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domingo, 26 de julio de 2026

Hace 100 años: Ballet ruso

El 26 de julio de 1926 se estrenó la película estadounidense Ballet ruso (You Never Know Women), dirigida por William A. Wellman e interpretada por Florence Vidor, Lowell Sherman, Clive Brook, El Brendel, Roy Stewart, Joe Bonomo, Irma Kornelia, Sidney Bracey. Productora: Famous Players–Lasky. Duración: 60 minutos. 
Sinopsis argumental: Cuenta la historia de una compañía o número de vodevil/circo ruso de gira en Estados Unidos. Se centra en un triángulo amoroso entre la bailarina o acróbata principal, el mago e ilusionista del grupo (estilo Houdini), y un millonario adinerado que persigue a la joven.
Comentario: A pesar de su título en español, la trama gira en torno a artistas de variedades y acrobacias, no a bailarines de ballet clásico

miércoles, 24 de junio de 2026

Efemérides de cine: Buffalo Bill y los indios

El 24 de junio de 1976 se estrenó la película estadounidense Buffalo Bill y los indios (Buffalo Bill and the Indians, or Sitting Bull's History Lesson), dirigida por Robert Altman e interpretada por  Paul Newman, Joel Grey, Harvey Keitel, Kevin McCarthy, Geraldine Chaplin, Allan F. Nicholls, John Considine, Shelley Duvall, Burt Lancaster, Denver Pyle, Bert Remsen. Productora:  Dino De Laurentiis, Lions Gate Films, Talent Associates-Norton Simon. Duración: 123 minutos. 
Sinopsis argumentalBuffalo Bill (Paul Newman) está pensando en montar su propio espectáculo del Oeste. El jefe amerindio Toro Sentado (Frank Kaquitts) ya le ha confirmado su participación. No obstante, Toro Sentado tiene sus planes secretos, que involucran al general Custer y al mismísimo presidente Grover Cleveland (Pat McCormick).
ComentarioWestern basado en una obra de teatro de Arthur Kopit, que narra, en tono paródico, la vida del legendario Buffalo Bill (Paul Newman), que hacia 1885 triunfaba con su espectáculo circense. Ganadora del premio Oso de Oro 1976 del Festival Internacional de Cine de Berlín. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

domingo, 15 de febrero de 2026

Hace 100 años: El circo del diablo

El 15 de febrero de 1926 se estrenó la película estadounidense El circo del diablo (The Devil's Circus), dirigida por Benjamin Christensen e interpretada por Norma Shearer, Charles Emmett Mack, Carmel Myers, John Miljan, Claire McDowell, Joyce Coad, Buddy the Dog, Margie Angus, Charles Becker, Sidney Bracey, Melva Cornell, Karl Dane, Charles Murray, Mack Swain, William H. Tooker. Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Duración: 70 minutos.
Sinopsis argumental: En 1913, Carl sale de la cárcel, donde cumplió condena por robo. Desairado por sus circunstancias, Carl rechaza a Dios y reanuda su rápida vida delictiva. Al poco tiempo, su destino se cruza con el de Mary, una ingenua huérfana muy piadosa, que acaba de llegar a la ciudad y que busca trabajo en un circo. Carl se da cuenta de que esa muchacha no es como las demás...
Comentario: La película es una hermosa reflexión sobre la vanidad y la futilidad de la existencia humana. Al igual que sus colegas directores escandinavos, el sueco Victor Seastrom y el finlandés Mauritz Stiller, el pionero danés del cine mudo, Benjamin Christensen, fue finalmente invitado a Hollywood. Allí dirigió siete películas, la mitad de las cuales han sobrevivido hasta nuestros días. Su primera película allí fue El circo del diablo, que, al igual que sus mejores trabajos daneses, se inspira tanto en la religión como en lo macabro.

lunes, 23 de junio de 2025

Hace 100 años: Sally, la hija del circo

El 23 de junio de 1925 se estrenó la película Sally, la hija del circo (Sally of the Sawdust), dirigida por D.W. Griffith e interpretada por Carol Dempster, W.C. Fields, Alfred Lunt, Erville Alderson, Effie Shannon, Glenn Anders, Charles Hammond, Roy Applegate. Productora: Paramount Pictures. Duración: 104 minutos. 
Sinopsis argumentalConocemos la vida circense de la joven Sally y del hombre que la ha criado como un padre, el embaucador profesor Eustance McGargle. La madre de Sally se casó con un feriante, ante el disgusto de su padre, un severo juez, y su tierna madre. Cuando murió, Eustance no comunicó la existencia de Sally a los abuelos, y se ocupó de su educación en el mundo del circo itinerante. Ahora su circuito les lleva a la ciudad de los abuelos, y 'el profesor' duda acerca de la conveniencia de desvelar a ambas partes la existencia de los otros.
ComentarioPerdida durante mucho tiempo y restaurada recientemente, esta película es una de las escasas comedias en la carrera de D.W. Griffith. Adapta una obra de teatro de Dorothy Donnelly, Poppy

sábado, 3 de mayo de 2025

Veinte (muy) buenos thrillers para que los aficionados a las noches de detectives se animen a volar (II)

(cont.)

