiera los costes de manera que el equipo pudiera tener sus comidas gratis... Allí estaba ella, en el suelo irregular de esa cabaña con corrientes de aire durante horas y no le importaba pelar patatas o limpiar hortalizas con las otras mujeres. Así era el espíritu de sacrificio".

Thea von Harbou y Fritz Lang

Harbou a menudo desarrolló sus guiones como novelas, para ser publicadas al tiempo del lanzamiento de la película, aunque no pasó así con Metrópolis (1927), una de sus obras más famosas.​ Harbou tuvo un papel destacado en la producción de Metrópolis, y esta película épica se convirtió no solo en una de las películas más conocidas de Fritz Lang, sino también una de las más significativas en la historia del cine alemán. Además de escribir la novela y el guion, y desarrollar el final claramente moral de Metrópolis, descubrió a Gustav Fröhlich, que interpretó el papel principal de Freder Fredersen.

Su siguiente gran producción con Lang fue M, el vampiro de Düsseldorf (1931), una película sobre un asesino de niñas. Fue escrita con escrupulosa atención a la exactitud. Lang y von Harbou quedaron fascinados por la cobertura en las noticias sobre Peter Kürten, conocido como el monstruo de Düsseldorf, a finales de los años veinte. Utilizó artículos de periódico para desarrollar el guion y "mantuvo relaciones regulares con el cuartel general de la policía en Alexanderplatz y se le permitió acceder a las comunicaciones y publicaciones secretas de la fuerza de Berlín".​ Recordando el guion, la secretaria de Harbou, Hilde Guttmann, dijo más tarde, "yo había visto muchos otros manuscritos para el cine, pero nunca uno que pudiera compararse con el de M. Juntaron dos cintas de máquina de escribir para darnos tres colores: una negra y roja, y la otra azul. Los movimientos de la cámara y la acción estaban escritas en negro, el diálogo en azul, y el sonido, donde estaba sincronizado, estaba en rojo". Harbou no recibió ningún reconocimiento como escritora de M.

También se implicó en política, uniéndose a la campaña contra el párrafo 218 de Alemania, que convertiría el aborto en delito. En 1932, von Harbou se unió al Partido Nazi.

De izquierda a derecha, Fritz Lang, Brigitte Helm y Thea von Harbou

Poco después de que Harbou se casara con Lang, él desarrolló la costumbre de perseguir abiertamente a mujeres jóvenes, pero aun así se presentaban ante todo el mundo como una familia feliz con un hogar satisfecho que habría parecido un pequeño museo de arte exótico para el ciudadano común.​ Los visitantes recordaban a Harbou encargándose de todas las responsabilidades domésticas y sociales, manteniendo a Lang y al equipo bien alimentados durante las largas reuniones de producción.​ Luego, durante la producción de Das Testament des Dr. Mabuse, Lang descubrió a Harbou en la cama con Ayi Tendulkar, un periodista y estudiante indio 17 años más joven que ella.

Lang y Harbou se divorciaron en 1933 pese a estar separados desde 1931 debido a la relación de Lang con la actriz Gerda Maurus. Después de que el divorcio de Lang y Harbou fuera definitivo el 20 de abril de 1933, la pareja poco a poco perdió el contacto.​ Poco después del divorcio, Harbou y Ayi Tendulkar contrajeron matrimonio secreto, porque el estado nazi no permitía que alguien de su categoría pública se casara con un hindú de piel morena.

Lang, opositor al nazismo, emigró a América después de que el régimen prohibió El testamento del Dr. Mabuse.

Con el ascenso de Adolf Hitler al poder en 1933, la industria cinematográfica alemana se vio influida por la ideología basada en la propaganda. Harbou permaneció leal al nuevo régimen

En 1934, un año después de que el partido nazi subiera al poder, por su propia iniciativa escribió y dirigió dos películas, Hanneles Himmelfahrt y Elisabeth und der Narr. Sin embargo, no encontró satisfactoria la experiencia de dirigir y siguió siendo una prolífica guionista durante esta época. En 1937 escribió el guion de Der Herrscher dirigida por Veit Harlan con Emil Jannings, de total apoyo al régimen.

"Bajo un régimen donde cada película fue un 'film de estado', Thea von Harbou logró ser reconocida en los créditos como guionista en unos veintiséis filmes, al tiempo que prestaba ayuda, sin ser reconocida, en muchos otros, incluyendo unos cuantos de inequívoca ideología nacionalsocialista".

