Mank, en Netflix: hemos clasificado todas las películas de David Fincher, de peor a mejor (II)

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6.- Mank (2020)

Biopic sobre Herman Mankiewicz, guionista de "Ciudadano Kane", que repasa el proceso de rodaje de la obra maestra de Orson Welles dirigida y estrenada en 1941.

En Mank, David Fincher disecciona una de las polémicas más famosas de la historia del cine: quién escribió realmente el guion de Ciudadano Kane (1941), una de las mejores películas del séptimo arte -quizá la más legendaria de todas, como decía la crítica de cine Pauline Kael- con un por aquel entonces jovencísimo Orson Welles detrás de las cámaras. Este provenía del mundo del teatro y acababa de cumplir los 25 años cuando empezó a filmar este, su primer largometraje. Al lado de Welles estuvo Herman J. Mankiewicz, el Mank que da nombre al título, un guionista de estudios, hermano mayor del director Joseph L. Mankiewicz, descrito como el hombre más divertido de la época en Nueva York, que luchó y luchó contra el director para que se le concediera un crédito como autor del libreto. La cinta, tremendamente revolucionaria a un nivel estético y muy crítica con el ‘establishment’ del momento, fue nominada a nueve estatuillas de la Academia y se llevó sólo un Oscar, precisamente en la categoría de mejor guion original para Welles y Mankiewicz, que ya había colaborado en películas como Un hombre de mundo (1931), Cena a las ocho (1933) o El mago de Oz (1939), pero que siempre consideró Ciudadano Kane como su mejor obra. Él se inventó aquello de "Rosebud", supuestamente tras apostar en las carreras a un caballo llamado Old Rosebud. Aunque hay otras teorías, como que así era como llamaba el inventor de la prensa amarilla William Randolph Hearst a cierta parte íntima de su querida. Tom Burke interpreta a Welles, mientras que el oscarizado Gary Oldman hace de Mankiewicz. Juntos crearon a Charles Foster Kane, el megalómano magnate de la prensa que, en realidad, parodiaba al todopoderoso Hearst, que incluso llegó a prohibir que sus periódicos mencionaran la película. Mank, por tanto, es un ácido retrato del Hollywood de los años 30 y 40, la era dorada del cine, y, por supuesto, un análisis sobre cómo se hacía magia entre bambalinas cuando los titiriteros que movían los hilos en el celuloide eran hombres como Louis B. Mayer, presidente de los míticos Metro-Goldwyn-Mayer; Irving G. Thalberg, vicepresidente y jefe de producción de MGM, o David O. Selznick, productor de Lo que el viento se llevó (1939) y Rebeca (1940), sustituto de Thalberg en MGM y ex de Paramount y de RKO, distribuidora de Ciudadano Kane, antes de volverse independiente. Todos ellos, Mayer (Arliss Howard), Thalberg (Ferdinand Kingsley) y Selznick (Toby Leonard Moore), salen en Mank. Y lo mismo ocurre con Hearst (Charles Dance) o con la actriz de Amores en Hollywood Marion Davies (Amanda Seyfried), amante en la vida real del célebre prohombre y empresario, con quien tuvo un romance hasta la muerte de él en 1951. Hearst creía que el personaje de Susan Alexander Kane -interpretado por Dorothy Comingore-, segunda mujer del protagonista de Ciudadano Kane, estaba inspirada en Davies -pese al desmentido de Welles. Y ese fue el motivo por el que intentó destruir la cinta a toda costa.

5.- El juego (The Game, 1997)

Nicholas Van Orton (Michael Douglas) es un hombre de negocios multimillonario que lo tiene todo. El día de su cumpleaños, su hermano Conrad (Sean Penn) le regala una tarjeta de invitación de CRS; una compañía que, según afirma el hermano de Nicholas, te hace la vida divertida. Nicholas descubre que la compañía ha instalado una oficina en una planta del edificio donde él trabaja. Acude allí a aclararse sobre el regalo de su hermano, y le explican que lo que le ofrecen consiste en participar voluntariamente en un juego especialmente diseñado "para que se divierta"; Nicholas accede y le someten a una serie de exámenes psicológicos y físicos de rutina, con el objeto de medir sus reacciones. Poco después de abandonar su lugar de trabajo ese día, empieza a verse envuelto en un incidente o suceso extraño tras otro, con la permanente sospecha de que tratan de capturarlo y de que todo (salvo algunas cosas), sin importar las circunstancias, parece preparado para que no pueda escapar. Cruza la línea de lo real y lo irreal mientras el juego avanza y cada vez peligra más la vida de los participantes, se verán las verdaderas intenciones de este juego, diseñado especialmente para cada persona. El juego es una especie de yincana de pruebas físicas y psicológicas que Nicholas tendrá que ir superando.

4.- El curiosos caso de Benjamin Button (The Curious Case of Benjamin Button, 2008)

Un hombre (Brad Pitt) nace con ochenta años y va rejuveneciendo a medida que pasa el tiempo; es decir, en lugar de cumplir años los descumple. Esta es la historia de un hombre extraordinario, de la gente que va conociendo, de sus amores y amistades, pero sobre todo de su relación con Daisy (Cate Blanchett), la mujer de su vida. . Dejando de lado la tensión psicológica de cintas como " el director David Fincher se embarcó en este monumental proyecto cinematográfico. Un drama fantástico con un colosal presupuesto de 120 millones de euros y una premisa muy original basada en un relato de Francis Scott Fitzgerald. El proyecto había ido dando tumbos desde los 80, cuando se compraron los derechos de la narración. Tras considerarse directores como Frank Oz o Steven Spielberg y actores de la talla de Tom Cruise o John Travolta, finalmente se optó por el tándem Fincher-Pitt. El resultado fue un excelente éxito de taquilla y 13 nominaciones a los Oscar de 2009. Pese a ello, la cinta fue una de las grandes perdedoras de los premios de la Academia. Slumdog Millionaire le arrebató la mayoría de estatuillas y solo se quedó con tres galardones (dirección artística, maquillaje y efectos visuales), que premiaban las increíbles proezas técnicas del filme. No fue nada fácil, puesto que Brad Pitt tuvo que someterse a sesiones de maquillaje de hasta cinco horas diarias.

3.- Perdida (Gone Girl, 2014)

Perdida ahonda en la historia de Nick (Ben Affleck), un ex periodista casado con Amy Dunne, cuyo matrimonio hace aguas por todas partes. En un acto por intentar reflotarlo, ambos deciden montar un restaurante con ayuda de una de las hermanas de Nick, aunque la idea no prospera. En el día del quinto aniversario de bodas, Amy desaparece misteriosamente. Rápidamente, todas las sospechas sobre quién lo ha llevado a cabo caen sobre Nick. Ante los medios aparece impasible. Adaptación del best-seller Perdida, de Gillian Flynn. La actuación de Rosamund Pike fue particularmente elogiada, y recibió nominaciones para un premio Óscar, BAFTA, Globo de Oro y un Premio del Sindicato de Actores a la Mejor Actriz. Otras nominaciones incluyeron un Globo de Oro al mejor director para Fincher y un Globo de Oro, un BAFTA y un Premio de la Elección de la Crítica para el guion adaptado de Flynn, recibiendo el premio por este último. La película más taquillera hasta la fecha del cineasta de culto David Fincher. La cinta está protagonizada por un Ben Affleck  que para poder trabajar en la película aplazó sus proyectos como director (aunque no como actor, como atestigua el cambio físico que experimenta a lo largo del metraje, debido al duro entrenamiento que siguió para convertirse en Batman) y una Rosamund Pyke.

2.- El club de la lucha (Fight Club, 1999)

Un joven hastiado de su gris y monótona vida lucha contra el insomnio. En un viaje en avión conoce a un carismático vendedor de jabón que sostiene una teoría muy particular: el perfeccionismo es cosa de gentes débiles; sólo la autodestrucción hace que la vida merezca la pena. Ambos deciden entonces fundar un club secreto de lucha, donde poder descargar sus frustaciones y su ira, que tendrá un éxito arrollador. l. Basado en la primera novela de Chuck Palahniuk, "El club de la lucha" es un filme sorprendente, con una historia inquietante sobre las frustraciones que provoca el mundo capitalista y consumista que nos rodea. Con un guion tremendamente agudo, que levantó ampollas por su nihilismo, violencia, provocación e incorrección política, el director David Fincher consiguió una película que atrajo más a la crítica que al público, pero que con el tiempo se convirtió en una cinta de culto. Edward Norton se consolidó como uno de los mejores actores del momento, bordando el papel de joven falto de ideales y perdido en el consumismo (su mayor aspiración es poseer una casa amueblada en Ikea). Brad Pitt también logró una convincente interpretación en el papel de Tyler. Asimismo, se puede vislumbrar en un papel secundario a Jared Leto, quien termina desfigurado.