5. El silencio del agua (He bian de cuo wu, 2023), de Wei Shujun

Década de 1990, ciudad de Banpo, China rural. El cadáver de una mujer aparece junto al río. Ma Zhe, jefe de la policía criminal, dirige la investigación de un asesinato que rápidamente desemboca en una evidente detención. Mientras sus superiores se afanan en comunicar su éxito, varias pistas empujan a Ma Zhe a profundizar en el comportamiento oculto de sus conciudadanos.
El thriller más taquillero del año en China. Un arrollador policíaco en los parajes más rurales de la China de los años 1990 que inevitablemente nos llevará a Memories of Murder. Una joya que pasó por Cannes en la que el agua, y el cine, tienen un papel muy especial. La realidad y la poesía se mezclan en esta película caprichosa y fantasmal, dirigida por el joven director Wei Shujun.

6. Vincent debe morir (Vincent doit mourir, 2023), de Stéphan Castang

Vincent empieza a ser atacado por la gente que lo rodea sin motivo aparente. Su anodina existencia se descontrola y, conforme la violencia crece, no tiene más remedio que huir. Pero ¿adónde?
Si George A. Romero rodara una comedia romántica paranoica en Saint-Nazaire, ¿cómo sería? Esta película preapocalíptica está protagonizada por Karim Leklou, quien intenta escapar de una serie de intentos de asesinato contra su persona común.

7. El callejón de las almas perdidas (Nightmare Alley AKA Nightmare Alley: A Vision in Darkness & Light, 2021), de Guillermo del Toro

Un buscavidas manipulador (Bradley Cooper) se alía con una psiquiatra tan embaucadora como él (Cate Blanchett) para timar a los ricos de la sociedad neoyorquina de los años 1940. 
Nueva adaptación de la novela de William Lindsay Gresham, llevado al cine con anterioridad por Edmund Goulding en 1947. El imaginativo maestro mexicano revela su lado oscuro en este exuberante cine negro con un elenco espléndido. 

8. Nido de víboras (Jipuragirado japgo sipeun jimseungdeul AKA Beasts That Cling to the Straw, 2020), de Kim Yong-hoon

El destino de un mediocre grupo de desgraciados comienza a converger lentamente mientras se desmorona. Joong Man va tirando a duras penas trabajando en una sauna y cuidando de su madre enferma, hasta que encuentra en el vestuario una bolsa llena de dinero. Tae Young se ha metido en un lío porque su novia se ha dado a la fuga con el dinero que él le había robado a un prestamista. Además, aparece misteriosamente un cadáver. Mi Ran, acorralada entre su marido maltratador y su vulgar trabajo de camarera, empieza una relación con su joven amante, Jin Tae, quien se ofrece a matar a su pareja… Así empieza este juego en el que solo puede sobrevivir el más fuerte. 
Cinco individuos sin ninguna conexión aparente gravitan alrededor de un bolso de diseño lleno de billetes. Un thriller surcoreano en forma de juego de matar, donde el humor y la trivialidad suavizan la violencia gráfica de las escenas de asesinato.
(cont.)

sábado, 22 de febrero de 2025

"Buffalo Bill y los indios" vuelve a los cines: cuando Robert Altman desmitificó a un ícono viril del Salvaje Oeste