Al final de la Segunda Guerra Mundial, pasó en prisión un breve periodo. Estuvo de julio a octubre de 1945 en Staumühle, un campo de prisioneros británico. Aunque muchos pretenden que tenía hondas simpatías nazis, Harbou decía que solo se unió al partido nazi para ayudar a los inmigrantes hindúes en Alemania, como su marido. En prisión, dirigió una representación de Fausto y cuando fue liberada, trabajó como Trümmerfrau ("mujeres de los escombros") en 1945 y 1946.

Volvió a la industria cinematográfica, trabajando en la sincronización de películas extranjeras. Sin embargo, no alcanzó su éxito anterior y su carrera terminó en los primeros años 1950.

Hacia el final de la vida de Harbou, el dolor de la presión alta, las migrañas y la neuralgia la debilitaron, aunque siguió escribiendo o dictando desde la cama.

En 1954 se proyectó en Berlín su película Der müde Tod de 1921 en su homenaje; al salir del cine resbaló y la caída le provocó una lesión de cadera. El 1 de julio de 1954 murió en el hospital a los sesenta y cinco años de edad.

Varios años después de su muerte, Lang dirigió la película La tumba india, basada en una de las novelas de Harbou.

Mujeres de cine: Jeanie McPherson

El 26 de agosto de 1946 falleció Jeanie McPherson (había nacido el 18 de mayo de 1887), actriz y guionista de nacionalidad estadounidense. Su actividad interpretativa tuvo lugar en la época del cine mudo, desde 1908 a 1917, y su carrera como guionista se prolongó hasta la década de 1940.

Empezó su experiencia teatral en el Chicago Musical College, y en 1908 debutó en la gran pantalla con el corto dramático dirigido por David Wark Griffith The Factual Hour. A lo largo de la década de 1910 MacPherson se convirtió en una popular actriz, actuando junto a actores de la talla de Wallace Reid, Geraldine Farrar, Blanche Sweet y Wilfred Lucas, retirándose de la interpretación en 1917 y concentrándose en su faceta de guionista cinematográfica.

MacPherson fue miembro fundador de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, creada el 11 de mayo de 1927 en Hollywood, California y, como guionista, trabajó durante muchos años para Paramount Pictures, colaborando con directores de la talla de Cecil B. DeMille y D.W. Griffith.

Por su contribución a la industria cinematográfica, se recompensó a Jeanie MacPherson con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en el 6150 de Hollywood Boulevard.

Mujeres de cine: Greta Geerwig

El 4 de  agosto de 1983 nace en Sacramento, California, Greta Gerwig, actriz, directora, guionista y productora estadounidense. Su renombre surgió por su participación en películas del género mumblecore. Ha colaborado con el director Joe Swanberg en varios proyectos, incluyendo la película Nights and Weekends escrita, dirigida y protagonizada por ambos. En 2017 debutó como directora y guionista en solitario con la película Lady Bird, por la que ganó el Globo de Oro a la mejor película - Comedia o musical y recibió nominaciones a los Premios Óscar a mejor dirección y mejor guion original.
En un principio, cuando se iba a dedicar a ser dramaturga, Gerwig fue elegida para interpretar un pequeño papel en LOL (2006) de Joe Swanberg, mientras todavía estudiaba en Barnard. Comenzó a asociarse con Swanberg y otros cineastas mumblecore. Sobre su trabajo en Greenberg (2010) y otras películas, el crítico A. O. Scott de The New York Times describió a Gerwig como «embajadora de un estilo cinematográfico que a menudo parece opuesto a la sola idea de estilo».
Posteriormente participó en el cine mainstream, en películas como Sin compromiso (No Strings Attached, 2011), de Ivan Reitman; Arthur (2011), de Jason Winer y A Roma con amor (To Rome with Love, 2012), dirigida por Woody Allen, donde interpretó a Sally, una joven estudiante. También coescribió y protagonizó Frances Ha, que se presentó por primera vez en el Telluride Film Festival y se estrenó en los cines en 2013.
En 2017 presentó su película Lady Bird, siendo su debut como directora y escritora. Esta película se convirtió en la mejor calificada en el sitio Rotten Tomatoes, con el 100 % de reseñas favorables. Gerwig casi consigue un Oscar a pesar de no haber recibido nunca una formación cinematográfica profesional.

En 2019, escribió y dirigió Mujercitas (Little Women), séptima adaptación cinematográfica de la novela homónima de 1868 de Louisa May Alcott.

En 2023 se prevé el estreno de su próxima película Barbie, basada en la línea de juguetes del mismo nombre de Mattel.

Mujeres de cine: Ileana Douglas

El 25 de julio de 1965 nace en Quincy, Massachussets, Illeana Douglas, actriz estadounidense nominada a los premios Emmy.