1.- Seven 

Somerset es un veterano detective que se encuentra a punto de jubilarse y que conoce al joven policía Mills. Juntos deberán investigar el asesinato de un hombre obeso que ha sido atado y obligado a comer hasta la muerte. Los crímenes se suceden mientras los dos detectives muestran sus talantes opuestos, uno paciente y racional, y el joven más impetuoso. Pronto averiguan que los crímenes son obra de la misma persona, ya que ésta deja numerosas anotaciones procedentes de diversas lecturas que ha ido realizando de una serie de libros de temática religiosa. De este modo, Somerset y Mills no tardan mucho en descubrir que la serie de asesinatos está inspirada en los siete pecados capitales: cada uno de los muertos había incurrido en éste u otro pecado, y había sufrido un terrible castigo en consonancia. La pareja de detectives, pese a sus grandes diferencias, tendrá que trabajar duro para conseguir detener a un asesino fanático y meticuloso que siempre parece ir un paso por delante de ellos, pues los asesinatos no dejan de sucederse y la lista de pecados se va acortando dramáticamente. Un intenso, claustrofóbico y angustioso thriller cuya estética y narrativa sirvieron de fuente de inspiración posterior hasta la saciedad. Fue la segunda película del director David Fincher, cuya ópera prima, Alien 3, había recibido más críticas que alabanzas. Sin embargo, en su nuevo trabajo, el cineasta realizó una película que supo alejarse de todos los tópicos del género y construir un universo propio, tanto a nivel estético como narrativo (un tratamiento de personajes más profundo del habitual y un villano a la altura de los mejores del género). Todo ello convirtió a Seven en un inmenso éxito de taquilla que sirvió, además, para demostrar que su única intérprete femenina, Gwyneth Paltrow, era bastante más que la entonces novia de Brad Pitt.

Efemérides de cine: El volar es para los pájaros

El 5 de diciembre de 1970 se estrenó la película estadounidense El volar es para los pájaros (Brewster McCloud), dirigida por Robert Altman e interpretada por  Bud Cort, Sally Kellerman, Michael Murphy, Shelley Duvall, William Windom, Rene Auberjonois, John Schuck, Stacy Keach. Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Duración: 104 minutos. 

Sinopsis argumental: Brewster McCloud es un joven de Houston cuya mayor ilusión es conseguir volar como los pájaros. Para ello, con la ayuda de su dulce amiga Louise, construye un par de alas de tamaño humano que deberían permitirle realizar su sueño. Mientras todo esto ocurre, empiezan a aparecer por la ciudad una serie de cadáveres, entre ellos el del jefe de Brewster, cubiertos por excrementos de ave. La policía local llama a un detective de San Francisco, Frank Shaft, para que investigue el misterioso caso.

Nominaciones y premios: Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a mejor director.

Comentario: Tras el gran éxito de M.A.S.H., el director Robert Altman volvió a trabajar con uno de los protagonistas de la célebre sátira bélica, Bud Cort, en esta comedia de fantasía cuyo tema principal es la lucha entre la creatividad humana y la rigidez del orden establecido. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (LXII)

El séptimo sello (Det sjunde inseglet, 1957), de Ingmar Bergman

Ambientada en la Europa medieval durante la peste negra, relata el viaje de un caballero cruzado (Max von Sydow) y el desarrollo de una partida de ajedrez que él juega con la Muerte (Bengt Ekerot), la cual ha venido a tomar su alma. Bergman desarrolló la trama de la película basándose en una pieza teatral suya titulada Pintura sobre tabla. El título hace referencia a un pasaje tomado del libro del Apocalipsis, que se utiliza tanto al principio como al final del filme. La película empieza con las siguientes palabras: "Y cuando el Cordero rompió el séptimo sello del rollo, hubo silencio en el cielo durante una media hora". (Ap 8:1) Aquí, la frase "silencio en el cielo" hace alusión al "silencio de Dios", el cual es el tema principal de la película. Una de las grandes películas de todos los tiempos, y el título definitivo de la carrera del sueco Ingmar Bergman. La imagen del caballero medieval jugando al ajedrez con la muerte se ha convertido, con el tiempo, en una de las más recordadas del siglo XX. El séptimo sello demostró la capacidad de Bergman de conjugar la metafísica de la historia que narra, con los aspectos físicos del paisaje como las rocas o el cielo. En ella, el cineasta escandinavo contó con las colaboraciones inestimables de Max Von Sydow y Bibbi Andersson, así como de un impagable Bengt Ekerot, que dio a su papel de La Muerte un toque de malévola ironía. Como curiosidad, comentar que en España la película fue manipulada por la censura para difundir la imagen del director sueco como un incansable buscador de Dios. Vista con el metraje original, la película es sencillamente inolvidable y es considerada un gran clásico del cine universal.

Mank, en Netflix: hemos clasificado todas las películas de David Fincher, de peor a mejor (I)

Mank, el undécimo y muy radical largometraje de David Fincher, ya está disponible en Netflix. La oportunidad de mirar la filmografía del director prodigio estadounidense. Descubra qué película está en la parte superior de nuestro ranking. 
El estreno en Netflix de Mank , su nueva película invisible en los cines, es una invitación a volver a visitar todos los largometrajes de David Fincher. Este especialista en efectos especiales se convirtió por primera vez en uno de los directores de videos musicales y comerciales mejor calificados antes de encargarse, con solo 29 años, de la filmación del éxito de taquilla Alien 3. Desde entonces ha realizado otras diez películas (y episodios de dos series importantes, House of Cards y Mindhunter), marcado por su meticuloso saber hacer, su gusto por los experimentos estéticos y la manipulación de imágenes. Entonces, ¿cuáles son las mejores películas de David Fincher? Veredicto, desde el más fallido hasta la obra maestra absoluta.

11.- Alien³ (1992)

Tras escapar con Newt y Bishop del planeta alienígena, la teniente Ellen Ripley recala accidentalmente en Fiorina 161, una cárcel galáctica abandonada a su suerte. La colonia de prisioneros, compuesta exclusivamente por hombres desarmados, sobrevive sin reglas ni control. Después de los éxitos abrumadores de Alien y Aliens, el regreso, se rodó esta tercera parte, contando para ello con un director debutante. Con Alien³ se puso por primera vez tras las cámaras David Fincher, hoy reconocido por ser director de Seven y El club de la lucha. Para ello, el cineasta situó la historia en mitad de una cárcel galáctica, perdida de la mano de Dios, con cierta simbología cristiana mezclada con la estética del cómic. Pese a sus buenas intenciones y al hecho de seguir contando con Sigourney Weaver, la protagonista de las dos primeras partes, el resultado no fue el esperado. De todos modos, se llegaría a rodar una cuarta parte pocos años después.

10.- La habitación del pánico (Panic Room, 2002)

La recién separada Meg Altman y su hija Sarah se mudan a una lujosa mansión en Nueva York. Pero cuando tres intrusos invaden brutalmente su hogar, las dos se encierran en una "habitación antipánico", una cámara oculta construida como refugio, con cuatro muros de hormigón, línea de teléfono independiente, un conjunto de monitores que controlan todos los rincones de la casa y una impenetrable puerta de acero... En esta película, Fincher no duda en exponer al espectador todas las piezas que conforman la historia, rehusando jugar con el recurrente efecto sorpresa usado en sus filmes anteriores, siendo en ese sentido la película más clara y evidente tanto narrativa como argumentalmente del director. El discurso moral de la película está poco subrayado para dejar paso a la acción, aunque en la película se muestran con realismo los miedos y tormentos de los seres humanos cuando se ven arrastrados a vivir y a luchar en circunstancias amenazantes. Resulta entretenida en su conjunto, pero su guión inverosímil, que persigue sin descanso conseguir el máximo de tensión, lastra sin remedio un elegante ejercicio de dirección que firma el moderno David Fincher. Lo mejor, los originales títulos de crédito y algunos brillantes travellings "marca de la casa".