Ofreciendo una imagen poco favorecedora del famoso cazador de bisontes, la película fue un fracaso cuando se estrenó en 1976. Con Paul Newman interpretando un papel poco habitual, ahora se vuelve a reestrenar en los cines en una versión restaurada.
Paul Newman en Buffalo Bill y los indios (1976)
A medio camino entre dos obras maestras, un fresco coral country. Nashville (1975) y una acuarela bergmaniana Tres mujeres (Three Women, 1977), Buffalo Bill y los indios (Buffalo Bill and the Indians AKA Sitting Bull's History Lesson1976) tiene todos los ingredientes de una película enfermiza, o al menos menor, en la abundante filmografía de Robert Altman (1925-2006). Ritmo lánguido, rechazo de la melancolía, contrauso de estrellas en los créditos: Bob el cáustico no lleva al espectador en la dirección correcta con este nuevo trozo de cultura americana, que cuenta el lado grotesco y poco favorecedor del entorno del salvaje oeste de Buffalo Bill , padre fundador del mundo del espectáculo y protopropagador de noticias falsas en la naciente historia de los Estados Unidos.
Joel Grey, Geraldine Chaplin y Paul Newman en Buffalo Bill y los indios (1976)
Con una peluca larga y rizada que le cae sobre los hombros, siempre entre dos resacas de whisky adulterado, entre dos canarios Castafiore a los que le cuesta honrar, Paul Newman interpreta a un envejecido William F. Cody (el verdadero nombre de Buffalo Bill), lejos del macho alfa exterminador de bisontes que venden las historias de la conquista del Oeste. A diferencia de John Ford en El hombre que mató a Liberty Valance, Robert Altman se niega a publicar la leyenda y quiere retorcerle el cuello de una vez por todas. Divirtiéndose, en primer lugar, poniendo a un icono americano (Paul Newman) en el papel de otro icono americano (Buffalo Bill) para cuestionar el poder de fascinación, seducción y manipulación de dichos iconos sobre el público. Y, por extensión, la responsabilidad de quienes se encargan de contar las historias, con h mayúscula o sin ella, con o sin hacha.
 Paul Newman y Burt Lancaster en Buffalo Bill y los indios (1976)
Un Buffalo Bill alcohólico y un Toro Sentado mudo
La deconstrucción irónica de uno de los mitos fundadores de Estados Unidos comienza en los créditos iniciales, donde Paul Newman es elegido como "la estrella" y Burt Lancaster como "el creador de leyendas". De hecho, este último, disfrazado de viejo sabio de la historia de Occidente, tiene casi la función de un narrador, un antiguo corifeo, encargado de inventar una ficción más bella que la realidad que se nos da a ver.
 Paul Newman, Harvey Keitel y Joel Grey en Buffalo Bill y los indios (1976)
Obviamente, el western, poco espectacular, fue un fracaso. Dino De Laurentiis, el productor, se había apuntado a cabalgatas y tiroteos. Altman le sirvió un Buffalo Bill alcohólico y un Toro Sentado mudo, que hace bailar a su caballo como Bartabas. El financiero italiano y el director estadounidense casi llegan a las manos y, en represalia, Dino confió su próximo proyecto, Ragtime, a Milos Forman.
Buffalo Bill y los indios (1976)
A pesar de los problemas de producción, en la deliciosa "biografía oral" de Mitchell Zuckoff (Robert Altman, 2011) nos enteramos de que el ambiente en el plató era tan colegial como puede serlo, como es habitual en el director de MASH, conocido por transformar sus decorados en campamentos de verano. Paul Newman y Robert Altman compitieron en trucos. Tras ver su camerino lleno de palomitas del suelo al techo, el actor se vengó robando los guantes favoritos del cineasta, que le había regalado una tribu india y que él apreciaba como la niña de sus ojos, para freírlos y servírselos adornados en una caja de comida rápida. ¡Buffalo Bill había refinado su venganza!

sábado, 28 de diciembre de 2024

Efemérides de cine: Pastoral: To Die in the Country

El 28 de diciembre de 1974 se estrenó la película japonesa Pastoral: To Die in the Country (Den-en ni shisu), dirigida por Shuji Terayama e interpretada por Kaoru Yachigusa, Keiko Niitaka, Masumi Harukawa, Kan Mikami, Masahiro Saito, Kantarô Suga, Hiroyuki Takano, Chigusa Takayama, Salvador Tari, Masako Ono, Yoko Ran, Izumi Hara, Kimie Makita, Kiyoshi Nakazawa, Sueshi Sasada, Hitoshi Ômae, Mister Poon, Etsuko Saitô. Productora: Art Theatre Guild, Jinriki Hikoki Sha, Terayama Productions. Duración: 120 minutos.
Sinopsis argumental: Un joven que vive en un extraño y carnavalesco pueblo rural, donde se enfrenta a sus recuerdos, deseos y miedos. Más tarde, nos enteramos que es una recreación de la memoria que el director tiene.
Nominaciones y premios: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película).
Comentario: En lo que puede ser o no una autobiografía, Terayama explora su pasado y la relación que tenemos con nuestros recuerdos, en una serie de simbolismo poético, surrealismo extraño, haikus, cuentos trágicos de amor e inocencia, paisajes hermosos y una cinematografía interesante, todo envuelto en una exploración autorreferencial e intelectualmente sugerente de cómo nuestras vidas se ven afectadas por nuestros recuerdos de la infancia. Un magnífico equilibrio entre el surrealismo indulgente y el objetivismo reflexivo, sin llegar a ser realmente experimental. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

sábado, 9 de noviembre de 2024

Hace 100 años: El que recibe el bofetón

El 9 de noviembre de 1924 se estrenó la película estadounidense El que recibe el bofetón (He Who Gets Slapped), dirigida por Victor Sjöström e interpretada por  Lon Chaney, Norma Shearer, John Gilbert, Tully Marshall, Ford Sterling, Harvey Clark, Marc McDermott. Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Duración: 71 minutos. 
Sinopsis argumental: Paul Beaumont, científico y humanista, después de muchos años de estudio, descubre una revolucionaria teoría, pero su protector (Marc McDermott) se la roba y, además, seduce a su esposa (Ruth King). La ofensa se sella con una bofetada que provoca las burlas de toda la comunidad científica. Beaumont huye avergonzado y se refugia en un circo, donde se hace famoso como el payaso "que recibe las bofetadas". Los caprichos del destino hacen que una noche se encuentre entre el público su pérfido benefactor, que se muestra interesado por la bella Consuelo (Norma Shearer). 
Comentario: Fue la primera película en la que apareció el león de la Metro-Goldwin-Mayer. Tambien fue la primera película dirigida por Victor Sjöström para la Metro Goldwyn Mayer, los estudios donde desarrolló su carrera en los Estados Unidos.