Douglas nació con el nombre de Illeana Hesselberg en Quincy, Massachusetts, hija de Gregory Hesselberg (también conocido como Douglas) y de Joan Georgescu; tiene ascendencia judío-alemana por parte paterna (sus bisabuelos eran de Letonia) y rumana por la rama materna.​ Es conocida por su papel en El cabo del miedo (Cape Fear, 1991), de Martin Scorsese, su papel de cantante/escritora de canciones Denise Waverly en Grace of My Heart (1996), de Allison Anders, y sus papeles en Todo por un sueño (To Die For, 1995), de Gus Van Sant y Ghost World (2001), dirigida por Terry Zwigoff.

En televisión, apareció brevemente como la enamorada de Garry Shandling en The Larry Sanders Show, participó en la serie Action (1999) con Jay Mohr, participó como invitada tanto en Seinfeld como en Frasier y ha interpretado a una defensora pública en varios episodios de Ley y Orden: Unidad de Víctimas Especiales (Law & Order: Special Victims Unit en 2002 y 2003. Apareció en dos episodios de la serie de TV de HBO aclamada por la crítica, A dos metros bajo tierra (Six Feet Under) obteniendo en ambos nominaciones al Emmy para actriz invitada en un drama.

En 2006 protagonizó la película de Lifetime, Not Like Everyone Else, dirigida por Tom McLoughlin, y apareció como ella misma en Pittsburgh junto a Jeff Goldblum. En 2007, Douglas fue añadida al elenco de Ugly Betty, interpretando a Sheila, una editora de la revista MODE.

Douglas escribió y dirigió el cortometraje cómico The Perfect Woman (1993), el documental Everybody Just Stay Calm—Stories in Independent Filmmaking (1994) y la sátira Boy Crazy, Girl Crazier (1995); ha sido la productora de varios proyectos incluyendo Illeanarama, una colección de sus cortometrajes para el Sundance Channel.

¿Quién es Bogdan George Apetri, director de la formidable “Milagro”?

Se podría definir Milagro (Miracol, 2021) como “un pequeño thriller rumano”, pero es una gran película brillantemente puesta en escena. Su autor: Bogdan George Apetri, un profesor de cine de 46 años que también es productor y ex abogado, para quien este es el primer logro destacado internacionalmente. 

“Desde adolescente supe que quería ser director. Pero, a los 18, me di cuenta de que era demasiado pronto, era demasiado joven. Fui a la facultad de derecho para madurar, mientras pasaba la mayor parte de mi tiempo en el cine..." Fue finalmente a la edad de 25 años que Bogdan George Apetri dejó Rumania para ir a los Estados Unidos, con la ambición de estudiar el séptimo arte. Mientras esperaba que le validen su matrícula en la Universidad de Columbia (Nueva York), trabaja como abogado penalista.“Odiaba esta experiencia, pero me ayudó mucho, entonces, para hacer películas. Como abogado, tienes que ser capaz de entender a todos, de ponerte en el lugar de todos, incluido el peor criminal. Es lo mismo cuando eres director: tienes que ser capaz de entender a los personajes antipáticos". La experiencia también le dio ideas para los guiones de los tres thrillers que ha dirigido desde entonces: Periféric en 2010, No identificado (Neidentificat) en 2020 y Milagro (Miracol), en 2021. La historia de Una joven monja que se escapa de su monasterio para hacerse cargo de un asunto urgente, pero nunca vuelve y un detective de la policía investiga sobre su destino y descubre pistas y revelaciones que no solo llevan a la verdad, sino también a un milagro. 

Un productor

Durante los diez años que separan sus dos primeras producciones, Bogdan George Apetri produjo principalmente las películas de otros. “No tenía ningún deseo de ser productor, mi obsesión siempre ha sido dirigir. He trabajado en películas de amigos, dándoles un aspecto de diseñador. Podemos recordar: Blaze (2018), de Ethan Hawke, que sigue siendo su " mayor orgullo como productor", narra la vida del cantante y compositor de country norteamericano Blaze Foley (Texas, 1949–Nashville, Tennessee 1989). Blaze fue una inusual leyenda de la música del Texas Outlaw Music que engendró a autores como Merle Haggard y Willie Nelson. A través de una historia que recorre tres periodos de su vida, los diferentes hilos exploran su romance con Sybil Rosen; su última noche oscura en la tierra; y el impacto de sus canciones y el impacto de su muerte en sus fans, amigos y enemigos; o Canción sin nombre (2019), de Melina León, una película política en blanco y negro muy premiada internacionalmente. 