9.- Zodiac (2007)

Entre 1966 y 1978, el asesino del Zodiaco mató a un número indeterminado de personas. Paralelamente, como distracción, enviaba acertijos a los medios de comunicación sobre su identidad. Acompañado de la frase comercial "Hay más de una manera de perder la vida ante un homicida", el cineasta David Fincher presentó Zodiac, un thriller que se aleja de los convencionalismos del género y que cuenta una original y meticulosa historia de obsesiones y desconciertos, basada en un hecho real que ocurrió en Estados Unidos durante las décadas de 1960 y 1970. Para ello se basó en el libro de Robert Graysmith, un dibujante de tiras cómicas que se vio envuelto en la investigación y que, desde entonces, ha escrito numerosos libros sobre el tema. Curiosamente, Graysmith es el eje principal de la cinta y es espléndidamente interpretado por Jake Gyllenhaal, quien se vio apoyado por un conjunto de secundarios de lujo. No es la primera vez que Fincher pone patas arriba los cimientos del cine de psicópatas. Ya lo hizo en 1995 con la perturbadora y psicológica Seven.

8.- La red social (The Social Network, 2010)

Una noche de locura creativa, Mark Zuckerberg, alumno de Harvard y genio de la programación, se sienta delante de su ordenador y empieza a desarrollar una nueva idea. Esta se convierte en una revolucionaria red social que envenena a todo el planeta. Facebook es un fenómeno social del nuevo milenio que ha enganchado a millones de internautas. A pesar de las dificultades que presenta trasladar algo tan abstracto al cine, Aaron Sorkin, el creador de la prestigiosa serie El ala oeste de la Casa Blanca, se atrevió a escribir un guión centrado en la extraña personalidad del creador de Facebook. Y superó el reto con éxito absoluto. David Fincher, realizador de notables thrillers como Zodiac o Seven, se rindió ante la calidad del libreto de Sorkin, que encandiló a la crítica gracias a sus diálogos vertiginosos e inteligentes. La película logró ocho nominaciones a los Oscar, incluyendo mejor película, y obtuvo finalmente tres: el obvio galardón para el libreto y dos más para la banda sonora y el montaje. El propio Zuckerberg no tuvo implicación alguna en la producción y tachó a la película de imprecisa, comentarios que fueron tapados por el aplauso unánime de la prensa especializada.

7.- Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres (The Girl with the Dragon Tattoo, 2011)

Mientras espera poder librarse de una acusación de difamación que puede hundir su carrera, el periodista Mikael Blomkvist recibe un extraño encargo: trasladarse a una remota isla del norte de Suecia, donde la muerte no esclarecida de una joven cuarenta años atrás atormenta aún a su tío, el patriarca de una de conocida familia. Sospechando que el asesino puede seguir aún en la isla, Blomkvist emprende una investigación que lo lleva a descubrir los secretos y mentiras de la poderosa y rica saga familiar. Cuenta para ello con una extravagante aliada, la hacker punki Lisbeth Salander. Versión hollywoodiense del primer volumen de las novelas de Millennium, escritas por el difunto autor sueco Stieg Larsson. Esta adaptación, más larga, menos taquillera en España y, en general, mejor vista por la crítica, lleva el sello inconfundible de David Fincher quien vuelve a dirigir un proyecto sobre asesinos en serie. El protagonista, Daniel Craig, rodó la película entre dos de sus proyectos de James Bond, por lo que quiso engordar para tener un cuerpo menos atlético y distanciarse de su personaje de 007. La selección de la actriz que encarna a Lisbeth fue complicada; se consideró a Natalie Portman (que rechazó el proyecto para descansar), a Scarlett Johansson (Fincher la consideró demasiado sensual), a Jennifer Lawrence (demasiado alta) y finalmente a Rooney Mara, que ya había trabajado con el cineasta en La red social y que optó al Oscar por este trabajo.

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Cumplió 25 años: Sentido y sensibilidad

El 4 de diciembre de 1995 se estrenó la película británica Sentido y sensibilidad (Sense and Sensibility), dirigida por Ang Lee con Emma Thompson, Kate Winslet, Hugh Grant, Alan Rickman, Greg Wise, Emilie François, Imogen Stubbs, Gemma Jones, Robert Hardy, Elizabeth Spriggs, Imelda Staunton, Hugh Laurie, Harriet Walter, James Fleet, Tom Wilkinson, Ian Brimble, Isabelle Amyes, Alexander John, Allan Mitchell, Josephine Gradwell, Richard Lumsden, Lone Madsen, Oliver Ford Davies, Eleanor McCready. Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Columbia Pictures/Mirage Entertainment. Duración: 135 minutos. 

Sinopsis argumental: Inglaterra, siglo XIX. Dos hermanas completamente distintas: una, pura razón y sentido común (Emma Thompson); la otra, pura sensibilidad y pasión (Kate Winslet), se enfrentan al amor y a las adversidades de la vida. Al morir su padre, deben abandonar su hogar, que pasa a manos de un hermanastro, hijo del primer matrimonio de su padre. Se mudan al campo y, allí, tendrán experiencias amorosas que producirán en ellas un cambio profundo.

Nominaciones y premios: Oscar: Mejor guión adaptado. 7 nominaciones, incluyendo mejor película; 2 Globos de Oro: Mejor película: Drama, guión adaptado. 6 nominaciones; 3 premios BAFTA: Mejor película, actriz (Thompson) y secundaria (Winslet). 12 nominaciones.3 premios National Board of Review: Película, actriz (Emma Thompson), director; Círculo de Críticos de Nueva York: Director (Ang Lee) y guión. 4 nominaciones; Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor guion. 2 nominaciones; Critics' Choice Awards: Mejor película y Mmjor guión; Sindicato de Productores (PGA): Nominada a mejor película; Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director; Sindicato de Guionistas (WGA): Mejor guión adaptado; Sindicato de Actores (SAG): Mejor actriz secundaria (Winslet). 3 nominaciones; Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor guión; Festival de Berlín: Oso de Oro.

Comentario: Basada en la novela homónima de Jane Austen, Sentido y sensibilidad es el producto de dos determinaciones: la de la productora Lindsay Doran y Emma Thompson enamoradas del original literario. Esta última se encargó de escribir el guion, llegando a redactar varios borradores, uno de ellos elaborado en la Toscana durante el rodaje de Mucho ruido y pocas nueces (1993). 

100 sagas de cine: Mortal Kombat

Mortal Kombat es una franquicia de medios, iniciada con una saga de videojuegos de lucha, creada por Ed Boon y John Tobias en 1992 y lanzadas inicialmente en máquinas arcade, posteriormente estuvieron disponibles en consolas domésticas. Como resultado de su éxito, Mortal Kombat ha dado lugar a varias secuelas y se ha escindido en varios juegos de acción y aventura, ha tenido películas (de animación y de acción en vivo con su propia secuela), series de televisión e historietas. La serie es conocida por su gran cantidad de sangre y violencia, incluyendo particularmente los fatalities, un movimiento especial que para ser realizado se requiere hacer una combinación específica de botones, que posteriormente llevó a las empresas de videojuegos a crear la ESRB. 

Las películas de acción en vivo son: 

Mortal Kombat (1995), dirigida por Paul W. S. Anderson 

Shang Tsung lleva venciendo desde hace nueve generaciones todos los torneos de artes marciales que se producen en su extraño país. Pero Lord Rayden, una especie de dios del Trueno benigno, ha reclutado a tres guerreros para que luchen contra Shang Tsung. Adaptación del videojuego del mismo nombre, realizado gracias al éxito de Super Mario Bros. Con un Christopher Lambert como protagonista de la función, la película mantiene todas las constantes de su punto de partida original. Sin un guión muy estructurado, Mortal Kombat se centra en las diferentes luchas de los personajes y en una ambientación técnicamente muy elaborada. Su éxito comercial provocó la realización de una secuela un par de años más tarde. Galardonada con el premio BMI Film Music Award 1996 (George S. Clinton).