sábado, 26 de agosto de 2023

Clásicos de cine: Trapecio

Trapecio (Trapeze, 1956), de Carol Reed

Mike Ribble era uno de los pocos trapecistas capaces de hacer el triple salto mortal. Sin embargo, tras sufrir un accidente con el trapecio, se vio obligado a trabajar como tramoyista. Tino, el hijo del gran trapecista Orsini, lo busca para que le enseñe a ejecutar el triple salto. Desgraciadamente, entre los dos se interpone Lola, cuyo único afán es triunfar en el circo sirviéndose de su belleza. 
Primera producción estadounidense de Carol Reed y su primera película rodada en Cinemascope, formato que utilizó con maestría para explorar la plasticidad del espacio circense, ambientado en el Circo de Invierno de París. Reed, director de películas como "El tercer hombre", contó con la presencia de un actor con experiencia como Burt Lancaster, que en su juventud había formado parte de un circo. Lancaster fue, además, uno de los productores de la película. Los otros dos ángulos del triángulo amoroso lo formaron Tony Curtis y una Gina Lollobrigida en su momento de mayor apogeo como actriz.
La película está basada en la novela The Killing Frost, del escritor Max Catto y aprovechó el tirón del éxito de El mayor espectáculo del mundo, de Cecil B. DeMille, estrenada tres años antes.
Por su actuación Burt Lancaster obtuvo el Oso de Plata al mejor actor en el Festival Internacional de Cine de Berlín. 

domingo, 16 de julio de 2023

Hace 100 años: Chiquilín, artista de circo

El 16 de julio de 1923 se estrenó la película estadounidense Chiquilín, artista de circo (Circus Days), dirigida por Edward F. Cline e interpretada por Jackie Coogan, Barbara Tennant, Russell Simpson, Claire McDowell, Cesare Gravina, Peaches Jackson, Sam De Grasse, DeWitt Jennings, Nellie Lane, William Barlow. Compañías: Thaila Productions Inc. Duración: 60 minutos. 
Sinopsis argumental: El huérfano Toby Tyler huye de su cruel tío y se une a un circo para trabajar como vendedor de limonada. Cuando una niña que monta a caballo se enferma, Toby la salva de ser despedida poniéndose un vestido y una peluca y tomando su lugar. Después de una serie de desventuras similares, se descubre su talento y Toby se convierte en el payaso estrella.
Comentario: Se consideró perdida hasta 2010. Se encontró una copia en Gosfilmofond, el archivo cinematográfico estatal ruso y se guardo una copia digital a la Biblioteca del Congreso el 22 de octubre de 2010.

sábado, 3 de junio de 2023

El sol del futuro, de Nanni Moretti, tribulaciones de un cineasta al borde del abismo

El cineasta italiano vuelve a la autoficción con una película alegre, en la que su alter ego intenta rodar una película sobre el comunismo italiano…
Muchos fans de Moretti no habían encontrado a su Nanni en la narrativa coral muy oscura y romántica, como una serie ultracondensada, de Tres pisos (Tre piani, 2021). Deberían estar satisfechos con su nueva película presentada en competición en Cannes. El sol del futuro (Il sol dell'avvenire, 2023), y muy placentero, marca el regreso del cineasta italiano al registro que lo hizo famoso: la autoficción caprichosa, a la vez divertida y melancólica, con dudas existenciales sobre sí mismo, la política y el cine. Hay incluso, como en Querido diario (Caro diario, 1993), un paseo lúdico por las calles de Roma donde, la modernidad obliga, el scooter eléctrico ha sustituido a la Vespa.
El héroe de El sol del futuro se llama Giovanni, el verdadero nombre de Moretti, quien interpreta a su alter ego ficticio con un estilo más “moretiano” que nunca, articulando cada sílaba como si estuviera tomando una lección de dicción. Con casi 70 años, Giovanni es un cineasta al borde del agotamiento. Su hija se enamoró de un polaco de sesenta y tantos años. Su mujer (Margherita Buy, como siempre genial) quiere dejarlo y, quizás más en serio, ha decidido producir el primer largometraje de un novato amante de los thrillers sanguinarios. Y el rodaje de su nueva película bajo la dirección de un productor francés corrupto (Mathieu Amalric , histriónico y muy divertido) se convierte en una pesadilla.
Matthieu Amalric y Nanni Moretti en El sol del futuro (2023)
A través de la historia de un circo húngaro de gira por Italia en el momento del levantamiento de Budapest en 1956, Giovanni quiere mostrar cómo el Partido Comunista Italiano de la época perdió la oportunidad histórica de emanciparse de la Unión Soviética. Pero descubre que las nuevas generaciones ni siquiera saben que hubo comunistas en Italia... Y, mientras él está convencido de hacer una gran película política, a su actriz principal le gustaría modificar el guión para convertirlo en una historia de amor...
Moretti no se escatima en este papel de diseñador pasado de moda y pagado de sí mismo –¿quién dijo “viejo tonto”? – que aísla a todos y da lecciones de cine y de moral a toda la Tierra. Aunque ejerce su agudo sentido de la sátira en escenas hilarantes (incluida una negociación con directivos de Netflix más reales que la vida real) a riesgo de componer una película demasiado sentimental, el cineasta logra aligerar la didáctica de su guión. por bellas ideas escénicas (un suntuoso travelling que acompaña a Giovanni cuando abandona, derrotado, el plató de su rival) y por conmovedoras burlas de sí mismo.
Moretti denuncia la representación complaciente de la violencia en las películas de Tarantino, pero Tarantino lo hace cuando, a la manera de Malditos bastardos o Érase una vez... en Hollywood, sustituye la auténtica historia de Italia por una contrahistoria que se adapta a sus propios deseos. Y muestra que el cine permite, a pesar de todo, aportar un poco de ligereza y felicidad en este valle de lágrimas.