Bogdan George Apetri, director, productor y guionista

Un profesor

Al mismo tiempo, Bogdan George Apetri enseña cine a los aprendices de director en la Universidad de Columbia. Esto le da tiempo para desarrollar proyectos personales y la flexibilidad financiera para rechazar aquellos que no le gustan. “Recibo muchas propuestas en Estados Unidos pero nunca nada, por el momento, que me garantice total independencia artística. Así que rodé mis primeras películas en Rumanía, donde los presupuestos son ciertamente más bajos, pero donde tengo un control absoluto sobre mi película, desde la elección de los técnicos hasta el montaje final. Y luego le gusta acompañar a jóvenes cineastas, como Antoneta Alamat Kusijanovic, su exalumna, Cámara de Oro en Cannes 2021 por Murina.

Milagro (Miracol, 2021)

Un cineasta

Es profesor, por supuesto, pero su cine está lejos del didactismo. Tanto en No identificado como en Milagro, el espectador es un investigador: ve actuar a personajes de los que no sabe casi nada, y debe buscar constantemente respuestas en algún lugar del encuadre, a través de gestos, miradas, diálogos. Es apasionante. “En la vida real, si observo a alguien hablando por teléfono, solo tendré el 10% de la información necesaria para entender la situación. El trabajo del cineasta es crear una conexión entre lo que vemos, ese 10% que está en la superficie, y toda la cara sumergida del iceberg. Cuando la cámara se acerca a los actores, por ejemplo, es una forma de acercarse a lo invisible." Si sus películas están llenas de misterios por dilucidar, el cineasta siempre tiene una interpretación muy precisa de los mismos. “El cine es en sí mismo muy misterioso. Un movimiento de cámara es ambiguo. Entonces, si realizo un barrido sin tener muy claro en mi mente lo que quiero decir y por qué, ya no será misterioso, será confuso. Dicho esto, a veces nos damos cuenta en la sala de montaje que la toma se puede interpretar de manera diferente, luego en la sala de proyección que la gente no tiene la reacción que esperábamos… ¡Por eso me gusta tanto este arte!"

Un escritor

No, Bogdan George Apetri no ha escrito una novela, sin embargo, él es el autor de todos sus guiones y estos no carecen de carácter. Están los giros y vueltas de Milagro, ya, pero también una ambición más amplia: los personajes principales de esta película son los personajes secundarios de la anterior, No identificado, cuyo rodaje tuvo lugar en el mismo lugar (el pequeño pueblo de Rumania de donde se origina), al mismo tiempo (alternativamente, en incrementos de tres o cuatro días). La tercera parte de la trilogía, cuyo guión se acaba de ultimar, se rodará el próximo año.

Mujeres de cine: Jutta Bruckner

El 25 de junio de 1941 nace en Düsseldorf, Alemania, Jutta Bruckner, directora de cine y guionista alemana.

Después de graduarse de la escuela secundaria en 1959, Jutta Brückner estudió ciencias políticas, historia y filosofía en Colonia, Berlín, París y Múnich. Escribió su tesis doctoral en 1973 sobre el tema de la ciencia política alemana en el siglo XVIII . A partir de 1970 se volcó al mundo del cine y trabajó en The Experts (Die Sachverständigen, 1973), de Norbert Kückelmann. En 1973 fue guionista del Bayerischer Rundfunk para dos programas del programa Familie und Schule .

Su primer trabajo como directora y guionista se produjo a mediados de la década de 1970. En la película documental Do Right and Fear No One (Tue recht und scheue niemand – Das Leben der Gerda Siepenbrink, 1975), en la que retrata de la vida de una mujer entre 1915 y 1975. En el documental de Jutta Brückner, su madre recapitula 60 años de su vida, hablando de la temprana muerte accidental de su padre, las estrecheces económicas que afrontaron como familia de clase media-baja, su aprendizaje como costurera, su matrimonio con un contable comprometido con ideales social-democráticos, las privaciones de la guerra, y su postrera comprensión de que el miedo podría haberle causado perder oportunidades.

Su siguiente película fue The Hunger Years: In a Land of Plenty (Hungerjahre - in einem reichen Land, 1980), una adolescente Ursula Zweites crece como hija única de una familia pequeñoburguesa en tiempos de Adenauer. La pubertad conduce a la chica a crecientes conflictos con sus padres y su entorno..

En 1976 fue coautora de la película Der Fangschuss de Volker Schlöndorff. En 1977 escribió su radioteatro Bis daß der Tod euch scheidet, y también dirigió los radioteatros Mein Babylon de Andrea Vogel y Der Kunst in der Arme de Ursula Krechel. Publica ensayos sobre teoría del cine.