Mortal Kombat: Aniquilación (Mortal Kombat: Annihilation, 1997), de John R. Leonetti

La película comienza como acabó la anterior. Un grupo de esforzados paladines ha derrotado a los guerreros del mal procedentes del mundo exterior, en el torneo a vida o muerte llamado Mortal Kombat, salvando a la Tierra de la destrucción durante una generación más. Pero cuando los vencedores están todavía regocijándose por su triunfadora victoria, las puertas que llevan al mundo exterior se hacen pedazos y una figura gigantesca, con el rostro de la muerte, declara que la batalla no ha hecho más que empezar. Shao-Khan, el temible emperador del mundo exterior, no sólo ha roto las sagradas reglas del Mortal Kombat, sino que esta vez viene en persona, al frente de sus escuadrones de exterminio, a conquistar y eliminar cualquier cosa que se interponga en su camino. Ni siquiera los omnipresentes dioses mayores pueden detenerlo, y los Guerreros dependen más que nunca de su propio valor e iniciativa para frenar el terrible y destructor sacrificio, luchando contra unos enemigos más poderosos que ninguno de los que se han encontrado jamás.

Mortal Kombat (2021), de Simon McQuoid 

Mortal Kombat es una película estadounidense en desarrollo perteneciente al género de acción de fantasía de artes marciales del año 2021 dirigida por Simon McQuoid (en su debut como director) a partir de un guion de Greg Russo, basada en la franquicia de videojuegos del mismo nombre creada por Ed Boon y John Tobias. La película sirve como reinicio de la serie de películas que sigue a Mortal Kombat: Annihilation. Warner Bros. Pictures estrenará la película el 15 de enero del año 2021. Estará calificada para mayores de 18 años. Todavía no se ha desvelado nada del argumento.

Y una película de animación: 

Mortal Kombat Legends: La venganza de Scorpion (Mortal Kombat Legends: Scorpion's Revenge, 2020), de Ethan Spaulding

Es la primera película basada en Mortal Kombat que se produce en Warner Bros. Animation después de que su empresa matriz adquiriera la franquicia en el año 2009 de Midway Games, y el primer proyecto animado de Mortal Kombat desde la serie animada de 1996 Mortal Kombat: Defenders of the Realm, con el cocreador Ed Boon involucrado como consultor creativo. Mortal Kombat Legends: La venganza de Scorpion pone el foco en un torneo único que se celebra una vez por generación y en el que se enfrentan los campeones de distintos reinos. El ganador determinará el destino de la Tierra y de sus habitantes.

Efemérides de cine: La cólera del viento

El 4 de diciembre de 1970 se estrenó la película española La cólera del viento, dirigida por Mario Camus e interpretada por Terence Hill, Maria Grazia Buccella, Fernando Rey, Mario Pardo, Máximo Valverde, Berto Cortina, Ángel Lombarte, William Layton, Manuel Alexandre. Productora: Coproducción España-Italia; Cesáreo González P.C/Fair Film. Duración: 102 minutos. 

Sinopsis argumental: Marcos y Jacobo, dos asesinos a sueldo, se dirigen al Sur, a Andalucía. Han sido contratados por don Pedro, un poderoso latifundista, para poner fin a una posible rebelión de los campesinos. Marcos cumple la primera parte de su contrato matando a un anarquista recién llegado. Pero los campesinos reaccionan violentamente y los terratenientes no tardan en responder...

Comentario: Western rodado por Mario Camus al principio de su carrera y en el que todo está organizado para el lucimiento de su protagonista, Terence Hill. El actor, cuyo verdadero nombre es Mario Girotti, estuvo secundado por Teresa Gimpera y Fernando Rey. Fuertemente influenciado por el Spaguetti Western, la película de Camus se pierde en introspecciones meditabundas que malogran el ritmo de la película y dejan sentir en el espectador las casi dos horas de duración, que transcurren sin demasiada acción.

Reestrenos de la semana: 27 de noviembre

Diego Maradona

Dirección: Asif Kapadia. País: Reino Unido. Año: 2019. Duración: 130 minutos. Género: Documental. Biográfico. Deporte. Fútbol. Documental deportivo. Reparto: Documental, (intervenciones de: Diego Armando Maradona, Pelé, Dalma Maradona, Claudia Villafañe, Ciro Ferrara, Maria Rosa Maradona, Corrado Ferlaino, Diego Maradona Jr, Italo Cucci, Gianni Minà, Diego Maradona Sr, Gianinna Maradona, Daniel Arcucci, Cristiana Sinagra, Jorge Burruchaga, John Foot, Vincenzo Siniscalchi, Ernesto Cherquis Bialo, Daniel Hadad, Simone Di Meo, Giovanni Marino, Roque Villafañe, Gennaro Montuori, Víctor Hugo Morales, Alberto Bigon, Fernando Signorini). Producción: James Gay-Rees. Música: Antonio Pinto. Montaje: Chris King. Productora: On The Corner Films/Lorton Entertainment/Film4 Productions. Premios y nominaciones: Premios BAFTA: Nominada a mejor documental; British Independent Film Awards (BIFA): 5 nominaciones, incluido mejor director. Estreno en España: 11 de julio de 2019. Reestreno en España: 27 de noviembre de 2020. Sinopsis: Documental construido sobre la base de 500 horas de metraje inédito, acerca de la carrera y la vida del aclamado y controvertido futbolista argentino Diego Armando Maradona.

Películas de la semana: 4 de diciembre

El verano que vivimos

Dirección: Carlos Sedes. País: España. Año: 2020. Duración: 119 minutos. Género: Drama. Romance. Basado en hechos reales. Años 1990. Años 1950. Interpretación: Blanca Suárez, Javier Rey, Pablo Molinero, Carlos Cuevas, Guiomar Puerta, María Pedraza, Moreno Borja, Adelfa Calvo, Manuel Morón, Joaquín Núñez, Pedro Rudolphi, Paloma Reynaud. Guion: Ramón Campos, Gema R. Neira, Salvador S. Molina, Javier Chacártegui, David Orea. Música: Federico Jusid. Fotografía: Jacobo Martínez. Productora: Mr. Fields and Friends/Atresmedia Cine/Warner Española S.A/Bambú Producciones/La Claqueta PC/4 Cats Pictures. Distribuidora: Warner Bros. Pictures.  Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Sinopsis: Año 1998. Isabel, estudiante de periodismo, se ve obligada a realizar sus prácticas en el diario de un pequeño pueblo costero gallego para terminar la carrera. Al llegar, quiere empezar cuanto antes a investigar, a demostrar todo lo que ha aprendido para convertirse en una auténtica periodista. Pero el puesto que le asignan es el último que ella esperaba: la escritura y gestión de las esquelas que llegan a la redacción. Pero esto, que podría parecer en principio algo aburrido, se convierte en la puerta a una investigación que la llevará por diferentes puntos de la geografía española en busca de una historia de amor imposible.

En guerra con mi abuelo

Título original: The War with Grandpa. Dirección: Tim Hill. País: Estados Unidos. Año: 2020. Duración: 97 minutos. Género: Comedia. Familia. Cine familiar. Interpretación: Robert De Niro, Oakes Fegley, Uma Thurman, Rob Riggle, Christopher Walken, Laura Marano, Juliocesar Chavez, Lydia Styslinger, Jane Seymour, Veronica Alicino, Colin Ford, Cheech Marin, Isaac Kragten, T.J. McGibbon, Heather Johansen, James Martin Kelly, Betsy Landin, Kendrick Cross, Jeremy Childs, Suehyla El-Attar, Drew Scheid, Joshua Childs, Jaydin McCollum. Guion: Lisa Addario, Tom J. Astle, Matt Ember , Joe Syracuse (Novela: Robert Kimmel Smith). Música: Christopher Lennertz. Fotografía: Greg Gardiner. Productora: Marro Films. Distribuidora: Dimension Films. Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Sinopsis: Basada por un libro del mismo nombre, War with Grandpa, escrito por Robert Kimmel Smith. Este película empieza cuando joven Peter descubre que su abuelo Jack viene a quedarse con ellos, sin embargo, cuando Peter descubre que su abuelo va a vivir en su cuarto, forzando a Peter a trasladarse al cuarto de huéspedes, Peter decide que es injusto. Recibiendo la ayuda de sus amigos, Peter declara la guerra a su abuelo Jack para hacerle abandonar la habitación. Pero el abuelo Jack es más testarudo que aparece, y pelea para el cuarto, causando una grieta que parece nunca se cura. Sin embargo, la guerra va demasiado lejos y Peter decide rendirse y hacer la paz, o hace?