viernes, 26 de mayo de 2023

Clásicos de cine: El mayor espectáculo del mundo

El mayor espectáculo del mundo (The Greatest Show on Earth, 1952), de Cecil B. DeMille

El mayor espectáculo del mundo  recrea un tiempo en el que en las pequeñas ciudades, el circo era todo un gran acontecimiento, solía ser el divertimento familiar por antonomasia,  una vez o dos al año en el que la gran caravana ambulante llena de vida y color llegaba a tu ciudad. Generalmente en verano o Navidad, era un fin de semana de representaciones, apto para todos los públicos. Te asustabas con las fieras, te reías con los payasos y te asombrabas con la precisión de los malabaristas, pero quedaba por llegar el más difícil todavía, el trapecio, donde el público guardaba un silencio respetuoso con un redoble de tambores que anunciaba el doble o triple salto mortal. Cecil B. DeMille rinde homenaje a esas personas que llevaban el circo en las venas y dedicaron su vida a hacernos felices y disfrutar de lo que llegó a ser El mayor espectáculo del mundo.
Cuenta entre sus intérpretes grandes actores y actrices: James Stewart, Charlton .Heston, Cornel Wilde, Gloria. Grahame, Betty Hutton, Dorothy Lamour, entre otros. Un mundo nómada, aventurero, caótico, abigarrado, pintoresco, lleno de drama y pasión, desbordante de actividad y entusiasmo, envuelto en apariencias engañosas, que el cineasta supo reflejar con un vigor que no cabía esperar de sus setenta años. No había en el mundo ninguna institución comparable a un circo, era como un ejército, una familia, una ciudad que se desplazaba sin cesar. Era un gigante ágil, que se montaba y desmontaba cada semana, el propio cineasta se enroló en uno de ellos en 1949, para vivir y palpar esa filosofía de vida.
Charlton Heston y James Stewart en El mayor espectáculo del mundo (1952)
Película emblemática sobre el mundo del circo, a pesar de no ser la mejor obra de DeMille, uno de los pioneros del cine de Hollywood, es una cinta nada despreciable. La construcción dramática del film, se apoya en la idea de un espectáculo – un espectáculo que representa casi una vida aparte – que debe transformarse a diario de función en función. Sobre esta base, el cineasta y sus guionistas elaboraron una historia de motivaciones y ramificaciones amorosas que articula no el enfrentamiento de dos mundos sino el de dos conceptos del circo, dos posturas distintas frente a él: la representada por Brad (Charlton Heston) director de la compañía, del que se asegura que “lleva el circo en las venas” sin necesidad de actuar y la representada por los demás, encabezados por los trapecistas Holly (Betty Hutton) y Sebastián (Cornel Wilde) y por el payaso Botones (James Stewart); mientras para Brad la vida es la organización del circo, unos – Holly y Sebastián – sublimarán las suyas mediante la rivalidad en el trapecio y botones toma el trabajo como refugio de un pasado oscuro, escondido tras su maquillaje.
DeMille narra en tono épico, los entresijos del mundo del circo, un microcosmos donde habitan personas, sentimientos, dudas, triunfos y fracasos, pero siempre trabajando en equipo y todo aderezado con la fantasía de luz, color y emoción que siempre ha tenido el circo, con un buen pulso narrativo que nos mantiene expectantes ante el devenir de sus problemas y circunstancias de esa gran familia. Un gran espectáculo, evocador de un arte que desgraciadamente se ha ido extinguiendo, pues la tradición del circo era de estirpe casi familiar, pasando de padres a hijos. Esta sociedad de la información y la tecnología, ha perdido su ingenuidad y su nobleza, arrinconando la ilusión y la sorpresa, despreciando la magia y la emoción, por otros tipos de ocio, menos fraternales, cibernéticos, a veces mezquinos y violentos. Nuestros padres nos llevaron al circo cuando éramos niños, pero nosotros ya no podremos hacerlo, el circo prácticamente ha desaparecido y con él parte de nuestra infancia.
Fue premiada con 2 Oscar (mejor película y mejor guión) y cinco nominaciones, así como de 3 Globos de Oro, incluyendo mejor película - drama. 