En 2005 dirige Hitler Cantata (Die Hitlerkantate) en la que famoso compositor Broch recibe el encargo de componer una cantata con ocasión del cincuenta compleaños de Adolf Hitler. Sin embargo, el oficial de las SS Gottlieb sabe que Broch no es simpatizante Nazi y le asigna su novia Ursula como asistente para tenerle vigilado. Ursula es una talentosa e incipiente compositora que siente devoción por Hitler y su causa. Hasta ahora su última película.

En 1981 fue miembro del jurado de la Berlinale de 1981. De 1986 a 2006 fue profesora en la Universidad de las Artes de Berlín. Desde 1993 es miembro electo de la Academia de las Artes de Berlín. De 2003 a 2009 fue subdirectora de la Sección de Cine y Arte Mediático, y es su directora desde 2009. En las nuevas elecciones de 2015 dio deliberadamente un paso más corto, pero volvió a asumir la vicepresidencia de la sección. 

Brückner vive y trabaja en Berlín.

Mujeres de cine: Daria Nicoledi

El 19 de junio de 1950 nace en Florecia, Daria Nicoledi, actriz y guionista italiana. Se la considera musa del cine de terror de su país.

Compañera sentimental del director de cine italiano Dario Argento y madre de la actriz y directora Asia Argento. Nicolodi actuó en varias películas de Argento, incluyendo Rojo oscuro (Profondo Rosso, 1975), donde interpretó a la periodista entrometida Gianna Brezzi; Infierno (Inferno, 1980); Tenebre (Tenebrae, 1982), Phenomena (1985), Opera (1987) y La madre del mal (La Terza Madre, 2007). Escribió con él el guión de Suspiria (1977), película de la que Luca Guadagnino se inspiró para hacer un remake en 2018. 

Ya había alcanzado la fama con otro tipo de cine de autor, Hombres contra la guerra (Uomini Contro, 1970), dirigida por Francesco Rosi, y con el director Elio Petri cuando Nicolodi conoció a Argento precisamente en el set de Profondo Rosso en 1974.

También trabajó con los directores Mario Bava, Lamberto Bava, Luigi Cozzi, Michele Soavi y con su hija Asia.

Nicolodi falleció en Roma el 26 de noviembre de 2020 a los setenta años.

Mujeres de cine: Octavia Spencer

El 25 de mayo de 1970 nace en Montgomery, Alabama, Octavia Lenora Spencer, más conocida como Octavia Spencer, actriz, directora, productora y guionista estadounidense de cine y televisión. Ganadora de un Premio Oscar, un Globo de Oro, un BAFTA y tres Premio del Sindicato de Actores.

Su debut en el cine se produjo con Tiempo de matar (A Time to Kill, 1996) , basada en la novela de título homónimo escrita por John Grisham. Consiguió aparecer en la película tras preguntarle al director, Joel Schumacher, si podría hacer una audición para un pequeño papel; finalmente interpretó a la enfermera del personaje interpretado por Sandra Bullock, Ellen Roark. Posteriormente ha vuelto a trabajar con la oscarizada actriz en dos ocasiones, en el cortometraje Making Sandwiches (1998), dirigido por Bullock y presentado en el Festival de Cine de Sundance, y en Miss Agente Especial 2: Armada y fabulosa (Miss Congeniality 2: Armed and Fabulous, 2005).​

Ha participado en películas como Entrenador Carter (Coach Carter, 2005), Conexión (Pulse, 2006), Criadas y señoras (The Help, 2011), donde compartió protagonismo con Viola Davis y Emma Stone,  Rompenieves (Snowpiercer,  2013), Figuras ocultas (Hidden Figures, 2016) y La forma del agua (The Shape of Water, 2017). 

Recibió el Premio Óscar a la mejor actriz de reparto por su papel en Criadas y señoras, y recibió dos nominaciones más en la misma categoría por sus roles como Dorothy Vaughan en Figuras ocultas y Zelda Fuller en La forma del agua, convirtiéndose en la primera actriz de ascendencia afroamericana en recibir dos nominaciones consecutivas. En televisión, protagonizó Madam C. J. Walker: Una mujer hecha a sí misma (Self Made: Inspired by the Life of Madam C.J. Walker, 2020), miniserie donde interpretó a Madam C. J. Walker y que le valió una nominación al Primetime Emmy a la mejor actriz - miniserie o telefilme. Además, ha participó en varios capítulos de la versión estadounidense de Betty (Ugly Betty) en 2007.