Madame Curie

Título original: Radioactive. Dirección: Marjane Satrapi. País: Reino Unido. Año: 2019. Duración: 109 minutos. Género: Drama. Biográfico. Años 1900. Interpretación: Rosamund Pike, Sam Riley, Anya Taylor-Joy, Aneurin Barnard, Simon Russell Beale, Jonathan Aris, Indica Watson, Mirjam Novak, Tim Woodward, Cara Bossom, Richard Pepple, Michael Gould, Mark Phelan, Corey Johnson. Guion: Jack Thorne (Biografía: Marie Curie). Música: Evgueni Galperine, Sacha Galperine. Fotografía: Anthony Dod Mantle. Productora: Coproducción Reino Unido-Hungría-China; Working Title Films/Studio Canal/Shoebox Films/Pioneer Stilking Films. Distribuidora: A Contracorriente Films. Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Sinopsis: Pionera. Rebelde. Genio. Radioactive cuenta la vida de Maria Sklodowska-Curie, más conocida como Marie Curie (Rosamund Pike). La película explora las experiencias e investigaciones de una mujer adelantada a su tiempo. Nacida en el siglo XIX, Marie estudia hasta convertirse en una científica que en su madurez se casa con el también científico, Pierre Curie (Sam Riley). A pesar de la crítica y los prejuicios de una comunidad estrictamente masculina, Marie persevera hasta realizar uno de los grandes descubrimientos de la historia: el radio. Este elemento revoluciona el mundo y le granjea el premio Nobel de ciencias. Desgraciadamente, su mismo descubrimiento acabaría siendo la razón que acabaría con su vida. Radioactive es una biografía dirigida por la cineasta y dibujante de cómics Marjane Satrapi. La película está basada en la novela gráfica de Lauren Redniss y guionizada por Jack Thorne.

Volver a empezar (Herself)

Título original: Herself. Dirección: Phyllida Lloyd. País: Irlanda: Año: 2020. Duración: 97 minutos. Género: Drama. Amistad. Feminismo. Interpretación: Clare Dunne, Harriet Walter, Conleth Hill, Cathy Belton, Ericka Roe, Rebecca O'Mara, Sean Duggan, Charlene Gleeson, Chelsea Gill, Lucy Parker Byrne, Ally Ni Chiarain, Eimear Morrissey, Liz Fitzgibbon, Molly McCann, Ruby Rose O'Hara, Dmitry Vinokurov, Aaron Lockhart, Anita Petry. Guion: Malcolm Campbell, Clare Dunne. Música: Natalie Holt. Fotografía: Tom Comerford. Productora: Coproducción Irlanda-Reino Unido; Element Pictures. Distribuidora: Caramel Films. Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Sinopsis: Sandra (Clare Dunne) es una madre joven que trabaja para conseguir construir un hogar cálido, feliz y seguro donde puedan crecer sus dos hijas pequeñas. Con la determinación de que sus vidas mejores, pero si poder acceder a ningún tipo de ayuda por parte de las instituciones, ella misma decide levantar el proyecto desde cero. Con poco dinero y sin ahorros, Sandra recurrirá a usar toda su ingenuidad para convertir en realidad este ambicioso plan al mismo tiempo que debe escapar al control de su posesivo exmarido y conseguir alejarle de sus hijas y de ella misma. A pesar de todo, nada puede amedrentar la decisión de Sandra que se apoyará en una serie de amigos dispuestos a ayudarlas. Gracias a la generosidad y bondad de estas personas, y también al cariño de sus dos hijas, Sandra recuperará la sensación de que realmente puede volver a ser ella misma.

El padrino. Parte III

Título original: The Godfather: Part III. Dirección: Francis Ford Coppola. País: Estados Unidos. Año: 1990. Duración: 163 minutos. Género: Drama. Mafia. Crimen. Familia. Años 1970. Secuela. Interpretación: Al Pacino, Diane Keaton, Talia Shire, Andy García, Eli Wallach, Joe Mantegna, George Hamilton, Bridget Fonda, Sofia Coppola, Raf Vallone, Donal Donnelly, Richard Bright, Al Martino, Helmut Berger, Don Novello, John Savage, Franco Citti, Mario Donatone, Vittorio Duse, Enzo Robutti, Robert Cicchini, Rogerio Miranda, Carlos Miranda, Vito Antuofermo, Jeannie Linero, Carmine Caridi, Don Costello, Al Ruscio, Mickey Knox, Rick Aviles, Michael Bowen, Brett Halsey, John Abineri, Brian Freilino, Gregory Corso, Marino Masé, Dado Ruspoli, Valeria Sabel, Remo Remotti, Giuseppe Pianviti, Simonetta Stefanelli, Paco Reconti, Mimmo Cuticchio, Nicky Blair, Diana Agostini, Jessica DiCicco, Catherine Scorsese. Guion: Francis Ford Coppola, Mario Puzo (Novela: Mario Puzo). Música: Carmine Coppola. Fotografía: Gordon Willis. Productora: Paramount Pictures. Premios y nominaciones:  7 Nominaciones al Oscar, incluyendo Película, Director y Actor secundario (Andy García); 7 Nominaciones a los Globos de oro, incluyendo mejor película - drama; Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director; : 2 Premios Razzie: Peor actriz secundaria y peor nueva estrella (Sofia Coppola); Asociación de Críticos de Chicago: 2 nominaciones, incluido mejor actor secundario (García). Estreno en España: (Nuevo montaje con nuevo inicio y final, con imagen y banda sonora original restaurada, titulado 'Epílogo: La muerte de Michael Corleone'): 4 diciembre 2020. Sinopsis: Michael Corleone, heredero del imperio de don Vito Corleone, intenta rehabilitarse socialmente y legitimar todas las posesiones de la familia negociando con el Vaticano. Después de luchar toda su vida se encuentra cansado y centra todas sus esperanzas en encontrar un sucesor que se haga cargo de los negocios. Vincent, el hijo ilegítimo de su hermano Sonny, parece ser el elegido. 

Cómo sobrevivir en un mundo material (Kajillionaire)

Título original: Kajillionaire. Dirección: Miranda July. País: Estados Unidos. Año: 2020. Duración: 104 minutos. Género: Drama. Comedia. Comedia negra. Crimen. Interpretación: Evan Rachel Wood, Gina Rodriguez, Richard Jenkins, Debra Winger, Da'Vine Joy Randolph, Diana-Maria Riva, Rachel Redleaf, Mark Ivanir, Adam Bartley, Madeleine Coghlan, Challen Cates, Steve Park, Nikki Castillo, David Ury, Rebecca Lee Robertson, Elena Campbell-Martinez, Ian Casselberry, Betsy Baker, Jeffrey Nicholas Brown, Susan Berger, Brandon Morales, Ben Konigsberg, Tabitha Brownstone, Trent Walker, Wylie Small, Jason Catron, Matthew Foster, Ethan Josh Lee, Andrew Hawkes, Micah Cohen, Samantha Cardona, Randy Ryan, Michael Twaine, Zachary Barton, Zena Leigh, Michelle Gillette, Venessa Verdugo, Patricia Belcher, Kim Estes. Guion: Miranda July. Música: Emile Mosseri. Fotografía: Sebastian Winterø. Productora: Annapurna Pictures/Plan B Entertainment. Distribuidora: Universal Pictures.  Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Sinopsis: Theresa (Debra Winger) y Robert (Richard Jenkins) son dos estafadores profesionales que llevan 26 años formando a su única hija, Old Dolio (Evan Rachel Wood), para timar, estafar y robar a cada oportunidad que se le presente. Durante un golpe mal planificado y a la desesperada, la familia convence a una desconocida (Gina Rodriguez) para que se una a su siguiente fraude, algo que sin duda acabará poniendo patas arriba todo su mundo.

La vampira de Barcelona

Dirección: Lluís Danés. País: España. Año: 2020. Duración: 106 minutos. Género: Drama. Thriller. Años 1900. Interpretación:Bruna Cusí, Sergi López, Nora Navas, Francesc Orella, Pablo Derqui, Alejandra Howard, Roger Casamajor, Núria Prims, Francesca Piñón, Mario Gas, Anna Alarcón, Miranda Gas, Lluïsa Castell, Nina Rosés, Albert Pla. Guion: Lluís Arcarazo, María Jaén. Música: Alfred Tapscott. Fotografía: Josep M. Civit. Montaje: Dani Arregui. Vestuario: Mercè Paloma. Productora: Brutal Media/Filmax/TV3. Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Sinopsis: En la Barcelona de principios del siglo XX conviven dos ciudades: una burguesa y modernista, la otra sórdida y sucia. La desaparición de la pequeña Teresa Guitart, hija de una rica familia, conmociona al país y la policía tiene pronto una sospechosa: Enriqueta Martí, conocida como ‘La Vampira del Raval’. El periodista Sebastià Comas se adentrará en el laberinto de calles, burdeles y secretos del barrio del Raval, donde sabe que encontrará la verdad sobre las desapariciones y asesinatos macabros de niños de los que se acusa a la Vampira. Pronto descubrirá que allí se esconde una élite dispuesta a ocultar sus vicios a cualquier precio.