miércoles, 17 de agosto de 2022

Efemérides de cine: Había una vez un circo

El 17 de agosto de 1972 se estrenó la película argentina Había una vez un circo, dirigida por Enrique Carreras e interpretada por Gabriel Aragón 'Gaby', Emilio Aragón 'Miliki', Alfonso Aragón 'Fofó', Cristina Alberó, Alfonso Aragón 'Fofito', Andrea Del Boca, Jorge Barreiro, Aldo Mayo, Olinda Bozán, Rodolfo Onetto, Rodolfo Machado, Alicia Márquez, Carlos Luzzieti, Aurora Del Mar, Héctor Fuentes, Mercedes Carreras, Osvaldo Brandi. Productora: Argentina Sono Film S.A.C.I. Duración: 94 minutos.
Sinopsis argumentalUna niña llamada Andrea (Andrea del Boca) cae enferma y solo desea una cosa: el circo. Entonces su padre (Jorge Barreiro) convence a los artistas del circo para que vengan a hacer una actuación en su casa para que así la niña mejore, y así es. El padre, que es viudo, se quiere casar con Carla (Alicia Márquez), una mujer frívola que solo está interesada en su dinero. Él le cuenta su hija que pronto será la boda y que se irá de viaje de luna de miel por toda Europa, entonces Andrea se enfada porque ella también quiere ir y no puede, después de eso la niña se escapa de casa hacia el circo. El padre, tras encontrar a su hija, reflexiona sobre su comportamiento y decide no casarse, pero al final decide casarse con Aurelia (Mercedes Carreras). Al enterarse de eso, el hermano de Carla decide secuestrar a la niña para pedir dinero como rescate. Ante esta situación, los payasos del circo (Gaby, Fofó, Miliki y Fofito) deciden intervenir en la situación y rescatar a la niña.
ComentarioPelícula infantil con importantes dosis de humor, realizada a raíz de la popularidad de sus protagonistas, que lograrían un enorme éxito gracias a sus apariciones en televisión. “Los payasos de la tele” popularizaron también el tema que da nombre a la película. Fue todo un éxito en taquilla, llegando a estrenarse en otros países como Colombia, Chile, Brasil, Venezuela, México, Uruguay e incluso en España a donde llegó el año siguiente. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.

jueves, 2 de septiembre de 2021

Hace 100 años: Der König der Manege

El 2 de septiembre de 1921 se estrenó la película alemana Der König der Manege, dirigida por Joseph Delmont e interpretada por Luciano Albertini, Angelo Rossi, Alfred Haase, Joseph Delmont, Ellen Ulrich, Linda Albertini, Umberto Guarracino, Frau Schlieben. Producción: Albertini-Film.
Sinopsis argumentalEn esta producción de Joseph Delmont, Luciano Albertini (Luciano Sansone) es el protagonista del Cirque Bellini. Está secretamente enamorado de la esposa de Carlo Beltrani, Eva. En este melodrama, nuestro héroe salva a María, una joven acróbata de las garras de un león. Pero la bella y un poco celosa Eva lo hace acusar de un crimen que no cometió. Pero todo terminará bien porque al final se desenmascara al culpable, es un chimpancé y nuestro héroe quedará exonerado.
ComentarioEsta obra cinematográfica, que en su momento tuvo un gran éxito, permite volver a ver a Luciano Sansone, un artista de circo italiano, que en un principio, creó un número de trapecios voladores a ocho, antes de pasar al cine, donde en esa época, los modelos masculinos musculosos estaban muy de moda. Ahora, al parecer está desaparecida. 

viernes, 18 de diciembre de 2020

Efemérides de cine: Mera Naam Joker

El 18 de diciembre de 1970 se estrenó la película hindú My Name Is Joker (Mera Naam Joker), dirigida por Raj Kapoor e interpretada por Manoj Kumar, Simi Garewal, Achala Sachdev, Dharmendra, Rishi Kapoor, Polson, Dara Singh, Sunder, Eduard Sjereda, Birbal, Kseniya Ryabinkina, Agha, Rajendra Kumar, Padmini, Om Prakash, Mohanbali, Raj Kapoor, Mukri, Rajendra Nath. Productora: R.K. Films Ltd. Duración: 224 minutos. 
Sinopsis argumentalRaju es un payaso, es lo que es y siempre lo será. La historia de su vida se divide en tres partes: sus épocas de escuela, las del circo y luego en las calles. Su misión es hacer felices a quienes lo rodean, aunque él tenga tristezas en su interior. En sus vaivenes, Raju experimenta el amor, y sufre por él, pero jamás debe borrar de su rostro la sonrisa, pues como se dice en el circo, "el show debe continuar".
ComentarioLa película es una de las más largas del cine indio. Después de que Sangam (1964) se convirtiera en un éxito de taquilla, My Name is Joker fue muy esperada ya que estuvo en producción durante seis años y fue muy publicitada. Está basada libremente en la propia vida de Raj Kapoor. La película se hizo en parte con la participación de actores soviéticos y en parte se rodó en Moscú. La música de la película, todavía muy popular, fue compuesta por Shankar Jaikishan, por lo que el dúo obtuvo su noveno premio Filmfare. En India, tras su estreno, la película fue rechazada por el público y la crítica, lo que provocó una crisis financiera en Kapoor, ya que la película fue criticada por su duración y trama. La película ha ganado un estatus de culto y hoy en día es considerada un clásico. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

sábado, 15 de agosto de 2020

Las mejores películas de culto de la historia del cine (XII)