Mujeres de cine: Antonia San Juan

El 22 de mayo de 1961 nació en Las Palmas de Gran Canaria, Antonia García San Juan, más conocida como Antonia San Juan, actriz, directora de cine, monologuista, guionista y productora española que saltó a la fama en 1999 al interpretar el papel de Agrado en la película Todo sobre mi madre, de Pedro Almodóvar. Participó en la famosa serie de televisión La que se avecina dando vida a Estela Reynolds.

Con veintiún años de edad, se trasladó a Madrid a trabajar, sobre todo en obras clásicas, aunque posteriormente trabajó en bares, pubs y otros locales donde interpretaba sus monólogos.

En 1999 obtuvo el papel de Agrado (una chica transexual) en la película Todo sobre mi madre, de Pedro Almodóvar, papel por el que ganó un gran reconocimiento, así como varios premios, entre ellos una nominación a los Premios Goya como revelación. Posteriormente desarrolló su actividad profesional como directora con varios cortometrajes y películas.

En los años 2009 y 2010 se incorporó al elenco de La que se avecina durante la tercera y cuarta temporada representando a Estela Reynolds, papel por el que ganó gran popularidad. Volvió a aparecer en la serie en el final de la sexta temporada, continuando en la séptima, y decidiendo luego abandonar la serie al creer terminado su personaje.

Durante 2014 y 2015 participó como protagonista en Gym Tony, comedia de situación de Cuatro.​ También ha participado en el programa El club de la comedia, y llevando a escena producciones como Otras mujeres, Las que faltaban y Mi lucha (en clave de humor, sátira e ironía), con el respaldo de textos de Quim Monzó y Terenci Moix. En 2011 protagonizó Lo mejor de Antonia San Juan, y en 2012 De cintura para abajo.

Como productora de teatro es dueña de la productora Trece Producciones, que compartía con su exesposo, Luis Miguel Seguí. También adquirió como concesión por veinte años el Teatro Arlequín, de Madrid.

Mujeres de cine: Nora Ephron

El 19 de mayo de 1941 nació en Nueva York, Estados Unidos, Nora Ephron, guionista, directora de cine, productora, periodista, novelista, ensayista y dramaturga estadounidense. 
Era una de las más agudas y brillantes periodistas neoyorquinas cuando publicó Heartburn, considerado un relato de su matrimonio con Carl Bernstein, uno de los periodistas del caso Watergate. Este libro fue llevado al cine con el mismo título y con un guion escrito por la misma autora. Falleció el 26 de junio de 2012.​

Saltó a la fama internacional cuando escribió el guion de la aclamada comedia Cuando Harry encontró a Sally (When Harry Met Sally..., 1989); también fue reconocida por sus trabajos como guionista y directora en Algo para recordar (Sleepless in Seattle, 1993), Tienes un e-mail (You've Got Mail, 1998), Colgadas (Hanging Up, 2000) Combinación ganadora (Lucky Numbers, 2000), Embrujada (Bewitched, 2005) y Julie y Julia (Julie & Julia, 2009) Además de su trayectoria detrás de cámaras, destacó como ensayista y escritora.

Mujeres de cine: Jane McPherson

El 18 de mayo de 1887 nació en Boston, Massachusetts, Jeanie McPherson, actriz y guionista de nacionalidad estadounidense. Su actividad interpretativa tuvo lugar en la época del cine mudo, desde 1908 a 1917, y su carrera como guionista se prolongó hasta la década de 1940.

En 1908 debutó en la gran pantalla con el corto dramático dirigido por David Wark Griffith The Factual Hour. A lo largo de la década de 1910 MacPherson se convirtió en una popular actriz, actuando junto a actores de la talla de Wallace Reid, Geraldine Farrar, Blanche Sweet y Wilfred Lucas, retirándose de la interpretación en 1917 y concentrándose en su faceta de guionista cinematográfica.

MacPherson fue miembro fundador de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, creada el 11 de mayo de 1927 en Hollywood, California y, como guionista, trabajó durante muchos años para Paramount Pictures, colaborando con directores de la talla de Cecil B. DeMille y D.W. Griffith.

Por su contribución a la industria cinematográfica, se recompensó a Jeanie MacPherson con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en el 6150 de Hollywood Boulevard.

Jeanie MacPherson falleció en 1946 en Los Ángeles, California. Tenía 59 años de edad. Fue enterrada en el Cementerio Hollywood Forever de Hollywood.