Rocca cambia el mundo

Título original: Rocca verändert die Welt. Dirección: Katja Benrath. País: Alemania. Año: 2019. Duración: 97 minutos. Género: Infantil. Comedia. Cine familiar. Acoso escolar. Interpretación: Natalya Bogdanis, Robin Guillaud Bongarts, Volker Bruch, Detlev Buck, Holger Dexne, Ivan Doan, Karin Heine, Marta Laubinger, Kailas Mahadevan, Luna Maxeiner, Lars Nagel, Nela Schmitz, Cordula Stratmann, Barbara Sukowa, Mina Tander, Hendrik von Bültzingslöwen, Claire Wegener, Fahri Yardim. Guion: Hilly Martinek. Música: Annette Focks. Fotografía: Torsten Breuer. Productora: Relevant Film, Warner Bros. Distribuidora: European Dreams Factory. Premios y nominaciones:  Premios del cine Alemán: Mejor película infantil. Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Sinopsis: Atrevida, divertida, inconfundible: esa es Rocca. Tiene once años y no vive con sus padres, sino que vive sola en una casa grande. Sin miedo y llena de curiosidad, recorre el mundo, encuentra a una inusual amiga en Gerald y se convierte en la matona de la clase el primer día en su nueva escuela. Lo más importante para Rocca, sin embargo, es ganar el corazón de su abuela.

Beginning

Título original: Dasatskisi. Dirección: Dea Kulumbegashvili. País: Georgia. Año: 2020. Duración: 130 minutos. Género: Drama. Religión. Abusos sexuales. Interpretación: Ia Sukhitashvili, Kakha Kintsurashvili, Rati Oneli. Guion: Dea Kulumbegashvili, Rati Oneli. Música: Nicolas Jaar. Fotografía: Arsheni Khachaturan. Productora: Coproducción Georgia-Francia; First Picture/Office of Film Architecture (OFA). Distribuidora: Surtsey Films. Premios y nominaciones:  Festival de Toronto: Premio FIPRESCI; Festival de San Sebastián: Mejor película, dirección, guion y actriz.  Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Sinopsis: En un tranquilo pueblo, un grupo extremista ataca a una comunidad de Testigos de Jehová quemando su lugar de culto. En pleno conflicto, Yana (Ia Sukhitashvili), una joven misionera y esposa del líder de la comunidad, David (Rati Oneli), ve conmocionada como su mundo se desmorona. David busca la forma de obtener las imágenes de este ataque, pero su búsqueda de justicia desencadena unos acontecimientos que provocan que la familia se quede completamente aislada y a merced de la hostilidad de la policía local. Opera prima de la directora georgiana Dea Kulumbegashvili. 

El jinete del Dragón

Título original: Drachenretter. Título internacional. Dragon Rider Dirección: Tomer Eshed. País: Alemania. Año: 2020. Duración: 100 minutos. Género: Animación. Fantástico. Dragones. Cine familiar. Reparto: Animación. Guion: John R. Smith. Producción: Oliver Berben, Christoph Müller. Música: Stefan Maria Schneider. Fotografía: Animación, Olaf Aue. Montaje: Jens Prausnitz. Diseño de producción: Alexander Pohl. Productora: Constantin Film/Able & Baker/Cyborn, Lumatic/Rise Pictures. Distribuidora: Flins & Piniculas. Estreno en España: 27 de noviembre de 2020. Sinopsis: Escondido a las afueras de Londres, Firedrake es un joven dragón plateado que está cansado de esconderse en el bosque y está dispuesto a mostrarle a la generación mayor que es un verdadero dragón. Cuando los humanos están a punto de destruir el último refugio de su familia, Firedrake emprende una aventura en secreto con su amiga Piel de Azufre para buscar "La Orilla del Cielo", las leyendas cuentan que es el santuario de los dragones. En su búsqueda, Firedrake y Piel de Azufre conocen a Ben, un huérfano y callejero que decide unirse a ellos. Pronto descubrirán que no están viajando solos… Les persigue Ortiga Abrasadora; el malvado monstruo devorador de dragones que rastrea y destruye a todos los dragones de la tierra. La película está inspirada en el best-seller Dragon Rider de Cornelia Funke.

El viaje de Bu

Título original: L'Odyssée de Choum. Dirección: Julien Bisaro. País: Francia. Año: 2019. Duración: 26 minutos. Género: Animación. Aventuras. Aves. Pájaros. Cortometraje. Reparto: Animación. Guion: Julien Bisaro, Claire Paoletti. Música: David Reyes. Fotografía: Animación. Productora: Coproducción Francia-Bélgica; Picolo Pictures/Bardaf! Productions. Distribuidora: Dandeloo SARL. Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Sinopsis: Una gran tormenta ha arrastrado a la recién nacida Bu y su hermanito que aún se encuentra en el huevo. ¿Pero y su mamá? ¿Dónde están sus padres? La pequeña lechuza tendrá que enfrentarse a dos misiones muy importantes: encontrar a sus padres y cuidar de su hermanito que es todo un imán para los peligros del bosque. A pesar de las dificultades, Bu se mostrará valiente y decidida. Se enfrentará a temibles cocodrilos, conocerá a los humanos y se dará cuenta de su propia fortaleza en una odisea que la hará crecer a pasos agigantados.
Ternura, humor y emoción en este viaje presentado en el Festival de Annecy y que se llevó el premio a mejor producción televisiva. Una joya del cine de animación que enamorará tanto a pequeños como grandes.

Josep

Dirección: Aurel. País: Francia. Año: 2020. Duración: 81 minutos. Género: Animación. Drama. Años 1930. Posguerra española. Reparto: Animación. Guion: Jean-Louis Milesi. Música: Sílvia Pérez Cruz. Fotografía: Animación. Montaje: Thomas Belair. Dirección artística: Aurel.  Productora: Coproducción Francia-Bélgica-España; Les Films d'Ici/Les Films d'Ici Méditerranée/France 3 Cinéma/Lunanime/Tchack. Distribuidora: Filmin. Premios y nominaciones: Premios del Cine Europeo: Nominada a mejor film de animación; Festival de Valladolid - Seminci: Mejor dirección (ex-aequo). Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Sinopsis: Febrero, 1939. Abrumado por la oleada de republicanos que huyen de la dictadura de Franco, el gobierno francés opta por confinar a los españoles en campos de concentración. En uno de aquellos campos, dos hombres, separado por un alambre de púas, traban una amistad. Uno de ellos es Josep Bartoli, un dibujante que lucha contra el régimen de Franco. “Estos salvajes pueden morir en casa”. Los refugiados españoles, derrotados y humillados por sus sádicos guardias franceses, intentan sobrevivir detrás del alambre de púas: “estamos dejando morir de hambre y de enfermedad a los que lucharon contra el fascismo. No hay agua ni médicos, sólo escabiosis, escorbuto, tifus y hambre”. Mientras tanto, Josep dibuja todo lo que ve en cualquier superficie: en el suelo o en las paredes, y así atrae la atención de Serge, un policía joven y amable que pronto lo ayudará en secreto. En el presente, Serge, que está en cama y agonizando, cuenta la historia a Valentin, su nieto adolescente, que le pregunta por un dibujo que hay en la pared.

Pippi y el Señor Sin Sueño

Título original: Bize un Negula. Dirección: Edmunds Jansons. País: Letonia. Año: 2017. Duración: 25 minutos. Género: Animación. Comedia. Infantil. Cortometraje. Navidad. Reparto: Animación. Guion: Lote Eglite. Música: Girts Biss. Fotografía: Animación. Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Sinopsis: Este año todo va mal. En la vida de Pippi ha aparecido un hermanito que lo pone todo patas arriba. Con la ayuda de su amigo imaginario, el 'Señor sin sueño', crearán un plan para salvar las vacaciones de Navidad. Ven a descubrir dos hermosas historias para los más pequeños cargadas de valores sobre las relaciones entre hermanos. A partir de 3 años.  Qué difíciles pueden ser a veces las relaciones familiares, ¿verdad? ¿Cómo viven los niños y las niñas la llegada de un nuevo hermano o de alguien diferente a ellos? Ven a descubrir dos hermosas historias para los más pequeños cargadas de valores.