La parada de los monstruos (Freaks, 1932), de Tod Browning

Una de las películas más insólitas de la historia del cine. Se trata de la primera película de terror con monstruos de verdad, ya que los protagonistas eran seres deformes. Aunque Browning filmó a los monstruos con toda la ternura, la sociedad de 1932 no estaba preparada para recibir un filme de este tipo, demasiado provocador, que obligaba al hombre a enfrentarse a los horrores que le rodeaban. Por esta razón fue calificado de maldito, hubieron manifestaciones públicas en su contra. Un fracaso monumental en su época debido a que ni siquiera pudo completar una carrera comercial al uso. Prohibida durante treinta años en Reino Unido, acabó a efectos prácticos con la carrera de Tod Browning, que venía de un éxito descomunal como Drácula (1931) y de una carrera triunfal con Lon Chaney. Y pese a todo, hoy es considerada obra maestra absoluta y canon total del cine clásico de Hollywood. Lo que está claro es que le costó encontrar su sitio. Durante décadas, La parada de los monstruos se proyectó en cines de mala muerte y programas dobles de tres al cuarto junto a cine de explotación o directamente pornográfico. Pese a ser una película de una poética visual indiscutible, nada morbosa y con una moral muy clara, el protagonismo de auténticos fenómenos de circo -un entorno que Browning conocía bien, pues se crió en uno- la condenó al ostracismo. Hasta que precisamente su larga vida en circuitos de explotación le otorgó una categoría de película de culto en los sesenta y setenta y acabó siendo redescubierta y reivindicada como el clásico que es hoy. Como curiosidad, en España, por ejemplo, se vio por primera vez en los años 1970, en la Semana de Cine Fantástico de Sitges.

domingo, 2 de agosto de 2020

Las mejores películas de culto de la historia del cine (I)

El gabinete del doctor Caligari (Das Kabinett des Dr. Caligari, 1920), de Robert Wiene

La primera gran película de terror de la historia del séptimo arte, considerada la obra por excelencia del cine expresionista alemán, cuenta la historia de un loco hipnotista (Werner Krauss) que usa a un sonámbulo (Conrad Veidt) para cometer asesinatos. La película tiene un estilo visual oscuro y retorcido, con formas puntiagudas, líneas oblicuas y curvas, estructuras y ambientes que se inclinan y giran en ángulos inusuales, y sombras y rayas de luz pintadas directamente en los platós. El guion fue inspirado por varias experiencias de la vida de Janowitz y Mayer, ambos pacifistas que desconfiaban de la autoridad después de sus experiencias con los militares durante la Primera Guerra Mundial. El tema de la película es la autoridad brutal e irracional; el doctor Caligari representa al gobierno militar alemán, y Cesare simboliza al hombre común condicionado, como los soldados, a matar. Siegfried Kracauer dice que el filme refleja una subconsciente necesidad de un tirano en Alemania, y que es un ejemplo de la obediencia alemana a la autoridad y la renuncia a rebelarse contra la autoridad trastornada. Asimismo, dice que el filme es una premonición del ascenso de Adolf Hitler y el partido Nazi, y que la adición de la historia secundaria convierte al filme de "revolucionario" a "conformista". Otros temas que la película incluye son el desestabilizado contraste entre la cordura y la locura, la percepción subjetiva de la realidad, y la dualidad de la naturaleza humana.

miércoles, 26 de febrero de 2020

Hace 100 años: El gabinete del Dr. Caligari

El 26 de febrero de 1920 se estrenó la película alemana El gabinete del Dr. Caligari (Das Cabinet des Dr. Caligari), dirigida por Robert Wiene e interpretada por Werner Krauss, Conrad Veidt, Friedrich Feher, Lil Dagover,  Rudolf Klein-Rogge, Hans Heinrich von Twardowski. Productora: Decla Film. Duración: 63 minutos.
Sinopsis argumental: Sentado en un banco de un parque, Francis anima a su compañero Alan para que vayan a Holstenwall, una ciudad del norte de Alemania, a ver el espectáculo ambulante del doctor Caligari. Un empleado municipal que le niega al doctor el permiso para actuar, aparece asesinado al día siguiente. Francis y Alan acuden a ver al doctor Caligari y a Cesare, su ayudante sonámbulo, que le anuncia a Alan su porvenir: vivirá hasta el amanecer.
Comentario: Una de las obras cumbre del expresionismo alemán, e indiscutible clásico del cine de terror de todos los tiempos.

jueves, 24 de enero de 2019

Cine para niños: ¿Qué es este circo?