Mujeres de cine Sofia Coppola

El 14 de mayo de 1971 nace en Nueva York, Sofia Coppola, directora, guionista, productora y actriz estadounidense.​ En 1999 dirigió Las vírgenes suicidas (The Virgin Suicides),  basada en la novela homónima de Jeffrey Eugenides, publicada en 1993. Coppola ganó los Premios MTV Movie como mejor directora.

Y en 2003 ganó un Premio Oscar a mejor guion original por Lost in Translation, además de ser la tercera mujer en la historia en ser nominada a mejor director por la Academia de los Oscar.

La carrera cinematográfica de Sofia Coppola comenzó a muy temprana edad, ya que siendo un bebé apareció en la película El padrino en la escena del bautismo interpretando a Michael Francis Rizzi y en El padrino II aparece como un niño inmigrante. Su papel más conocido fue el de Mary Corleone en El padrino parte III (1990), en un papel que estaba pensado inicialmente para Winona Ryder, pero al que una enfermedad de esta última impidió representar. Esta interpretación recibió muchas críticas y terminó con la carrera interpretativa de Sofia, aunque posteriormente hizo pequeñas apariciones en las películas Intimidades de Monkey Zetterland (Inside Monkey Zetterland, 1992), La guerra de las galaxias. Episodio I: La amenaza fantasma (Star Wars: Episode I - The Phantom Menace, 1999) y en siete de las películas de su padre. Su primera interpretación no relacionada con el trabajo de su padre fue en Frankenweenie (1984), un cortometraje de Tim Burton, bajo el nombre de Domino.

Su primera experiencia detrás de la cámara fue con el corto Lick the star (1998). Posteriormente, llegaría su reconocimiento a nivel mundial con Las vírgenes suicidas (1999)​ y más adelante, Lost in Translation (2003). Por esta última película ganó el premio Óscar al mejor guion original (además de obtener otras tres nominaciones, entre ellas la de mejor película) y tres premios Globos de Oro, entre ellos el de mejor película en la categoría de comedia o musical. Con su nominación a los Óscar en la categoría de mejor director, se convirtió en la tercera mujer en estar nominada en esta categoría y la primera estadounidense.​ En 2004 fue invitada a unirse a la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMPAS).​

En 2006, estrena su película María Antonieta (Marie Antoinette, 2006), adaptación de la biografía de la reina de Francia escrita por la historiadora británica Antonia Fraser. La actriz Kirsten Dunst interpreta en papel de la reina, y el actor Jason Schwartzman (primo de la directora) interpreta el papel de Luis XVI.

Las vírgenes suicidas (1999)

En 2010, gana el León de Oro del Festival Internacional de Cine de Venecia por su película Somewhere, la historia de una estrella de Hollywood interpretada por Stephen Dorff, que vive en el famoso hotel Chateau Marmont de Los Ángeles y el cambio radical de vida que sufre con la llegada de su hija, interpretada por Elle Fanning.

En 2013, estrenó la cinta The Bling Ring, protagonizada por Emma Watson y Taissa Farmiga,​ abrió la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes del mismo año.

La directora colaboró de nuevo con Bill Murray en una nueva producción titulada A Very Murray Christmas, protagonizada por Murray y Mitch Glazer. Es una película de comedia con temática navideña, siendo estrenada de manera exclusiva en Netflix en diciembre de 2015.

Lost in Translation (2003)

En el Festival de Cine de Cannes de 2017, se convirtió en la segunda mujer (y primera mujer americana) en la historia del festival en ganar un galardón a mejor dirección, triunfó con su trabajo en la cinta La seducción (The Beguiled).​ Remake de El seductor (The Beguiled, 1971), dirigida por Don Siegel y protagonizada por Clint Eastwood. 

Una nueva colaboración entre Bill Murray y la directora que nos ocupa en On the Rocks (2020), una comedia en la que reflexiona, con media sonrisa y en letra minúscula, sobre los posibles efectos del tiempo en las relaciones.

Mujeres de cine: Yasmina Reza

El 1 de mayo de 1959 nace en Nantes, Yasmina Reza, escritora, actriz, novelista y dramaturga francesa. Sus padres eran de ascendencia judía; su padre, medio ruso medio iraní; su madre, húngara.​ En 2000 recibió el Gran premio del teatro de la Academia francesa, en reconocimiento a toda la carrera dramática de la autora.

Como actriz participó en las películas Que los grandes salarios... levanten el dedo (Que les gros salaires lèvent le doigt!, 1982), de Denys Granier-Deferre; Jusqu'à la nuit (1985), de Didier Martiny, con guion de la propia Yasmina Reza; À demain (1991), dirigida por Didier Martiny y colabora en el guion con Reza y Lejos (Loin, 2001).