Hace 100 años: L'homme du large

El 3 de diciembre de 1920 se estrenó la película francesa L'homme du large, dirigida por Marcel L'Herbier e interpretada por Jaque Catelain, Roger Karl, Charles Boyer, Philippe Hériat, Marcelle Pradot, Claire Prélia, Claude Autant-Lara, Dimitri Dragomir, Suzanne Doris, Lili Samuel, Georges Forois, Pâquerette. Productora: Gaumont. Duración: 82 minutos. 

Sinopsis argumental: Nolff, un devoto pescador bretón, ha hecho voto de silencio y vive como un ermitaño junto al mar. Nadie se le acerca excepto el novicio vestido de blanco que le trae comida. Años antes ... Lleno de desprecio por la humanidad y la vida en tierra, Nolff ha construido su casa en lo alto de un acantilado remoto y se dedica a la pesca y a su esposa e hijos: su hija Djenna, trabajadora y obediente, y su hijo Michel, a quien idolatra y está decidido a criar como "un hombre libre, un marinero". Pero Michel es egoísta y explota el afecto ciego de su padre, y a medida que crece, odiando el mar, se vuelve adicto a los placeres de la ciudad, atraído a la mala conducta por su amigo Guenn-la-Taupe. En una celebración de Pascua, la única ocasión del año en que Nolff y su familia se unen a la gente del pueblo en sus festividades, la esposa de Nolff se enferma y, mientras la llevan a casa, Michel se escapa a un bar de mala reputación en la ciudad para juntarse con la bailarina Lia. Djenna viene a buscarlo junto a la cama de su madre,pero Michel vuelve a entrar en el bar, donde se pelea con el protector de Lia y lo apuñala. Nolff paga la liberación de Michel de la cárcel, pero cuando regresan a casa, encuentran a su madre muerta. Necesitando dinero para gastar en Lia, Michel roba los ahorros que su madre había guardado para Djenna, pero Nolff lo atrapa y lo denuncia, quien jura "devolverlo a Dios". Nolff ata a Michel al fondo de un bote abierto y lo empuja hacia el mar. Luego adopta la vida de un ermitaño junto al mar, mientras Djenna entra en un convento. Meses después, Djenna recibe una carta de Michel: ha sobrevivido y ahora es un hombre cambiado, ganándose la vida como marinero. Cuando Nolff se entera de que Michel quiere volver a casa, clama al mar con remordimiento por haber juzgado a su hijo.

Comentario: Basada en un cuento de Honoré de Balzac. Fue rodada en la escarpada costa sur de Bretaña creando atmósfera en una película sobre las fuerzas del bien y del mal que motivan el comportamiento humano. En 1998, CNC Archives françaises du film y Gaumont llevaron a cabo una restauración detallada de la película . Implicó la reconstrucción de muchos de los intertítulos y el esquema de tinte de color utilizando las notas originales de L'Herbier. La obra se completó para su presentación en 2001. Antoine Duhamel compuso una partitura orquestal original  Gaumont emitió un DVD de la versión restaurada en 2009.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (LXI)

Fresas salvajes (Smultronstället, 1957), de Ingmar Bergman

Un anciano profesor de medicina se dirige, acompañado de su nuera, a la universidad donde ha trabajado para recibir un homenaje. Probablemente sea éste su último contacto con lo que ha sido su vida; la última posibilidad de poner en pie todos sus recuerdos. Considerada como una de las obras maestras de Ingmar Bergman, así como una de las más importantes películas que ha dado el cine europeo en todos los tiempos, Fresas salvajes fascinó a la crítica por la sensibilidad con la que el director sueco nos presenta a su protagonista, que mientras viaja para recibir un premio por su trayectoria, recuerda con nostalgia todo su pasado. Para ello, el director contó con algunos de los intérpretes habituales de su cine, como Bibi Andersson, Ingrid Thulin o Max Von Sydow, además del actor y director Victor Sjöström, en el que fuera su último trabajo para la pantalla. El cineasta escribió el guion poco después del estreno de El séptimo sello mientras estaba hospitalizado en Estocolmo. En España fue traducida como Fresas salvajes, sin embargo, Smultronstället no hace referencia únicamente a la fresa salvaje o silvestre —que sería la traducción literal del título— sino también al lugar y la fecha, la primavera, en los que crece. Obtuvo galardones como el Oso de Oro a la mejor película en el Festival de cine de Berlín y el Globo de Oro a la mejor película en lengua no inglesa, además de obtener una nominación al Oscar en la categoría de mejor guion original.

Efemérides de cine: El jardín de los Finzi Contini

El 2 de diciembre de 1970 se estrenó la película italiana El jardín de los Finzi Contini (Il giardino dei Finzi-Contini), dirigida por Vittorio De Sica e interpretada por Dominique Sanda, Lino Capolicchio, Helmut Berger, Romolo Valli, Fabio Testi, Camillo Cesarei, Inna Alexeief. Productora: Coproducción Italia-Alemania; Documento Film/CCC Filmproduktion. Duración: 92 minutos. 

Sinopsis argumental: Finales de los años 1930, Italia. Los Finzi Contini son una de las familias más influyentes de Ferrara: ricos, aristocráticos y judíos. Sus hijos, ya adultos, Micol y Alberto, tratan de crear un restringido círculo de amistades para poder jugar al tenis y celebrar fiestas, pero viven ajenos al mundo que los rodea. En ese círculo entra Giorgio, un judío de clase media que se enamora de Micol. Ella parece divertirse a su costa; incluso hace el amor con uno de sus amigos cuando sabe que Giorgio los está espiando. Al mismo tiempo que tienen lugar estos juegos sentimentales, el fascismo aprueba leyes que afectarán dramáticamente a los Finzi Contini. Drama basado en la novela homónima de Giorgio Bassani. 

Nominaciones y premios: Oscar: Mejor película de habla no inglesa. 2 nominaciones; Festival de Berlín: Oso de Oro, Premio Interfilm - Otto Dibelius; Premios BAFTA: Nominada a mejor fotografía; Premios David di Donatello: Mejor película (ex-aequo).

Comentario: Basada en la novela homónima de Giorgio Bassani, la película sigue con bastante fidelidad la trama de los capítulos centrales de la novela original, prescindiendo en buena medida de la primera parte, centrada en la infancia de los protagonistas, y por completo del prólogo y el epílogo, que se desarrollan catorce años después de los hechos principales. El guion fílmico se centra en los años de la Segunda Guerra Mundial, aprovechando la anécdota argumental de un amor juvenil frustrado para señalar el clima de pasividad y sumisión con que las familias judías acomodadas de Italia afrontaron el fascismo y la creciente persecución racial, en la medida en que, ligadas a los valores liberal-conservadores de la era prefascista y conscientes de sus privilegios de clase, sencillamente no podían creer que fueran a ser perseguidas en su propio país por la sola razón de un credo o un origen racial diferentes. El jardín de los Finzi-Contini fue la primera aparición estelar de Dominique Sanda en Italia y uno de los primeros papeles de Helmut Berger en un largometraje, después de su debut con Visconti en La caída de los dioses. Ambos actores hubieron de ser doblados al italiano por actores de esta nacionalidad. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

El cuaderno de Tomy, una historia conmovedora

El pasado 24 de noviembre de 2020 Netflix estrenó El cuaderno de Tomy, película argentina, dirigida por Carlos Sorín y protagonizada por Valeria Bertuccelli, Esteban Lamothe, Julián Sorín, Mauricio Dayub y Malena Pichot basado en la historia real de María "Marie" Vázquez.
María Vázquez (Valeria Bertuccelli) es una arquitecta que fue diagnósticada con cáncer de ovarios terminal y para afrontar lo que le queda de su vida decide comenzar a escribir un libro para que su hijo Tomy (Julián Sorín) de 4 años lo lea para cuando ella ya haya partido. Asimismo, se introduce en el mundo de las redes sociales, especialmente en Twitter, como una especie de vía de escape para atravesar de alguna manera ese momento angustiante y su historia de lucha contra el cáncer se vuelve viral, hasta el punto de llegar a medios gráficos y televisivos.