El mundo fascinante del circo en tres películas

Desde bromas de Augusto hasta figuras aéreas de hermosos jinetes, el universo del circo fascina, divierte, intriga ... Entonces, para que sus hijos no anden por la sala de estar como leones enjaulados, una pequeña vuelta de unos cuantos clásico bajo la marquesina. Descubra nuestra selección de películas para ver en familia.
¿Las festividades y su profusión de actuaciones circenses en la televisión les dieron una urgencia furiosa de hacer acrobacias en la alfombra y payasadas en la mesa? Coja a sus mocosos, y hágales que descubran tres clásicos del cine. ¡A la pista frente!

1.- El circo (The Circus, 1928) de Charlie Chaplin

La historia en dos palabras: Para huir de la policía, el vagabundo se refugia en un circo sin ser invitado. Y descubre casualmente, a través de una serie de bromas y torpezas, sus actores y sus números: desde la galería de espejos hasta la hermosa jinete, el difícil trabajo del payaso hasta la jaula con leones.
El argumento para hacer que les guste: ¡Si no es la música, compuesta por Chaplin, no hay nada que escuchar! Una forma maliciosa de insinuar sin asustar que uno está frente a una película muda... ¡Y así, uno puede comentar lo que ve en directo sin molestar a los demás espectadores!
Lo que aprenderán: Que detrás de las payasadas se esconde a menudo una profunda melancolía. 
El momento que más les gustará: Cuando Charlot intenta hacer el trabajo de payaso. La escena de Guillermo Tell, en la que la manzana llena de gusanos es sustituida por... un plátano. 

2.- Dumbo (1941), de Ben Scharpsteen

La historia en dos palabras: A la señora Dumbo, paquidermo residente de un circo, la cigüeña le trae un incómodo elefantito cuyas enormes orejas le harán sufrir  una infinidad de burlas. Traicionado por su familia y separado de su madre, castigado por querer protegerlo, el pequeño Dumbo se consuela en compañía de Timothy, un ratón tan benévolo como inteligente, gracias al cual aprenderá a volar.
El argumento para hacer que les guste: El mismísimo Steven Spielberg (conocido como el padre de ET) era un niño, frente a las tribulaciones del pequeño elefante de Disney, incluso lo menciona en su película 1941... Los fanáticos de Tim Burton también verán la oportunidad de revisar su clásico, antes del estreno en la pantalla grande, a finales de marzo de 2019, de Dumbo, con personajes reales, del director de Beetlejuice.
Lo que aprenderán: Aunque sean grande, debes aprender a hacer insensibles tus orejas a las calumnias. Y que el mundo del circo, bajo su maravilloso exterior, no está exento de crueldad. 
El momento que más les gustará: Cuando Dumbo, borracho después de caer en un barril de champaña, ve, literalmente, elefantes rosa desfilando. Una secuencia musical mítica.

3.- Trapecio (Trapeze, 1956), de Carol Reed

La historia en dos palabras: Víctima de una caída en plena actuación, intentando lograr el triple salto mortal, el trapecista Mike Ribble (Burt Lancaster, asimismo productor de la película) cuelga los leotardos. Y reanuda el camino por los aires entrenando a una joven promesa del trapecio (Tony Curtis). Finalmente se forma un triángulo amoroso cuando entra en escena una joven trapecista (Gina Lollobrigida). Amor, gloria y peligro.
El argumento para hacer que les guste: Las vertiginosas acrobacias, que Burt Lancaster, trapecista en un circo antes de convertirse en actor, insistirá realizar el mismo. 
Lo que aprenderán: Las virtudes de la perseverancia: "Tienes que aprender a perder, como aprender a tener éxito", dijo el maestro a su alumno, cansado de aterrizar en la red.
El momento que más les gustará: Las escenas del trapecio, fabulosas e impresionantes, rodas por primera vez por Carol Reed en Cinemascope. Un formato que favorece las tomas panorámicas y muestra las acrobacias aéreas como una coreografía tan elegante como vertiginosa.

sábado, 28 de abril de 2018

Efemérides de cine: The Biggest Show on Earth

El 28 de abril de 1918 se estrenó la película estadounidense The Biggest Show on Earth, dirigida por Jerome Storm e interpretada por Enid Bennett, Bliss Chevalier, Ethel Lynn, Melbourne MacDowell, Jack Nelson, Earle Rodney, Carl Stockdale. Productora: Thomas H. Ince Corporation. Duración: 50 minutos. 
Sinopsis argumental: Roxie Kemp (Bennett), una domadora de leones en el circo de su padre, es enviada a un internado. Las chicas allí no tienen nada que ver con Roxie hasta que las rescata de un perro rabioso. Marjorie Trent (Lynne), con una larga lista de ancestros, la invita a su casa para la temporada de vacaciones. Tan pronto como Owen Trent (Rodney) ve a Roxie, él piensa que ella es la única chica para él. Su sueño se rompe después de que la Sra. Trent (Chevalier) se entera de que Roxie es hija del dueño de un circo. Sin embargo, el coronel Jeffrey Trent (Stockdale) le dice que sus ingresos provienen del circo, por lo que a la joven pareja se les permite continuar su noviazgo.
Comentario: Anteriormente perdida se encontró una copia en el archivo Gosfilmofond, Moscú. Se conmemora el centenario de su estreno.