En 2010 estrenó su única película hasta ahora como directora, Chicas, protagonizada por Carmen Maura. 

Mujeres de Cine: Marie France Pisier

El 24 de abril de 2011 falleció en Saint-Cyr-sur-Mer, Marie France Pisier, actriz, directora de cine y guionista francesa. Es especialmente conocida por participar en películas consideradas "cine de autor" de la llamada "nouvelle vague". Empezó su carrera a los 17 años con François Truffaut en 1962. También trabajó con Luis Buñuel, Jacques Rivette y André Téchiné con cuyas películas se consagró como actriz. 

Empezó su carrera de actriz a los 17 años descubierta por Truffaut para el cortometraje Antoine et Colette (1962). Más tarde trabajó con Robert Hossein en La mort d'un tueur, 1964; Luis Buñuel en El fantasma de la libertad (Le Fantôme de la liberté, 1974); Jacques Rivette en Céline y Julia van en barco (Julie et Céline vont en bateau, 1974) o Alain Robbe-Grillet en Trans Europ Express (1966).

Su consagración como actriz llegó con sus papeles en Recuerdos de nuestra Francia (Sourvenirs d'en France, 1975), Barocco (1976) y Las hermanas Brontë (Les Soeurs Brontë, 1979), todas dirigidas por André Téchiné.

Fue premiada en dos ocasiones con el Cesar a la mejor actriz secundaria por Cousin, cousine (1975) y Barocco (1976). 

Mujeres de cine: Margarethe von Trotta

El 21 de febrero de 1942 nace en Berlín Margarethe von Trotta, directora, actriz y guionista de cine alemana y miembro del movimiento de Nuevo cine alemán.

A partir de 1965, comienza a trabajar profesionalmente como actriz. En el cine colabora en películas de corte vanguardista con el controvertido Herbert Achternbusch y el conocido Rainer Werner Fassbinder.

Margarethe Von Trotta es emblemática directora de la corriente del Nuevo cine alemán​ de la década de 1970, desde la cual surgen importantes figuras como Fassbinder, Schlöndorff, Werner Herzog y Wim Wenders. Ha mostrado un cine consistente que posee una visión particular y crítica de la mujer alemana y de su compleja inserción en la historia del siglo XX.

Sus trabajos, en sus principios, fueron catalogados por los críticos como "feministas", pero en la actualidad ha realizado retratos acabados donde las mujeres exponen su diversidad social y los individuos son explicados desde un interesante sentido histórico desde el cual, el presente no se puede desvincular de su pasado.

Ha recibido distinciones internacionales como el León de Oro del Festival Internacional de Cine de Venecia por Las hermanas alemanas y recientemente el Premio David de Donatello de la Academia de Cine Italiano a la mejor película europea para La calle de las rosas.

Jean-Jacques Beineix: “Mantengo un oficio sumamente nauseabundo con mis propias películas”

Ha fallecido el director, guionista y productor francés, Jean-Jacques Beineix, que había destacado en particular por las películas en La diva (Diva, 1981) y 37,2º Al amanecer (37°2, le matin, también conocida como Betty Blue, 1986).
Jean-Jacques Beineix nació el 8 de octubre de 1946 en París, en el barrio de Batignolles. En 1964, comenzó como ayudante de dirección de Jean Becker y luego con Claude Berri en 1970 y Claude Zidi en 1971. En 1977 dirigió su primer cortometraje Le Chien de M. Michel, la historia de un hombre que es dueño de un perro que no existe, que ganó el premio del festival de Trouville. En 1980 dirigió su primer largometraje Diva, que ganó cuatro premios César pero fue fustigado por la crítica, que le reprochaba su estética publicitaria. El mismo agravio acompaña el estreno de La Lune dans le canive (1983)  donde Beineix dirige a Gérard Depardieu y Nastassja Kinski. En 1986, la crítica no fue más agradable con 37,2º Al amanecer (37°2, 1986), que reunió a los jóvenes Béatrice Dalle y Jean-Hugues Anglade, película que fue nominada a los premios Oscar en la categoría de película de habla no inglesa. En 1989, su índice de audiencia siguió cayendo con Roselyne and the Lions.

Cuando se estrenó IP5: L'île aux pachydermes (1992), algunos críticos lo acusaron de haber agotado hasta el mismísimo Yves Montand, quien murió de un infarto al día siguiente del último día de rodaje. Mortel transfert (2000), su última película hasta la fecha, otro fracaso de público y crítica, confirma su reputación de cineasta maldito e incomprendido. 

Murió el jueves 13 de enero de 2022, a la edad de 75 años, tras una larga enfermedad.