Como bien dice el crítico argentino Diego Lerer, “Dentro de los límites específicos de este tipo de propuestas, Sorín logró resultados que superan lo esperable para historias que fácilmente tienden a derrapar hacía los Juegos Olímpicos del lagrimón”. Valeria Bertuccelli está como pez en el agua en esta madre sarcástica, ingeniosa y conmovedora. A pesar del planteamiento ateo sobre la muerte que tienen la paciente y su marido, hay una apertura a la trascendencia destacable en algunos personajes, como el de la doctora que le atiende, o uno de los mejores amigos del matrimonio. Pero lo que destaca más de la película es el retrato tan atractivo del matrimonio, el numeroso (y divertidísimo) grupo de amigos y el imaginativo Tomy.

En esta breve película hay de todo, como en esas largas horas de hospital. Hay momentos para recordar, llorar, jugar con el “chiquito”, despedirse, reír… Cada una de las escenas hace avanzar la historia y a un elenco de personajes cercanos que no fuerzan la sensibilidad del espectador, y que llenan de optimismo y emoción un drama que además resulta muy entretenido. En la última parte de la película hay un intento tendencioso de equiparar los medios de sedación terminal y la eutanasia. Finalmente, el discurso se resuelve aportando matices al conflicto gracias a un personaje que ofrece un punto de vista humanista y alejado de la visión sentimentalista habitual sobre la aceptación del dolor.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (LX)

Planeta prohibido (Forbidden Planet, 1956), de Fred M. Wilcox 

En el año 2200 una expedición es enviada al planeta Altair-4 para averiguar lo ocurrido con una colonia espacial de la que hace tiempo no reciben noticias. Al llegar se encontrarán con un extraño personaje llamado Doctor Morbius, su bella hija y un curioso robot. Uno de los clásicos indiscutibles de la ciencia-ficción de los años 1950, pese a que hoy en día sus efectos especiales puedan parecer anticuados. Producida por una major como la Metro, Planeta Prohibido contó con un holgado presupuesto para adaptar La Tempestad de William Shakespeare, situándola en pleno siglo XXIII. Pese a estar dirigida por un artesano como Fred M. Wilcox, la película consiguió alcanzar unas cotas de reflexión y de madurez a las que hasta entonces no había llegado el género. La película también fue un éxito comercial y puso de moda tanto al robot Robby como los modelitos con los que pasea durante todo el film Anne Francis. Cabe decir que, como era de suponer, la película fue nominada al Oscar por los efectos especiales. Como anécdota señalar que fue el debut cinematográfico de Leslie Nielsen. Robby, el robot, ha contribuido en buena medida al éxito del film. Tanto es así que su presencia se extendió a otras películas y series.

Cumplió 25 años: Two Much

El 1 de diciembre de 1995 se estrenó la película española Two Much, dirigida por Fernando Trueba e interpretada por Antonio Banderas, Melanie Griffith, Daryl Hannah, Danny Aiello, Joan Cusack, Eli Wallach, Gabino Diego, Austin Pendleton, Santiago Segura, Allan Rich, Vincent Schiavelli, Joe Hess, Phil Leeds, Jeff Moldovan. Productora: Coproducción España-Estados Unidos; Touchstone Pictures,/Fernando Trueba P.C./Interscope Communications/Lolafilms/Polygram Filmed Entertainment/Sogetel. Duración: 118 minutos. 

Sinopsis argumental: En Miami Beach, un galerista caradura se compromete con una mujer y se enamora de su hermana. Incapaz de decidirse por ninguna de las dos, desdobla su personalidad creando un hermano gemelo para satisfacer a ambas. Al mismo tiempo, se ve acosado por el ex-marido de su prometida, un mafioso que amenaza con matarlo si hace desgraciada a su ex-mujer.

Nominaciones y premios: Premios Goya: Nominada al mejor actor (Antonio Banderas); Premios Razzie: 2 Nominaciones: peor actriz (Griffith) y actriz secundaria (Hannah).

Comentario: Tras ganar el Óscar con Belle epoque, Fernando Trueba probó suerte en el continente americano dirigiendo esta comedia de enredo, basada en una novela policíaca del escritor norteamericano Donald E. Westlake (y que, por cierto, terminaba con el protagonista asesinando a las dos hermanas a las que seducía). Para llegar al público de ambos países, Trueba combinó actores de primera línea tanto españoles (Antonio Banderas y Gabino Diego) como americanos (Melanie Griffith, Daryl Hannah, Joan Cusack o Danny Aiello). Sin embargo, la película terminaría siendo más famosa por elementos externos (el romance Banderas-Griffith) que por sus cualidades artísticas.

Cumplió 25 años: Wild Bill

El 1 de diciembre de 1995 se estrenó la película estadounidense Wild Bill, dirigida por Walter Hill e interpretada por Jeff Bridges, Ellen Barkin, John Hurt, Diane Lane, David Arquette, James Remar, Bruce Dern, Christina Applegate, Keith Carradine, James Gammon, Marjoe Gortner, Karen Huie, Steve Reevis, Robert Knott, Pato Hoffmann, Patrick Gorman, Lee de Broux, Stoney Jackson, Robert Peters, John Dennis Johnston, Loyd Catlett, Janel Moloney, Steven Chambers, Jason Ronard, Dennis Hayden, Boots Southerland, James Michael Taylor, Ted Markland, Monty Stuart, Merritt Yohnka, Dennis Deveaugh, Jim Wilkey, Raliegh Wilson, Christopher Doyle, Virgil Frye, Lise Hilboldt, Luana Anders, Mike Watson, Thomas Wilson Brown, Robert Keith, Linda Harrison, Anthony De Longis, Bill Bolender, Alisa Christensen, Peter Jason, Mikey LeBeau, Jamie Marsh, Burton Gilliam, Juddson Keith Linn. Productora: Zanuck Company, United Artists. Distribuida por Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Duración: 93 minutos.

Sinopsis argumental: Entrado en la madurez, James Butler Hickock, el más famoso pistolero del oeste americano, conocido como 'Wild Bill' Hickok, se da cuenta que, en ese momento de su vida, su leyenda es más para él una pesada losa que una bendición. Mientras se encamina a su última partida de póker, en Deadwood, Dakota del Sur, recuerda sus días de juventud y los hechos que han construido su reputación, cada día más difícil de mantener debido a una ceguera, producida por la sífilis, y que cada vez es más evidente.

Nominaciones y premios: Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a Mejor actor (Jeff Bridges).

Comentario: Uno de los mejores y más ignorados westerns de los últimos tiempos, cuidadosamente dirigido por un amante del género, como Walter Hill. El cineasta mezcla acción y elegía, utilizando para ello un guión basado en la novela Deadwood, de Pete Dexter, y la obra de teatro Fathers and Sons, de Thomas Babe. La película ofrece magníficas interpretaciones de John Hurt (como Charley Prince, compinche habitual del héroe) y Ellen Barkin (en la piel de la no menos mítica Calamity Jane), pero el pilar sobre el que se sustenta la cinta es la triste y viril interpretación de Jeff Bridges, que sabe captar toda la grandeza y la miseria de su personaje.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (LIX)

Centauros del desierto (The Searchers, 1956), de John Ford

Basada en la novela homónima de Alan Le May. Al finalizar la Guerra de Secesión estadounidense, Ethan regresa a casa. Poco tiempo después, los indios asesinan a su hermano y se llevan a sus hijas. Ethan decide recuperarlas como sea y comienza una infatigable búsqueda. Uno de los wésterns que John Ford realizó contando con la interpretación de John Wayne. A diferencia de filmes como La diligencia, donde Wayne encarnaba al héroe por excelencia, o El hombre que mató a Liberty Valance, donde interpretaba a ese mismo héroe en su decadencia, Centauros del desierto supuso un cambio en el registro del actor estadounidense. Aquí, Ford propuso a Wayne un personaje atormentado y de progresiva degeneración psicológica, con un odio irracional hacia los indios. Por ello, y por el uso de una fotografía cercana a la pintura, Centauros del desierto es considerado como uno de los mejores wésterns de la historia del cine, a pesar de que cuando se estrenó en España tuvo una recaudación muy modesta. Como anécdota, Ford decidió homenajear a una de las estrellas del cine del Oeste, Harry Carey, que había muerto en 1947. Para ello, contrató a su esposa (Olive Carey) y su hijo (Harry Carey Jr.) para dos roles secundarios. Forma parte del AFI's 10 Top 10 encabezando la categoría de westerns.3​ En 1989, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.